jueves, 7 de septiembre de 2017

Crítica: Verónica

Título: Verónica
Año: 2017
Género: TerrorDrama
Duración: 105 min. 
Director: Paco Plaza
Guión: Fernando Navarro y Paco Plaza
Música: Chuky Namanera
Interpretes: Sandra Escacena, Bruna González, Claudia Placer, Iván Chavero, Ana Torrent, Consuelo Trujillo, Ángela Fabián, Carla Campra, Chema Adeva, Miranda Gas, Luis Rallo
Nota: 7
Sinopsis: Madrid. 1991. Tras realizar una sesión de ouija con dos amigas, una extraña presencia amenazará a Verónica y a su familia. Historia basada en hechos reales.





Crítica:
Si. Seamos sinceros desde las primeras líneas de esta crítica. 'Verónica' de Paco Plaza es una de las mejores películas de terror españolas de los últimos años. De la misma manera que hizo Neil Marshall en su soberbia 'The Descent', la presencia masculina queda relegada a un segundo plano y son las mujeres las que llevan el peso de la acción, algo que es de agradecer en un mundo tan machista como es el cinematográfico. No perdamos que vista que Plaza siempre ha sido un director que ha construido personajes femeninos fuertes en sus películas: Daniella (Erica Prior en 'El segundo nombre'), Ángela (Manuela Velasco en '[Rec]') o Clara (Leticia Dolera en '[Rec]3', actriz que tiene un pequeño papel en 'Verónica' y en cuyo debut como directora 'Requisitos para ser una persona normal' dio a Plaza un pequeño pero simpático cameo)
Tras la lamentable 'Ouija' de Stiles Withe, la muy interesante 'Ouija: El origen del mal' ('Oujia: Origin of Evil') de un parece que muy sobrevalorado Mike Flanagan (Tras su notable 'Oculus: El espejo del mal', el director nos dejó una muy mediocre 'Somnia: Dentro de tus sueños'. Flanagan fue elevado al Olimpo de los directores del cine de terror demasiado rápido y este todavía tiene que demostrar mucho para ganarse un hueco tan privilegiado lugar) y películas como 'The ouija experiment' y su secuela 'The ouija experiment 2: Theatre of Death', muchos espectadores podrán pensar que 'Verónica' es o bien una cinta que llega tarde (Se puede considerar que el género está llegando a un punto que puede saturar) o que se intenta subir al carro que vive el género desde que James Wan rodó su 'Insidious' (Son muchas las películas que tratan el tema paranormal, las posesiones y los tableros ouija con mayor o menor acierto pero en la mayoría de los casos muchas de estas cintas parecen estar rodadas para aprovecharse del interés por parte del público por este tipo de cine, por el morbo de pasar miedo en una sala de cine que porque realmente haya algo que contar) lo que puede de manera mas que injusta puede jugar en contra de la notable cinta de Paco Plaza (Eso y que por desgracia muchos espectadores siguen teniendo reparos en ver cine español. Tras ver 'Verónica' en el cine, un servidor escuchó eso de 'Pues no parece una película española'). También es cierto que por el tono de la película y especialmente por la banda sonora de esta, muchos podrán atacar a 'Verónica' acusándola de querer aprovecharse del revival ochentero que estamos viviendo gracias a series como 'Stranger Things' o películas como 'Aux yeux de Vivants' de Maury y Bustillo.
'Verónica' no es una película que ofrezca nada nuevo, la cinta dirigida por Paco Plaza (Que debutó en el cine con 'El segundo nombre' basada en una novela de Ramsey Campbell, el mismo autor que tres años antes fue llevado a la pantalla grande por Jaume Balagueró en su soberbia 'Los Sin nombre'. Tanto Plaza como Balagueró consiguieron sin ningún tipo de duda, mejorar la obra original en la que se basaban) y escrita por él mismo y por Fernando Navarro utiliza todos los tópicos del género (Otra vez como ocurría en 'The Devil Inside' de William Brent Bell volvemos a ver a una monja ciega. Otra vez volvemos a ver el mismo tipo de extrañas presencias que hemos visto mil veces antes) pero mezclados con gracia y notable inteligencia en lo que es sin duda alguna un homenaje al cine de terror. Desde su notable banda sonora compuesta por Chuky Namanera (Autor de la música de 'Los cronocrimenes' de Nacho Vigalondo, 'Los totenwackers' de Ibon Cormenzana o el interesante pero fallido cortometraje 'Cenizo' de Jon Mikel Caballero) pasando por la forma en la que el director muestra ciertas sombras lo que parece extraído de películas como 'Drácula de Bram Stoker' de Francis Ford Coppola o 'Nosferatu el vampiro' de F.W. Murnau y llegando incluso a cintas de terror recientes como 'Under the Shadow' de Babak Anvari (Película con la que la cinta de Plaza parece compartir alguna escena) son muchos de los fotogramas de 'Verónica' transmiten ese amor y veneración a un género algo que como espectador se agradece. La película de Plaza parece haber nacido desde el cariño y no desde el negocio, 'Verónica' es una cinta sincera y directa: Da lo que ofrece mezclándolo con un toque dramático que posee la suficiente fuerza como para eclipsar (Y nunca mejor dicho) a la historia principal.
'Verónica. Wir kinder vom bahnhoff Vallecas'. Puede que al lector le resulte extraño que desde 'La soledad del perro guía' hagamos un guiño a la excelente película de Uli Edel que el director rodó en 1981 basándose en la novela escrita por Kai Hermann y Horst Rieck que contaba la vida de Christiane Vera Felscherinow pero ciertas ideas nos llevan a tener que establecer este paralelismo. Dos familias que por diversos motivos pasan por momentos excesivamente complicados (En el caso de Christiane, el padre de esta la abandonó a ella y a su madre mientras su hermana se fue a vivir con él, en el de Verónica tras la muerte de su padre la chica tiene que encargarse de sus tres hermanos pequeños mientras su madre trabaja hasta tarde en un bar para poder llevar dinero a casa) hará que las jóvenes busquen diversas vías de escape (En un caso, las drogas, en el otro, el poder volver a hablar con su padre. En ambos casos los sentimientos de las protagonistas tienen un núcleo común: la necesidad de encontrar el cariño que le falta a una chica de quince años, el poder disfrutar de sus amigos, de sus aficiones, en pocas palabras: Ser dueñas de su vidas). Dos películas totalmente diferentes, dos cintas que hablan de dos adolescentes a las que el mundo que les rodea les supera, cuya necesidad de huir y evadirse (Algo mostrado de manera soberbia por Paco Plaza gracias a la canción 'Hechizo' del grupo zaragozano Héroes del Silencio) les lleva a tomar fatídicas decisiones y sobre todo, ambos directores nos muestran a dos chicas obsesionadas con la música, bien sea con David Bowie, bien sea con Héroes del Silencio (Nota: Bowie, tras oír la historia de Christiane y saber de la película permitió que se usaran sus canciones sin pagar derechos y este aparece en la película cantando la canción 'Station to Station' en un concierto en directo). Y bueno, si, aunque Christiane y Verónica viven hechos totalmente diferentes, permitidme decir que ambas viven su particular descenso a los infiernos...
No dudamos de la mas que merecida nominación al Goya a la mejor actriz revelación para Sandra Escacena que a pesar de alguna (Creo que puedo afinar y decir: Una) replica a Ana Torrent que resulta del todo inverosímil está prácticamente perfecta. Plaza se muestra muy hábil a la hora de sacar el máximo provecho a los tres hermanos pequeños de la protagonista. Puede que sea difícil rodar con niños pero creo que es mas difícil que estos no cansen o saturen al espectador y desde luego ni Lucía, ni Irene ni Antoñito consiguen que el espectador sienta algo parecido, mas bien todo lo contrario. Escaneda, Bruna González, Claudia Placer y el pobre Iván Chavero al que todavía le quedan unos cuantos años para poder ver esta película consiguen llevar al espectador a un punto de empatía que es sin duda alguna una de las grandes bazas de esta película. Si a eso le sumamos que Plaza es perro viejo y que consigue dejarnos una gran escena inicial capaz de captar nuestra atención, se podría decir que 'Verónica' tiene mucho, pero que mucho ganado... De obligatoria visión.






Lo mejor: La sensación de cariño y respeto hacía un género que trasmite esta película.
Lo peor: La manera de editar algunas escenas hacia el final de la película.

lunes, 4 de septiembre de 2017

Crítica: Lo chiamavano Jeeg Robot – Le llamaban Jeeg Robot

Título: Lo chiamavano Jeeg Robot – Le llamaban Jeeg Robot
Año: 2015
Género: Ciencia Ficción – Thriller - Drama
Duración: 117 min. 
Director: Gabriele Mainetti
Guión: Nicola Guaglianone y Menotti
Música: Gabriele Mainetti y Michele Braga
Interpretes: Claudio Santamaria, Luca Marinelli, Ilenia Pastorelli, Stefano Ambrogi, Mauricio Teseo, Daniele Trombetti, Joel Sy , Francesco Formichetti
Nota: 7,5
Sinopsis: Enzo un huraño ladrón de poca monta verá como su vida cambia tras sumergirse en el río Tiber para huir de la policía. El asesinato de su vecino y socio y la hija de este con problemas mentales acabará por trastocar su pacifica vida centrada en el porno y las natillas.



Crítica:
La redención

'Me encantan estos momentos de calma antes de la tormenta, siempre me recuerdan a Beethoven'. Esta, una de las frases mas míticas que se escuchan en 'El profesional (León)' es dicha por Stansfield personaje interpretado por Gary Oldman y que a pesar de cierto histrionismo propio del actor nos deja uno de los mejores malvados vistos en una película. No es casual citar a la película de Luc Besson a la hora de hablar de 'Le llamaban Jeeg Robot' ('Lo chiamavano Jeeg Robot') ya que ambas películas hablan de la redención de dos personajes perdidos y solitarios, alejados del mundo y donde una planta o una serie de cintas pornográficas y un montón de natillas son el único consuelo que ambos encuentran. Es cierto que Besson presenta a un asesino a sueldo bastante bien valora y como dice el título de la película en español, un profesional, mientras que Gabriele Mainetti hace del perdedor su protagonista, un don nadie al que las circunstancias que le rodean le superan y las perdidas le hacen imposible seguir adelante con su vida.
La vecina.

Resulta sorprendente la manera en la que los guionistas Nicola Guaglianone y Menotti parecen haber tomado el punto de partida de la película de Besson para construir una atípica pero sorprendente cinta de superhéroes. Mathilda, la joven cuya familia será asesinada, encontrará el único refugio posible en la mismísima boca del lobo, en casa del retraído y solitario vecino, en casa del asesino a sueldo. León, tras la mas que obvia reticencia inicial dará cobijo a la chica y a pesar de los problemas de este para aceptar de la presencia de otra persona en su vida, se acabará estableciendo entre ellos una profunda amistad. Esta misma idea es mostrada por Mainetti según el guión de Guaglianone y Menotti: La figura del solitario obligado a encargarse de la vecina cuya familia ha sido asesinada. Tanto en 'El profesional (León)' como en 'Le llamaban Jeeg Robot' ('Lo chiamavano Jeeg Robot'), sus protagonistas verán como un grupo de asesinos acuden a casa de las chicas y mientras uno simplemente abrirá la puerta, el otro se enfrentará con el problema 'cara' a cara. 
Mathilda y Alessia

Guaglianone y Menotti cambian la edad de su protagonista para dar a la relación existente entre ella y Enzo un toque más oscuro, más perverso. A pesar de la inocencia de Alessia (A pesar de la edad, las circunstancias y los traumas hacen de Mathilda una persona mas madura y fuerte que Alessia), los guionistas y el director de 'Le llamaban Jeeg Robot' (‘Lo chiamavano Jeeg Robot’) se alejan de la relación paterno-filial de ‘El profesional (León)’ para acercarse mas a la que mostró Park Chan-wook en ‘Old boy’ entre Oh Dae-su y Mi-do mostrando la carga dramática y sexual de la historia donde los intereses y los miedos de los protagonistas acabaran chocando. A pesar de la larga duración de la cinta de Mainetti, el espectador no tiene la sensación de que sobra nada en la historia, todo lo que ocurre sirve para justificar algo, para hacer avanzar a esta de una manera lógica pero por desgracia la relación existente entre Alessia y Enzo puede acabar saturando, cansando e incluso aburriendo a mas de uno. Es importante recalcar que tanto Mathilda como Alessia son partes fundamentales en el proceso de redención de los protagonistas y si mientras la primera quiere que León le enseñe su profesión para vengarse, la segunda quiere que Enzo use su poder para luchar contra el mal. En ambos casos, tanto Mathilda como Alessia buscan que de una u otra manera se imparta justicia.
Jeeg Robot y Magno

En el año 2013, Santiago Alvarado dirigió una notable película titulada ‘Capa Caída’. En ella y siguiendo el estilo del falso documental, un grupo de filmación daba con el paradero de Magno, un superhéroe que desapareció de la primera línea tras un extraño y oscuro escándalo sexual. Alvarado mostró el proceso de auge y caída de la persona que se encuentra detrás del héroe, explorando la fragilidad de aquel que tiene que velar por los demás. Es cierto que Mainetti se centra en la caída y el auge de su protagonista, un don nadie que de la noche a la mañana se encuentra con un poder que no entiende pero la intimidad de ambos personajes, aquello que se encuentra oculto a la mirada de los demás bien podría formar parte de una u otra película sin ningún problema. Magno bien podría ser ese adicto al porno que solo se alimenta de natillas y Enzo ese reponedor incapaz de enfrentarse y superar su soledad.
El Doctor Maligno y el Zíngaro

Si Alvarado y Ramón Salas dejaron en ‘Capa Caída’ un gran superhéroe interpretado de manera magistral por Juanjo Pardo, Nicola Guaglianone y Menotti construyen un malvado capaz de eclipsar al protagonista de su película. Ex-concursante de un programa de televisión tipo ‘Operación triunfo’ y no ‘Gran Hermano’, aprovecha la mínima oportunidad para cantar (Impagable el momento cumpleaños) y donde su mas que patente desequilibro hace que cada minuto que sale en pantalla sea un autentico placer para el espectador. El histrionismo glam del que hace gala el personaje interpretado por Luca Marinelli que por momentos y en alguna escena puede hacernos pensar en el español Edu Soto, resulta perfecto para el papel y si en el caso anterior ciertas ideas y elementos podrían formar parte del día a día de Magno o de Enzo sin ningún problema, el Zíngaro bien podría ser uno de los archienemigos de Magno y a ningún espectador le resultaría extraño. El protagonista de cada película tiene a su propio Doctor Maligno, y los superpoderes de Enzo y la difusión de sus fechorías por youtube harán que el Zíngaro y su banda se fijen en él para convertirse en el grupo criminal mas temido de toda Italia. Nota: Exactamente lo mismo se podría decir de la tipografía utilizada en ambas películas y de alguno de los cortes de las bandas sonoras compuestas por Gabriele Mainetti, Michele Braga y Néstor Romero.
 
Efectos digitales

‘Capa Caída’ y 'Le llamaban Jeeg Robot' (‘Lo chiamavano Jeeg Robot’) fueron ambas premiadas en el festival de cine fantástico de Sitges en distintas ediciones y ambas tienen un pequeño lastre: Algunos de los efectos digitales resultan un tanto justos. Desconociendo el presupuesto de la película de Mainetti, la de Alvarado es una cinta autofinanciada lo que de alguna manera puede justificar este hecho si bien es cierto que ‘Capa Caída’ deja escenas que sorprenderán y mucho al espectador, sirva de ejemplo el momento ‘Sagrada Familia’.
 Los premios

'Le llamaban Jeeg Robot' (‘Lo chiamavano Jeeg Robot’) fue la gran ganadora de los premios David de Donatello del 2016. La cinta dirigida por Mainetti se alzó con los premios al mejor director novel, mejor producción, mejor actor protagonista, mejor actor secundario, mejor actriz protagonista, mejor actriz secundaria, mejor montaje y además fue nominada a otros nueve premios mas entre los que se incluye el de mejor banda sonora, guión, maquillaje y aunque pueda sorprender al lector por lo escrito en el párrafo anterior mejores efectos especiales.

Música

Michele Braga y Gabriele Mainetti crean una extraordinaria banda sonora aderezada con algunos temas musicales que resultan absolutamente perfectos ('Un'emozione da poco' interpretada por Luca Marinelli, 'Latin lover' de Gianna Nanni o 'Ti stringeró' de Nada entre otras). Pero de igual manera que ocurre con la tipografía utilizada en 'Le llamaban Jeeg Robot' ('Lo chiamavano Jeeg Robot') ciertos temas parecen remitirnos directamente a la cinta de Santiago Alvarado, el corte 'supereroe' nos hace imposible no pensar en 'Una parte de la historia' de Néstor Romero Clemente, igual no tanto por la música en sí sino por el tono de ambas composiciones.
'Le llamaban Jeeg Robot' ('Lo chiamavano Jeeg Robot') es un gran ejemplo de que el buen cine de superhéroes no se hace solo en Hollywood, una película que consigue que todos aquellos que empezamos a estar saturados de cintas de la Marvel o de DC nos reconciliemos con el género. La película de Gabriele Mainetti a pesar de su gran duración se ve muy bien y gracias a dos soberbios protagonistas el recuerdo que queda tras su visionado es realmente grato. Desde 'La soledad del perro guía' recomendamos que los amantes del cine de superhéroes dediquen dos horas a ver y disfrutar no solo de esta película si no también de 'Capa Caída'

  




Lo mejor: El Zíngaro. Enzo. Lo facil y bien que se ve la película. El recuerdo que queda de ella.
Lo peor: La relación entre los dos protagonistas puede hacerse en algún momento un tanto pesada.

jueves, 24 de agosto de 2017

Crítica: Un San Valentín sangriento 3D – My bloody Valentine 3D

Título: Un San Valentín sangriento 3D – My bloody Valentine 3D
Año: 2009
Género: Terror – Gore – 3D
Duración: 109
Director: Patrick Lussier
Guión: Todd Farmer y Zane Smith según la historia original de John Beaird y Stephen A. Miller
Música: Michael Wandmacher
Interpretes: Jamie King, Jensen Ackles, Kerr Smith, Tom Atkins, Betsy Rue,  Edi Gathegi, Kevin Tighe, Megan Boone, Karen Baum, Marc Macaulay
Nota: 6
Sinopsis: Tom volverá a su pueblo tras diez años justo en el aniversario de una terrible matanza que acabó con la vida de veintidós personas… Como no podía ser de otra manera, la historia se repetirá…



Crítica:
Si Santa Carla es la capital mundial del crimen, si Woodsboro tiene a su Ghostface, si Haddonfield tiene a su Michael Mayers, Harmony no se queda atrás y tiene a su Harry Warden, un terrible asesino que pico en mano irá matando sin ningún tipo de piedad a cualquier incauto que se cruce en su camino.
Patrick Lussier director de cintas como ‘The prophecy 3: The Ascent’, ‘Dracula 2000’, ‘Furcia Ciega’ (‘Drive Angry’), guionista de películas como ‘Terminator Genisys’ y editor de ‘Scream’,  ‘Halloween H20: 20 Years later’ o ‘La maldición’ (‘Cursed’) entre otras, dirigió en el año 2009 el remake de la cinta de George Mihalka rodó veintiocho años antes y que a día de hoy es considerada como una cinta de culto. En pleno auge del cine en tres dimensiones y que el propio Hollywood acabó matando por culpa de la transformación de cintas rodadas en dos dimensiones al formato de moda en aquellos años (Pensemos en el ‘Alicia en el país de las maravillas’ -'Alice in Wonderland'- de Tim Burton o ‘Furia de Titanes’ -'Clash of the Titans'- de Louis Leterrier. Una película rodada en 2D y trasformada no solo no tiene la esencia de una película pensada en 3D –no tiene esos, llamémosles trucos- sino que además estas se oscurecen lo que en ciertos momentos puede incomodar al espectador) hubo una serie de directores que supieron sacar el máximo provecho a esa ‘dimensión extra’. A cualquier lector le vendrá a la mente, como no podría ser de otra manera, el nombre de James Cameron y su ‘Avatar’ pero dejando de lado al director de ‘Terminator’ o ‘Aliens, el regreso’ ('Aliens'), hubo un director que supo aprovechar el lado mas festivo y salvaje del formato, explotando al máximo la capacidad de las tres dimensiones y ese no fue otro que Patrick Lussier que convirtió dos de sus películas: ‘Un San Valentín sangriento 3D’ (‘My bloody Valentine 3D’) y ‘Furia ciega’ (‘Drive Angry’) en dos espectáculos fácilmente disfrutables y donde el espectador tenía la sensación de que el plus que había pagado por la entrada para ver estas cintas había merecido la pena. No recuerdo que crítico dijo que la verdadera existencia del cine en tres dimensiones era la de impactar y sorprender al espectador y desde luego esas dos películas de Lussier lo consiguen. A riesgo de molestar a los mas puristas, personalmente creo que ‘Un San Valentín sangriento 3D’ (‘My bloody Valentine 3D’)  es sin duda alguna una de las mejores películas rodadas en ese formato durante el boom que hubo a finales de la primera década de este siglo. Nota: Seria injusto no nombrar otro remake como fue el de ‘Viaje al centro de la Tierra’ ('Journey to the center of Earth') de Eric Brevig como otra excelente muestra del uso del 3D, si bien esta fue dirigida a un público infantil, la película de Brevig es otra película divertida como pocas y como este ‘Un San Valentín sangriento 3D’ (‘My bloody Valentine 3D’) hay que ver en ese formato si o si.
Hay que ser sinceros, no hay mucho que decir acerca de la historia de ‘Un San Valentín Sangriento 3D’ (‘My bloody Valentine 3D’). Tras un accidente provocado por  Tom Hanniger, un inexperto minero, el único superviviente despertará del coma en el que se encuentra y matará a veintidós personas. Diez años después, Hanniger volverá a la ciudad como no podía ser de otra manera en el aniversario de tan terrible suceso y todo aquello que parecía olvidado volverá a ocurrir. Todd Farmer y Zane Smith crean un típico triangulo amoroso con varias aristas mas que se mueve por derroteros mil veces vistos y por momentos del todo inverosímiles (Algo que es aplicable al resto del guión). ‘Un San Valentín sangriento 3D’ (‘My bloody Valentine 3D’) vuelve a jugar, como lo hizo ‘Scream’ con la idea de la ambigüedad acerca de quién es culpable y quién no, pero realmente esto es lo que menos nos importa de toda la película. Aquí Sydney Prestcott ha sido cambiada de alguna manera por el personaje interpretado por Jaime King (Actriz que le cogió el gustillo a esto de los remakes y poco después trabajó en el de ‘Noche de paz, noche de muerte’ -'Silent Night'- dirigido por Steven C. Miller) y aunque la cinta de Lussier no posee la chispa de la película de Wes Craven (El guión de Kevin Williamson, los constantes guiños y referencias al cine de terror y el pulso de Craven a la hora de dirigir la historia nos dejaron una de las mejores películas de terror de los últimos años) se nota que el director trabajó editando las tres primeras partes de la saga y la huella de la película de Craven es claramente visible en ‘Un San Valentín sangriento 3D’ (‘My bloody Valentine 3D’). Al espectador realmente no le interesa en ningún momento quién puede ser o no el asesino (El clímax final puede ser lo menos logrado de toda la historia), no, lo que este quiere de una película como esta es justamente lo que nos ofrece: Sangre, gore y diversión usando para ello el 3D de manera absolutamente magistral.
Dejando de lado el gore, hay un detalle en ‘Un San Valentín sangriento 3D’ (‘My Bloody Valentine’) que fascinará a todos los amantes del cine de terror de los años ochenta y no solo es que esta sea un entretenido remake de una película rodada en aquella época sino también el hecho de encontrarnos con Tom Atkins, protagonista de esa joya titulada ‘Night of the creeps’ que se tradujo en España como ‘El terror llama a su puerta’. Puede que la presencia de Atkins en el reparto de ‘Un San Valentín sangriento 3D’ (‘My Bloody Valentine 3D’) sea uno de los grandes puntos a favor de esta película en un papel que posee varios puntos en común con el personaje de la cinta de Fred Dekker. Es cierto que en la película de Laussier este no tiene esa sorna tan característica de Ray Cameron, pero en ambas nos encontramos con dos antiguos policías que vuelven a encontrarse con un asesino que creían muerto y olvidado, muerto porque básicamente ellos lo mataron. Y en ambos casos estos se encargaron de enterrarlo y ocultarlo. Nota: Por mucho que el remake de ‘My Bloody Valentine’ me haya entretenido espero y deseo que nunca nadie ruede un remake de ‘Night of the Creeps’.
‘Un San Valentin sangriento 3D’ (‘My bloody Valentine’) es una película que viéndola en tres dimensiones se disfruta y mucho pero que de cuya historia como no podía ser de otra manera no hay que esperar mucho.


Lo mejor: El uso de las tres dimensiones para potenciar el gore.
Lo peor: Historia, lo que se dice historia, poca y flojita.

martes, 22 de agosto de 2017

Breve comentario acerca de 'Dunkerque' ('Dunkirk')

Título: Dunkerque - Dunkirk
Año: 2017
Género:  Bélico 
Duración: 106 min. 
Director: Christopher Nolan
Guión: Christopher Nolan
Música: Hans Zimmer
Interpretes: Fionn Whitehead, Damien Bonnard, Aneurin Banard, Mark Rylance, Tom Hardy, Jack Lowden, James D'Arcy, Kenneth Brannagh, Harry Stiles, Cillian Murphy Tom Glynn-Carney
Nota: 7
Sinopsis: Los soldados aliados están rodeados en la playa de Dunkerque. La necesidad de huir, de escapar lo antes posible se topará con el ejercito alemán y el miedo a su inevitable ataque final.


Crítica:
Christopher Nolan es uno de esos directores que levanta tantos odios como pasiones (Puede que hoy en día mas de lo segundo que de lo primero). Sus declaraciones (Nolan se ha quejado de la moda que suponen plataformas como Netflix pero esta ‘Dunkerque’ solo se ha podido ver en España en una sola sala de la manera que fue concebida por el director) y la sensación que este transmite de, por momentos cierta superioridad, hacen que toda una legión de haters (Y no tan haters) estén deseando que el director estrene nueva película para destrozarla, algunas veces con razón, otras no. Es cierto que ‘Dunkerque’ no tiene guión (Este está firmado por el propio director y según se ha dicho, Nolan quería grabar esta película sin guión algo que ha sido considerado por muchos como otra muestra mas de esa superioridad y autosuficiencia que trasmite el director) sino una serie de situaciones narradas en diversos tiempos (El espigón, los barcos que van a la playa de Dunkerque y los aviones) que se siguen con desigual interés. Es una lastima que la idea de rodar en la playa donde tuvieron lugar los hechos reales quede desvirtuada por unos planos donde el espectador podrá observar no solo edificios demasiado modernos sino también un par de maquinas de aire acondicionado o persianas que no son precisamente de aquella época.
Gez Medinger y Robin Schimdt rodaron en el año 2015, una pequeña pero simpática cinta titulada ‘After Death’ en la que un grupo de personas, tras despertarse en una solitaria playa acababan llegando a una casa donde encontraban refugio. Todos los intentos por parte de estos para dejar la casa y la playa resultaban infructuosos y los protagonistas de la película de Medinger y Schimdt volvían una y otra vez al punto de partida. Esta idea mostrada en una cinta como ‘After Death’ tan alejada de la de Nolan está también presente en ‘Dunkerque’ ya que ambas presentan a un grupo de personas en una playa y sus constantes intentos por huir. Si en un caso el espectador se encuentra con que estos se refugian en una casa, en el otro serán diversos barcos. Si en un caso los protagonistas serán acechados por tropas alemanas, en  el otro extrañas presencias los acechan tanto a ellos como a la casa donde se refugian. Y por supuesto, en ambos casos el tiempo que tienen estos para huir es cada vez más escaso pero obviamente el resultado final y las intenciones de ambas películas distan radicalmente.
‘Dunkerque’ es ante todo un espectáculo visual y sonoro como pocos en el que el espectador ha de adentrarse dejando de lado tanto la historia como ciertos personajes que no acaban de funcionar en ningún momento (Sirva de ejemplo ese joven que acompaña en un barco a su amigo y al padre de este o ese piloto de avión que aunque es incapaz de abrir la ventana de su avión consigue mantener su peinado impoluto. Este momento es uno de los que personalmente me llamaron mas la atención ya que me resultó llamativo que un momento tan agobiante como ese no me trasmitiera nada) y donde la manera en la que la película está editada tampoco ayuda demasiado (La idea de jugar con los tiempos es como mínimo muy interesante pero si a la hora de construir la película no hay una cierta coherencia entre las propias escenas hay algo que no funciona. Por momentos el espectador podrá tener la sensación de que en una misma escena no hay coherencia en el cielo, en las nubes, como si a Nolan este hecho le hubiera parecido algo sin importancia, como las casas que se ven en la playa, pero que a ciertos espectadores les dejará una muy extraña sensación en el cuerpo). Con todo ‘Dunkerue’ se queda muy lejos de la espectacularidad mostrada por Steven Spielberg en su sobresaliente ‘Salvar al soldado Ryan’ (‘Saving private Ryan’), de la manera en la que la guerra afecta a las personas que Michael Cimino plasmó en ‘El cazador’ (‘The Deer hunter’) o del análisis de la crueldad de los conflictos bélicos que Dalton Trumbo analizó con la precisión de un cirujano  en ‘Johnny cogió su fusil’ (‘Johnny got his gun’) y que  el mismo llevó a la pantalla grande (Las escenas de los trenes rodadas por Nolan me remitían directamente a la cinta de Trumbo). Puede que esa no fuera su intención, que quisiera simplemente contar la historia de Dunkerque desde otro punto de vista, que quisiera poner toda su capacidad visual al servicio de la idea que este tenía entre manos pero resulta inevitable comparar su película con grandes cintas bélicas. Es una lastima no haber podido ver esta cinta en su formato original (Aún viéndola en pantalla grande el espectador siente que algo que falta), que la falta de contexto en lo que a los edificios de la playa se trata y que otra vez Tom Hardy vuelva a esconder su casa (Esta es por lo menos la tercera vez) hagan que el resto de la película quede casi relegado a un segundo plano. Aún siendo una gran película le falta alma.


Lo mejor: Las escenas protagonizadas por Tom Hardy.
Lo peor: No haber podido ver esta película en el formato en el que Nolan la rodó. Los planos aéreos que descubren edificios modernos.

domingo, 20 de agosto de 2017

Breve comentario acerca de 'The Mummy' (2017)

Título: La momia - The Mummy
Año: 2017
Género:  Acción - Aventura - Fantasía
Duración: 110 min. 
Director: Alex Kurtzman
Guión: David Koepp, Christopher Mcquarrie y Dylan Kussman según una idea de Jon Spaihts, Alex Kurtzman y Jenny Lumet
Música: Bryan Tyler
Interpretes: Tom Cruise, Sofia Boutella, Annabelle Wallis, Russell Crowe, Jake Johnson, Courtney B. Vance, Marwan Kenzari,
Nota: 4
Sinopsis: Un par de militares americanos han descubierto que la mejor manera de llevar a cabo su misión es traficar con todo aquello que roban. Pero todo se complicará para ellos cuando descubran una antigua tumba egipcia...



Crítica:
Tras el éxito de la franquicia de las películas basadas en los cómics de la Marvel, el esfuerzo por repetirlo de DC (Tras la muy decepcionante ‘Batma V Superman’, parece que ‘Wonderwoman’ ha conseguido dar con la clave del éxito y hacer de ella un producto fácilmente disfrutable tanto para la crítica especializada como para el público), llega ahora el conocido como ‘Dark Universe’ donde se diversos monstruos clásicos son o serán utilizados para crear toda una serie de películas que parece ser que los irá juntando sin el menor pudor ni reparo. Habrá que ver que sucede con esta nueva ocurrencia de Hollywood tras el desastroso recibimiento por parte de la crítica de otro producto hecho por y para la medida de su estrella principal: Tom Cruise. ‘The Mummy’ hace buena a la tercera parte de la saga protagonizada por Brendan Fraser y queda muy lejos de la primera película protagonizada por este (Podrá gustar o no, pero ‘La momia’ de Stephen Sommers cuyo 'Van Helsing' podría por desgracia formar parte de este 'Dark Universe', funcionaba perfectamente y era sin duda alguna la cuarta parte de las aventuras de Indiana Jones que Steven Spielberg no supo o no pudo rodar). 
Alex Kurtzman toma elementos propios de cintas como ‘Alien’ (La manera en la que Tom Cruise desciende por la cueva nos remite directamente a la cinta de Ridley Scott), ‘Hombre lobo americano en Londres’ ('An american werewolf in London'. Con razón John Landis ha criticado duramente a la cinta de Kurtzman. El lamentable uso de ciertas escenas extraídas directamente de película de Landis no solo no consiguen resultar un simpático guiño para los seguidores de ‘Hombre lobo americano en Londres’ sino que exasperan y molestan a mas de uno, entre los que me encuentro. Espero que a Landis al menos le hayan pagado derechos de autor), ‘La liga de los hombres extraordinarios’ ('The league of the extraordinary gentelmen'. La decepcionante adaptación de la novela de Alan Moore destinada a todo tipo de públicos mezclaba diversos y edulcorados personajes como Mina Harker, Alan quatermain -adicto al opio-, el hombre invisible -violador-, el doctor Jeckyll y Mr. Hide -asesino de prostitutas- y el capitán Nemo) parece ser utilizada como base por Kurtzamn para hacer ese cross-over entre la momia y el personaje interpretado por Rusell Crowe (Notese que en el salto a la gran pantalla de los comics de Moore no solo se incluyó a los personajes de Tom Sawyer y Dorian Gray sino que se perdió todo aquello que hacia de los protagonistas unos criminales). La gracia de la aparición de este dura lo que dura un suspiro y pasado ese breve momento el espectador se plantea que ha hecho o cuanto le han tenido que pagar a Crowe para acabar en una película como esta) y como no puede ser de otra manera de ‘La momia’ de Sommers pero mezclados todos ellos sin gracia y pasión. Es cierto que la estética de la película puede gustar, que Sofia Boutella destaca sobre el resto de sus compañeros (Que si, que Jake Johnson estuvo muy gracioso en 'Seguridad no garantizada' y 'Jurassic World' pero aqui satura hasta al espectador mas entregado)  y que la cinta se puede ver si no se le exige demasiado, pero si algo queda claro es que esta ‘The Mummy’ y su ‘Dark Universe’ es algo del todo innecesario.


Lo mejor: Sin duda alguna, Sofia Boutella
Lo peor: Lo innecesario de la propuesta. El miedo que trasmite esta película al querer iniciar el llamado 'Dark Universe'

sábado, 19 de agosto de 2017

Breve comentario acerca de 'Baby Driver'

Título: Baby Driver
Año: 2017
Género:  Thriller - Romance
Duración: 112 min. 
Director: Edgar Wright
Guión: Edgar Wright
Música: Steven Price
Interpretes: Ansel Elgort. Kevin Spacey, Lily James, Jon Hamm, Eiza Gonzalez, Jamie Foxx, Flea, CJ Jones, Hudson Meek
Nota: 7,5
Sinopsis: Un último golpe. Una huida hacia adelante. Una maravillosa chica. Todo parece perfecto para Baby Driver pero como siempre las cosas se torcerán en el último momento...





Crítica:
La sombra del cine de John Hughes es alargada y si el legado que dejó el director con sus películas es utilizado de manera soberbia en películas como esta ‘Baby Driver’ mezclándola masgistralemente con grandes escenas de acción y una de las mejores bandas sonoras que hemos tenido el placer de disfrutar en el cine en mucho tiempo, nos encontramos sin duda alguna con una de las mejores películas del verano. Es cierto que la película dirigida por Edgar Wright, tras un gran comienzo a ritmo de la canción 'Bellbottoms' de The John Spencer Blues Explosion va de menos a mas. Wright se muestra sincero desde el principio, el espectador sabe que se va a encontrar durante las casi dos horas de metraje: Acción, romance, música y cierta inocencia a la hora de crear ciertas escenas y justificar las reacciones de algunos de los personajes que a muchos nos puede costar creer, la película roza por momentos la fabula, el cuento de hadas.
‘Baby Driver’ es sin duda alguna la versión juvenil del ‘Drive’ de Nicolas Winding Refn: Otra vez volvemos a encontrarnos con un callado conductor, otra vez volvemos a encontrarnos ante la redención (Posible o no) de este gracias a una joven de la que se enamorará y otra vez volvemos a encontrarnos ante la lucha de estos para enfrentarse a su presente para conseguir un futuro mejor. Edgar Wright encuentra el punto perfecto para narrar su historia controlando el exceso en el que a veces cae su cine y que hace de sus películas, cintas un tanto herméticas con las que a cierto tipo de espectadores les es difícil conectar (Sirva de ejemplo 'Scott Pilgrim contra el mundo' - 'Scott Pilgrim Vs the world). La banda sonora parece ser el verdadero motor de la película (El momento en el que los dos protagonistas hablan sobre canciones con el nombre Deborah parece extraído directamente de ‘Alta fidelidad’ -'High fidelity'- de Stephen Frears) y muchas de las escenas están editadas tomando como base las canciones, de hecho Paul Machliss ha reconocido que ‘Baby Driver’ es la película que mas trabajo le ha costado montar. Sin duda alguna, Edgar Wright nos deja con ‘Baby Driver’ su mejor película, una cinta fácilmente disfrutable y tremendamente recomendable. Desde 'La soledad del perro guía' recomendamos que todo amante de la buena música haga una sesión triple empezando por la película de Wright, siguiendo con la de Frears y acabando como no puede ser de otra manera con el 'Soul Kitchen' de Fatih Akin.



Lo mejor: La música. El impagable momento Mike Myers. Un Ansel Elgort que se construye un personaje mas complejo que el de 'Bajo la misma estrella' ('The Fault in our stars') y una Lily James ante la que nos rendimos sin ningún tipo de duda.
Lo peor: Tras el prometedor comienzo, la historia sufre un pequeño bajón que hace que por momentos el espectador pueda pensar que esta va a hundirse en la mas absoluta de las medianías.

miércoles, 16 de agosto de 2017

El cine de Daniel Moshel

Sin duda alguna, Daniel Moshell es uno de los directores que mas me han sorprendido últimamente. No solamente por su proyecto 'Opera on Acid' compuesto por los cortometrajes 'MeTube 1: Agust sings Carmen Habanera' y 'MeTube 2: August sings Carmina Burana' donde Elfie y su extraño hijo August interpretan de manera mas que sorprendente 'Carmen Habanera' y 'Carmina Burana' sino también por su documental 'Login 2 Life'.



Si 'MeTube 1: Agust sings Carmen Habanera' está rodado siguiendo la estructura básica de los vídeos grabados por los youtubers: Una o varias personas en lo que parece ser su casa se colocan delante de una webcam, 'MeTube 2: August sings Carmina Burana' es la manera elegida por Moshel para llevar todo aquello que apuntaba la primera parte al extremo, al mas puro exceso pero de tal manera que el espectador solo puede quedarse prendado por la forma en la que el director mezcla ideas, música y una estética propia del sadomasoquismo.



Pero el espectador  no solo se quedará asombrado por ambos cortometrajes sino también por el making of de 'MeTube 2: August sings Carmina Burana'  que sin duda alguna es de obligada visión,



así como por los diversos anuncios del proyecto







Al ver el trabajo de Daniel Moshel resulta imposible no pensar en Ola Simonsson, Johannes Stjärne Nilsson y la sobresaliente conversión del cortometraje 'Música para un apartamento y seis percursionistas' ('Music for one apartment and six drummers') en la película 'Sound of Noise'. Si Simonsson y  Nilsson fueron capaces de crear toda una historia alrededor de algo que podría pasar simplemente por una anécdota, Moshel tiene entre manos una idea los suficientemente prometedora como para que como espectadores anhelemos su salto al largometraje. Es cierto que ambos MeTube juegan al borde del abismo, que la línea entre lo sublime y lo ridículo puede resultar demasiado fina, pero tras ver el trabajo de Moshel desde 'La soledad del perro guía' creemos que las aventuras de Elfie y August podría ser sin lugar a duda una de las cintas mas sorprendentes y estimulantes vistas en mucho tiempo. 
Sería injusto hablar de Moshel sin hacerlo de su documental 'Login 2 life' donde el director se aproxima a la vida virtual de diversas personas que por un motivo u otro parecen encontrar en internet la felicidad que por diversos motivos no tienen en su vida diaria. Moshel muestra entre otros a una mujer que padece esclerosis múltiple y cuya enfermedad le limita sus relaciones personales, un joven que tras un accidente ha quedado tetraplejico, un hombre que a pesar de estar felizmente casado en la vida real tiene diversas relaciones en 'Second life' basadas puramente en el sexo o un chaval experto en videojuegos que se gana la vida jugando. Aún resultando un ejercicio sumamente interesante y sin llegar al descalabro que supuso 'Lo and Behold, Reveries of the connected world' de Werner Herzog por la sensación que trasmitía el director alemán de querer abarcar demasiados aspectos relacionados con internet en un documental de poco mas de hora y media (Muchos de los temas tratados por Herzog darían para una película centrada solamente en ellos), Moshel nos deja en 'Login 2 Life' una película un tanto irregular donde las dos principales líneas narrativas: una la que se refiere a las personas discapacitadas que encuentran en internet un lugar donde nadie las juzga y pueden ayudarse las unas a las otras o simplemente un lugar para escaparse de la realidad, la otra la de una persona que usa 'Second life' para satisfacer sus fantasías sexuales (Inevitable no pensar en 'Demonlover' de Oliver Assayas o 'Elle' de Paul Verhoeven por el tipo de empresas donde trabajan las protagonistas), se siguen con desigual interés.
Pero aunque pueda resultar sorprendente 'Login 2 Life', 'MeTube 1: Agust sings Carmen Habanera' y 'MeTube 2: August sings Carmina Burana' tienen un punto en común: Las tres sacan a luz una parte de los protagonistas que de otra manera quedaría oculta. Si bien en cierto que 'Login 2 Life' lo hace desde el respeto e intentando analizar la carencia que sufren las vidas de estos, en los Metube, Moshel lo hace desde el exceso convirtiendo ambos cortometrajes en el complemento perfecto al documental 'En el sótano' ('Im Keller') de Ulrich Seidl. Sin duda alguna, el cine de Daniel Moshel no dejará indiferente a nadie y como es nuestro caso nos ha seducido con cada nueva propuesta.