viernes, 20 de octubre de 2017

Sobre 'Blade Runner 2049' y el cine de Denis Villeneuve

Título: Blade Runner 2049
Año: 2017
Género: Ciencia Ficción - Drama
Duración: 166 min.
Director: Denis Villeneuve
Guión: Hampton Fancher y Michael Green
Música: Benjamin Wallfisch y Hans Zimmer
Interpretes: Ryan Gosling, Harrison Ford, Robin Wright, Ana de Armas, Sylvia Hoeks, Makenzie Davis, Jared Leto, Carla Juri, Barkhad Abdi, David Dastmalchian, Dave Bautista, Tómas Lemarquis
Nota: 8,5
Sinopsis: Tras retirar al replicante Sapper Morton, un joven Blade Runner llamado K se verá involucrado en un descubrimiento que pondrá en peligro los cimientos de la sociedad.



Crítica:
Nota: Este texto es una ampliación del que ya publicamos en su momento en 'La soledad del perro guía' acerca del cine de Villeneuve, actualizándolo con todas aquellas ideas que hemos podido extraer de su última película 'Blade Runner 2049'. Nuestra intención no es otra que acercarnos a la filmografía del director canadiense en su conjunto, analizando ciertas ideas que aparecen en sus películas de forma recurrente.
Denis Villeneuve sigue diseccionando con el pulso y la precisión de un experto cirujano como la violencia afecta a un grupo en general y a las personas en particular analizando las repercusiones morales de los actos llevados a cabo por y sobre los protagonistas de sus películas. Recuperamos y ampliamos ciertas líneas, ideas y conceptos que ya dedicamos en este mismo blog al cine del director canadiense tras el estreno primero de 'Prisioneros' ('Prisioners') y después 'Sicario' en el cine así como en la crítica de su más que notable cinta 'Polytechnique'. Tal y como afirme en su momento, Villeneuve es uno de los directores mas interesantes que hay actualmente y sus películas para bien y para mal, no dejan indiferente a nadie.
Es necesario ver toda la filmografía de Villeneuve para poder profundizar en el tratamiento que este hace de la violencia en sus películas y cada nueva cinta no deja de ser una evolución lógica en las obsesiones del director canadiense. La sorprendente 'Un 32 août sur terre', sin lugar a dudas su película mas cómica hasta el momento, narra la historia de Simone (Pascale Bussières) que tras sufrir un extraño accidente de tráfico decide dar un giro de ciento ochenta grados a su vida, para ello nada mejor que dejar el trabajo y tener un hijo con su mejor amigo Phillipe (Alexis Martin). Villeneuve juega de manera notable con el humor (Sutil en muchos momentos) y una medida sensibilidad que junto a dos entrañables protagonistas consiguen hacer que el espectador vea esta película con bastante simpatía. El director y guionista canadiense vuelve a explorar el miedo de muchos jóvenes al pasar la psicológica barrera de los treinta, para ello Villeneuve sitúa a los personajes en diversos ambientes que reflejan perfectamente la sensación de estar perdidos en medio de la nada (El desierto al que acuden los dos protagonistas donde por si había alguna duda, la conversación entre Simone y Phillipe echándole esta en cara todas las carreras que esta ha empezado y no ha acabado refuerza la idea de que Phillipe -y también Simone- vagan constantemente por un desierto, están totalmente perdidos) o de estar encerrados en sus propios sentimientos, incapaces de expresarlos de una manera clara y abierta (Para ello Villeneuve los encierra en un hotel cápsula). Aunque 'Un 32 août sur terre' parece seguir las pautas marcadas por el cine romántico y por lo tanto alejarse de la forma en la que el director canadiense analiza como la violencia afecta a las personas, este es capaz de hacer de su primer largometraje una pequeña muestra de las obsesiones que desarrollará de manera mas amplia en el resto de su filmografía ya que en 'Un 32 août sur terre', Villeneuve no evita tocar ningún tema. (Nota: Si existe alguna duda de la forma en la que el director canadiense juega con el humor y el paisaje/ambiente sirva de muestra esa escena en la que los protagonistas llegan al desierto con la idea de hacer el amor para que Simone quede embarazada. Una imagen vale más que mil palabras)
Con 'Maelström', Villeneuve continua con su evolución alejándose poco a poco de la comedia para acercarse al drama sin ningún tipo de rodeo ni concesión. A pesar, o mas bien conociendo la dureza de la historia que el canadiense tiene entre manos (Cinta con la que 'Otra Tierra' -'Another Earth' de Mike Cahill o '21 gramos' -'21 grams'- de Alejandro González Iñárritu comparte ciertas ideas), este nos deja una escena inicial acerca de la visión que da su película de los noruegos que hace imposible que al espectador no se le escape una sonrisa. Además son varios los momentos deliberadamente cómicos que hay en la película (Alguno de ellos reforzado por el uso de la música no siempre elegida con acierto) que hace que el espectador vea de una manera mas placida (Por decirlo de alguna manera) la tremenda historia de autodestrucción que sufre la protagonista (Una esplendida Marie-Josée Croze a la que muchos recordamos por su trabajo en la excelente 'Las invasiones bárbaras' -'Les invasions barbares'- de Denis Arcand). Si bien 'Un 32 août sur terre' deja un mensaje ciertamente pesimista, 'Maelström' da cierta esperanza a sus personajes algo que la aleja de alguna manera de su predecesora. Villeneuve vuelve a hacer de una mujer la protagonista de su película, y este vuelve a presentar un par de ideas comunes a ambas películas: La importancia de la maternidad (En 'Maelström', la protagonista, Bibiane se someterá a un aborto que servirá como elemento disparador de todos sus miedos y frustraciones por culpa de la imposibilidad de aceptar lo que ha hecho, mientras que en 'Un 32 août sur terre', Simone desea por encima de todo quedarse embaraza y tener un hijo. Esta idea ampliada a la familia estará presente en muchas de las cintas del director) y la importancia que un accidente de tráfico tendrá en la vida de sus protagonistas (Si este será para Simone el hecho diferenciador que la animará a cambiar su vida, para Bibiane será el punto de inflexión para iniciar su constante caída al vacío). Villeneuve vuelve a mostrar la violencia como algo cotidiano y que podemos encontrarnos al cruzar una calle una noche cualquiera, algo que no solo afecta a la victima sino también a sus familiares y a las personas involucradas en tan dramático hecho.
Lo peor que se puede decir de una cinta tan impactante como 'Polytechnique' es que esta llega seis años después del 'Elephant' de Gus Van Sant que se alzó con la Palma de Oro y el premio al mejor director en el Festival de cine de Cannes en el 2003 (Esta misma idea puede hacerse extensible al notable cortometraje 'Safari' dirigido por Gerardo Herrero en el año 2014). Si Van Sant exploraba de manera ficcionada la matanza del instituto Columbine (El 20 de abril de 1999, Eric Harries y Dylan Klenbold mataron antes de suicidarse a quince personas, además veinticuatro resultaron heridas de diversa gravedad), Villeneuve hace lo propio con la masacre llevada a acabo por Marc Lépine en la ciudad de Montreal el 6 de diciembre de 1989. Lépine que mostraba un odio visceral hacia las mujeres y el feminismo acabó con la vida de catorce chicas e hirió a catorce más. Pero Villeneuve no explora simplemente la enfermiza personalidad de Lépine, ni 'Polytechnique' es una mera sucesión de escenas que reflejan el infierno que sufrieron las personas que vivieron la matanza que este llevó a cabo. No, Villeneuve profundiza en la forma y la manera en la que estos terribles hechos afectaron a todos aquellos que los vivieron dejando heridas no solo físicas sino también psicológicas. El director canadiense nos deja con 'Polytechnique' una terrible, lapidaria y sincera reflexión acerca de la violencia que viven las mujeres. Villeneuve vuelve a mostrarse pesimista como ya hizo en su opera prima y demuestra que por muy duras que puedan ser sus películas, sus finales pueden ser todavía mas desgarradores.
A pesar de que 'Un 32 août sur terre', 'Maesltröm' y 'Polytechnique' son tres grandes películas, Villeuve era un desconocido para el gran público hasta que en el año 2010 este adaptó a la pantalla grande la obra del también canadiense aunque nacido en el Líbano, Wajdi Mouawad en la que una madre pide a sus hijos que encuentren a su hermano y a su padre de los que no se sabe nada tras la guerra en Libia. En 'Incendios' ('Incendies'), Villeneuve trasciende del drama familiar para explorar los efectos de la guerra en las personas donde este juega a ser Atom Egoyan y como hace (O mejor dicho, hacía) el autor de cintas como 'El liquidador' ('The Adjuster') es necesario ver el final de la película para juntar todas las piezas que conforman la misma y entender la verdadera naturaleza del drama que el director nos está contando. Es clara la evolución del cine del director, si en 'Maesltröm' se atisban ciertos elementos humorísticos que desaparecen completamente en su siguiente película 'Polytechinque', será esta  la que marque definitivamente hacía donde va a evolucionar el cine del canadiense. La violencia inherente a una guerra llevará a que una familia se rompa (Algo que ya vimos en 'Maesltröm' y en 'Un 32 août sur terre' aunque en este caso es el proyecto de una familia lo que se destroza por un dramático suceso) y a que tanto Jeanne Marwan como su hermano Simon Marwan necesiten encontrar la respuesta a ciertas preguntas para así poder encontrar su sitio en un mundo después de que la muerte de su madre les diera a conocer una realidad que hasta ese momento desconocían. La necesidad de los personajes para encontrarse y coger de alguna manera las riendas de su vida es algo presente en las cintas de Villeneuve, esa Simone que decide formar una familia con su mejor amigo en  'Un 32 août sur terre', la Bibiane de 'Maelström' que tras un aborto y un accidente de tráfico intentará poner fin a su constante caída, la Valérie de 'Polytechenique' al intentar superar la matanza que vivió o los hermanos Marwan cuya situación familiar se ha visto trastocada al descubrir que estos tienen un hermano cuya existencia desconocían.
Pero fue el 2013 el año del verdadero salto a la fama de Villeneuve gracias a dos películas: 'Enemy' y sobre todo la muy comercial 'Prisioneros' ('Prisioners'), ambas protagonizadas por Jake Gyllenhaal y que hasta el momento del estreno de 'Blade Runner 2049' compartían no solo a su actor principal sino también el hecho de que eran los dos únicos largometrajes de Villeneuve donde los protagonistas no son mujeres, además ambas parecen compartir cierta esencia con el cine del director David Lynch. Tal y como comentamos en su momento acerca de 'Prisioneros' ('Prisioners'): "Seria un error pensar que Villeneuve se ha traicionado en su última película (En referencia a la cinta protagonizada por Gyllenhaal y Jackman), que se ha vendido al cine comercial americano, pero el director canadiense ha sido capaz de tomar un guión de Aaron Guzikowski que nos evoca constantemente a 'Zodiac' y plasmar todas aquellas obsesiones que ya mostró en sus obras anteriores. Si en 'Una historia verdadera' ('The straight Story'), Lynch cogió a sus oscuros personajes y los sacó a la luz sin perder la esencia a pesar de resultar sorprendente en el tono, en 'Prisioneros' ('Prisioners') Villeneuve coge a sus personajes y los lleva a un entorno donde es mas fácil llegar al publico pero sin traicionar su esencia: La dureza de sus imágenes y el conflicto moral que nos propone, hace de esta película una cinta que no es de fácil visionado'. Tal y como sucedía en 'Incendios' ('Incendies'), un dramático hecho hará que una familia se enfrente a una situación que los desborda y que les llevará a plantearse hasta donde llegarían para dar con el paradero de su hija desaparecida.
Ese mismo año, Villeneuve adaptó la novela de José Saramago 'El hombre duplicado' con su para muchos sobrevalorada 'Enemy' en la que es hasta el momento su cinta mas extraña y lynchniana gracias a un turbio comienzo, al muchas veces abstracto concepto del dopplegänger y sobre todo gracias al uso de cierta araña que conseguía desubicar completamente al espectador. Adam Bell, en pleno proceso de autodestrucción, descubre en una película a un doble perfecto lo que le obsesionará hasta el punto de intentar dar con él (Resulta llamativo que 'Maelström' guarde cierto parecido con 'Another Earth' y esta con la idea del doble y la obsesión por conocer si el otro 'yo' ha conseguido hacer con su vida algo mejor como sucede en 'Enemy', idea que por cierto también es algo que se puede apreciar en la interesante 'Coherence'). El director canadiense deja de lado la violencia física (Atropellos, torturas, abortos, violaciones...) para centrarse en la manera en la que una persona se va degradando poco a poco dejándonos su película mas críptica y hermética (Como nota informativa decir que 'Enemy' cuenta con la presencia de Sarah Gadon, actriz muy a tener en cuenta y que ha trabajado con grandes directores como el propio Denis Villeneuve, David Cronenberg o el hijo de este Brandon Cronenberg en su notable debut en el largometraje 'Antiviral'. Como no puede ser de otra manera, los ecos del cine David Cronenberg también se aprecian en este 'Enemy')
Con 'Sicario', Villeneuve volvió a contar con una mujer en el papel protagonista y a explorar como afecta la violencia a un grupo en general y a una persona en particular. Para ello, Villeneuve narra la historia de Kate Macer (Emily Blunt), policía reclutada por un extraño grupo de élite para luchar contra los cárteles mejicanos que parece que empiezan a establecerse en territorio norteamericano. Lo que para esta comienza siendo una gran oportunidad para acabar con todo aquello que supone una amenaza se convertirá en un oscuro juego de intereses que hará que esta se replantee todo aquello por lo que está luchando (Idea constantemente representada en el cine de Villenuve: Los Marwan se replantean su posición en su familia y el mundo, igual que Keller Dover hace lo propio con los límites de lo ético para conseguir dar con el paradero de su hija, igual que Valérie se plantea su situación en un mundo lleno de violencia contra las mujeres...). Como dice el personaje interpretado por Victor Garber en esta película: 'Te preocupas por no traspasar la línea pero las líneas ya se han movido', Villeneuve juega en sus películas con estas líneas (Por ejemplo con ese intento por extraer información a un joven con cierta discapacidad en 'Prisioneros' -'Prisioners'-) y 'Sicario' no podía ser menos: Las líneas que determinan donde está lo correcto y lo ético se desplazan y se mueven según ciertos intereses y lo que es peor: El espectador puede llegar al pensar que los actos que llevan a cabo los protagonistas pueden estar mas que justificados. El guión escrito por Taylor Sheridan se encarga de no dejar lazos sueltos, de intentar justificar todas las motivaciones de los personajes y nosotros como espectadores hemos de situarnos a un lado u otro, algo parecido a lo que ocurría con la reacción del personaje interpretado por Hugh Jackman en 'Prisioneros' ('Prisioners')
El idilio de Villeneuve con la ciencia ficción comenzó con 'La llegada' ('Arrival') cinta protagonizada por Amy Adams y Jeremy Renner donde el guionista Eric Heisserer adaptaba una historia corta de Ted Chiang que tiene por título 'La historia de tu vida' ('Story of your life'). Resulta llamativo que el uso de la ecuación '1+1 = 2' posee una vital importancia en 'Incendios' ('Incendies'. Película que adapta la segunda parte de la tetralogía 'La sangre de las promesas' escrita por Wajdi Mouawad por lo que hay que reconocer la autoría de Mouawad en las frases que hacen referencia a dicha ecuación) y en otra de las historias cortas de Chiang, 'División por cero'. En los dos casos, la idea de que todo aquello que es conocido se desmorona por culpa de un axioma que se da por cierto es mostrada con notable inteligencia tanto por Chiang como por Mouawad y por tanto también por Villeneuve. De hecho el cine de Villeneuve se podría definir así: 'La forma en las que las personas afrontan su lugar en el mundo al ver como este se desmorona por culpa de un axioma que se da por cierto'. La llegada de unas naves extraterrestres a la Tierra, hará que el gobierno contacte con experta en lingüística Louis Banks para que esta les ayude a comunicarse con los tripulantes de las naves y averigüe las intenciones de estos con respecto al planeta y sus habitantes. Banks se encontrará en medio de una difícil situación: Encontrar un lenguaje para hablar con esos extraterrestres en forma de cefalópodos en medio de una creciente espiral de tensión que puede desembocar en una guerra a gran escala. 
El lenguaje de los cefalópodos es la llave para conocer el pasado y el futuro lo que llevará a Banks a saber que las decisiones que esta tome en la vida la llevarán a ser madre y que su hija morirá. Otra vez volvemos a encontrarnos con la idea de la maternidad que ya ha sido planteada por Villeneuve en 'Un 32 août sur terre' o en 'Maelström', y la posición de los padres reflexionando acerca de donde están los limites aceptables de su forma actual (Ocultar la existencia de un hermano y revelarlo solo en el momento de su muerte a sus hijos en 'Incendios' -'Incendies'-, o planteándose hasta donde estaría una persona dispuesta a llegar para dar con el paradero de su hija desaparecida). Villeneuve explora no solo la carga dramática y la violencia inherente a la historia derivada de los actos y las decisiones de los protagonistas, en especial los de ella. La decisión tomada con Ian de que nunca cambiarán nada que afecte al futuro es una sentencia de muerte para la hija de ambos. Aunque 'La llegada' ('Arrival') parece centrarse en la creación del lenguaje dejando 'la historia de su vida' como algo secundario, algo residual, esta cobra fuerza no solo por los flashbacks que sazonan a la película sino y muy especialmente porque la decisión de Ian y Louis acarreará dramáticas consecuencias. El sacrificio realizado por Louis, el de guardarse aquello que afecta a su hija parece enlazar con la decisión de Nawal Marwal de ocultar a sus hijos la existencia de un hermano.
Ahora nos llega la que es la nueva película de Denis Villeneuve, ‘Blade Runner 2049’, secuela de la mítica película dirigida en 1982 por Ridley Scott y que es considerada por muchos y de manera mas que justa como una de las cintas claves dentro del cine de ciencia ficción. Villeneuve pone en imágenes, de una manera absolutamente abrumadora, el guión escrito por Hampton Fancher (‘Blade Runner’) y Michael Green que parece ocupar el hueco dejado por David Webb Peoples (‘Doce Monos’ –’12 Monkeys’-, ‘Sin Perdón’ –‘Unforgiven’-). ‘Blade Runner 2049’ es una película de una fuerza visual como pocas, donde cada fotograma desprende una belleza increíble capaz de seducir a casi cualquier espectador y donde la soberbia banda sonora compuesta por Benjamín Wallfisch y Hans Zimmer hacen que ver esta película en condiciones sea una experiencia casi única… pero… ¿Es ‘Blade Runner 2049’ un bonito y lujoso envoltorio para algo vacío y sin alma?
‘Blade Runner 2049’ vuelve a poner sobre la mesa varias de las obsesiones que el director canadiense ha expuesto a lo largo de su filmografía. Otra vez, Villeneuve explora la forma en la que las personas afrontan su lugar en el mundo al ver como este se desmorona. Otra vez, Villeneuve se acerca a los sentimientos de una persona que ha de enfrentarse a una situación para la que no está preparado. Otra vez, Villeneuve examina como la violencia afecta a un grupo en general y a una persona en particular. ‘Blade Runner 2049’ vuelve a explorar la humanidad (Los sentimientos, el alma. Poder disfrutar de Nabokov, llorar cuando ves sufrir a los tuyos, la necesidad de compartir tu vida con alguien, alejarte de la soledad, el amor, dejarte deslumbrar por un milagro), y tener una identidad propia alejada de tu creador, reforzada por la importancia de tener un nombre y no un numero de serie. El nombre es algo que distingue a una persona dentro de una comunidad, de un grupo.
K y Joi  no dejan de ser una versión de Phillipe y Simone que esta vez no se quedan encerrados en un hotel cápsula sino en un emanador,  K no deja de ser una versión de Bibiane que observa como su mundo se desmorona, como un hecho violento marcará un antes y un después en su existencia que le hará caer al vacío planteándose su propia existencia llevándolo a aferrarse a cualquier tipo de esperanza/ilusión. K no deja de ser una versión de Valerie que tendrá que enfrentarse al odio de una parte de la sociedad en la que vive. K no deja de ser una versión de los hermanos Marwal a los que una reveladora información hará que se replanteen su mundo y su existencia y K no deja de ser una versión de Kate Macer que verá como los intereses están por encima de las personas. Un director tan personal y arriesgado como Villeneuve no podía poner en juego su carrera (Dirigir una cinta como ‘Blade Runner 2049’ podría haber supuesto el fin de Villeneuve como director) por una película en la que el no creyera, que no aportara nada a su filmografía salvo un jugoso cheque, que no plasmara una evolución lógica en su cine.
Resulta inevitable no pensar en la película de Spike Jonze ‘Her’, en la que en una sociedad individualista que camina avocada a la mas absoluta de las soledades su protagonista Joaquín Phoenix se acabará enamorando de un sistema operativo con la voz de Scarlett Johansson, al ver la relación entre K y la virtual Joi. Hampton Fancher y Michael Green parecen haber tomado ciertos elementos de la cinta de Jonze volviendo a examinar la terrible soledad en la que vive su protagonista, donde en el caso de ‘Blade Runner 2049’ se refuerza con la idea del rechazo que sufre K por ser quién es. La nueva generación de replicantes son mas fácilmente distinguibles que sus predecesores pero queda claro que estos a pesar de su naturaleza artificial poseen alma lo que los hace humanos, de hecho mas humanos que los propios humanos.
Ryan Gosling interpreta a ese joven Blade Runner, amante de ‘Palido fuego’ (‘Pale Fire’) y cuya soledad parece que le devora por dentro, de la misma manera que este dio vida a los protagonistas de ‘Drive’ o ‘Solo Dios perdona’ (‘Only Gods forgives’) de Nicolas Winding Refn; con pocas palabras y expresividad. Resulta imposible no pensar en las dos cintas de Winding Refn, no solo por compartir protagonista y por la forma que este tiene de interpretar a los diferentes personajes sino porque en un caso nos encontramos ante dos solitarias personas que cansados de su trabajo buscaran de alguna manera su redención, mientras que en el otro porque las palizas que recibe K en ‘Blade Runner 2049’ no tienen nada que envidiar a las de Julian en ‘Solo Dios perdona’ (‘Only Gods forgives’). Es un agradable placer ver a Harrison Ford volver a interpretar a Deckar treinta y cinco años después en el que sin duda es su mejor trabajo de los últimos años, como ver a Jared Leto como el dueño de ese imperio obsesionado por crear vida. El tema que lleva por nombre el del personaje que interpreta Leto ‘Wallace’ compuesto por Benjamin Wallfisch y Hans Zimmer nos trae sin ningún género de dudas la banda sonora de la soberbia 'Léolo' de Jean Claude Lauzón.
Pero si algo tiene fuerza en esta película son sus personajes femeninos. Es cierto que Silvia Hoecks no puede hacernos olvidar el trabajo de Reuter Hauer en la cinta de Scott, es cierto que McKenzie Scott no puede hacernos olvidar a Darryl Hannah, (Enfrentarse a un clásico es lo que tiene) pero sus trabajos consiguen estar a la altura de lo esperado. La primera es una gran villana, la segunda consigue que su sensualidad traspase la pantalla y que junto con Gosling y Ana de armas nos deja una excelente escena que perdurará en la memoria colectiva. Resulta sorprendente a la vez que agradable ver a Carla Juri protagonista de la notable ‘Wetlands’ de David Wnendt en un pequeño papel en ‘Blade Runner 2049’ (Tras ver la cinta de Wnendt entendemos porque esta tiene un problema con su sistema inmunitario) y lo mismo podemos decir de la actriz cubana Ana de Armas que tras participar en series como 'El internado' se está forjando una muy sólida carrera en Estados Unidos. 
Benjamin Wallfisch y Hans Zimmer nos dejan una soberbia banda sonora que complementa perfectamente a las imágenes rodadas por Villeneuve y que como no podía ser menos sigue perfectamente la estela de la música compuesta por Vangelis para la película original de Scott. Lo mismo se puede decir del ritmo, de la atmósfera, del color con la que el director canadiense dota a cada plano de su película, ‘Blade Runner 2049’ es una muy digna sucesora que ha sabido respetar la esencia original y se ha enfrentado a momentos venerados por los seguidores de la ciencia ficción con solvencia (De celdillas encadenadas. Encadenadas. Todos los espectadores recordarán los test a los que eran sometidos los replicantes para conocer su verdadera naturaleza. Encadenadas. La forma en la que Villeneuve muestra la escena en la que K es sometido a diversos controles para saber si su esencia ha sufrido alguna desviación con respecto a su referencia reforzada por la música de Wallfisch y Zimmer hacen que este momento no tenga nada que envidiar a la cinta original. Repita tres veces: De celdillas encadenadas). Villeneuve llena su película de planos perfectamente estudiados que rebosan una belleza arrebatadora, el guión escrito por  Hampton Fancher y Michael Green sigue perfectamente las líneas marcadas por la historia original que posee mucha mas profundidad que la que los espectadores más críticos quieren ven. Sin duda alguna ‘Blade Runner 2049’ es una de las grandes cintas de ciencia ficción del año y como ocurrió con la película de Riddley Scott el tiempo la pondrá en su sitio y sin duda alguna en un lugar destacado.
Dos cintas dirigidas por Ridley Scott y que son consideradas como obras de referencia en el cine de ciencia ficción y en un caso también de terror como son 'Blade Runner' y 'Alien' han conocido en los últimos años o bien un par de precuelas como 'Prometheus' o 'Alien: Covenant' o una secuela como esta 'Blade Runner 2049'. Como no podía ser de otra manera estas películas han sido recibidas con diferentes opiniones y en muchos casos demasiado polarizadas. Scott dejó de lado la aventura sin sentido de 'Prometheus' para dar paso a ciertas preguntas existenciales acerca de quién creó al creador y la necesidad de David (Michael Fassbender) de convertirse en ese ser dador de vida. En 'Blade Runner 2049' nos encontramos con Niander Wallace (Jared Leto) cuyo anhelo es el mismo que el del personaje interpretado por Fassbender en las precuelas de 'Alien'. Pero mientras en 'Alien: Covenant' todo acaba por no funcionar quedándose en una cinta destinada a llenar la parrilla de las televisiones en semana santa (La imagineria religiosa está mas que presente en esta película. No debemos pasar por alto ideas como la fotografía de la tripulación a lo última cena o el extraño colgante que lleva la protagonista: Un Clavo, entre otras), 'Blade Runner 2049' deja de lado a Wallace para centrarse en las creaciones, en la necesidad de ser amados, de ser tratados como el resto de personas. Con suavidad y sin forzar, Villeneuve plantea que significa tener alma.
El siguiente párrafo puede considerarse SPOILER SPOILER SPOILER por lo que si no quieres leerlo te recomendamos que saltes a la parte final de la crítica donde mostramos el trailer de la película y destacamos lo que nosotros consideramos como lo mejor y lo peor de la película. No iba a escribir estas últimas líneas pero sentía que me dejaba algo muy importante en el tintero, algo que hablando del cine de Villenevue es de vital importancia destacar y eso no es otra cosa que la importancia de la familia y la maternidad. El anhelo de Simone por ser madre, la imposibilidad de Bibiane para aceptar el aborto al que se ha sometido, el embarazo de Valérie en 'Polytechnique', Nawal Marwan revelando a sus hijos la existencia de un hermano, la forma en la que Keller Dover se enfrentará a las normas establecidas para dar con el paradero de su hija, la aceptación de Louise Banks para no cambiar el futuro aunque ello conlleve la muerte de su hija, la necesidad de K por tener una familia y por supuesto y como no podía ser de otra manera, el milagro, aquello que desea Niander Wallace y que dos replicantes consiguieron: Crear vida. Y como bien dice K aquello que nace, tiene alma. FIN DEL SPOILER SPOILER SPOILER


Lo mejor: La banda sonora. La belleza de las imágenes. La valentía de Villeneuve para enfrentarse a una película que podía haber hundido su carrera.
Lo peor: No es una película accesible para todo tipo de público.






domingo, 15 de octubre de 2017

'La casa del callejón' ('Slade House'), 'Livide', David Mitchell, Maury y Bustillo

Título: La casa del callejón
Fecha publicación: Octubre 2017
Editor: Random House
Género: Terror
Páginas: 222
Autor: David Mitchell
Nota: 6
Sinopsis: En un estrecho callejón hay una pequeña puerta, sin cerradura, sin pomo pero si pones la mano sobre ella esta se abrirá mostrando una enorme mansión rodeada de un gran y hermoso jardín.





Crítica:
Como lector tengo toda una serie de sentimientos enfrentados con respecto a la última novela de David Mitchell ‘La casa del callejón’ (‘Slade House’). Es cierto que esta es una novela que se sigue con interés, que se lee con mucha, tal vez demasiada facilidad, pero desde luego no es la mejor historia escrita por Mitchell. ‘La casa del callejón’ (‘Slade House’) resulta demasiado deudora de la anterior novela del autor ‘Relojes de hueso’ (‘The bone clocks’) no solo por la sensación de ser una especie de spin-off de esta (Algo que hace que ‘La casa del callejón’ – ‘Slade house’- pierda emoción en su parte final) sino también por la forma en la que Mitchell la ha estructurado en base a diversos capítulos que ocurren en diferentes años y que están narrados desde el punto de vista de distintos personajes. A pesar de que cada capitulo de ‘La casa del callejón’ (‘Slade House’) sirve para hacer avanzar a la historia principal y que el lector tenga claro lo que está ocurriendo, este podrá tener la sensación de que algunos capítulos resultan demasiado repetitivos llevándole en ciertos momentos a pensar que Mitchell ha escrito esta novela aprovechando el éxito  de ‘Relojes de Hueso’ (‘The clock bones’) y que esta está lejos de su mejor prosa.
Tal y como se indica en la contraportada de la edición española de ‘La casa del callejón’ (‘Slade House’), esta es ‘aclamada como un Drácula del nuevo milenio’, lo que hace que el lector se ponga sobre aviso acerca de la trama de la novela aunque hay que reconocer que tras las primeras páginas este tendrá clara esta idea. Resulta imposible no pensar en ‘Livide’, segunda película de dirigida por el dúo Maury y Bustillo que sorprendieron al mundo con su opera prima ‘A L’interieur’ para acabar decepcionándolo con su terriblemente mediocre y aburrida ‘Leatherface’, por la idea de presentar una gran mansión en la que habitan dos extrañas personas que tienen mucho que ocultar. Si ‘La casa del callejón’ (‘Slade house’) es un nuevo y sorprendente acercamiento al mito del vampirismo, lo mismo podemos decir de ‘Livide’, obra con la que la novela de Mitchell parece compartir varías ideas…
En su primer día como enfermera, Lucie acompañara a Catherine en su ruta diaria de visitas a los ancianos a los que han de vigilar y medicar. En la última casa, una gran mansión a la que siempre se le ha dicho a los niños del pueblo que no se acerquen a ella, Catherine le contará a Lucie que la anciana que vive en la casa y que está en coma profundo guarda en algún lugar un gran tesoro. Lucie y sus amigos creerán que este puede ser el momento oportuno para que sus vidas den un gran giro radical.
Desaparecidos. La ciudad donde sucede la acción de ‘Livide’ no es Santa Carla, la capital mundial del crimen pero lo parece, tampoco es Derry pero lo parece. De la misma manera, Slade House no es el barrio de Limehouse pero lo parece. Maury y Bustillo llenan los primeros planos de su película de carteles que muestran a numerosas personas desaparecidas, idea que es utilizada de manera mas sutil por Mitchell ya que el lector podrá observar  este hecho (La gran cantidad de personas desaparecidas) a partir de la segundo capítulo de la novela ‘Caballero andante, 1988’. (Siempre me ha sorprendido que en un pueblo como Derry no solo siga viviendo gente sino que además se deje a los niños salir solos a la calle, esta misma idea me viniera a la cabeza al ver las primeras escenas de ‘Livide’)
De la misma manera que ocurría con la muy entretenida ‘Don’t Breathe’ de Fede Alvarez, tres personajes que buscan la puerta de escape del mísero futuro que su situación actual parece ofrecerles, creerán que robando a unos ancianos indefensos (En el caso de ella, esta está en coma profundo, en el de él, este es invidente) que viven solos en casas alejadas de la civilización (Como antes, en el caso de ella en una gran mansión situada a las afueras de una pequeña ciudad, en el de él en una casa de un barrio residencial venido a menos) hará que su vida cambie a mejor. Como no podía ser de otra manera, ni en ‘Livide’ ni en ‘Don’t Breathe’ las cosas serán tan fáciles como los chicos creen (Obsérvese en ambos casos nos encontramos con dos grupos de tres jóvenes formados por dos hombres y una mujer. Obsérvese también que en ambos casos las casas ocultan diversos secretos que harán que los jóvenes se den cuenta de que los ancianos son más temibles de lo que ellos podían pensar en un principio). Este puede ser punto donde mas se distancian la película de Maury y Bustillo y la novela de Mitchell, ya que en el primer caso los directores franceses se centran en tres únicos personajes situados en el mismo lugar y la misma línea temporal mientras que Mitchell cambia hasta en cinco ocasiones de protagonistas, lo que deriva en que Maury y Bustillo solo necesiten una excusa para situar a los tres chicos dentro de la casa (Encontrar un valioso tesoro) por las cinco que necesita el autor inglés (Lo que podría derivar en que las excusas ideadas por Mitchell resulten demasiado irregulares, es salvado con notable inteligencia por Mitchell consiguiendo que al menos en este punto al lector no le resulte demasiado extraño el comienzo de ninguno de los capítulos… bueno igual el último es el que puede resultar un poco mas fuera de lugar)
Jóvenes dotados, personas con poderes o con poderes potenciales son requeridos por Norah y Jonah Grayer para que se adentren en su morada y así poder alimentarse de ellos. Una joven heterocromatica lo que en palabras de Christine supone tener dos almas parece ser ese don que es necesario para entrar en la casa donde habita la anciana…. Aunque en ‘Livide’ no hay Banjax (Sustancia que ingerida facilita el trabajo de los Grayer), la idea de encontrar un gran tesoro parece compartir la esencia del Banjax. (El control de la voluntad. La idea de encontrar el tesoro obsesiona demasiado a los jóvenes para que estos vean el peligro que les acecha) Aquí no hay nada que se coma o se beba sino simplemente la esperanza de poder huir de una vida que los protagonistas detestan.
En el siguiente párrafo se va a hablar de ideas que pueden ser consideradas como SPOILER SPOILER SPOILER además se habla explícitamente del final tanto de ‘Livde’ como de ‘La casa del callejón’ (‘Slade House’) por lo que si no quieres leerlo te recomendamos que saltes al siguiente párrafo. La mansión en la que vive la señora Jessel no deja de ser la lacuna de la que Mitchell nos habla en su libro. El lugar donde los cuerpos se mantienen a la espera de sangre fresca/almas que los mantenga en plenitud o simplemente que los mantenga vivos. A pesar de que los personajes tanto de ‘La casa del callejón’ (‘Slade House’) como de ‘Livide’ parecen encerrados en las mansiones (La luz del sol, la forma en la que las tinieblas rodean a la casa, el tiempo parado desde 1934), Maury y Bustillo dan una imagen mas perversa, mas enfermiza que la de Mitchell aunque ambos autores muestran tanto a la hija de la señora Jessel como a un Jonah heridos, incapaces de mostrar su naturaleza en todo su esplendor. Los paralelismos entre ambas obras no solo se quedan en este tipo de detalles, resulta imposible no hablar de la parte final de la película de Maury y Bustillo así como de la manera en la que Mitchell acaba algunos de los capítulos de su novela. Ese cuarto donde los protagonistas son postrados en una mesa, conscientes de todo lo que pasa a su alrededor y asimilando el hecho de que sus pulmones han dejado de funcionar nos trae a la memoria el momento en el que Lucie se enfrenta a su cruel destino (Como también nos hace imposible no pensar en la cinta de Patricio Valladares, 'Downhill') Igual que los diversos personajes que Mitchell utiliza para narrar las diversas historias de su libro, Lucie cae en la trampa perfectamente preparada. Aquí hay polillas, en el otro almas que son succionadas pero la idea es común a ‘Livide’ y ‘La casa del callejón’ (‘Slade House’)
Como no puede se de otra manera, ‘La casa del callejón’ (‘Slade House’) posee ciertas referencias a otras novelas de Mitchell y mas en el caso de una obra como esta que no deja de ser un spin-off de ‘Relojes de Hueso’ (‘The Bone Clocks’). El periódico Spyglass para la que escribe la protagonista del cuarto capítulo ‘Que callado te lo tenías, 2006’, Ed Brubeck en ‘Relojes de Hueso’ (‘The Bone Clocks’) o Luisa Rey en ‘El atlas de las nubes’ (‘Cloud Atlas’). Mitchell vuelve a hablar de la familia con mas la mala suerte en sus novelas: Los Penhaligon. Mientras Johnny Penhaligon se suicidó tirándose por un precipicio en ‘Relojes de hueso’ (‘The Bone Clocks’) Fern Penhaligon forma parte de ese grupo de estudiantes que investigando fenómenos extraños acabaran llegando a tan temido callejón. The Rocky Horror picture show, presente en la anterior novela de Mitchell en forma de banda ‘Come up to the Lab'’ vuelve a ser mencionada en ‘La casa del callejón’ (‘Slade house’): ‘Slade house se parece mas a The rocky horror picture show que a una membrana entre dos mundos’ tal y como se indica en el tercer capítulo ‘Oinc oinc, 1997’. Así pues, las obras de Mitchell vuelven a estar conectadas aunque en este caso por la misma esencia de 'La casa del callejón' ('Slade House') esta está mas cercana a 'Relojes de Hueso' (The Bone Clocks')
Tanto ‘Livide’ como ‘La casa del callejón’ (‘Slade house’) tienen desarrollos distintos pero ambas poseen un lastre del que es difícil escaparse y ese no es otro que la pesada carga que suponen las anteriores obras de los autores. En el caso de Maury y Bustillo, ‘Livide’ se aleja de la brutalidad de su opera prima ‘A L’interieur’. Es cierto que en la parte final de la película esta ofrece buena dosis de violencia pero su primera hora puede resultar excesivamente lenta para muchos de los espectadores sobre todo para aquellos que esperaban de ‘Livide’ una especie de continuación de ‘A L’Interieur’. En el caso de Mitchell por el éxito de su anterior novela ‘Relojes de hueso’ (‘The Bone Clocks’) lo que sumado al hecho de estar ante una especie de spin-off de esta, hace que ‘La casa del callejón’ (‘Slade House’) aún siendo una muy interesante novela no acaba por encontrar su propio lugar.






Lo mejor: ‘La casa del callejón’ (‘Slade House’) es una novela que resulta muy entretenida y se lee muy fácilmente.
Lo peor: No es la mejor obra de Mitchell. La sensación de que ciertas ideas se repiten en los capítulos puede acabar por cansar al lector.


martes, 10 de octubre de 2017

NOS4A2, Relojes de Hueso. Joe Hill y David Mitchell

Título: NOS4A2
Fecha publicación: Abril 2013
Editor: Suma
Género: Terror
Páginas: 712
Autor: Joe Hill
Nota: 6
Sinopsis: Charles Talent Manx III recorre Estados Unidos en su Rolls-Royce Espectro modelo de 1938 para secuestrar niños y llevarlos a Christmasland donde estos desaparecerán para siempre. Victoria Mcqueen posee un don especial para subida a su bicicleta, encontrar cosas perdidas. Cuando esta ponga fin a los crímenes de Manx, este solo buscará la manera de vengarse.




Crítica:
Hace ya un tiempo en este mismo blog reseñamos la muy entretenida e interesante novela de David Mitchell 'Relojes de Hueso' ('The Bone Clocks'), obra en la que el autor inglés mezclaba ideas y personajes del universo que este ha ido creando a lo largo de su carrera. 'Relojes de Hueso' ('The Bone Clocks') es una de esas obras llena de guiños que resulta mas fácilmente disfrutable para todo aquel lector habitual de las novelas del escritor inglés. Empezar a hablar de la obra de Mitchell no es algo gratuito ni forzado. Si en 'Relojes de Hueso' ('The Bone Clocks') nos encontramos con muchas referencias a la obra de Mitchell, en 'NOS4A2' el lector también podrá observar ciertos guiños a las novelas del autor inglés (Y como no podía ser de otra manera a la extensa obra del padre de Joe Hill, Stephen King), de la misma manera en 'Relojes de Hueso' ('The Bone Clocks') podemos encontrar ciertos paralelismos con la novela escrita por Hill. Parece que ambos autores han usado sus novelas para de alguna manera homenajear al otro.
Victoria Mcqueen posee un don especial para encontrar cosas perdidas. A lomos de su bicicleta modelo Rayleigh que aunque no es el mismo que la de Billy en 'It', esa es una Schiwnn, le ocurre lo mismo que a esta: Ambas parecen ser excesivamente grandes para sus dueños (La de Billy mide sesenta centímetros de altura y el padre de este piensa que un día su hijo se matará con esa bicicleta, mientras que el vendedor de la bici de Victoria le recomienda a esta que mire otros modelos mas adecuados para ella) le llevará a dar con el lugar donde se encuentra aquello que busca. Además del tamaño de las bicicletas hay otra idea común a los medios de transporte usados por Billy y Victoria Mcqueen que en el caso de esta pasará de ser una bicicleta Rayleigh a una moto modelo Triumph y esa no es otra que 'El llanero solitario'. Si en el caso de Billy este ha bautizado su bicicleta con el nombre de Silver (Algo que pasa casi desapercibido en la adaptación a la gran pantalla de la novela de Stephen King), en el de Victoria al poner en marcha la destartalada moto que esta encuentra en la casa que ha alquilado para pasar el verano, gritará el mítico 'Hi-yo Silver' (Lo único que podía decir Bill sin tartamudear). Un antiguo puente cubierto con el que se topa Victoria la lleva al lugar donde se encuentra aquello que quiere encontrar. De la misma manera, cruzando un puente cubierto, John Trent y Linda Styles llegan en 'En la boca del miedo' ('In the mouth of the madness') a Hobbe's End para dar con el desaparecido escritor Sutter Crane. Tanto en la obra de Hill como en la película de Carpenter, un puente servirá para llevar a los protagonistas al lugar que tanto desean y en ambos casos este sirve para dar con aquello que quieren encontrar: Cosas reales como fotografías, pulseras o lugares imaginarios como Christmasland o Hobbe's End. Si dejamos de lado los murciélagos a los que hace referencia Hill en su novela, la manera en la que Victoria cruza el puente resulta bastante similar a la forma en la que Trent y Styles hacen lo mismo. Si la obra de Mitchell está presente en 'NOS4A2', se puede decir lo mismo de la película de Carpenter.
Tanto Hill como Mitchell hacen de dos mujeres las protagonistas principales de sus historias. Si en el caso de 'NOS4A2', Hill narra la historia desarrollando la historia de cada personaje involucrado en la novela, Mitchell cambia de narrador en cada capitulo haciendo de Holly Skies la persona que abre y cierra la novela pero cuya presencia es constante y fundamental en todos y cada uno de los relatos que forman parte de 'Relojes de Hueso' (The Bone Clocks' - Mitchell construye muchas de sus novelas en base a un mismo concepto: Diversas historias que podrían funcionar de manera individual pero que están entrelazadas como mayor o menor fortuna para crear un todo que las convierte en una sola). Tanto Victoria como Holly tienen inicialmente una relación bastante difícil con sus madres y ambas poseen ciertos dones que las diferencian del común de los mortales algo que de alguna manera las llevará a formar parte de algo que las supera. Los traumas derivados de los viajes en su Rayleigh parecen distanciar a Victoria de la realidad más que las voces de la radio a Holly. La necesidad de huir y de escapar de todo aquello que las traumatiza está representado de diversas maneras en ambas novelas, en un caso por la manera en la que la psicosis hace mella en Victoria, en el otro por el peso de la culpabilidad de Holly Skies que la llevará a trabajar en un pequeño bar de un pueblo suizo. A pesar de esa especie de ataques epilépticos que sufre Holly, la estabilidad emocional de esta difiere radicalmente de la de Victoria, pero algo que se ha roto nunca podrá repararse.
Las gasolineras, la navidad, la nieve, los laberintos, las extrañas desapariciones, los De Zoet, el sexteto de Frobisher 'El atlas de las nubes' y las transformaciones que tienen lugar gracias al viaje de alguno de los protagonistas en extraños vehículos son muchas de las ideas que permiten saltar de una novela a otra, de la obra de un autor a la de otro creando en el lector la sensación de que 'NOS4A2' y 'Relojes de Hueso' ('The Bone Clocks') son dos novelas que se complementan (El título original de ‘Mil otoños’ es ‘The thousand autums of Jacob De Zoet’. Como no podía ser de otra manera, Frobisher y su sexteto forman parte de la obra que dio a conocer a Mitchell al gran público: ‘El atlas de las nubes’ – ‘Cloud Atlas’) De la misma manera que es más fácil disfrutar de 'Relojes de Hueso' ('The Bone Clocks') si el lector está familiarizado con la obra de su autor, es más fácil disfrutar de esta novela si se ha leído antes 'NOS4A2' y viceversa.
Tras una discusión con sus respectivas madres, Victoria y Holly tomarán la decisión de huir, de escapar, de alejarse de la casa que ninguna de las dos considera su hogar. Si la primera huye con la clara intención de encontrar problemas, la segunda lo hace con la idea de empezar una nueva vida pero en ambos casos los planes no saldrán como ellas esperan. El lector ha de notar que tanto para Victoria como para Holly es importante pensar en como estarán reaccionando sus madres al saber de su ausencia. Es en la huida de ambas cuando las protagonistas se toparan con sus salvadores, sus atalayas en medio de la tormenta que pondrán un punto de cordura a su aventura. Louis Carmody en un caso y Ed Brubeck en el otro, ambos personajes descritos por Hill y Mitchell con extraordinaria sensibilidad. Victoria y Holly a pesar de haber sido desarrolladas de distintas maneras poseen un claro núcleo común que de alguna manera las hermana.
Los anacoretas buscan niños con capacidades especiales para alrededor de cada equinoccio y cada solsticio llevarlos a la Capilla del Crepúsculo del Cátaro Ciego del monasterio de la tomasita del Paso de Sidelhorn. El alma del visitante es convertida en vino negro que es bebido por estos y durante tres meses no se produce división celular en sus cuerpos, es decir, no envejecen. Charles Talent Manx III es una especie de vampiro o un anacoreta más de los que Mitchell habla en su libro. Este no lleva a los chicos a la capilla de tan curioso y peculiar nombre sino a Christmasland, el lugar donde siempre es Navidad y donde le promete a estos que siempre estarán felices y contentos. Manx no convierte las almas de los chicos en vino negro deshaciéndose del cuerpo tirándolo por la ventana de la capilla sino que gracias a su rolls-royce modelo espectro absorbe la energía de estos conservándose joven (Idea que vuelve a estar presente en 'La casa del callejón' -'Slade House'-, donde en este caso es una casa el 'vehiculo' utilizado por los hermanos Norah y Jonah con el mismo fin que el Rolls-Royce de Charles Talent Manx III). Si la carretera a Christmasland asfaltada llena de sueños es conocida como autovía de San Nicolás, para llegar a la Capilla del Crepúsculo del Cátaro Ciego hay que recorrer la un extraño camino conocido como vía empedrada
Son diversas las formas y embustes que tienen los anacoretas y Charles Talent Manx III para atraer a los niños. Si en el caso de 'NOS4A2' está siempre presente la Navidad (Algo que en algunos pasajes de la novela puede acabar saturando al lector) junto con la idea de salvar a los niños de un terrible y cruel futuro, en 'Relojes de Hueso' ('The Bone Clocks') hay un pasaje que vuelve a traernos a la memoria la novela de Joe Hill. Rivas-Godoy, uno de los anacoretas, eligió a Enzo porque este pensaba que Papá Noel podía ser real y creyó que le iban a llevar a Laponia. La vía empedrada se convirtió en un atajo para el Polo Note, la capilla era el comedor de Santa Claus y la vista sobre el Crepúsculo era Laponia. Si resultaba inevitable no establecer una comparación entre la autovía de San Nicolás/Christmasland con la vía empedrada/Capilla del Crepúsculo, tras leer la referencia a Santa Claus y Laponia, esta cobra todavía mas fuerza.
Pero la Navidad está también presente en 'Relojes de Hueso' ('The Bone Clocks'), aunque no de forma insistente como en 'NOS4A2' si con gran importancia, ya que el encuentro entre Holly Skies y Hugo Lamb que acabará con este como muchos de los niños de Charles Talent Manx III, subiendo a un coche que cambiará radicalmente su existencia sucede en esa época del año. Es claro que el destino final de Lamb y de los niños no es el mismo: A unos se les extrae la energía, el otro se convertirá en un ser que no envejecerá nunca mientras cumpla ciertas reglas, pero tanto Hill como Mitchell utilizan un coche para iniciar un cambio que no tendrá marcha atrás.
Hay otro detalle que los lectores no deben dejar pasar por alto: Los laberintos, que resultan fundamentales en ambas historias. La forma elegida por Victoria Mcqueen para mantener a raya las llamadas de niños muertos que recibe desde Christmasland es la de dibujar complejos laberintos protagonizados por ‘buscador’ una especie de robot mezcla de C3PO y una harley davison y que tienen gran complejidad ('Uno de los desconcertantes puzzles no se puede terminar sin situar un espejo contra el borde del libro; otro enigma requiere que los niños formen un cilindro con la página para hacer un puente cubierto mágico; un tercero hay que arrancarlo del libro y formar con él una moto de origami...') incluyendo gran información 'superflua, llena de interferencias'. Estos laberintos tal y como se indica en la novela son mas fáciles de resolver para los niños ya que estos 'no intentaban ver el puzzle en su conjunto' y ven solo lo que veía buscador. La noche antes de que Jacko desaparezca este le entrega a su hermana un dibujo de un laberinto rogándole que se lo aprenda de memoria por si alguna vez esta tuviera que recorrerlo a oscuras. El peso de la culpa por haberse ido de casa la noche antes de tan dramático suceso llevará a Skies no solo a mirar el dibujo del laberinto todos los días de su vida, sino también a llevarlo siempre consigo en forma de colgante. Como no podía ser de otra manera, los laberintos serán de vital utilidad tanto para Victoria Mcqueen como para Holly Skies. En un caso para ver como afrontar el problema con la que esta se encuentra: Llegar hasta Charles Talent Manx III, en el otro para afrontar la guerra entre los hologoristas y los anacoretas.
Tanto Hill como Mitchell narran sus historias a lo largo del tiempo. Si la historia de Hill comienza en los años ochenta y acaba en el 2012, la de Mitchell comienza en 1984 y finaliza en año 2043. Pero hay algo en la narración de 'NOS4A2' que el lector no debe pasar por alto y es la forma en la que Hill juega con los tiempos y no solo con los años. En 1999, Paul Thomas Anderson dirigió su sin duda mejor película: 'Magnolia'. Sus tres horas y casi diez minutos de metraje tendrían que ser estudiadas en todas las escuelas de cine, no solo por la solidez de su guión si no también y muy especialmente porque esta película es un absoluto prodigio en lo que al ritmo y al montaje se refiere. La manera elegida por Thomas para narrar las diversas situaciones que suceden al mismo tiempo es simplemente magistral. Resulta inevitable no pensar en la película de Thomas al leer ciertos capítulos de 'NOS4A2' debido a que el escritor parece querer buscar el mismo efecto que el logrado por Thomas en su película pero hay algo manera elegida por Hill para narrar esas partes de su novela que hace que este no consiga transmitir al lector esa simultaneidad de la manera que sería deseable. El hecho de que Hill rompa la linealidad de su narración en ciertas partes parece más un truco de escritor para intentar crear tensión que porque realmente este esté justificado de forma natural en la historia.
'NOS4A2' es una novela que empieza con mucha fuerza consiguiendo captar la atención del lector pero que sufre diversos bajones en lo referente al interés con el que este sigue la historia y al ritmo de la misma. No todos los personajes están desarrollados de una manera similar y se nota cuando la narración pasa de unos a otros, lo que implica que la novela no resulte lo redonda como nos gustaría. Dejando de lado ‘El traje del muerto’ ('Heart-Shaped Box') que personalmente me parece una obra prescindible, a ‘NOS4A2’ le ocurre lo mismo que a ‘Cuernos’ (‘Horns’); Tras un mas que interesante punto de partida, Hill se muestra incapaz de mantener el nivel durante toda la novela llevando a muchos lectores a pensar que esta está alargada de forma innecesaria y haciendo que algunos lleguen a su parte final un tanto cansados. No importa tanto si Victoria Moqueen salva a su hijo o si Ig Perrish consigue resolver la violación y asesinato de su novia, lo que parece que mas interesa al lector es acabar la novela para empezar con la siguiente. La concisión y la brevedad no parece ser bien recibida en casa de los King.
Charles Talent Manx III nos trae a la memoria a Delbert Grady, anterior guarda del hotel Overlook que acabó matando a su mujer y a sus hijas (Chalie Manx reconoce que llevó tanto a la que era su esposa como a su hijas a Christmasland tras ser acusado por su mujer de succionarles la vida a estas. La forma de actuar de Manx con su familia recuerda a la de Grady con la suya) de la misma manera que los perversos niños que se encuentran en Christmasland no recuerda a los niños de 'En la boca del miedo' ('In the mouth of the madness') y la manera en la que estos habitan los alrededores de la iglesia donde tiene su escondite Sutter Crane. A pesar de que la batalla final sucede de manera muy distinta en 'NOS4A2' y en 'Relojes de Hueso' ('The Bone Clocks'), de la lucha individual de la novela de Hill a la colectiva en la de Mitchell, ambas poseen una clara idea común: el uso de diversos explosivos para volar por los aires lugares que parecen proyecciones de la imaginación de las personas. Joe Hill consigue que su novela recupere la fuerza y el interés en la parte final gracias no solo al enfrentamiento entre Victoria y Charles Talent Manx III sino también por unos secundarios como Maggie Leigh o Louis Carmody por los que el lector siente una enorme simpatía.
El lector podrá hacer de la lectura de 'NOS4A2' y 'Relojes de Hueso' ('The Bone Clocks') un juego para buscar todo tipo de referencias a las obras de Hill, de Mitchell, a diversos autores y como no podía ser de otra manera a Stephen King. La cárcel de Shawshank, el circo de Pennywise, Craddock MacDermott, Tabitha Hunter que no solo parece compartir nombre con la madre de Joe Hill, el caso de esa mujer que tras asesinar a sus dos hijas culpabilizó a un hombre de raza negra, los De Zoet, el atlas de las nubes, la obsesión por la religión en tiempos oscuros como ocurría en 'La Niebla' ('The Mist'), almas caminando a lo largo de un árido paisaje como en 'Revival', Twin Peaks, Haruki Muramaki... El lector tendrá que ir descubriendo en que libro o libros se hace referencia a todas estas ideas y personajes lo que hará que la lectura de 'NOS4A2' y 'Relojes de Hueso' ('The Bone Clocks') adquiera una nueva dimensión... (Algunas de estas referencias solo se dan en el libro de Joe Hill. otras en el de David Mitchell pero ir descubriéndolas poco a poco es un autentico placer)
'NOS4A2' es una tétrica, malsana y enfermiza vuelta de tuerca al clásico de James Matthew Barrie, 'Peter Pan'. Chsistmasland no deja de tener un reverso mas oscuro que el de la Tierra de nunca jamás, y Charles Talent Manx III y Peter Pan comparten una misma idea: Que los niños se queden con ellos en sus lugares imaginarios donde estos no envejecerán nunca y serán felices para siempre. Peter Pan no es Charles Talent Manx III pero no debemos olvidar la manera en la que Barrie muestra la crueldad de este que por momentos parece mas interesando en que los niños se queden con él en la Tierra de nunca jamás que en el bienestar de estos. A pesar del desigual interés con el que se lee la novela. (Las partes centradas en el personaje de Bing carecen de la fuerza de las que hablan de Maggie Leigh, por citar a dos secundarios), 'NOS4A2' entretiene y se disfruta.
Lo mejor: Los capítulos que hablan de la infancia de Victoria. Su primer encuentro con Maggie Leigh.
Lo peor: Los capítulos centrados en Bing

jueves, 5 de octubre de 2017

Unas líneas acerca de 'Madre!' - 'Mother!'

Título: Madre! - Mother!
Año: 2017
Género: Drama - Intriga
Duración: 121 min. 
Director: Darren Aronofsky
Guión: Darren Aronofsky
Fotografía: Matthew Libatique
Interpretes: Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Ed Harris, Michelle Pfeiffer, Brian Gleeson, Domhnall Gleeson, Stephen McHattie, Kirsten Wiig, Chris Gartin, Luis Oliva, Jovan Adepo
Nota: 6,5
Sinopsis: La aparentemente tranquila vida de un matrimonio se vera amenazada cuando un grupo de extraños empiecen a llegar a casa y sean alojados en contra de la opinión de la mujer.



Crítica:
En las siguiente crítica/análisis se habla explícitamente de ciertas ideas y conceptos que pueden ser considerados como SPOILER, por lo que si no quieres leerlos te recomendamos que no sigas haciéndolo. 'Madre!' ('Mother!') es una película que hay que ver teniendo la mínima información posible, dejándose llevar por la propuesta extrema y radical de Aronofsky.
La crueldad del proceso creativo, el egocentrismo del autor, la forma en las que las personas le arrebatamos a este su obra o mejor dicho la forma en la que las personas le arrebatamos al autor el regalo de su inspiración para hacerla nuestra, todo esto está plasmado con rabia y cólera en la nueva película de Aronofsky. 'Madre!' ('Mother!') es una cinta excesiva y visceral donde muchos espectadores podrán llegar a pensar que al director y guionista se le ha ido la película de las manos por culpa de una media hora final donde la tensión contenida que hasta ese momento había tenido la historia estalla de manera brutal. Con todos sus pros y sus contras, 'Madre!' ('Mother!') es una cinta nacida de las profundidades, de ese lugar al que el creador no nos suele dejar entrar (Ese cuarto en el cual quiere estar solo) y refleja como pocas la dureza y el desprecio a la que se ve sometida la inspiración, la musa.
De la misma manera que David Lowery en su soberbia 'A Ghost Story', Aronofsky vuelve a hacer protagonista de su historia a un ser intangible. Si en un caso este era el fantasma del protagonista que cubierto con una sabana vaga por la casa en la que vivió con su pareja, en el otro nos encontramos con la musa, con la inspiración por momentos despreciada y maltratada por el autor, tratada como un mero objeto para satisfacer el ego de este. Aronofsky destroza sin ningún tipo de miramiento al autor, analizando la relación entre él y la inspiración, mostrando como el regalo que le ha hecho esta en forma de novela es compartido con otros que lo destrozan al hacerlo suyo. Tanto Lowery como Aronofksy encierran durante gran parte de la película a sus protagonistas en una casa, pero mientras en 'A Ghost Story' esta es claramente identificable como una vivienda de un barrio residencial, en 'Madre! ('Mother!') esta es una gran mansión situada en medio de la nada y donde al espectador le ha de sorprender (Algo que ha de servir para ponerle sobre aviso) no solo que los invitados lleguen de noche sino que además no hay ningún camino de acceso a la misma.
'Madre!' ('Mother!') posee una idea de una belleza y crueldad como pocas. No es el autor el que ama, el que desea a la inspiración si no que es esta la que está completamente enamorada de él, la que le regala ideas, la que le da la vida. Es él el que llega al desprecio, a no valorar todo aquello que tiene, a no valorar todo lo que ella le da hasta que a él no le satisface, a traicionarla. Aronosfky hace de Jennifer Lawrence la absoluta protagonista llenando la pantalla con gran cantidad de primeros planos de la cara de la actriz que se muestra capaz de mantener la compostura. Bien secundada por Javier Bardem, Ed Harris y Michelle Pfeiffer, Aronofsky consigue una tensa atmósfera que mantiene durante la primera hora y media de metraje en la que el director se centra en la extrañeza del personaje interpretado por Lawrence por todos esos raros sucesos que están ocurriendo en su casa, en la casa que con tanto cariño ha ido arreglando con sus propias manos...
...pero es la última media hora la que puede hacer que muchos espectadores establezcan demasiada distancia con la propuesta del director, con la manera que tiene de expresar el proceso creativo y la forma que tiene un autor de entregar su obra a los demás, donde las distintas interpretaciones, críticas y demás  opiniones consiguen arrancar la obra de las manos de la inspiración para de alguna manera hacerla de otros y pervertir en muchos de los casos su mensaje. Aquello que con tanto amor esta ha regalado al poeta este lo comparte con el mundo para ser apropiado sin ningún tipo de miramiento. La idea plasmada por Aronosfky resulta al final repetitiva y excesiva y el inicial desasosiego puede acabar dejando sitio al sopor y cansancio. En esta parte final, Aronosfky que es perro viejo no solo sabe sacar partido al peculiar físico de Stephen McHattie sino que además consigue que Kirsten Wiig se aleje de los papeles cómicos a los que nos tiene acostumbrados para dejarnos un oscuro y tétrico personaje.
Aronofsky, igual que H.P Mendoza en 'I am a ghost', explora la manera en la que las protagonistas (y por lo tanto el espectador) asume aquello que son. Es cierto que Mendoza expone claramente lo que ocurre a los pocos minutos de metraje pero Aronofsky deja las suficientes pistas para que el espectador llegue a la conclusión que el director y guionista quiere, tanto es así que uno de los hermanos le dice a la protagonista que esta sabe perfectamente que está pasando. Madre!' ('Mother!') consigue que el espectador se sienta en todo momento como su protagonista pasando del estupor inicial por no entender que está ocurriendo al agobio y saturación al ver como un grupo de extraños destrozan su casa.
El trailer de 'Madre!' ('Mother!') llevó a muchos espectadores entre los que me incluyo a pensar que esta película era una especie de remake de 'La semilla del Diablo' ('Rosemary's baby') de Roman Polanski. Es cierto que la cinta de Aronofsky se aleja de lo mostrado por Polanski en su película, aquí no estamos ante una mujer que es utilizada para dar vida al anticristo por extraño culto, pero ambas películas poseen ciertas ideas que hace imposible no compararlas de alguna manera (En 'Madre!' -'Mother!' podemos seguir hablando de 'extraño culto' casi sin ningún problema). No solo en ambos casos nos encontramos con una protagonista femenina que no entiende aquello que está pasando y por cuya pareja se siente engañada. (Tanto 'Madre!' -'Mother!'-  como 'La semilla del Diablo' -'Rosemary's baby'- exploran los sentimientos de sus protagonistas, su creciente psicosis y paranoia por culpa de todo lo que está pasando a su alrededor) sino que además estas darán a luz a un bebé que será arrancado de sus brazos de forma cruel para ser entregado a otros: ese extraño culto satanista o los lectores y seguidores del autor de la obra. No debemos dejar de pasar por alto otro detalle importante: En ambos casos el papel de ellos, de los padres, resulta más que fundamental a la hora de que el bebé sea apartado de sus madres.
Mención aparte merece la forma en la que Aronofsky explora el concepto de las ideas y la manera en la que el autor crea su nueva obra. Ante la obsesión del personaje interpretado por Jennifer Lawrence por continuar arreglando su casa, el de Michelle Pfeiffer le pregunta a esta porqué arreglar un lugar como ese y no construir una casa nueva desde los cimientos. 'Nada es original. Robas cualquier cosa que resuena con la inspiración o en tu imaginación. Devoras viejas películas, nuevas, libros, pinturas, fotografías, poemas, sueños, conversaciones al azar, arquitectura, puentes, señales, árboles, nubes, luz, sombra. Seleccionas cosas que robar que le hablan directamente a tu alma'. Estas palabras de Jim Jarmusch pueden servir como ejemplo de esos paisajes comunes de la mente del autor donde se encuentran él y su inspiración con la idea de escribir una novela o un poema. Todo se edifica en base a cimientos ya construidos.
'Madre!' ('Mother!') es como no podía ser de otra manera una película difícil, árida, es en definitiva una cinta marca de la casa que no pone las cosas fáciles al espectador. Muchos podrán achacar a 'Madre!' ('Mother!') que Aronofsky ha primado su estilo sobre la historia desaprovechado la mas que interesante premisa inicial , otros podrán pensar que el director y guionista se ha abierto en canal y ha mostrado al espectador su lado mas intimo y oscuro, lo que hace de esta película un visceral retrato del que es difícil recuperarse. Con todo 'Madre!' ('Mother!') es como no podía ser de otra manera, una película que para bien y para mal no dejará indiferente a nadie.



Lo mejor: El excelente trabajo de todos y cada uno de los actores.
Lo peor: La visceralidad y el exceso de la última media hora hará que muchos espectadores rechacen de forma radical esta película.