domingo, 13 de agosto de 2017

Crítica: Inside

Título: Inside
Año: 2016
Género: Terror - Thriller - Remake
Duración: 100 min. 
Director: Miguel Ángel Vivas
Guión: Jaume Balagueró y Manu Díez según el guión original de Alexandre Bustillo y Julien Maury
Música: Víctor Reyes
Interpretes: Rachel Nichols. Laura Harring, Stany Coppet, Andrea Tivadar, Ben Temple, Craig Stevenson, Richard Felix, David Chevers, Maarten Swaan, Steve Howard
Nota: 4
Sinopsis: Una joven viuda se dispone a pasar tranquilamente la noche de navidad sola en casa esperando a que llegue el momento de dar a luz. Pero lo que para ella iba a ser una noche mas se convertirá en una autentica pesadilla cuando una extraña mujer llame a su puerta...



Crítica:
Alexandre Aja, Pascal Laugier, Xavier Gens, Alexandre Bustillo, Julien Maury... cinco nombres que hay que citar obligatoriamente a la hora de hablar del cine de terror francés mas extremo rodado durante este siglo (Para ser justos habría que citar también a Franck Khalfoun y su 'Maniac'). A pesar de que alguno de estos directores ha dejado por el camino su sello personal (Por citar un ejemplo: Alexandre Aja y 'The 9th life of Louis Drax') y que otros se han mostrado demasiado irregulares en lo que a su trayectoria cinematográfica se refiere (Xavier Gens y su decepcionante 'Hitman', una cinta prefabricada por la Europacorp o Khalfoun y la muy lamentable 'I-Lived') varias de sus obras merecen estar en el Olimpo del cine de terror mas enfermizo y mal sano. 'Alta Tensión' ('Haute Tension'), el remake 'Las colinas tienen ojos' ('The hills have eyes'), 'Frontier(s)', 'The Divide', 'À L'intérieur', 'Livide'... son películas que para bien y para mal han quedado grabadas en el subconsciente colectivo. Nuestras pesadillas recientes están firmadas por directores franceses.
En el año 2007, Alexandre Bustillo, Julien Maury y Xavier Gens impactaron a medio mundo con 'À L'intérieur' y 'Frontier(s)', dos salvajes y brutales películas con la que los tres directores firmaron sus debuts en la pantalla grande. En el primer caso y a pesar de su breve duración (La cinta dura poco menos de ochenta minutos) y de un comienzo un tanto dubitativo donde Maury y Bustillo presentaban a sus personajes y las motivaciones de estos para intentar justificar el llamativo punto de partida de la historia: Una joven viuda, embarazada pasará sola la noche de Navidad el día antes de que le provoquen el parto), 'À L'intérieur' se convertía en un espectáculo salvaje como pocos que ofrecía todo aquello que los aficionados al cine mas extremo y gore pueden esperar de una película como esta. En el segundo caso, Gens, cogió las bases de historias mil veces vistas (Por diversos motivos, un grupo de jóvenes acabaran alojándose en un aparentemente apacible lugar pero cuyos dueños tiene mucho, pero que mucho que ocultar) para darle un toque enfermizo que sin llegar a lo que el mismo director consiguió con su infravalorada 'The Divide' (Ojo a las bandas sonoras compuestas por Jean-Pierre Taieb para ambas películas) dejaba en el espectador una sensación tremendamente incomoda. Resulta llamativo que ambas historias compartieran no solo la idea de usar los disturbios callejeros que ocurrieron en las afueras de París para justificar algunas de las situaciones que suceden en las mismas (La escasez de policía en el caso de 'À L'intérieur' o el hecho de que los protagonistas tengan que huir de la capital francesa para acabar refugiándose en la mismísima boca del lobo en 'Frontier(s)') sino también por la importancia de los embarazos en ambas historias ya que tanto en la película de Maury y Bustillo como en la de Gens, los bebés que las protagonistas llevan en su vientre son deseados por las personas que los acosan. Gestación subrogada extrema.
Un año más tarde, Pascal Laugier consiguió lo que parecía imposible: Sacudir las conciencias mas timoratas con una película mas salvaje y brutal que 'À L'intérieur' y 'Frontier(s)'. Esa cinta de titulo 'Martyrs' conoció hace un par de años un tremendamente decepcionante e innecesario remake americano. La cinta dirigida por Kevin y Michael Goetz, a pesar de mantener el esqueleto de la historia original de Laugier, desperdiciaba toda la truculencia y el sadismo que tenía esta convirtiéndose en un producto edulcorado destinado a un mercado comercial y pensado para un tipo de público alejado de las propuestas radicales y extremas. Por desgracia eso mismo se puede decir de la película de Miguel Ángel Vivas pero con un pequeño inciso: Al menos los Goetz no intentaron vendernos eso de que la película está inspirada en hechos reales, algo que sin duda juega radicalmente en contra de esta nueva versión de 'À L'intérieur' titulada 'Inside' y que fue recibida con justificada dureza en su estreno en el festival de cine fantástico de Sitges. Si Jaume Balagueró y Manu Díez querían vender esta película como una cinta inspirada en hechos reales podían haber arriesgado, haber sido valientes situándola en la España de los años sesenta tomando como base el robo de niños que muchas mujeres sufrieron haciendo de la historia de Maury y Bustillo algo atemporal.
A pesar de la muy decepcionante 'Extinction' donde Miguel Ángel Vivas ponía en imágenes la novela 'Y pese a todo' de Juan de Dios Garduño (Obra que tiene ya una segunda parte titulada 'Cenizas' de reciente publicación) este nos dejó con 'Secuestrados' un brutal home invasion donde el uso de la cámara y los planos, la dosificación de la extrema violencia y una Manuela Vellés en estado de gracia hacían de esta película un referente dentro del cine malsano y sádico. Solo por eso, solo por ver que Vivas era el encargado de dirigir el remake de la cinta francesa de Maury y Bustillo, solo por el hecho de que alguien como Vivas salga de su zona de confort y se arriesgue a rodar una cinta que puede acabar con su carrera (Todo remake de una cinta de culto conlleva ese riesgo) muchos fans de la cinta original albergábamos algún tipo de esperanza,  pero si la leyenda urbana (Ahora no tan leyenda tras las palabras del director de 'Annabelle', John Leonetti) dice que fue Steven Spielberg quién dirigió 'Poltergeist' y no Tobe Hooper, tras ver 'Inside' muchos espectadores podrán pensar que ha sido Jaume Balagueró el verdadero director de 'Inside', y es que hay demasiados planos que podríamos definir como 'marca de la casa'...
Tras el muy decepcionante guión que Jaume Balagueró y Manu Diéz escribieron para '[Rec] 4: Apocalipsis', hay que reconocer que en este por lo menos han ido de cara. Si su anterior colaboración y que supuso el final de una saga que agonizaba con cada nueva película no dejaba de ser una especie de versión de 'La cosa' ('The Thing') de John Carpenter, este nuevo guión es directamente una mezcla entre la historia original escrita por Maury y Bustillo y la película que sacó a Balagueró de la mediocridad en la que su cine se había adentrando tras su notable debut 'Los sin nombre' (Nota: Ante la eterna discusión de si es mejor la película o la novela, la cinta de Balagueró es uno de esos ejemplos donde sin ningún tipo de duda la película es mejor que la obra en la que se basa. Balagueró consiguió quedarse con la idea de la novela de Ramsey Campbell y mejoró las partes de esta en las que la historia flojeaba, especialmente en lo que se refiere a la parte final de la misma). Por desgracia este 'Inside' no solo no mejora los puntos flacos de la historia original (Aunque todo sea dicho lo intentan) sino que además nos deja otros forzados hasta el extremo que hace que ciertas partes de la película resulten realmente ridículas.
Balagueró y Díez han cambiado la atmósfera malsana y enfermiza de la cinta de Maury y Bustillo por una intriga que nunca acaba de funcionar. Muchos espectadores recuerdan 'À L'intérieur' por su brutalidad pero no hay que dejar de lado la forma en la que los directores muestran el accidente de tráfico que hará que la vida de la protagonista de un giro radical desde el punto de vista de esta y de su bebé, el encuentro del personaje interpretado por Alysson Paradise con esa extraña enfermera (Algo realmente perturbador), la importancia de las fotografías que parecen remitirnos directamente al 'Blow-up' de Antonioni o el detalle del número de la casa donde vive la protagonista...

...todos estos detalles, todas estas ideas son desperdiciadas por Vivas como director y Balagueró y Diez como guionistas por culpa de una historia que se mueve por caminos mil veces vistos y que hace que la manera elegida por estos para alejarse de la obra original no funcione de ninguna de las maneras. ¿De verdad era necesario cambiar el primer encuentro entre las dos mujeres en el cuarto de la protagonista? ¿Justifica esta escena que se tenga que explicar que es la oxitocina? ¿No se rompe el clímax de ese momento al rodarlo de la manera elegida por Vivas igual que sucede con el accidente de tráfico? La paranoia que sufre la protagonista de la cinta de Maury y Bustillo por culpa de la mujer que la acecha parece ser cambiada en 'Inside' por la idea de que esta sufre algún tipo de alucinación Solo de esta manera se explica que el personaje interpretado por Rachel Nichols omita importante información a la policía a la que ella misma ha avisado y que el de Alysson Paradise si que explica.
SPOILER SPOILER En el siguiente párrafo se habla explícitamente del final de la película. Por favor si no deseas leerlo te sugerimos que saltes al siguiente. Es cierto que la cinta de Vivas respeta la idea de la de Maury y Bustillo pero sin la truculencia y la brutalidad de esta. 'Inside' es la versión comercial, la versión para todos los públicos de la cinta francesa (¿Había alguna necesidad de hacer algo así? No, por supuesto que no) pero Balagueró y Diez en su faceta de guionistas cambian de forma radical el final de la película y la enlazan sin ningún tipo de vergüenza y pudor con '[Rec]'. Cambiemos a Manuela Velasco por Rachel Nichols, cambiemos la huida de la primera de un grupo de infectados por una psicópata que quiere el bebe no-nato de la segunda, cambiemos el ático de un edificio por una casa en construcción en una zona residencial, cambiemos un grupo de recortes de periódicos por fotografías colgadas en las paredes que revelan a las protagonistas el misterio de aquello que esta sucediendo, cambiemos a la niña Medeiros por el personaje interpretado por Laura Harring. Si... no hay mas, Balagueró y Diez simplemente han cogido el final de '[Rec]' y se lo han metido a la fuerza a su 'Inside'. Parece que al final el cansancio les pudo o que no había mucho interés por hacer de esta una buena película, parece que este 'Inside' es mas un encargo que otra cosa.
En el año 2009, The Mo Brothers (Timo Tjahjanto y Kimo Stamboel) rodaron 'Macabre' ('Rumah Dara') una película que por momentos parecía tomar prestadas demasiadas ideas de la cinta de Maruy y Bustillo. El trabajo de Shareefa Daanish, la Dara del título original, poco tiene que envidiar al de Beatrice Dalle en À L'intérieur' (La Dalle se ha convertido en la actriz fetiche de Maury y Bustillo. Dalle ha colaborado con los directores tanto en su opera prima como en su acercamiento al vampirismo titulado 'Livide', el revival ochentero 'Aux yeux des vivants' -Ahora que todo el mundo está poniendo por las nubes, y con razón, a la serie 'Stranger Things', sería bueno recordar que los directores franceses nos dejaron una película que era ante todo una declaración de amor hacia el cine rodado durante los años ochenta- e incluso en el cortometraje 'X is for Xylophone' que los directores grabaron para la muy mediocre antología 'The abc's of the death 2') pero el de Laura Harring queda muy lejos de lo esperado y por mucho que esta vaya vestida toda de negro y su rictus permanezca impasible durante todo el metraje no consigue trasmitir el miedo que los personajes interpretados por Daanish y Dalle nos hacían sentir. Si de verdad queréis ver un remake de 'À L'intérieur', no tenéis que ver 'Inside' si no 'Rumah Dara' ('Macabre'). Harring que trabajó con Lynch en 'Mullholland Drive' no supo aprovechar el tirón de esta película como hizo su compañera de reparto Naomi Watts y a pesar de haber trabajado en cintas tan interesantes como 'John Q' de Nick Casasavetes o el remake 'Willard' dirigido por Glen Morgan y protagonizado por el outsider Crispin Glover su carrera se vio relegada a películas claramente prescindibles por culpa de una serie de malas elecciones.
No hay nada, absolutamente nada que un fan de la película original pueda encontrar en esta película que pueda justificar su visionado, 'Inside' es una cinta hecha por y para un público muy diferente del que iba destinada la película de Maury y Bustillo y la atmósfera mal sana es cambiada por un intento de crear tensión que no funciona en ningún momento. Por desgracia Balagueró y Díez se ven obligados a utilizar ciertos recursos (Usar una canción de ambiente navideño para recalcar en que momento del año sucede la acción de la película, la explicación del medico acerca de que es y para que sirve la oxitocina, la llave en el buzón de la casa...) para justificar ciertas escenas lo que refuerza la idea de estar ante un guión prefabricado para un cierto tipo de público demasiado acostumbrado a que se lo den todo demasiado mascado y explicado. 'Inside' es sin duda alguna, un mas que innecesario remake. Es preocupante que con la cantidad de buenas ideas que hay, con la cantidad de buenos guiones que se escriben pero en los que por desgracia nadie confía, se acaben rodando películas tan prescindibles como esta. Una verdadera lastima.



Lo mejor: Sienta las bases de como nunca hay que rodar el remake de una película de culto.
Lo peor: La parte final de la película. La perdida de la atmósfera mal sana y enfermiza de la cinta original 

viernes, 28 de julio de 2017

Atlántida Film Fest - Y día 6

Ensayo para una revolución
Ceux qui font les révolutions à moitié n'ont fait que se creuser un tombeau
No, esto no es una revolución contra el sistema. No, esto no es una revolución contra las normas establecidas. No. Mathieu Denis y Simon Laovie tenían todos los elementos a su favor para construir una película nacida de la rabia de una generación sin futuro, podrían haber creado una cinta que funcionara perfectamente como precuela de la notable 'Nocturama' de Bertrand Bonello. Mathieu Denis y Simo Laovie tenían todo a su favor para que el espectador se adentrara mas en los motivos que llevaron al grupo de protagonistas de la cinta de Bonello a llevar a cabo los atentados que estos comenten por diversos y significativos lugares de la capital parisina. Y se puede decir que durante hora y media de película lo consiguen, que la forma elegida para presentar a sus protagonistas y la historia que estos tienen entre manos parece transcurrir por ese camino, pero por desgracia no sabemos muy bien si por intentar alagar la película hasta las tres horas de duración o por la incapacidad e incluso miedo acaban por domesticar a esta película y por tanto a su mensaje. Si, miedo. Las ideas planteadas, la radicalidad de la propuesta de los directores tanto en fondo como en forma acaba siendo domesticada, edulcorada. Aquello que los protagonistas tanto odian, la perdida de ideales conforme las personas crecen se observa en la película, en la forma en la que evolucionan los personajes y en las verdaderas motivaciones de estos para rebelarse. No, no es a la sociedad a la que odian, no es el sistema clasista lo que detestan. No, su verdadero odio, su verdadera rebelión es contra sus padres. Denis y Laovie se alejan de Bonello, se alejan de Denys Arcand y 'Las invasiones bárbaras' ('Les invasions barbares') y la manera en la que el también director canadiense analiza la forma en la que los ideales de juventud se han ido perdiendo o diluyendo con la edad (Idea claramente representada en las palabras de Rémy cuando este evoca su conversación con una joven china a la que le dice que la revolución cultural de su país fue un fantástica. Rémy reconoce que en la escala del cretinismo no se puede caer mas bajo y todo porque este había leído a Phillipe Sollier y había visto películas de Jean-Luc Godard -'La chinoise' película con la que se ha querido comparar este 'Ensayo para una revolución'-) y se acercan peligrosamente a 'The East', muy interesante película dirigida por Zal Batmanglij ('Sound of my voice') pero que cae en los mismos errores que 'Ensayo para una revolución': Reducir todo a un simple conflicto paternofilial.
La forma elegida por los directores para narrar su película no siempre está del todo justificada, sirva de ejemplo el eterno comienzo de esta película (Fundido en negro con música de fondo) o ese intermedio que marca el devenir (Para mal) de todo lo aquello que los directores se habían molestado en construir hasta ese momento con tanto interés. 'Ensayo para una revolución' no solo acaba derivando en un simple enfrentamiento entre padres e hijos sino que ademas esta bordea por momentos lo panfletario y donde sus protagonistas parecen que recitan cuan loros fragmentos leídos y memorizados de diversos libros. Memorizados que no asimilados. Otra idea claramente criticable de esta película es la manera en la que los directores muestran a esos cuatro protagonistas, la forma en la que enseñan desnudos a estos ya que el espectador tendrá la sensación de que para los protagonistas el sexo en grupo es parte importante, tal vez demasiado importante de su 'revolución', algo parecido a lo que mostró Uli Edel en algunas escenas de 'RAF: Facción del ejercito rojo' ('Der Baader Meinhof Komplex') como el viaje de los protagonistas al campamento de Al-Fatah.
Es cierto que los cuatro protagonistas sacan adelante con bastante solvencia a sus diferentes personajes pero dos de ellos fueron los que personalmente mas me impactaron. Emmanuelle Lussier Martinez y Gabrielle Tremblay. La primera por la capacidad para mostrar la manipulación a todos los niveles de la es capaz, la segunda por que a pesar de tener un papel que borda lo manido y arquetipico (¿Por qué de los cuatro personajes, el único que se prostituye es el transexual? Tan radicales que se muestran Denis y Laovie en la forma y en el fondo explotan todo tipo de tópicos) consigue darle entidad y peso. Tremblay fue la primera actriz transexual nominada en los premios de la academia de cine canadiense y lo fue por esta película.
Si todo se resume en un enfrentamiento paterno-filial, esta no es mi revolución. Si la rabia de toda una generación se justifica en la dificultad de relacionarse con sus padres, esta no es mi revolución. Por muchos libros de que los protagonistas lean, por mucho que orinen delante de lujosos restaurantes, 'Ensayo para una revolución' no deja de parecerme una película que presenta a unos críos que tienen una profunda diarrea mental y que antes de querer hacer cambiar el sistema deben cambiar sus vidas. Recitar fragmentos de ciertas obras no te hace revolucionario. Esperaba de esta película mucho, mucho mas. Esperaba que esta fuera una película que me marcara. Por desgracia no ha sido así.



sábado, 22 de julio de 2017

Atlántida Film Fest - Día 5

Júlia ist
No hay nada en 'Júlia ist' que no haya visto ya antes en otras películas, puede que el ejemplo mas claro sea el de 'People that are not me' de Hadas ben Aroya y no solo porque estas cintas estén escritas y protagonizadas por sus directoras sino también y muy especialmente porque ambas muestran a dos chicas que parece que por momentos no encuentran su sitio en el mundo. Puede que sea porque vi primero la cinta de ben Aroya pero esta, a pesar de sus licencias, me resultó mucho mas fresca que 'Júlia ist'. La película dirigida por Elena Martín se centra en Júlia, una estudiante catalana de veintiún años de edad que se va de Erasmus a Berlin, en como este hecho afecta a la relación con su novio y en la incapacidad de esta de abrirse y relacionarse con la gente. Son buenas las intenciones de Martín, saca provecho a sus actores y ella como protagonista resulta mas que creíble pero hay algo que no acaba de enganchar en su historia. Ciertas ideas quedan simplemente perfiladas y otras acaban desapareciendo de la película para centrase en la relación de Júlia con el chico que le gusta (En serio, que una página como filmin etiquete a esta película con el tag 'infidelidad' me parece algo de otra epoca). Personalmente me resulta imposible no pensar en esta película como una pseudo-precuela de 'Family tour' de Liliana Torres y que esa Lili (Núria Gago) no es otra que Júlia. Las cintas de Torres y Martín son dos películas pequeñas a las que su aparente falta de medios puede jugar en su contra y a pesar de sus fallos o de la sensación de estar ante dos cintas que hemos visto antes (Lo siento Martin, pero todo lo relacionado con el novio y su viaje a Berlin hizo que me acordara de 'Perdiendo el norte' de Nacho García Velilla que creo que puede ser el peor referente en el que puede pensar un espectador al er 'Júlia ist') resultan dos películas bastante interesantes y a las que hay que dar al menos una oportunidad.


La maldita primavera
Hay chistes sin gracia y este es uno de ellos. No se quién realmente nos ha tomado el pelo, si Marc Ferrer por rodar una 'película' como esta, si los Papa topo por, conociendo su nula capacidad interpretativa prestarse a protagonizar 'La maldita primavera' o si los diversos festivales que han programado esta película. La cinta de Marc Ferrer es como esos vídeos de viajes que los pesados de nuestros amigos nos quieren enseñar, algo que solo pueden 'disfrutar' las personas que lo han grabado ya que para el resto sería mas agradable que les clavasen esquirlas debajo de las uñas. Todo, absolutamente todo resulta ridículo en 'La maldita primavera': La historia es absurda (No, en serio, que nadie venda esto como si de una cinta de autor fuera, lo cutre que resulta todo es de absoluta vergüenza ajena desde el momento 'lluvia intensa' hasta la manera en la que se desarrolla la historia de los reptilianos. De verdad, si queréis ver una buena película que muestre a una juventud perdida, extraterrestres, falta de comunicación y 'sobre ser joven y ser distinto' solo tenéis que acercaros a 'Maldita generación' de Gregg Araki, eso si que es una buena película) y personajes ridículos con interpretaciones lamentables (Nadie, absolutamente nadie se salva de la quema. Tal es la cantidad de miradas a cámara que el espectador solo puede sentir una horrible sensación de vergüenza ajena. Vuelvo a hablar de 'Family Tour' de Liliana Torres donde también hay algunas miradas a cámara. La cinta de Torres tiene una historia, hay un sentido en quién y porque podía mirar a cámara, en la de Ferrer no hay nada de eso y por favor, no intentemos justificar este despropósito calificándolo de surrealista y conceptos similares). Robert Rodriguez nos vendió eso de que la película que había dirigido él y protagonizado John Malcovich no se iba a ver en cien años, que iba a estar oculta durante todo este tiempo. Con 'La maldita primavera' se podría hacer lo mismo. Esta cinta no sirve ni para mostrársela a los presos en Guantanamo, no hay crimen en el mundo que justifique tal tortura.


domingo, 16 de julio de 2017

Crítica: The Bad Batch

Título: The Bad Batch
Año: 2016
Género: Drama - Distopía - Romance
Duración: 118 min. 
Director: Ana Lily Amirpour
Guión: Ana Lily Amirpour
Fotografia: Lyle Vincent
Interpretes: Suki Waterhouse, Jason Momoa, Jayda Fink, Keanu Reeves, Diego Luna, Jim Carrey, Giovani Ribisi, Yolanda Ross, Aye Hasewaga, E.R. Ruiz, Cory Roberts, Louie Lopez Jr.
Nota: 6,5
Sinopsis: Tras ser expulsada de la sociedad, Arlen se topará con una tribu de caníbales. En un dramático giro de la situación, Miami Man, uno de los miembros de la tribu necesitará de la ayuda de la chica.


Crítica:
'Una chica vuelve sola a casa por el desierto'. Así de esta manera fusionado parte del título de la película que supuso el debut de Ana Lily Amirpour en la pantalla grande junto con el paisaje donde sucede su segunda película se podría titular la esta cinta. Amirpour construye una muy interesante historia que vuelve tanto en la forma como en el fondo a plasmar ciertas ideas que ya vimos en 'A girl walks home alone at night' y las convierte directamente en obsesiones. 'The Bad Batch' es, en líneas generales una cinta mas sólida que la anterior película de la directora a pesar de que esta vuelve a mostrar ciertos vicios a la hora plasmar en imágenes su historia lo que deriva en que algunas escenas no posean la fuerza necesaria, otras exploren con demasiada temeridad la fina línea entre lo que puede resultar poético y lo que puede ser ridículo y donde además nos encontramos con ciertos personajes secundarios que resultan demasiado perfilados y de los que nos gustaría saber mucho mas. Pero como diría Miami Man.. vayamos por partes...
La esfinge lo sabe todo. Las personas que tienen papeles en regla pueden vivir en las ciudades, viven dentro del sistema, los que no, son expulsados de ellas donde tendrán que sobrevivir. El desierto es el hogar de aquellos a los que por un motivo u otro la sociedad les ha dado la espalda. En el año 2003, el británico Michael Winterbottom dirigió la notable distopía 'Código 46' ('Code 46') que comparte con 'The Bad Batch' la idea del exilio forzado para las personas que no son consideradas aptas para vivir en sociedad. En ambos casos, dos personajes antagónicos, William Geld y Maria Gonzales o Arlen y Miami Man acabaran encontrándose.
Es obvio que muchos espectadores y muchas críticas hablaran de la tetralogía de 'Mad Max' a la hora de referirse a la última cinta de Amirpour, no solo por la estética sino también y muy especialmente por la posible comparación que se podría establecer entre Immortal Joe y The Dream, a lo que hay que sumar que aunque aquí no hay un guitarrista albino tenemos un DJ que ameniza a los habitantes del pueblo donde es acogida la protagonista. Pero no quiero dejar de lado a 'The propositon', película dirigida por John Hillcoat y guión de Nick Cave. La cinta no solo comparte con 'The Bad Batch' su árido paisaje, también la familia resulta vital en ambas películas y la violencia es un claro detonante para mostrar la importancia de los lazos familiares.
De todas las referencias que se pueden observar en 'The Bad Batch' sin duda alguna la mas clara es 'A girl walks home alone at night' la anterior película de Amirpour ya que por momentos el espectador puede tener la sensación de que esta nueva cinta de la directora no deja de ser su 'Desperado'. 'The Bad Batch' no deja de ser 'A girl walks home alone at night' con mas presupuesto, con un inicio menos dubitativo, mucho mas directo y salvaje pero que en el fondo nos cuenta una historia muy parecida y en donde la Amirpour vuelve a mostrar ciertas ideas que rozan ya lo obsesivo pero de una manera mas compacta, coherente y con mas ritmo que en 'A girl walks home alone at night'.
Resulta llamativo que el grupo sudafricano 'Die Antwoord' forme parte de las primeras escenas de ambas películas. En el caso de la cinta que supuso el debut en pantalla grande de Amirpour gracias a la presencia de ese traficante de drogas llamado Saeed, al que da vida Dominic Rains y cuya estética está claramente inspirada en la de Ninja, cantante de dicho grupo (Recordemos que Ana Lily Amirpour llevaba una camiseta de Die Antwoord en la presentación de la película en el Festival de cine fantástico de Sitges). Es solo cuestión de tiempo ver a Ninja y Yo-Landi como protagonistas de una película de la directora y que probablemente sea la película que grupo merece y no la decepcionante y tremendamente infantil 'Chappie' de Neill Blomkamp (O probablemente este solo sea un simple deseo de la persona que escribe estas líneas)
Como ya hizo Amirpour en 'A girl walks home alone at night' esta se muestra tremendamente hábil a la hora de fusionar las imágenes con la música aunque en 'The Bad Batch' hay que reconocer que en algún momento a directora y guionista se le ha ido un poco de las manos. No hay en su última película una escena con la misma fuerza que la que Amirpour nos dejó en su anterior cinta con el tema 'Death' de White Lies de fondo, el tiempo y la composición de ese momento consigue justificar el visionado de toda la película. A los ya citados Die Antwoord y White lies, hay que sumar de nuevo la presencia de Federale, banda cuyas composiciones se inscriben dentro del género conocido como 'western music' (Música con raíces folks que se solía escuchar en el Oeste de Estados Unidos. Muchos de los temas del grupo bien podrían formar parte de cualquier película de Sergio Leone. Otra banda que hay que destacar aunque Amirpour no haya contado con ella para sus bandas sonoras en Calibro 35, cuyas composiciones están inspiradas en las películas policíacas italianas de los años setenta. Si ver al grupo liderado por Enrico Gabrielli en directo es una experiencia increíble -Calibro 35 es sin duda alguna uno de los mejores grupos que hoy en día se puede ver encima de un escenario-, escuchar la música de Federale nos hace pensar que la sensación va a ser muy similar) o algún tema de Boy George (Que por el ambiente de la película hace que no pueda dejar de pensar en Cowboy George) o Ace of Base entre otros. Es una lastima que la directora deje de lado a otras bandas como Radio Tehran cuyos temas fueron compuestos por Ali Azimi y que para la persona que escribe estas líneas fue el verdadero descubrimiento de 'A girl walks home alone at night'.
'The Bad Batch' y 'A girl walks home alone at night' son dos películas que parecen cortadas por el mismo patrón. Hay demasiadas ideas comunes a ambas cintas como para pensar que Amirpour no ha cogido la historia que le sirvió para debutar en pantalla grande y ampliarla, modificarla, mejorar aquellas partes que fallaban y mejorarlas. Esta vez, la directora y guionista cambia el vampirismo por el canibalismo, pero vuelve a mostrar a una chica joven que deambula bien por las calles de una ciudad bien por el desierto, otra vez volvemos a ver una 'smily face' bien sea tatuada en la mano del traficante de drogas bien sea en el pantalón de la protagonista, otra vez volvemos a encontrarnos con un monopatín que es usado para que personas que por diversos motivos no pueden moverse lo usen para desplazarse, otra vez volvemos a encontrarnos con la importancia de un pequeño animal, bien sea un conejo bien sea un gato, otra vez los personajes parecen no tener nombre sino apodos, otra vez las ciudades donde viven las protagonistas son lugares donde el mal campa a sus anchas, otra vez volvemos a ver como dos personas que a pesar de todo aquello que las diferencia e encuentra pero parece que se alejan....

...pero sobre todo otra vez el camino de ambos personajes se cruzará en medio de la nada de la misma manera: Las drogas, el colocón que sufren los protagonistas harán que estos se vayan de la fiesta en la que se encuentran y que precisamente no están disfrutando. Si Arash se queda embobado mirando la luz de una farola, Arlen hace lo mismo con las estrellas. En ambas situaciones dichos personajes se encuentran indefensos ante la amenaza que se cierne sobre ellos: Una extraña vampira o un caníbal, pero algo surgirá entre los personajes que hará que estos últimos no solo se apiaden de Arash y de Arlen sino que surgirá entre ellos algo especial.
Hay que analizar la moralidad que desprenden ambas películas. En 'A girl walks home alone at night', la vampira a la que da no-vida Sheila Vand ataca a todos ellos que no se comportan de forma correcta, a los pecadores que habitan la ciudad donde vive, mientras que en 'The Bad Batch', Arlen rechaza la aparente comodidad de la ciudad que la ha acogido: Bajo su manto de tranquilidad, de seguridad, de confort se encuentra el vicio, el mal. Las apariencias engañan y aquellos que parecen mas libres son los que mas tienen que esconder. En ambos casos, las dos protagonistas rechazan el mal que habita en sus ciudades.
En 1999, David Lynch dirigió 'Una historia verdadera' (‘A straight story’) cinta que se alejaba del cine al que nos tiene acostumbrados el director. Como no podía ser de otra manera se escribieron líneas y líneas acerca de la película y del aparente giro radical que esta había supuesto en la filmografía de Lynch. De todo lo que leí hubo algo que creo que acertó completamente, no recuerdo quién lo escribió pero sus palabras venían a decir que Lynch lo único que había hecho era coger a sus personajes oscuros y sacarlos a la luz. Se puede decir que Amirpour ha hecho algo parecido: Ha cogido a sus personajes y los ha sacado de la oscuridad de la noche a la luminosidad del día en el desierto. Los personajes que muestra la directora: La vampira, el chico, su padre drogadicto y con problemas o la transexual que se ve en algunas escenas parecen tener su replica en 'The Bad Batch', el canibal, Arash, el loco que va gritando por las calles de Confort o ese vagabundo que deambula por el desierto (Poner en cuarto lugar y por tanto establecer una comparación entre la transexual y al vagabundo no es algo gratuito ni aleatorio, ya que ambos personajes parecen vivir según sus reglas alejándose de las normas establecidas por las férreas sociedades que hay a su alrededor)
Amirpour juega en muchos momentos en el filo de una navaja. Su apuesta por lo poético puede caer en lo ridículo pero esta consigue sorprendentemente hacer que dichas escenas salgan a flote y no hundan la película (Lo siento, ver a Miami Man lapicero en mano me resulta del todo increíble). Otro de los fallos achacables a 'The Bad Batch' son las inevitables referencias que un espectador habitual de 'Los Simpsons' encontrará. Como no puede ser de otra manera entendemos que estas similitudes son fruto del azar pero restan credibilidad a la cinta. SPOILER SPOILER SPOILER. En la siguiente línea se va a hablar de una escena que puede llevar implícito un spoiler por lo que te recomendamos que si no quieres leerlo saltes al siguiente párrafo. Al ver a Arlen caminar por el desierto en pleno colocón, el espectador no podrá dejar de pensar en el 'viaje' de Homer Simpson tras comer el chili más picante del mundo. De la misma forma, al ver el conejo del que se encariña Honey hace imposible no pensar en tenacitas. FIN DEL SPOILER
Tampoco debemos dejar de lado que Amirpour solo se centra en sus dos protagonistas, algo que de algún modo parece alejarla de su anterior película donde esta profundizaba en la historia del traficante de drogas y en la del padre del protagonista. En ‘The Bad Batch’ los secundarios aparecen simplemente perfilados, lo que a ciertos espectadores les puede suponer una cierta decepción ya que alguno de ellos parece apuntar muy buenas maneras como para construir una sólida historia alrededor de ellos.
Los casetes vuelven a estar de moda: 'Por trece razones', 'A girl walks home alone at night', 'Baby Driver' y ahora como no podía ser de otra manera 'The Bad Batch'. Habrá que ver si al final la obsesión reciente de ciertas producciones conseguirá que las cintas de música vivan su revival de la misma manera que ocurre con el vinilo. Suponemos que nadie se atreverá a recuperar los laserdics.
'The Bad Batch' es una muy interesante distopía que resulta una película mucho mas compacta que 'A girl walks home alone at night' y donde el espectador se encontrará con los suficientes elementos como para querer volver a verla. Atentos a los mensajes que se muestran en la película, especialmente aquellos que llevan en las camisetas las mujeres que se encuentran con 'The Dream' y que dan a la película un toque perverso y sádico como pocos. Con una gran banda sonora y una protagonista en estado de gracia, 'The Bad Batch' es una muy recomendable película que con el tiempo se convertirá en una pieza de culto. Muy recomendable.



Lo mejor: Sin duda alguna, Suki Waterhouse,
Lo peor: La sensación de estar otra vez ante 'A girl walks home alone at night'

lunes, 10 de julio de 2017

Atlántida Film Fest - Día 4

Dreaming of Denmark
Sería altamente recomendable hacer una sesión doble con el documental de Michael Graversen 'Dreaming of Denmark' y la última película de Aki Kaurismäki 'El otro lado de la esperanza'. Es cierto que Graversen plasma en imágenes la historia real de Wasiullah, mientras que Kaurismäki narra desde la ficción el duro día a día de Khaled pero en ambos casos los directores presentan como protagonistas de sus historias a dos inmigrantes cuyo mayor deseo es huir de la guerra que viven sus países y conseguir asilo bien sea en Dinamarca o bien sea en Finlandia. Graversen grabó durante mucho tiempo a Wasiullah, al que conoció con quince años en un centro de acogida. El director muestra de manera clara y concisa el anhelo de Wasi, sus sueños y la necesidad de encontrar su sitio, algo parecido a lo que hizo Kaurismäki pero sin la ironía y el sutil sentido del humor del director finlandes. La interminable espera para saber si Wasi y Khaled pueden conseguir asilo, las negativas con las que estos se topan (Algo mas duramente criticado en la cinta de Kaurismäki) llevará a que ambos se alejen de los centros de acogida donde han encontrado cobijo. Ambos directores se muestran certeros a la hora de situar la cámara y en el caso de Graversen, a la hora de escoger las escenas que este va a utilizar para el escaso metraje que conforma su documental, 'Dreaming of Denmark' dura apenas sesenta minutos. Aunque Wasi viaje a Italia y Khaled encuentre trabajo en un bar, diálogos y momentos pueden saltar de una película a otra sin que el espectador lo note. 'Dreaming of Denmark' es un muy interesante documental que gracias a la gran expresividad de su protagonista y de su historia, nos toca y nos llega muy hondo.


Si no soy no puedo ser
Nada mejor que tras ver el documental de Graversen y la película de Kaurismäki dedicar diez minutos para ver el cortometraje de Mario Torrecillas 'Si no soy no puedo ser' donde niños kurdos y sirios que viven en el campo de refugiados de Cherso (Grecia) narran su duro día a día. Unos niños a los que la guerra ha arrancado su inocencia cuentan como se sienten y lo que que supone para ellos la situación en la que viven todo ello acompañado por una gran animación que hecha con gran respeto y delicadeza acompaña a las palabras de los verdaderos protagonistas del cortometraje: Los niños.

jueves, 6 de julio de 2017

Atlántida Film Fest - Día 3

People that are not me
Si hay algo que destaca en 'People that are not me' es la enorme naturalidad y complicidad de los dos protagonistas principales. Hadas Ben Aroya también directora y guionista de la película y Yonatan Bar-Or son una nueva versión de Céline y Jesse, mediante sus palabras y sus conversaciones se va dando forma a las inquietudes de estos, centrándose especialmente en ella, su forma de ver el mundo y la sensación de aislamiento, la soledad y la necesidad de encontrar a alguien con quién compartir su vida. Una versión de 'This is not a love song' de Public Image Limited (PIL) abre la película y es usada por Ben Aroya de la misma forma que Ari Folman en 'Waltz with Bashir': Con el protagonista caminando por una ciudad que parece que no le comprende. Y en el caso de 'People are not me'  tiene otra lectura, ya que la canción de los PIL se puede aplicar a la película cambiando la palabra 'song' por 'story'. A 'People are not me' se le podría añadir eso de 'This is not a love story'. Puede que lo peor de esta película sea la autosuficiencia que destilan algunos de sus fotogramas, la sensación de estar ante una cinta que se cree mas de lo que es, que cree que refleja a toda una generación. La manera en la que Ben Aroya rompe la continuidad de las escenas no sabemos si es un simple fallo o si es usado por la directora para trasmitir algún tipo de mensaje. Sirvan de ejemplo dos escenas: La primera de ellas es en la que los dos protagonistas están bailando en un bar, cuando él la coge en brazos vemos que ella lleva unos zapatos negros con grandes tacones, al salir del bar los zapatos siguen siendo negros pero planos. La segunda de ellas es el momento en el que ella se acuesta en la cama. Con un vestido y medias blancas, estas desaparecen de la escena sin tener la sensación de que esta se las ha quitado, sobre todo porque en dicho momento quedaría extraño que lo hiciera. 'People that are not me' no es una película romántica, 'People that are not me' no es una cinta que hable de sexo, no, 'People that are not me' es una película que trata de la soledad, del miedo a no encontrar a alguien y de la necesidad que tienen algunas personas de aferrarse a alguien.



miércoles, 5 de julio de 2017

Crítica: Colossal

Título: Colossal
Año: 2016
Género: Drama - Ciencia ficción
Duración: 109 min. 
Director: Nacho Vigalondo
Guión: Nacho Vigalondo
Música: Bear McCreary
Interpretes: Anne Hathaway, Jason Sudiekis, Austin Stowell, Tim Blake Nelson, Dan Stevens, Hannah Cheramy, Nathan Ellison, Haeun Hannah Cho, Christine Lee, Sarah Surh
Nota: 5
Sinopsis: Tras ser abandonada por su novio, Gloria se mudará a su pueblo natal con la intención de superar sus problemas con el alcohol y hacerse con el rumbo de su vida, pero todo cambiará drásticamente cuando un monstruo gigante empiece a atacar Seúl.




Crítica:
En una reciente entrevista, el actor Raúl Arévalo preguntado por el premio Goya al mejor actor de reparto que ganó en el año 2009 reconoció que esos premios dependen mucho de lo mediático que sea el trabajo y de los amigos que uno tiene. Algo parecido se puede decir del cine de Nacho Vigalondo, un director que parece manejarse mejor en el cortometraje, suyos son por ejemplo '7:35 de la mañana', el hilarante 'A is for Apocalypse' que forma parte de la antología 'The abc's of the death' o 'Parallel Monsters' incluido en 'V/H/S Viral', que en el largometraje algo que se puede apreciar especialmente en sus dos últimas películas; 'Open Windows' y esta 'Colossal' que teniendo un muy interesante punto de partida y muchos elementos a su favor como para hacer de ellas dos grandes películas, se le acaban escapando de las manos conforme avanza el metraje y todas las buenas maneras que ambas apuntaban se vienen abajo por culpa de dos finales que hacen del efectismo su máxima. Seamos sinceros, si Vigalondo no cayera tan bien, si no tuviera tan buenos amigos, 'Colossal' no habría sido recibida en España con tan buenas críticas y probablemente esta habría sido definida como otra comedia romántica americana con toques fantásticos cuyas intenciones quedan muy lejos del resultado final.
Vigalondo debutó en el año 2007 en la pantalla grande con la interesante pero fallida 'Los Cronocrimenes'. Y decimos fallida porque el hecho de que el propio director diera vida a uno de los personajes (Decir que interpretaba sería ser muy generoso) era como Marla Singer, una herida en el paladar que sanaría si alguien le hubiera hecho ver su error o si el director hubiera asumido su incapacidad para actuar. Cuatro años mas tarde, en el 2011, llegó su, al menos para mi, mejor película: 'Extraterrestre', una pequeña comedia romántica con toques fantásticos que se beneficiaba del trabajo de sus tres protagonistas (Un estupendo Julián Villagrán, una gran Michell Jennner y un desquiciado Carlos Areces así como la presencia de Raúl Cimas y Miguel Nogera). 'Extraterrestre' es sin duda alguna una de esas películas que se disfrutan y se paladean con gusto, una de esas películas que resultan tremendamente simpáticas y que alejándose de la pedantería que destilan muchas cintas, se ve muy bien y es fácil que el espectador guarde de ella un muy grato recuerdo. 
Tres años mas tarde, Vigalondo volvió a ponerse detrás las cámaras para rodar un nuevo largometraje (Que nadie piense que durante ese tiempo el director y guionista estuvo parado ya que entre otras cosas dirigió varios cortometrajes) titulado 'Open Windows' y protagonizado por Elijah Wood y Sasha Grey, conocida por muchos por sus trabajos en el mundo del porno. La actriz está intentando abrirse camino como actriz dentro del cine comercial: 'The girlfriend experience' de Steven Soderbergh, esta 'Open Windows' o 'Would you rather' de David Guy Levy son los tres ejemplos mas claros de ello. Un interesante punto de partida y una llamativa puesta en escena que por desgracia resulta demasiado similar a la de 'Eliminado' ('Unfriended') de Levan Gabriadze (Lastima que ambas cintas se rodaran el mismo año) hacía de esta una cinta con los suficientes elementos como para ser una gran película o mejor dicho un gran cortometraje porque Vigalondo alargaba su historia en exceso y unos giros arguméntales del todo inverosímiles hacían que 'Open Windows' perdiera fuelle minuto a minuto hasta convertirse en una parodia de si misma. Sin duda alguna lo mejor que nos dejó esta película fue poder escuchar 'Ghost Rider' de Suicide en un cine.
Ahora y tras la gran acogida que tuvo en el pasado festival de cine fantástico de Sitges, 'Colossal' se estrena en los cines españoles (Todo sea dicho, de una forma muy limitada, creo que son 31 copias las que se han estrenado y en algunos casos en pocas sesiones. Aunque no haya conectado con la cinta de Vigalondo y casi ni con su cine a excepción de 'Extraterrestre', es una verdadera lastima que cintas a priori tan interesantes como esta se estrenen tan mal). Gloria, a la que da vida Anne Hathaway, tras ser abandonada por su novio, con un grave problema con la bebida e incapaz de encontrar el rumbo, volverá a su pueblo natal donde se encontrará con un viejo amigo (Que si, que la Hathaway lo hace muy bien pero Jason Sudeikis es para mi el verdadero descubrimiento de la película). Los bandazos de esta al intentar enderezar su vida se toparan con un extraño monstruo gigante que ataca a la ciudad de Seúl.
Vigalondo maneja en 'Colossal' una idea un tanto peligrosa, una de esas ideas que o bien pueden dar mucho de si (Mezclar la deriva en la que se ven dos treintañeros con monstruos gigantes propios del género Kaiju lo que hace en que la protagonista tenga poco que envidiar al Dai-Nihonjin del 'Big Man Japan' de Hitoshi Matsumoto, tan poco que 'Colossal' se podría haber titulado 'Big Woman Middle American Town') o dejar en el espectador la sensación de que esta película surgió en una etílica conversación en la barra de un bar a las tantas de la madrugada y que a partir de una interesante anécdota se construyó toda una película llenándola con demasiadas palabras que no aportan nada y con escenas que solo sirven para rellenar metraje lo que implica que la película avance lentamente. 
La primera parte de 'Colossal' no acaba de funcionar ni como comedia romántica/dramática ni como película que intenta explotar todos los tópicos de este tipo de cine para hacer de ella una divertida sátira. Un ritmo demasiado lento y el desarrollo de ciertas situaciones dejan en el espectador una sensación un tanto extraña ya que mientras Vigalondo pierde tiempo en que a este le quede claro que la protagonista se rasca la cabeza, algo que al ser un tic ya resulta obvio, hace que esta llegue de manera precipitada a ciertas conclusiones. Por un lado el director y guionista pierde tiempo en recalcar ideas obvias pero a la hora de la verdad, a la hora de resolver de manera satisfactoria escenas complicadas este lo hace por la vía rápida y esto es algo que se puede apreciar varias veces a lo largo de la película, especialmente en lo que al final de la misma se refiere.
Resulta preocupante la manera en la que Vigalondo consigue hacernos pasar por original una película que vuelve una y otra vez a ideas ya vistas anteriormente en su cine. Igual que Julio (Julián Villagrán) en 'Extraterrestre', Gloria (Anne Hathaway) duda de su propia condición, si en un caso el director jugaba con la dualidad humano-extraterrestre, aquí lo hace con la idea mujer-kaiju. Los paralelismos entre 'Colossal' y 'Extraterrestre' no solo se quedan en esta idea, además del tono de ambas cintas hay dos detalles fácilmente identificables. Uno de ellos es que tanto Julio como Gloria hacen planos de aquello que están estudiando, de aquello a lo que quieren encontrarle un sentido. Si el primero dibuja una imagen de un ovni que se ve por televisión para determinar el tamaño del mismo, Gloria calca un plano de internet para establecer una similitud entre lo que le sucede a ella y lo que está ocurriendo en Seúl. La segunda es ese momento en el que parece que algún personaje va a adaptar el famoso grito: 'Julia folla con Julio' de 'Extraterrestre' y lo va a adaptar a 'Colossal', algo que personalmente creo que hubiera quedado como un simpático guiño. Aunque nadie diga esa frase en voz alta a muchos espectadores le vendrá a la cabeza.
Pero es en la segunda mitad de la película donde Vigalondo fracasa estrepitosamente, donde el espectador se da cuenta de que la historia que este tiene entre manos no pasa de una anécdota que no se ha sabido desarrollar correctamente, cuando este quiere dejar de lado el tono propio de la comedia romántica para llevar al espectador a una reflexión acerca de la independencia, de los sentimientos de las mujeres y de la violencia contra ellas. En el año 2012, Éric Falardeau dirigió 'Thanatomorphose' película considerada por muchos como una de las cintas mas repulsivas jamás rodadas. En ella, Falardeau narraba la historia de Laura, una mujer que un día descubre que se  está convirtiendo en un cadáver, que se está descomponiendo en vida. Dejando de lado lo excesivo de la propuesta, el director y guionista construía una sólida y brutal metáfora acerca de una mujer cuya pareja y amante se preocupaban solamente por ellos y no por sus sentimientos, siendo un objeto o un pedazo de carne que los 'pretendientes' luchaban por obtener (Idea plasmada en una increíble escena). Esta misma idea parece estar presente en 'Colossal' aunque como no puede ser de otra manera de una forma más light, ya que Gloria será la obsesión de dos personajes mas preocupados por estar con ella que de lo que ella quiere realmente.
En el siguiente párrafo voy a hablar de una idea que considero muy importante en la película por lo que voy a avisar de que este comentario puede llevar asociado algún SPOILER por lo que si no quieres leerlo te recomiendo que saltes al siguiente párrafo. En una reciente entrevista a Vigalondo, el titular de la misma destaca una frase que considero acertada: 'A los maltratadores no se les ve de lejos, las mujeres no son tontas'. Al leer en detalle la misma el director dice: 'Me fastidia mucho que este tipo de personaje sea un villano desde el principio, que se vea de lejos, desde el primer momento. La realidad tiene formas completamente distintas. Y las mujeres no son tontas, lo que pasa es que lo evidente no está siempre en la superficie', es por eso que la manera en la que este desarrolla el personaje interpretado por Sudeikis me acaba descolocando. Vigalondo ha construido al personaje perfecto, al señor maravilloso, al yerno que toda suegra querría tener pero lo acaba convirtiendo en un psicópata de manual, en una persona que arrastra traumas desde niño y que vive en condiciones inhumanas haciendo de Diógenes su mejor amigo dando la sensación de que este justifica de alguna manera su terrible actitud. Y mi pregunta es la siguiente: ¿Si lo evidente no está siempre en la superficie porque hacer que la superficie de este personaje acabe siendo tan evidente? ¿Porque no construir el mismo tipo de personaje pero hacer que viva en una casa bien cuidada, bien arreglada? ¿Porque darle un pasado mostrando una foto sin rostro y no dejarlo en el aire, sin entrar en detalles? El 'cambio', la 'transformación' (por decirlo de alguna manera) del personaje interpretado por Sudeikis parece mas un giro de guión como el que sufre Nick Chambers en 'Open Windows' para sorprender al espectador que algo premeditado de antemano. Esta es simplemente la sensación que me dejó la evolución de Oscar (Sudeikis) en la película.
Creo que lo más fantástico de 'Colossal' no son los monstruos gigantes que aparecen en ella sino que los críos en Estados Unidos sean siempre tan puntuales a la hora de ir a la escuela. Siempre a las ocho y cinco. Ni un minuto más, ni un minuto menos. La cinta de Vigalondo que se beneficia del gran trabajo de sus dos protagonistas (Algo habitual en su cine. No comparto la forma en la que este construye sus historias, ni su humor pero hay que reconocer que sabe sacar el máximo provecho de cada actor que se pone a sus ordenes… excepto como no podía se de otra manera de él mismo), falla en un ritmo demasiado lento y demasiadas conversaciones que no llevan a ningún sitio. De igual manera que en 'Open Windows', a Vigalondo se le acaba cayendo el castillo de naipes que ha ido construyendo por culpa de un final que deja mucho que desear. 'Colossal' habría sido un cortometraje maravilloso pero la forma en la que el director y guionista lo convierte en largometraje acaba por hacerlo naufragar. Una lastima.




Lo mejor: Anne Hathaway y Jason Sudiekis.
Lo peor: La idea es buena, la anécdota da para mucho juego pero la historia se hace pesada y aburrida por momentos.