domingo, 22 de abril de 2018

Crítica/Análisis: Gorrión Rojo - Red Sparrow

Título: Gorrión Rojo - Red Sparrow
Año: 2018
Género: Thriller - Romance - Propaganda
Duración: 140 min.
Director: Francis Lawrence
Guión: Justin Haythe según la novela de Jason Matthews
Música: James Newton Howard
Interpretes: Jennifer Lawrence, Joel Edgerton, Matthias Schoenaerts, Charlotte Rampling, Mary-Louis Parker,  Ciarán Hinds, Joely Richardson, Bill Camp, Jeremy Irons, Douglas Hodge
Nota: 4
Sinopsis: Tras sufrir un aparatoso accidente, Dominka Egorova será reclutada como gorrión rojo, para usando su cuerpo como arma, seducir a un agente americano y averiguar la identidad del topo ruso que le está pasando información a un gobierno enemigo desde hace mas de una década.


Crítica:
El pasado 13 de Abril del 2018, Antonio Guterres, secretario general de Naciones Unidas, declaró que la guerra fría había vuelto. Alejandro Crespo Jusdado en su mas que notable tesis 'El cine y la industria de Hollywood durante la guerra fría 1946 - 1969' escribe: 'La propaganda como forma de por un lado, desprestigiar al contrario y por otro vender las excelencias del propio bloque, se convertirá en una de las armas principales de la Guerra Fría, algo que como no podía ser de otra manera se vio reflejado en el cine de toda una época'. Ahora, películas como 'Gorrión Rojo' ('Red Sparrow') hacen que esta afirmación vuelva a estar de actualidad. Guterres tiene razón, la guerra fría ha vuelto en todo su esplendor.
Justin Haythe adapta la novela de Jason Matthews del mismo titulo, obra que se muestra tremendamente crítica con el gobierno liderado por Vladimir Puttin pero que sin ser precisamente sutil resulta bastante mas digerible (Y sobre todo entretenida. Desde aquí recomendamos abiertamente la lectura de la obra de Matthews) que el guión de Haythe y por tanto que la cinta de Lawrence. No solo la gran carga propagandística del guión de Haythe llama la atención en lo referente a la adaptación de la novela de Matthews para la pantalla grande, sino también y a pesar de que ambas historias se sustentan sobre una misma base, un mismo esqueleto, los cambios en lo que se refiere a la concepción del personaje de Dominka Egorova (Jennifer Lawrence), su familia, su relación con Nate Nash (Joel Edgerton) y sobre todo, todo lo relacionado con la comida, elemento con el que Matthews acaba todos y cada uno de los capítulos de la novela y que brilla por su ausencia en la cinta de Lawrence pueden causar estupor en el lector reconvertido a espectador. Hablemos mas detenidamente de las diferencias entre la obra de Matthews, la película de Lawrence y el mensaje que indudablemente empapa gran parte de los fotogramas que forman parte de 'Gorrión Rojo' ('Red Sparrow').
En 1998, se editó en España la novela de Serguéi Likiánenko 'Guardianes de la noche' ('Nochnói Dozor') que fue llevada al cine en el año 2004 por el siempre excesivo Timur Bekmambetov. En ella, se narraba la eterna lucha entre los Oscuros y los Luminosos así como las tretas de ambos bandos por acabar con el otro y ganar la guerra. Anton Gorodetskiy, Svetlana Nazárova, Boris Ignatievich. Zabulón. Resulta inevitable pensar en la novela de Likiánenko y estos cuatro personajes al leer la de Matthews por dos ideas que parecen estar presentes en ambas obras. Una de esas ideas es la forma en la que ambos autores muestran las intrigas y los tejemanejes que existen entre ambos bandos (Luminosos, oscuros, Estados Unidos, Rusia... El orden no ha sido elegido al azar. Creo que Matthews y sobre todo Haythe y Lawrence estarán bastante orgullosos de ello). El juego de espías y la construcción de la historia que hace Matthews nos lleva a pensar en todas y cada una de las historias que forman parte de la novela de Likiánenko. (Nota: El universo creado por el escritor ruso abarca cinco novelas. Por desgracia solo tres de ellas han sido editadas en España)
La otra es un hecho que introduce Matthews en su novela, vital para entender la evolución del personaje interpretado por Jennifer Lawrence y que se ha dejado fuera de la película: Dominika es capaz de interpretar la realidad, las palabras, la música y los sentimientos de los personajes gracias a los colores. Es decir Dominika padece sinestesia. Cada palabra, cada nota, cada reacción humana tiene asignado un color lo que hace que la protagonista de la novela de Matthews tenga una especial sensibilidad que no solo refuerza su notable inteligencia sino que ademas de alguna manera le hace anticipar la acciones de las personas que le rodean. Los colores de Dominika, el vórtice sobre Svetlana. Dos mujeres que de alguna manera serán piezas clave en una lucha en la que por diversos motivos se ven envueltas sin buscarlo ni desearlo. Anton Gorodetskiy, Nate Nash. Dos hombres, dos personas que se sentirán atraídas por Svetlana y Dominika llegando incluso a poner en peligro sus carreras por ellas. Boris Ignatievich. Zabulón. Forsyth. Vanya Egorov. Aquellos que manejan los hilos de las marionetas que participan en cada una de las celadas que con tanto esmero han preparado para ganar la guerra. Nota: A pesar del uso de los colores para explicar la especial percepción e inteligencia de Dominika, Matthews no explota este elemento en su vertiente fantástica sino de un modo mucho mas realista a pesar de que a muchos lectores, entre los que me incluyo, nos es difícil no pensar en ello tanto es así que 'Gorrión Rojo' ('Red Sparrow'), la novela, podría hacer suyo y adaptar a sus intereses el titulo de la película de Bille August y protagonizada por Julia Ormond y haberse titulado 'Dominika y su especial percepción de los colores'.
Dominika. Nash.

Fragilidad. Dureza. Dos adjetivos opuestos que sirven para definir a la Dominika de la novela y la de la película. Ataques de ira. Una misma idea utilizada de dos formas distintas en la obra de Matthews y en la de Lawerence y que sin lugar a dudas sirven mostrar la personalidad del personaje protagonista (Nota: La forma en la que está escrita la novela de Matthews hace que a pesar de que el título de la misma se refiere a Dominika, los protagonistas sean tanto ella como Nate Nash, algo que parece que no sucede en la cinta de Lawrence donde por momentos él queda relegado a un segundo plano). Si la capacidad de percibir con colores las emociones y la música ha sido eliminada en su salto a la gran pantalla, se puede decir algo parecido de la gran carga romántica que posee la novela original. Es cierto que Lawrence plasma en pantalla la relación existente entre Dominika y Nash pero y a pesar de cierto momento, lo hace con bastante frialdad. Aunque su madre es el talón de Aquiles de Dominika, la fortaleza y seguridad que esta muestra en si misma en la película la aleja de alguna manera de esa persona frágil que se va a romper por dentro simplemente al rozarla que se percibe en muchos de los fragmentos de la novela. Si la forma elegida para mostrar a Dominika y su relación con Nash puede sorprender al lector reconvertido en espectador, mayor sorpresa le producirá la manera en la que ha cambiado la relación de esta con Marta (Thelka Reuten): De amiga en la obra de Matthews a una compañera de piso que ve en el personaje interpretado por Jennifer Lawrence una clara amenaza para sus intereses. La Dominika de la novela evoluciona de su fragilidad inicial a una gran fortaleza, en la Dominika de la película no se aprecia dicha evolución ya que esta muestra su fortaleza casi desde el principio.
Tu cuerpo le pertenece al Estado. 
Desde que naciste, el Estado ha cuidado de él.
Es hora de que le devuelvas algo a cambio.

Matron - Charlotte Rampling

Sobre el cine de propaganda I

Podrá gustar o no, la por ahora última película de Francis Lawrence, director de cintas tan decepcionantes como 'Constantine' o 'Soy Leyenda' ('I am Legend') pero nadie podrá poner en duda la gran carga propagandística que contienen muchos de los fotogramas de la película, no solo por las frases que dicen algunos de los personajes (Sirva de ejemplo la que ilustra este párrafo) sino también y muy especialmente por la construcción de alguno de ellos y sobre todo por sus motivaciones que en alguno de los casos se aleja de forma radical de lo mostrado por Matthews en su novela, obra que como ya hemos dicho posee una gran carga crítica contra el gobierno y las instituciones rusas pero de una forma mucho mas digerible y por lo tanto mas efectiva que la de la cinta de Lawrence. Hay muchas ideas y escenas que pueden servir de ejemplo, muchas o todas las palabras de Matron (Charlotte Rampling), el personaje del general Korchnoi (Jeremy Irons) y muy especialmente el de Stephanie Boucher (Mary-Louise Parker)
Sobre el cine de propaganda II - Stephanie Boucher

Son muchas las razones que pueden existir para traicionar a tu país. El odio hacía aquellos que negaron la posibilidad de un tratamiento médico para la persona a la que mas quieres. El resentimiento hacia las personas que han utilizado a tu familia para obligarte hacerte cosas que van contra tus principios. Causas que para los lectores y espectadores son claramente asumibles y sobre las que nadie se va a poner en contra. Los motivos por los cuales en la cinta de Lawrence se traiciona a Rusia son claros y hasta lógicos, pero no ocurre lo mismo con la justificación para hacer lo contrario, es decir para traicionar a Estados Unidos y esto se observa claramente en el personaje de Stephanie Boucher. 'La ideas del bien y el mal no ocupaban sus pensamientos. Tampoco el patriotismo, la lealtad a Dios, a la familia o su país. Solo se preocupaba por ella misma. Si le convenía, Stephanie Boucher no derrocharía ni un solo segundo cuestionándose la moralidad de espiar para Rusia'. De esta manera describe Matthews a Boucher en su novela, una persona sin un ápice de moralidad obsesionada con el poder. Sin ética, sin justificaciones, solo poder. Todo esto debió resultar demasiado difícil de mostrar en pantalla para Haythe y Lawrence. ¿Como suavizar la traición, como justificar tan deplorable acto? ¿Que mejor que hacer a la Boucher de la película que es una mezcla entre John Paul Bullard y la Boucher de la novela, una alcohólica? ¿Que mejor manera la de mostrar que el personaje interpretado por Mary-Louise Parker es una persona a que usa el alcohol para calmar su culpabilidad?. La traición de los personajes rusos esta motivada por actos deplorables llevados a cabo por su gobierno, la de los personajes americanos son decisiones personales diluidas en alcohol.
Sobre el cine de propaganda III - El general Korchnoi

En el siguiente párrafo se habla explicitamente de los actos y decisiones que determinan el destino del general Korchnoi y Stephanie Boucher tanto en la novela como en la película por lo que si no deseas leerlo, te recomendamos que saltes al siguiente párrafo SPOILERS SPOILERS. Jeremy Irons interpreta al general Korchnoi, persona que lleva pasando información clasificada al gobierno de Estados Unidos desde hace mas de una década. Sus motivaciones tanto en la obra de Matthews como en la película de Lawrence son las mismas y pueden ser fácilmente compartidas por el espectador: Rusia denegó el traslado de su mujer a un centro médico para que esta fuera tratada del cáncer que finalmente acabó con su vida. Pero.. ¿Que hacer con un personaje que para el Estados Unidos es un héroe? ¿Puede ser este cruelmente asesinado en el momento que está apunto de recuperar la libertad o es necesario recalcar que una traición depende quién la cometa y contra quién es punible o no? Queda claro que la primera parte de la pregunta hace referencia al destino del general Korchnoi en la novela de Matthews mientra que la segunda parte hace referencia al destino de Boucher y Korchnoi en la película de Lawrence. Las acciones de ambos personajes tienen consecuencias según sea el país al que se traiciona: Boucher atropellada por una furgoneta, Korchnoi conservado su puesto y el respeto del gobierno del país al que lleva traicionando mas de una década. Un mismo acto puede ser punible o no según el punto de vista del guionista y el director de la película. No ha de sorprender que se considera bueno y malo. De eso va el cine de propaganda. FIN SPOILERS
'Gorrión Rojo' ('Red Sparrow') es una de esas películas en las que existe una gran diferencia entre lo que el espectador espera tras ver el trailer y lo que esta realmente ofrece. La cinta de Lawrence no es una cinta de acción sino una película de espías que se mueve dentro de las reglas del género y que se beneficia del gran trabajo de sus dos protagonistas: Jennifer Lawrence y Joel Edgerton. Es obligatorio destacar también el trabajo de Matthias Shoenaerts que da vida a Vania Egorov, tío de Dominka y por desgracia reconocer que Mary-Louise Paker resulta del todo excesiva siendo sin duda alguna una de las grandes decepciones de la película.  'Gorrión Rojo' ('Red Sparrow') es una de esas películas en las que si solo se aprecia su superficie se puede disfrutar pero que al profundizar en ella se aprecia un tufillo rancio mas propio de otra época que hace de esta película una cinta propagandística con apariencia de solvente thriller.



Lo mejor: La pelea entre los dos protagonistas y Matorin (Sebastian Hülk)
Lo peor: El tufillo a propaganda que desprenden muchos de su fotogramas.



sábado, 14 de abril de 2018

Crítica: The Lure - Córki dancingu

Título: The Lure - Córki dancingu
Año: 2015
Género: Musical - Fantástico - Romance
Duración: 92 min.
Director: Agniezska Smoczynska
Guión: Robert Bolesto
Fotografia: Jakub Kijowski
Interpretes: Marta Marurek, Michalina Olszanska, Kinga Preis, Andrzej Konopka, Jakub Gierszal, Zygmunt Malanowicz, Magdalena Cielcka, Kataryzna Herman, Marcin Kowalcyzk
Nota: 7
Sinopsis: Dos sirenas entrarán a trabajar en un club nocturno. Mientras una se empiece a enamorar de un humano, la otra añorará viajar por el mundo y que la relación que había entre ellas vuelva a ser como era antes.



Crítica:
Resulta difícil posicionarse al menos inicialmente ante una película tan personal, arriesgada y diferente como 'The Lure' ('Córki dancingu'). Agniezska Smoczynska plasma con imágenes y música, mucha música, un guión de Robert Bolesto que no deja de ser una nueva versión a ritmo de sintetizador del cuento de 'La sirenita' ('Den Lille Havfrue') de Hans Christian Andersen. 'The Lure' ('Córki dancingu') es una propuesta tan arriesgada que es una de esas películas que se disfrutan o cuyo visionado, tras el efecto inicial de sorpresa, puede convertirse en una verdadera tortura. A la persona que escribe estas líneas, los cantos de Golden (Michalina Olszanska) y Silver (Marta Marurek) le han seducido y su efecto a día de hoy todavía perdura...
En el año 2015, Marcin Wrona rodó la notable 'Demon', película que fue estrenada en el Festival de cine fantástico de Sitges poco después del suicidio del director. En ella, Wrona y en base a un guión del propio director y de Pawel Maslona mostraba un acercamiento al mito del Dibbuk, espíritu capaz de poseer a un ser humano. Wrona situó su historia en el transcurso de la boda de los dos protagonistas Piort 'Pyton' (Italy Tiran) y Zaneta (Agniezska Zulewska). No es casual hablar de la película de Wrona al hacerlo de la de Smoczynska, no solo lo hacemos por la nacionalidad de ambas cintas, ambas son polacas (Cine al que como espectadores no estamos precisamente habituados salvo contadas excepciones) sino también por dos hechos que resultan comunes a 'The Lure' y 'Demon'. Uno es su gran capacidad visual y el excelente trabajo de fotografía y composición que hay detrás de muchas de sus escenas, el otro es la precipitación que muestran tanto Wrona como Smoczynska a la hora de cerrar sus historias. Tanto 'The Lure' como 'Demon' se toman su tiempo para narrar las historias que ambas películas nos cuentan pero llama la atención las acuciantes prisas que parecen tener los directores en los últimos minutos de sus películas.
El cine del director serbio Emir Kusturica también está presente de alguna manera en 'The Lure'. Suele ser una constante en muchas de sus películas el mostrar mostrar etílicas bodas así como unos toques de humor con los que no todos los espectadores conectan. Otra vez está presente en la cinta de Smoczynska el alcohol, el poder etílico de la fiesta, un barco donde se celebra la misma (Imposible no pensar en 'Underground') y como no podía ser de otra manera una boda.
Ese mismo año, el hungaro Károly Ujj Mészáros dirigió la sorprendente y muy entretenida 'Un hada llamada Liza' ('Liza, a rókatündér') cinta que comparte con 'The Lure' cierta carga estética y la importancia de la música. Si bien es cierto que la película de Smocynska es un musical y como tal ha de tratarse, Liza (Mónika Balsai) sufre cierta ensoñación con la música de Tomy Tani (David Sakurai). De alguna manera, la voz de un cantante japones de los años cincuenta es su 'propia sirena' que la seduce. Notese el influjo que Tani tienen o intenta tener sobre Liza y porque decimos que es la voz de sirena de esta película.
Una oscura noche, un grupo de músicos descubrirán un par de sirenas. Estos las llevarán al club nocturno donde tocan cada noche y donde se convertirán en la máxima atracción del lugar. Pero mientras una de ellas empezará a enamorarse de un humano, la otra anhelará escapar de allí y que todo vuelva a ser como antes.
Tras unos brillantes créditos iniciales, Smocynska muestra el etílico encuentro de Golden y Silver con los personajes interpretados por Kinga Preis, Andrzej Konopka y Jakub Gierszal que seducidos por su voz, las llevarán con ellos al club nocturno donde trabajan como músicos. A ritmo del 'I feel love' cantada por Kinga Preis, el espectador recorrerá diversas partes de tan peculiar y decadente lugar gracias a una soberbia escena donde todos los personajes excepto el del jefe del club nocturno interpretado por Zygmunt Malanowicz se dejan llevar por la música que está sonando. Este momento nos hace indudablemente pensar otra vez en 'Un hada llamada Liza' ('Liza, a rókatündér') por el hecho de estar ante otra película que parece que va a tener un tono de fabula que de alguna manera las hermana.
Siempre he pensado que uno de los problemas con los que se puede encontrar un musical es que los temas que suenan en la película no consigan conectar con los espectadores. A pesar de que 'The Lure' contiene grandes canciones, no todas tienen la misma calidad lo que deriva en que los altibajos en la historia se noten mas que en otras películas. Así 'Banana Song' no está a la altura de la soberbia 'I came to the city', tanto en lo que a la canción se refiere como al uso que Smoczynska hace de ella en la película (Otra vez 'Un hada llamada Liza' -'Liza, a rókatündér'- vuelve a aparecer, ya que el exterior del centro comercial Sezam tranquilamente podría formar parte de la cinta de Mészáros, de la misma manera, el restaurante al que acude Liza podría ser una de las opciones culinarias del Sezam). 'Chronos' de Aukasz DrapaBa y los coros de 'Colors' de The Abstinents parece composiciones del grupo gipsy-punk Gogol Bordello. Llegados a este punto cabe la pena pararse un momento para hablar sobre Tryton/Dedal, personaje interpretado por Marcin Kowalcyzk que bien podría ser un secundario de la llamativa 'Brothers of the Head', película de Keith Foulton y Louis Pepe, autores del documental 'Lost in la Macha', que narra la historia de dos hermanos siameses que fundan una banda de punk en la Inglaterra de los años setenta.
Son muchos los momentos que visualmente asombrarán al espectador. Smoczynska cuida al detalle la imagen y la estética llegando a crear escenas tan bellas como perturbadoras. A ritmo de 'The Loop' cantada por Magdalena Cielcka, 'The Lure' nos deja, al menos para la persona que escribe estas líneas, uno de los mejores momentos de la película. Una escena con una estética propia del videoclip que no dejará indiferente a nadie, una escena que puede justificar el visionado de toda la película. Lo mismo se puede decir del deseo de Kinga Preis o del anhelo de Silver (Marta Marurek) mientras esta canta 'The Bed'. Tras el impacto inicial, cuanto mas tétrica se pone 'The Lure' mas profundo es el poso que para bien y para mal deja en el espectador.
Tras el impactante 'Antichrist Superstar', Marilyn Manson publicó 'Mechanical Animals' disco con elementos de la música glam que se alejaba de la oscuridad de su anterior trabajo y que según se cuenta  la presencia de Trent 'Nine Inch Nails' Reznor tuvo demasiado peso en el resultado final del mismo. Influenciado por Bowie, Manson utilizaba a un alienígena llamado Omega que tras caer a la Tierra entraba a formar parte de una banda de rock. Esta idea resulta común tanto al disco de Manson como a la película de Smoczynska, seres fantásticos (Un extraterrestre, dos sirenas) que acaban formando parte de grupos musicales. El lector también podrá observar el claro parecido físico existente entre Silver, Golden y ese andrógino interpretado por Manson en 'Mechanical Animals'.
Golden y Silver. Silver y Golden. Michalina Olszanska y Marta Marurek. Dos actrices que dan a sus personajes la fragilidad, en el caso de Silver, y la dureza, en el de Golden, que resultan perfectas para entender la evolución de estos en la película. Sin duda alguna, Olszanska y Marurek son dos actrices a seguir. Si que resulta mas sencillo destacar a Kinga Preis dentro del grupo formado por su personaje y los interpretados por Andrzej Konopka y Jakub Gierszal, donde el primero parece quedar relegado a un segundo plano y el segundo eclipsado por Marta Marurek. 'The lure' es una cinta con una muy cuidada estética y una potencia visual que sumado a lo peculiar que supone la propuesta de Smoczynska no dejará indiferente a nadie... para bien y para mal...


Lo mejor: El trabajo de Olzanska y Marurek. La potencia visual. La forma de conocer el club a ritmo de 'I feel love'
Lo peor: No todos los temas musicales están igual de logrados.



martes, 3 de abril de 2018

Critica/Análisis: El Aviso

Título: El aviso
Año: 2018
Género:  Thriller - Drama 
Duración: 92 min.
Director: Daniel Calparsoro
Guión: Patxi Amezcua, Chris Sparling y Jorge Guerricaechevarría según la novela de Paul Pen
Música: Julio de la Rosa
Interpretes: Aura Garrido, Belén Cuesta, Sergio Mur, Raúl Arévalo, Luis Callejo,  Aitor Luna, Antonio Dechent, Julieta Serrano, Hugo Arbues, Patricia Vico, Eva Llorach, Javier Perdiguero
Nota: 6
Sinopsis: Un niño de diez años de edad recibe una extraña carta en la que se le avisa que su vida está en peligro.



Crítica:
Una secuencia numérica. Siempre doce de abril. Un extraño patrón que parece repetirse. Baran Bo  Odar. 'Silencio de Hielo' ('Das Letze Schweigen'). 'Dark'. Tras ver el trailer de la nueva película dirigida por Daniel Calparsoro es imposible no pensar en dos de los trabajos mas conocidos del director nacido en Olten, Suiza. La cinta de Calparsoro está basada en la novela homónima escrita por Paul Pen y publicada en España en el año 2011 por RBA Libros. Analicemos las semejanzas entre las obras de Pen, Calparsoro y Bo Odar con la aparición estelar del escritor David Mitchell.
En el año 2010, Baran Bo odar dirigió la notable 'Silencio de Hielo' ('Das Letze Schweigen') película que parece que sentó alguna de las bases que luego utilizaría el director y guionista para desarrollar la idea de 'Dark', serie que le catapultó a la fama. Un crimen que se repite después de veintitrés años en el mismo lugar. Tan extraño suceso parece mas un aviso o una advertencia que una simple casualidad. Después de treinta y tres años, un pequeño pueblo se verá conmocionado por la extraña desaparición de otro adolescente. Jon (Raúl Arévalo), obsesionado por la culpa y puede que también por su esquizofrenia, investigará las extrañas casualidades que suceden en diversos intervalos de tiempo en el mismo lugar y donde siempre acaba asesinada una persona. Tres historias narradas en diversos tiempos. Tres historias en las que los mismos hechos se vuelven a repetir. Tres historias que para bien y para mal guardan demasiados parecidos, tanto que ciertas escenas de 'El aviso' parecen extraídas directamente de 'Dark'. Y aunque la cinta del director catalán se acaba alejando de la obra de Bo Odar, esta está, como no podía ser de otra manera, demasiado encorsetada por culpa de la historia en la que se basa. La novela de Paul Pen, a pesar de poseer una interesante idea, no es todo lo redonda que al lector le gustaría lo que sumado a una forma de escribir demasiado simple y a una serie de situaciones que parece que forman parte del libro para llenar mas páginas, hacen de la obra de Pen una novela discreta a la que una adaptación al cine le viene muy grande. En manos de Pen, una interesante idea acaba quedándose en una simple anécdota.
Siempre que una novela salta a la gran pantalla esta sufre diversos cambios que en algunos casos mejoran a la obra en la que se basan y en otros la empeoran. Sin ser 'El aviso' de Daniel Calparsoro una gran película y reconociendo que no todas las reacciones de los personajes están del todo justificadas, podemos decir sin riesgo a equivocarnos que en este caso la película es mejor que la novela. De todos los cambios y/o variaciones que ha sufrido la obra de Pen en manos de Amezcua, Sparling y Guerricaechevarría hay dos sobre los que queremos detenernos. Uno de ellos hace referencia a la relación existente entre los tres protagonistas, el otro a Nico/Leo y sus familias.

Sobre Jon, Andrea y David.

Una de las primeras cosas que puede llamar la atención del espectador que haya leído la novela de Paul Pen no es otra que la forma en la que Amezcua, Sparling y Guerricaechevarría han construido las relaciones ente los personajes protagonistas. El triángulo formado por Aaron, Andrea y David donde los dos primeros mantienen una relación sentimental y el tercero es el tiroteado en la tienda de la gasolinera, es sustituido por Jon (Raúl Arévalo), Andrea (Belén Cuesta) y David (Sergio Mur) donde ahora David que recibirá el fatal disparo que lo dejará en coma, será la pareja de Andrea. No solo cambia la posición de la persona que recibe el disparo con respecto a su posición en la pareja y por tanto en el triangulo que se establece entre ellos, los guionistas también han cambiado la situación en la que se encuentra esta (De acabar de romper a una posible petición de matrimonio) así como la idea del viaje truncado que aunque presente en ambas historias en la novela será un viaje a Cuba ideado por los dos amigos y en la película una romántica escapada a París. Esta forma de plantear la relación existente entre los tres protagonistas sirve para que en la cinta de Calparsoro, la reacción de Andrea y Jon en lo que a la situación de David se refiere así como las diversas formas de estos para enfrentarse a tan duro momento y echarse en cara su forma de actuar resulte mucho más lógica y coherente que en la obra de Pen
Sobre Nico.

Dejando de lado la enfermedad que sufre Jon y que tal y como ocurría con Andrea sirve para justificar de una manera mas sólida la manera en la que este se obsesiona con lo que le ha sucedido a su amigo (A la culpa se suma la esquizofrenia) o la relación existente entre el dueño de la tienda y Aaron (Personaje cuyo homólogo en la película sería el de Jon), hay otro gran cambio sobre el que creemos que merece la pena pararse y ese no es otro que Nico/Leo y su familia. Amezcua, Sparling, Guerricaechevarría y Calparsoro han hecho que la familia del niño haya pasado de estar formada por un matrimonio roto de clase alta que quiere aparentar mas de lo que es (Algo a lo que se hace constante referencia en la novela) a una familia monoparental formada por Nico y su madre Lucía que vive en un barrio obrero. La sobreprotección que muestra Lucía por el acoso que sufre su hijo en el colegio queda relegado a un segundo plano en la novela donde Victoria muestra un mas que patente rechazo ante las advertencias que sufre Leo llegando incluso a que el lector piense que esta muestra esa actitud ante su hijo para atacar a su marido, incapaz de asumir que su relación es un fracaso.
Resulta difícil no pensar en 'Déjame entrar' ('Lat den ratte komma in') a la hora de ver como Calparsoro no solo ha plasmado los malos tratos que sufre el protagonista en la escuela sino también la soledad en la que este vive encerrado. Es obvio que Nico no tiene la personalidad psicótica de Oskar (La cinta de Tomas Alfredson a pesar de su bonita historia de amor, no deja de tener un muy triste trasfondo que muestra el nacimiento de lo que será un asesino) pero la manera en la que este se siente desplazado e incomprendido tiene mucho en común.
Por comparación con cierta novela el siguiente párrafo podría llevar implícitos ciertos SPOILERS por lo que si no deseas leerlos te recomendamos que saltes al siguiente. En el año 2016, Literatura Random House publicó la novela de David Mitchell 'Relojes de Hueso' ('The Bone Clocks') novela que como ya analizamos en este mismo blog contenía una gran cantidad de referencias a 'Nos4a2' de Joe Hill (Y lo mismo se puede decir de la novela de Hill con respecto a la obra de Mitchell). En ella, el autor inglés narraba la historia de Holly Skyes involucrada sin querer en una ancestral guerra que no entiende y le desborda. La descripción que hace Paul Pen de Leo nos lleva irremediablemente a pensar en Jacko Skyes, hermano menor de Holly protagonista de la novela de David Mitchell. 'A veces le preocupaba que un niño tan pequeño leyera historias sobre asesinos en serie o cuentos paranormales, pero sabía que iba a hacerlo de cualquier manera, que conseguiría esos libros a escondidas, así que era mejor incentivarlo a leer que intentar prohibírselo', ¿Por qué está bien escuchar los programas de éxitos en la radio pero no está bien escuchar canales en otros idiomas? Mamá y papá a veces deciden que Jacko necesita leer menos y jugar más al fútbol, y durante un tiempo puede que actúe más como un niño normal de siete años, pero es solo teatro, y todos lo sabemos'. De estas dos maneras, Pen y Mitchell describen el extraño comportamiento de Leo y Jacko, más propio de adultos que de niños. Estos personajes aunque alejados en lo que al desarrollo de las tramas de las películas se refiere comparten un núcleo común que de alguna manera parece hermanarlos. Al lector habituado a la ciencia ficción tampoco le pasará por alto la historia corta 'Vuelta a empezar' de George Langelaan publicado en la antología 'Relatos del antimundo' que ha conocido varias ediciones en España siendo la primera de ellas editada en 1976 por el editor Luis de Caralt Editor S.A. FIN SPOILERS FIN SPOILERS
Los guionistas y el director se han centrado en narrar la manera en la que evoluciona la obsesión de Jon y el miedo de Nico, dejando de lado todas aquellas partes de la novela que no aportan demasiado como lo centrado en la visita a Aquatopia o todas las referencias sexuales que utiliza Pen en su obra  así como las constantes referencias a las medias de Victoria ('Sus medias chispearon con electricidad estática al rozarse a la altura de los muslos', 'Apoyó las manos sobre sus piernas, agarrando el bolso con cuidado de no enganchar las uñas en las medias', 'Victoria había descruzado las piernas con violencia sobre la silla de piel del despacho, haciendo que sus medias crujieran y que Amador recordara otros tiempos') y que no solo no aportan nada a la trama sino que en muchos momentos consiguen alejar al lector de la historia y romper el ritmo de esta.
Pero no todo en el guión de Amezcua, Sparling y Guerricaechevarría mejora la obra original. A pesar de ciertas partes que solo sirven para distraer la atención del lector y situaciones no del todo bien explicadas ('Hacía tiempo que nadie llamaba preguntado por mi padre. Ni por mi abuelo. Te recibo por eso, no por otra cosa'. 'Buscó en Internet el teléfono de la fábrica de relojes Canal (...) Aarón recurrió entonces a una edición antigua de las Páginas Amarillas que encontró bajo el fregadero' Resulta sorprendente que Aaron concerte una cinta con Isaac Canal y luego tenga que buscar desesperadamente su teléfono), Pen consigue jugar con la idea de lo caprichoso que resulta el destino para ubicar a sus personajes donde quiere y cuando quiere algo que no ocurre en la película, dejando al espectador la sensación de que los protagonistas se mueven de manera arbitraria y sin sentido, que el director y los guionistas dejan demasiadas cosas relacionadas con las acciones de estos sin explicar correctamente lo que como no puede ser de otra manera, deriva en que a la película le falte algo esencial, algo que no solo se puede observar en la forma de actuar de Jon si no también y muy especialmente en ese viaje frustrado, algo sobre lo que Pen incide varias veces en su novela y que en la película de Calparsoro queda un tanto deshilvanado.
Daniel Calparsoro se dio a conocer en 1995 con la muy interesante 'Salto al vacío' protagonizada por Nawja Nimri. Tan prometedor debut se vio truncado con su segunda y tremendamente decepcionante película 'A ciegas' que utilizaba el terrorismo para construir una historia que no había por donde cogerla. Tal fue la decepción que me produjo esta película que dejé de seguir al director hasta que en el 2013, este dirigió 'Combustión', película que parecía subirse al carro del éxito de la saga 'A todo gas' ('Too fast too furious'). 'Cien años de perdón' reinó en la taquilla española, pero no por meritos propios sino por la brutal campaña publicitaria que llevo a cabo telecinco cinema. Calparsoro se ha rodeado para 'El aviso' de un gran reparto: Aura Garrido (Actriz que parece que le ha cogido el gusto a esto de la ciencia ficción y la fantasía. A la cinta de Calparsoro hay que sumar 'Vulcania' de José Skaf o 'La piel fría' de Xavier Gens), Belén Cuesta, Raúl Arévalo, Luis Callejo, Antonio Dechent o la pequeña presencia de Julieta Serrano, pero falla a la hora de dotar de ritmo a su historia. Sus referencias, el por momentos extraño comportamiento de sus personajes, la frustrante idea de intentar explicar el origen de todo aquello que ocurre y el hecho de utilizar ciertos recursos que no están en la novela para modificar algunas situaciones (¿Tiene algún tipo de justificación en la historia que uno de los asesinatos haya sido cometido por ETA y no por vulgares ladrones como ocurre en la historia de Pen?), hacen que 'El aviso' se vea bien pero que no perdure en la memoria del espectador. Lo mismo que anteriormente dijimos de la novela de Pen lo podemos decir de la cinta de Calparsoro: una interesante idea acaba quedándose en una simple anécdota. Hay algo que echo mucho en falta en las cintas que he visto de Calparsoro y es la visceralidad y personalidad de su opera prima. No hay nada de eso en 'Combustión' o en 'El aviso', parece que la rabia del director ha sido domesticada por lo comercial y la taquilla. Lastima. 


Lo mejor: La presencia de Julieta Serrano.
Lo peor: La historia no acaba por funcionar como sería necesario.

lunes, 19 de marzo de 2018

Aniquilación - Annihilation - Sobre la novela y la película

Título: Aniquilación - Annihilation
Año: 2018
Género: Ciencia Ficción - Drama 
Duración: 115 min.
Director:  Alex Garland
Guión: Alex Garland según la novela de Jeff VanderMeer
Música: Geoff Barrow y Ben Salisbury
Interpretes:Natalie Portman, Jennifer Jaso Leigh, Gina Rodriguez, Tess Thompson, Tuva Novotny, Oscar Isaac, Benedict Wong, David Gyasi, Sammy Hayman, Josh Danford, Sonoya Mizuno
Nota: 7
Sinopsis: El área X. Un lugar donde las leyes de la naturaleza siguen sus propias reglas alejadas de las que rigen el mundo. Diferentes misiones han fracasado a la hora de averiguar el secreto de tan extraño lugar. Una bióloga y otras cuatro mujeres forman parte del nuevo equipo que han de enfrentarse al área X.



Crítica:
'Todo el tiempo estaba seguro de que el túnel se vendría abajo y le aplastaría, o si no la bóveda entera se abriría, y el cielo aparecería bajo sus pies, y caería a la tierra con la lluvia celeste. El castigo de Yavhé había llegado, un segundo Diluvio'

La Torre de Babilonia - Ted Chiang

Un túnel. Un pozo. Una torre. Tres ideas, tres conceptos en uno que utiliza Jeff VanderMeer en su novela 'Aniquilación' ('Annihilation'), obra que ha sido plasmada en imágenes por Alex Garland, uno de los directores que como Tarantino saben hacer del homenaje y las referencias su mayor acierto... o su mayor error según se mire...
'Tenía los rasgos desfigurados, como si la bestia estuviera sufriendo un tormento interior extremo'

Aniquilación - Jeff VanderMeer

Si algo me llamó especialmente la atención de algunos de los primeros pasajes de la novela de Jeff VanderMeer fue la manera en la que este jugaba con la idea del túnel, del pozo y de la torre y de como las distintas protagonistas de su obra denominaban a un mismo sitio de formas tan diferentes. 'Una torre alta y un pozo profundo o lejos de Nomohan', así se titula uno de los capítulos de 'La crónica del pájaro que da cuerda al mundo' de Haruki Murakami. 'Cuando debas ir hacia arriba, busca la torre más alta y sube hasta la cúspide. Cuando debas ir hacía abajo, busca el pozo más profundo y desciende hasta el fondo. Cuando no haya corriente, quédate inmóvil. Si te opones a la corriente, todo se seca. Si todo se seca, el mundo se ve envuelto por las tinieblas'. La bióloga, la perdida de los nombres en la novela de VanderMeer es algo que también hay que analizar profundamente, es la única persona seducida ante tan extraña construcción de la misma manera que le ocurre a Toru Okada con el pozo que hay cerca de su casa en 'La crónica del pájaro que da cuerda al mundo'. Ambos lugares sirven para mostrar proceso de transformación que sufren los personajes. Y en ambos lugares, la presencia o ausencia de agua tiene vital importancia (‘Por el agua que está donde no debería estar. En cualquier caso, debe tener mucho cuidado con el agua’. ‘De modo que cerré otra vez los ojos. De modo que volví a soportar la luz y me estremecí y gemí, disponiéndome para el torrente de agua en la boca’). Cuando debas ir hacia arriba, busca la torre más alta. Cuando debas ir hacía abajo, busca el pozo mas profundo. Esta frase, esta idea se puede hacer extensible a las intenciones de las protagonistas de la novela de VanderMeer y de la percepción que tienen cada una de ellas del lugar, especialmente y como no puede ser de otra manera en el caso de la bióloga. ‘A veces, sin embargo, la soledad me punzaba el corazón’ dice Okada,  'Mi soledad y desesperación eran demasiado profundas' cuenta el Teniente Mamiya, 'la sensación de soledad y devastación fue en aumento' reconoce la bióloga. Varias personas y dos entornos, en el caso de 'Aniquilación' ('Annihilation') extensible a toda el área X, que acrecientan dichos sentimientos sobre los que VanderMeer vuelve constantemente en su novela: 'una soledad profunda e infinita, como si le hubieran concedido un don con el que ni supiera qué hacer'. Pero no solo estas ideas pueden llevar al lector a pensar en la novela de Murakami al leer la de VanderMeer y viceversa, el título de la obra de Murakami 'La crónica del pájaro que da cuerda el mundo' hace referencia a un pájaro cuyo ricric sonaba como si estuviera dando cuerda a un reloj y a la manera en la que May Kasahara (Murakami es un gran creador de personajes femeninos) llama a Okada: 'pájaro-que-da-cuerda', mientras que el marido de la bióloga se refiere a esta como 'pájaro fantasma'.
A pesar de que la película de Garland explora la evolución de su personaje principal interpretado por Natalie Portman, este ha dejado de lado tanto la idea del 'pájaro fantasma' como en el encuentro con esa extraña construcción con la que ninguna de las protagonistas se pone de acuerdo para como referirse a ella y que tiene una vital importancia en la historia de VanderMeer. En el año 2016, Denis Villeneuve dirigió con permiso de su 'Blade Runner 2049' una de las cintas de ciencia ficción mas estimulantes de los últimos años. 'La llegada' ('Arrival') estaba basada en una historia corta escrita por Ted Chiang titulada 'La historia de tu vida' (‘Story of your life’). Bajo este mismo título se editó una recopilación de diversas historias del autor donde se incluía 'La torre de babel' (‘Tower of Babylon’) y como no podía ser de otra manera también estaba la que daba titulo al libro. Resulta imposible que el lector de 'Aniquilación' ('Annihilation') no se acuerde de estas dos historias a la hora de leer la novela de VanderMeer, en el primer caso por esta 'torre' que para Chiang parece explicar la forma del mundo y que en que tanto en la obra de Chiang como en la de VanderMeer son recorridas y exploradas por sus protagonistas. En el segundo caso por la importancia que el lenguaje parece tener en ambas historias. Si la protagonista de 'La historia de tu vida' (‘Story of your life’) es una lingüista reclutada para encontrar una forma de comunicación con una especie extraterrestre que ha llegado a la Tierra, en 'Aniquilación' ('Annihilation'), la protagonista recalca la necesidad de tener en el equipo una lingüista ('Yo no tenía el cerebro adecuado para aquella tarea, ni ella tampoco: necesitábamos una lingüista') para poder descifrar aquellos extraños mensajes que van apareciendo escritos en las paredes de la torre o del túnel. Sin duda alguna la lingüística forma parte de ambas historias aunque en el caso de la historia de Chiang y por tanto de la película de Villeneuve con mucha mayor importancia y profundidad aunque ciertas frases resultan demasiado similares. 'La idea de pensar de forma lingüística pero no fonológica siempre me había intrigado', 'Yo continuaba enfrascada en el análisis del significado lingüístico, sin llegar a la idea de tomar una muestra física'. El reptador de VanderMeer, los octópodos de 'La historia de tu vida' (‘Story of your life’), el Yavhé de 'La torre de Babel' (‘Tower of Babylon’)  de en ambos casos Ted Chiang, diversas formas de comunicarse con su entorno, diversas formas de mostrar diferentes visiones de la realidad.
Pero los paralelismos entre la novela de VanderMeer no solo se centran en la obra de Chiang o la de Murakami. En el año 2002, el español Alberto Sánchez Piñol publicó la novela 'La piel fría' ('La pell freda') que recientemente ha sido llevada a la pantalla grande de la mano del director francés Xavier Gens. En ella, el escritor narra la historia de un antiguo combatiente irlandés que huyendo de su país acepta una oferta que le llevará a una isla desierta donde solo hay un faro, una casa y un habitante que lleva por nombre Batis Caffó. El enfrentamiento que se establece entre el protagonista de la novela de Sánchez Piñol y Caffó o el miedo existente del primero hacía el segundo es similar a lo que se plantea en la novela de VanderMeer, así como la descripción que ambos autores hacen del faro: 'La zona del faro más próxima al suelo estaba llena de cuerdas fijadas a la pared por unos grandes clavos. Colgando de las cuerdas, latas vacías, a menudo en pareja. (...) Más detalles incomprensibles: las junturas de las piedras se habían rellenado con clavos con la punta hacía afuera. Clavos y cristales rotos, una infinidad de cristales' en 'La piel fría' y 'Del lado del mar había otro muro, una fortificación en lo alto de la duna de aspecto aún más sólido, rematada con vidrios rotos y, como vi al acercarme, con una almenas que creaban líneas de visibilidad para rifles'. No solo la descripción del faro resulta similar sino que además los lectores de ambas novelas notaran un detalle más: La amenaza o la aparente amenaza que se cierne sobre los protagonistas parece venir el mismo sitio, del mar. 'Al principio el autor no hacía ninguna referencia a la naturaleza del ataque ni a la identidad de los atacantes, pero el asalto procedía del mar y mató a cuatro de los nuestros'. Tras leer la novela de Sanchez Piñol o haber visto la película de Gens es fácil que el lector de 'Aniquilación' ('Annihilation') tenga demasiado presente la descripción y representación del faro así como de los ataques a los infortunados habitantes de la isla que hace el autor español. 
Tras estas líneas en las que se habla de la novela de VanderMeer, la decisión de que Alex Garland haya sido la persona encargada de plasmarla en imágenes es más que acertada. Garland es sin duda alguna uno de esos guionistas y directores cuyas obras contienen gran cantidad de referencias a otras películas y/o novelas. Todo ello mezclado con inteligencia pero que hace de muchos de sus guiones un trabajo por momentos mas centrado en combinar diversos elementos que en encontrar un sitio propio. 'Sunshine' no deja de ser la versión luminosa de 'Event Horizon' de Paul W.S. Anderson, los paralelismos entre las historia de 'The Raid' ('Serbuan Maut') de Gareth Evans y 'Dredd' cinta firmada por Pete Travis pero que según su protagonista Karl Urban fue rodada por Garland, son mas que evidentes (Además la película de Travis posee escenas prácticamente iguales a la de Evans), su debut oficial como director con 'Ex-Machina' posee demasiados elementos que parecen extraídos de 'The Machine' de Caradog W. James y 'Beyond the black rainbow' de Panos Cosmatos. Como no puede ser de otra manera, su 'Aniquilación' a pesar de haber quitado las referencias anteriormente comentadas y que se pueden apreciar en la novela original, posee varías que hacen de esta película otra de esas cintas marca de la casa. 'Aniquilación' de Alex Garland podría haberse titulado 'Lena, the girl with all the gifts' y por lo menos a la persona que escribe estas líneas no le habría resultado excesivamente extraño.
En el año 2016,  Colm McCarthy adaptó la novela homónima de Mike Carey en ‘The girl with all the gifts’. La novela y la película supusieron un nuevo y fresco acercamiento a un género que está dando muestras de cansancio debido a la saturación de películas, novelas y series de televisión que explotan la creciente fama de los zombies y todo lo relacionado con los muertos vivientes. En una base militar, un grupo de científicos se dedican a investigar a un extraño grupo de sujetos: Niños de apariencia normales que poseen instintos zombies pero que bajo ciertas circunstancias pueden ser controlados. Es cierto que las historias de ‘The girl with all the gifts' y la de 'Aniquilación' ('Annihilation')  de Garland no parecen tener demasiados puntos en común pero la idea de mostrar la evolución de la naturaleza, de las plantas y las esporas hace que de alguna manera estén hermanadas, algo que también se puede hacer extensible a la novela de VanderMeer.
Garland deja de lado la exploración del túnel, o del pozo o de la torre para centrarse en la del área X algo que puede resultar un tanto pesado para los espectadores mas impacientes y que rompe con la esencia de la novela en la que se basa: No solo las protagonistas tienen nombre sino que además se establece un vinculo entre ellas que hace que el espectador tenga información acerca de sus vidas algo que no ocurre en la novela. Puede que el director y guionista haya decidido no mostrar el proceso de investigación del túnel, de los escritos que hay en él y haya cambiado la transformación, la autoexploración de la protagonista para no recargar demasiado su película en lo filosófico, algo que aún así parece haber resultado una losa demasiado pesada no solo para parte del público sino también para la productora que no ha querido arriesgar estrenando esta película en cines haciéndolo directamente en la plataforma Netflix.
Si el resplandor del área X es un prisma que refracta todo, lo mismo se puede decir del trabajo de Garland como guionista y director. En el siguiente párrafo se van a establecer ciertas comparaciones entre la cinta de Garland con otras películas por lo que puede haber SPOILERS por lo que si no quieres leerlos te recomendamos que saltes al siguiente párrafo. El primer nombre que al espectador le podrá venir a la cabeza al ver 'Aniquilación' ('Annihilation')  no es otro que el de David Lynch. La manera elegida para mostrar el encuentro entre Kane (Oscar Isaac) y Lena (Natalie Portman) tanto por la forma como por el fondo parece extraída del imaginario del director de 'Carretera Perdida' ('Lost highway'). John Carpenter también está presente en la cinta de Garland, en la que este ha añadido una escena que no está en la novela original y que sin duda alguna hará que a muchos espectadores les venga a la memoria su mítica 'La cosa' ('The Thing'. Nota: El lector también apreciará la sombra de Carpenter y 'La cosa' en la novela de VanderMeer aunque como ya se ha dicho en otra escena y de una manera diferente pero un fondo similar, con una esencia parecida). Cronenberg y su loa a la nueva carne también hace su pequeña aparición en la 'Aniquilación' ('Annihilation') de Garland. Y como no puede ser de otra manera, Jack Finney, Don Siegel, Philip Kaufman o Sean Ellis y su 'The Broken' tienen una presencia estelar en esta película. Personalmente tampoco pude dejar de pensar en ‘Die Tür’, película dirigida por Anno Saul según una novela de Akif Pirincci. Otra vez un túnel mostrará a su reflejo a los protagonistas. ¿Estaría mal hablar también de Nabokov?) Es probable que muchos espectadores no dejen de pensar en 'The Descent' de Neil Marshall por volver a estar ante una película donde el peso de la misma la llevan un grupo de mujeres, donde estas exploran un lugar que hará que surjan los miedos y las rencillas y donde la sombra del marido ausente de la protagonista adquiera vital importancia. FIN SPOILERS
Garland dota a su película de un ritmo sosegado y tranquilo algo que tras haber visto 'Ex-machina' no tiene que sorprender a ningún espectador. El director y guionista ha rebajado la aparente profundidad de la novela en la que se basa para hacerla mas digerible pero parece que no lo ha conseguido. Eso o es que como espectadores nos estamos acomodando demasiado, parece que esperamos que nos los den todo explicando y que nada suponga un mínimo reto. No hay rastro del reptador y de sus escritos en la película de Garland que parece haber simplificado la idea de frases escritas con plantas y flores por el hecho de encontrar distintas flores que crecen de la misma raíz. A pesar de que el director y guionista muestra ciertas ausencias en los recuerdos de las protagonistas, esta idea parece mas una reminiscencia de la novela de VanderMeer que un verdadero intento por explorar las mismas ideas y conceptos que el escritor norteamericano ha desarrollado en su novela. Un equipo de cuatro personas: Una bióloga, una antropología, una topografía y una psicóloga que inicialmente era de cinco, una lingüista, hasta que esta desertó antes de empezar la misión, es sustituido por Garland por un grupo de cinco personas: Una bióloga, una geóloga, una médico, una física y una psicóloga. Suponemos que el hecho de hacer de la protagonista una ex-militar ha sido utilizado por el director y guionista para poder justificar ciertas escenas de 'acción' en su película. 
Puede que a 'Aniquilación' ('Annihilation') sobre pretenciosidad., la sensación de que esta película se cree más grande de lo que realmente es. Pero esto no es culpa exclusiva de Garland sino de VanderMeer porque seamos sinceros, la historia en la que se basa esta película a pesar de haber ganado el premio Nebula en el año 2014, acaba por resultar un tanto pesada e incluso repetitiva y también se le puede achacar cierta pretenciosidad. El director y guionista se centra en el pasado de Lena con su marido dejando de lado la manera en la que esta exploraba la naturaleza que habitaba en la piscina de su casa o su encuentro con la estrella de mar, algo que vuelve a dejar en el tintero algunas ideas bastante interesantes de la novela. Sorprende que tras 'Ex-Machina' muchos espectadores se quejen del ritmo con el que Garland dota a su película, sorprende que muchos consideren a esta película como demasiado intelectual. 'Aniquilación' ('Annihilation') es una buena cinta de ciencia ficción pero cuyas constantes referencias y el reciente recuerdo de 'La llegada' ('Arrival') pueden jugar en su contra.


Lo mejor: El encuentro de Lena y Kane
Lo peor: Ciertos temas de la banda sonora mas que ayudar, distancian al espectador de la película.

sábado, 3 de marzo de 2018

Crítica/Análisis: 'Mute' de Duncan Jones

Título: Mute
Año: 2018
Género: Ciencia Ficción - Drama 
Duración: 126 min.
Director:  Duncan Jones
Guión: Duncan Jones y Michael Robert Johnson según una historia de Jones
Música: Clint Mansell
Interpretes: Alexander Skarsgard, Paul Rudd, Seyneb  Saleh, Justin Theroux, Robert Sheehan, Daniel Fathers, Noel Clark, Gilbert Owour, Dominic Monaghan, Florence Kasumba
Nota: 4
Sinopsis: En un Berlin futurista, un amish, mudo y que trabaja de camarero se adentrará en el oscuro submundo de la ciudad en busca de su novia desaparecida.





Crítica:
'De pronto, sintió que algo fuera de lo normal sucedía en su apartamento. El piso estaba excesivamente tranquilo y silencioso. No se oía ni un solo ruido, a no ser por el lejano ulular del cierzo rondando las calles. Aquello no era normal'.

'Entre reyes y gusanos' - Andrés Romero Jodar

Cine Noir. Estética futurista. Blade Runner. Moon. El silencio. Las palabras. La perdida. La forma de encontrarse en una ciudad como Berlin. David Robert Jones. El conflicto entre la tradición y la modernidad. Contra la pared. Son muchas las ideas que maneja Duncan Jones en esta 'Mute', en esta película situada en el universo 'Moon', cinta que catapultó a la fama al director y que a día de hoy y tras cuatro películas sigue siendo su mejor obra, pero que no acaban por funcionar como sería necesario. Todo resulta demasiado artificial, casi tanto como alguno de los efectos especiales de la película. Puede que Jones haya querido abarcar demasiado, puede que este 'Mute' resulte un tanto pretencioso. Sin duda alguna una de las películas mas esperadas del año se ha convertido desde el momento de su estreno en una de las grandes decepciones de la temporada.
Tradición Vs Modernidad

Una de las ideas que pueden llamar más la atención del espectador no es otra que la forma en la que Jones y Robert Johnson construyen a su personaje principal: Un amish mudo que vive en un futuro con estética a lo Blade Runner de saldo. Aparentemente el único personaje totalmente desubicado del mundo que le rodea, el único que no tiene voz, que no puede expresarse mediante palabras que salen de su boca. Jones y Robert Johnson hacen que el protagonista de su película sea un personaje alejado de ella o al menos de lo que se espera de ella. La soledad que podía sentir Sam Bell (Sam Rockwell) en 'Moon' se puede hacer extensible a la de Leo (Alexander Skarsgard): Dos personas a la que de alguna manera su entorno les es ajeno.
Los amish son un grupo religioso de vida sencilla que se muestran especialmente reticentes a los cambios, a la modernidad. Pero el hecho de situar a un personaje como este en un lugar como es este Berlin futurista, en un mundo al que no pertenece no acaba por resultar tan convincente como sería necesario, no posee la fuerza que a muchos espectadores les gustaría. Leo interpretado por Alexander Skarsgard no representa ese enfrentamiento entre dos mundos antagónicos sino casi una caricatura de ello, algo que es tanto culpa de un Skarsgard que no consigue casi en ningún momento hacerse con el papel como por la manera elegida por los guionistas para mostrar el enfrentamiento con lo tecnológico. Jones ha perdido una gran oportunidad para explorar la diferencia y la forma de actuar de una persona en un entorno extraño.
La Voz y el Silencio

En el año 2007, Esteban Sapir dirigió la soberbia 'La Antena' película que desde 'La soledad del perro guía' no nos cansaremos de reivindicar como una de las mejores cintas de este siglo. En ella, Sapir mostraba la historia de una ciudad en la que a sus habitantes se les había robado la voz y cuyo máximo dirigente quería también quitarles las palabras. Dos personajes, La voz y su hijo son los únicos personajes que pueden hablar, que pueden expresarse con normalidad. Tanto 'Mute' como 'La Antena' presentan a dos ciudades que por diversos motivos devoran a sus habitantes. Protagonistas que establecen una búsqueda para intentar dar con aquello que les ha sido arrebatado (Sus parejas, sus palabras. La idea de la novia que una mañana desaparece sin dejar rastro ya fue mostrada por el escritor zaragozano Andres Romero Jodar en su notable debut en la novela con 'Entre reyes y gusanos')  y personas que se diferencian del resto por expresarse de manera distinta mediante el uso de la voz o de dibujos. En 'Mute' no encontramos el conflicto planteado por Coetzee en 'Foe', aquí no está presente la duda acerca de si el Viernes de Jones no puede hablar porque no posee lengua o porque ningún Cruose se ha molestando en preguntarle nada como ocurre en la obra del escritor sudafricano sino una clara intención por parte de Jones de crear un personaje diferente que posee demasiado en común con la Elisa Esposito (Sally Hawkins) de 'La forma del agua' ('The shape of water') de Guillermo del Toro: Dos protagonistas, ambos mudos, ambos con una herida en el cuello y y ambos en busca de esa persona que les complementa perfectamente. Idea esta última sobre la que vamos a profundizar en el siguiente párrafo. Incluso la visceralidad mostrada por Leo parece remitirnos de alguna manera a la mostrada por Cahit (Birol Ünel) en la soberbia 'Contra la pared' ('Gegen die Wand') y el proceso de este para asimilar que Naadirah o Sibel han desaparecido de su lado. (Nota: Personalmente no pude dejar de pensar en Sibel Kekilli al ver a Seyneb Saleh en 'Mute')
'Nunca en su vida se había sentido tan solo, tan fuera de lugar, tan extraño. Y eso que desde niño, siempre había tenido a la extrañeza como compañera de hogar'

'Entre Reyes y Gusanos' - Andres Romero Jodar.

En este párrafo se va a establecer una comparación entre 'Mute' y de 'La forma del agua' ('The Shape of the water') además se va a hablar explicitamente del final de ambas por lo que si no deseas leerlo te recomendamos que saltes al siguiente párrafo. SPOILERS SPOILERS SPOILERS.  Baltimore, 1962. Berlin. Un futuro por determinar. Elisa Esposito. Leo. Dos personas que desde pequeños tienen una herida en el cuello. Dos personas que de alguna manera están relacionadas con el agua (A Elisa la encontraron en la orilla de un río, a Leo un accidente en un lago le marcó la vida). Dos personas mudas en un mundo en el que no se sienten cómodos, en el que se sienten extraños pero sobre todo, dos personas que encuentran en alguien que por diversos motivos es diferente para la época en la que viven (El hombre anfibio o el tremendo apoyo que supone para Elisa la presencia de Giles -Richard Jenkins-, o Naadirah en el caso de Leo) el apoyo que necesitan y cuya felicidad se verá en peligro por culpa de la presencia de Richard Strickland (Michael Shannon) o de Cactus Bill (Paul Rudd). A pesar de la diferencia estética presente en 'Mute' y 'La forma del agua' ('The Shape of water') por estar una situada en los años sesenta y otra en el futuro, ambas poseen cierta esencia al cine clásico (La cinta de Del Toro es toda una declaración de amor a un tipo de cine en particular y a todo él en general) que hace imposible no pensar en cierta relación entre ambas, tanto que cambiando la textura de la imagen la casa de Leo o incluso la de Cactus Bill estas podrían formar parte de 'La forma del Agua' ('The Shape of water'). Pero hay una idea por encima de todas que parece hermanar a ambas películas y esa no es otra que la forma en la que ambos directores cierran sus películas: Tanto Elisa como Leo recuperan aquello que les ha sido arrebatado tras zambullirse en el agua: Su esencia en el caso de la primera, su voz en el caso del segundo. Las dos cicatrices que ambos personajes poseen en sus cuellos adquieren gran importancia en ese momento algo que hace que indudablemente el espectador se acuerde de una película al ver la otra y viceversa. FIN SPOILERS FIN SPOILERS
Por desgracia y a pesar de la gran cantidad de buenas ideas que posee 'Mute' esta película no acaba por funcionar como nos gustaría y a un director como Duncan Jones que nos ha dejado cintas tan notables como 'Moon' o 'Código fuente' ('Source Code') hay que pedirle mucho mas. Los guiños a otras películas o series que podrá ir descubriendo el espectador durante el visionado de esta película (Algo parecido a lo que ocurre al ver 'La forma del agua' -'The Shape of water'- de Guillermo del Toro en la que se puede apreciar cierto aroma a lo 'Delicatessen' de Jeunet y Caró, de 'Amelie' de Jean-Pierre Jeunet no solo por cierto parecido entre las protagonistas sino también porque la delicadeza de algunas de las composiciones de Alexandre Desplat que poseen la magia de la música de Yann Tiersen, algo que por ejemplo se puede apreciar en el tema 'Elisa's Theme', y como no puede ser de otra manera 'El laberinto del fauno'  y gran parte de la filmografia de Del Toro) son casi lo único que conseguirá combatir el sopor, ya que la presencia de Paul Rudd que inicialmente sorprende y mucho acaba incluso por saturar, algo que se puede hacer extensible a Skarsgard y Theroux. Es una verdadera lastima que una de las cintas mas esperadas del año se haya convertido por motivos propios en por ahora, la gran decepción de la temporada. Puede que para los seguidores mas acerrimos de David Bowie, el hecho de que Jones haya situado esta cinta en Berlin y que explore las relaciones entre padres e hijos pueda dar a esta película una profundidad que al resto se nos puede escapar. Igual ellos consiguen disfrutar mas de este 'Mute'.


Lo mejor: El guiño a 'Moon'
Lo peor: Todo resulta demasiado artificial como muchos de sus efectos especiales.

miércoles, 21 de febrero de 2018

Crítica - Análisis: The Ritual

Título: The Ritual
Año: 2017
Género: Terror - Drama 
Duración: 94 min.
Director:  David Bruckner
Guión: Joe Barton según la novela de Adam Nevill
Música: Ben Lovett
Interpretes: Rafe Spall, Arsher Ali, Robert James-Collider, Sam Troughton, Paul Reid, Matthew Needham, María Erwolter, Hilary Reeves, Peter Liddell, Francesca Mula, Jacob James Beswick
Nota: 7,5
Sinopsis: Un grupo de amigos deciden realizar una excursión por un parque nacional sueco. Un cambio de planes hará que una extraña presencia que se esconde entre los bosques los empiece a acechar...



Crítica:
'Traté de hablarle del espantoso peso del Bosque, observándome; la sensación que me estaba dando caza'

Un cuento Oscuro - Naomi Novik


I - Bajo los Restos

Hay muchas maneras de superar la perdida. Hay mucha formas de afrontar aquello en los que nos hemos convertido, en como nuestros sueños se han quebrado al toparse con la dura realidad. Si algo hemos aprendido del cine es que la mejor manera de enfrentarse a ello no es hacer una excursión con los amigos. Si Neil Marshall dejó patente esta idea en la sobresaliente 'The Descent', ahora es David Bruckner el que vuelve a hacerlo. Si el primero situó su historia en el interior de una cueva, el segundo lo hace en lo mas profundo del bosque y ambos casos los directores consiguen transmitir la angustia, la opresión y la claustrofobia de manera soberbia.
'Cuidado con la luna. Y no os salgáis del camino'

Hombre lobo americano en Londres.

En el año 2011 se publicó en Reino Unido la novela 'El Ritual' ('The Ritual') de Adam Nevill, en la que se narra el reencuentro de cuatro amigos: Dom, Phil, Luke y Hutch que deciden realizar una travesía por bellos e idílicos parajes suecos. Un cambio en el plan previsto llevará a que los amigos se pierdan y la oscuridad que se cierne sobre ellos hará que salgan a la superficie todos los odios, rencillas y los celos que existen entre ellos desde hace tiempo. A pesar de que la novela ha sufrido diversos cambios en su salto a la gran pantalla, algunos de ellos han conseguido mejorar a la historia de Nevill, otros no tanto, resulta imposible no establecer comparaciones entre esta  y la cinta de Neil Marshall, la novela 'Un cuento Oscuro' ('Unprooted') de Naomi Novik y la soberbia 'La bruja' ('The Witch') de Robert Eggers, por el uso de la música, el bosque y las atmósferas. 'The Ritual' ha sido comparada de forma casi obsesiva con 'El proyecto de la bruja de Blair' ('The Blair Witch Project') por la idea de presentar a un grupo de personas que se pierden en medio de un terrorífico bosque. Pero la cinta de Bruckner no es un simple ejercicio de marketing, no es un vacuo artificio del que solo su parte final puede ser recordada de grata manera. No, la cinta de Bruckner es un notable ejercicio cinematográfico que consigue que una historia mil veces vista, no solo no aburra al espectador sino que además capte su atención haciendo de 'The Ritual' una muy grata sorpresa. La falta de originalidad de la historia es sustituida por una gran ambientación y el gran trabajo del director y los actores.
'Sabía que el río no llegaba a salir nunca por el otro lado, en Rosya; se desvanecía en algún lugar de las profundidades del Bosque, engullido en algún sitio oscuro. Aquí, ante su amplia y oscura extensión, resultaba casi imposible creerse aquello'

Un cuento Oscuro - Naomi Novik

Sobre los personajes

De Luke y Dom, Sarah y Juno. De Paul y Robert

A pesar de estar basada en la novela de Adam Nevill, la película de Bruckner ha introducido varios cambios que en lineas generales mejoran y mucho la obra original. De la misma manera que hizo John Ajvide Lindqvist en 'Déjame entrar' ('Lat den rätte komma in'), Carl Joos con la novela 'The Treatment' de Mo Hayder, Joe Barton consigue quedarse con la esencia de la historia creada por Nevill y centrarse en lo importante, dejando de lado todos aquellos elementos que pueden apartar al espectador de la historia que Bruckner quiere plasmar en imágenes, algo que se nota especialmente en la parte final de la misma.
Un brutal accidente de tráfico acaba con la vida de Paul (Oliver Milburn), marido de Sarah (Molly Kayll) y la hija de ambos, Jessica (Shauna Macdonald). Robert (Paul Reid) es asesinado durante un atraco. Sarah y Luke (Rafe Spall) están presentes durante ambos sucesos. El dolor producido por la perdida o el sentimiento de culpabilidad es una constante en ambos personajes. El punto de partida de la cinta de Bruckner y el de la de Neil Marshall resulta prácticamente idéntico, mas aún si pensamos que el desarrollo de ambas historias se produce seis meses o un año después de tan terribles sucesos cuando el grupo de amigos de los protagonistas deciden hacer espeleología por cuevas situadas en los Montes Apalaches o trekking por los bellos parajes suecos. Es aquí donde encontramos la principal diferencia entre la película de Bruckner y la novela de Nevill: Robert, personaje que ha sido añadido por Barton para de alguna manera poder justificar mejor, no ya el viaje de los amigos sino la rencillas que la tensa situación sacará a la luz.
A pesar de ser Hutch (Robert James-Collider) la persona que decide cambiar la ruta de la excursión (Recordemos que en la cinta de Marshall quién hace esto es Juno -Natalie Mendoza- pero mientras el primero lo hace con la clara intención de ayudar al grupo, la segunda lo hace por el mas puro egoísmo vendido como un gesto altruista: Poner el nombre de Sarah a un grupo de cuevas descubiertas por ellas) el conflicto principal entre los personajes se establece entre Luke y Dom, de la misma manera aunque por distintos motivos sucedía con Sarah y Juno en la cinta de Marshall. La irrupción de Robert en 'El ritual' ('The Ritual') sirve para que Bruckner como director y Barton como guionista desarrollen el conflicto existente entre los dos personajes de una manera que puede resultar mas lógica y natural que la narrada por Nevill en su obra. El problema no radica en la forma de vida de estos, en la manera en la que asumen o no sus responsabilidades sino en el hecho de haber dejado abandonado a un compañero que acabó siendo brutalmente asesinado. Esta idea en manos de Bruckner y Barton sirve para que el desarrollo de la extrema y crítica situación que viven los amigos, las soluciones planteadas para salir de ella y los conflictos derivados de ellas, tengan mas sentido y coherencia aunque en la película estas estén mostradas sin la profundidad de la novela.
'De eso estaba segura. El bosque me buscaba ahora. Estaba buscando, y no tardaría en dar conmigo'

Un cuento oscuro - Naomi Novik


El conflicto. La desesperación.

Una decisión tomada de forma precipitada llevará a los protagonistas a cambiar su itinerario. De igual manera que el grupo liderado por Juno es llevado por esta a explorar unas, hasta ese momento, desconocidas cuevas, el comandado por Hutch intentará acortar su ruta por en medio de un vasto bosque. Dos lugares, uno bajo tierra, el otro al aire libre consiguen transmitir al espectador la misma sensación de opresión y agonía. Esos extraños seres que se han adaptado a vivir en la oscuridad de las cuevas, esa deidad que parece habitar en los bosques o esos caminantes que salen de lo mas profundo del bosque para llevarse a la gente en la novela 'Un cuento oscuro' ('Unprooted') de Naomi Novik. Tres maneras de representar la amenaza que acecha a los protagonistas y a todo aquel que se acerca a dichos lugares. Tanto Bruckner como Marshall utilizan de la misma manera ciertos recursos para llevar a los protagonistas a la mas absoluta desesperación ante la situación en la que se encuentran, pero 'The Ritual' parece querer alejarse de alguna manera de la cinta de Marshall cambiando algunas ideas presentes en la novela de Nevill para, creemos, evitar que la comparación resulte demasiado obvia. Si hay algún pero que se pueda poner a la adaptación llevada a cabo por Bruckner y Barton es la perdida de la decrepita iglesia con la que se topan los excursionistas ya que en cierta medida rompe con la ambientación de la obra original.
Bruckner y Lovett se centran en presente de sus personajes y en los hechos que los han llevado hasta la situación en la que se encuentran. Nevill aborda y muestra el pasado de estos y su presente mas allá de los límites del bosque en el que se encuentran. El lector conocerá la vida de los cuatro amigos, la relación con sus parejas y el momento en el que cada uno se encuentra. Este será el motivo del conflicto entre ellos, entre Luke y Dom. Nevill parece establecer una metáfora entre ese bosque que los lleva por donde quiere y la manera en la que a los cuatro personajes se les ha escapado el control de sus vidas. Elementos ajenos a ellos les han llevado a la situación en la que se encuentran como si el bosque los llevara donde quiere. Si hay algo que llama la atención en lo que al diseño de personajes se refiere en la cinta de Bruckner es la forma en la que Luke ha cambiado: De una persona con un grave problema para controlar su ira ('El mismo instinto horrible que apenas podía controlar cuando se sentía agraviado, una sensación que, para ser sincero consigo mismo, había de  reconocer que experimentaba todos los días en el metro de Londres de camino al trabajo y después durante buena parte del día ya en el trabajo, en la tienda de discos de segunda mano') a una persona capaz de traicionar a sus amigos. Es cierto que Bruckner y Lovett intentan dotar a este personaje de cierta oscuridad mas allá de su cobardía pero la incapacidad de Luke para controlar su ira no está presente de la misma manera en la película y la novela.
II - Al sur del cielo

'Se lo dio al Diablo en el bosque'
The Witch


Sobre como mejorar la novela en la que se basa la película.

'The Ritual' es una cinta que tiene, al igual que la novela, dos partes claramente diferenciadas y es sin duda alguna la segunda de ellas la que mas disparidad de opiniones genera. La manera elegida por Nevill para hacer avanzar su historia y cerrarla (Bruckner parece hacer un guiño a lo Fede Alvarez y su remake de 'Evil Dead' al original mostrando en este caso no un coche si no una furgoneta abandonada en medio del bosque) no está a la altura del planteamiento inicial de la misma haciendo que la lectura de la novela acabe haciéndose un tanto cuesta arriba.
En el siguiente párrafo se habla de forma explicitimante de la parte final de la película y de la novela por lo que hay SPOILERS si no deseas leerlos, te recomendamos que saltes al siguiente párrafo. Bruckner y Barton han aprendido y mucho de la soberbia 'La Bruja' ('The VVitch: A New-England folktale') de Robert Eggers, de la ambientación con la que el director ingles dota a su película y del uso de la excelente banda sonora que Mark Koven compuso para esa película. El director y guionista de 'The Ritual' dejan de lado a los frenesí sangriento, a ese grupo de jóvenes seducidos por los antiguos dioses (Resulta llamativo el uso de las mayúsculas en la novela de Nevill. Guillermo Arriaga en su notable 'El salvaje' se refiere a dios en minúscula, algo que tiene una justificación y que el lector descubrirá al leer la novela, Nevill en la suya hace que Loki, Fenris y Sturtr hablen de los dioses de forma casi constante en minúsculas. Un detalle así llama cuando menos la atención ya que la veneración que estos sienten hacia esa deidad que vive en el bosque justificaría sin ninguna tipo de dudas el uso de las mayúsculas) por una especie de pueblo que rinde tributo a aquellos que viven en el bosque. 'The Ritual', la película, convierte la obsesión de tres niñatos en un grupo de personas aisladas del tiempo y de la sociedad que consiguen que nos acordemos de Thomasin y su familia.
Continúan los SPOILERS. Barton en su función de guionista se dio cuenta que la parte final de la obra de Nevill no solo no funcionaba como era deseable sino que además el escritor se tomaba diversas licencias que hacían que su obra no resultara todo lo coherente que al lector le gustaría. Tras ser atacado, Luke sufre una especie de severa conmoción cerebral que le impide moverse y realizar ciertos actos como puede ser sonreír. El reposo parece hacer que este se recupere pero paliza tras paliza, la salud de este tendría que volver al punto de partida, a esa conmoción que le hacen creer a este que le han partido el cráneo, pero esto haría que la historia no evolucionara por donde Nevill quiere así que simplemente lo evita, hace que el punto de vista del lector se desvíe hacía los temas que el autor si que sabe que puede controlar sin problemas. No solo esta idea ha sido dejada fuera de la película, algo que es agradecer sino que ademas el hecho de que sea Luke el elegido para formar parte del ritual tiene una fuerza y una lógica de la que carece la novela de Nevill y eso es sin duda alguna por el gran acierto de introducir al personaje de Robert en la historia. FIN SPOILERS
'Una vez vi a uno, a una gran distancia entre los árboles: como un enorme insecto palo, casi imposible de atisbar entre el sotobosque, y al mismo tiempo dislocado y horroroso, así que, cuando se movió, sentí un escalofrío y retrocedí intranquila'

Un Cuento Oscuro - Naomi Novik

'The Ritual' es una gran muestra de cine de terror que sabe jugar perfectamente con el paisaje, con la música y que sabe sacar el máximo provecho a una puesta en escena que por momentos es realmente sobresaliente algo que el espectador notará especialmente en lo que se refiere a las pesadillas del protagonista. Desde 'La soledad del perro guía' recomendamos dejar de lado el recuerdo de 'El proyecto de la bruja de Blair' ('The Blair Witch project') y centrarse en el de 'The Descent', 'Un cuento oscuro' (A pesar de que para muchos está es una novela de 'temática juvenil', algo que últimamente parece resultar demasiado peyorativo, la obra de Novick es una gran novela ganadora en el año 2016 del premio Nebula a la mejor novela y premio Locus a la mejor novela de fantasía) así como 'La bruja' ('The VVitch: A New-England folktale'). La cinta de Bruckner fue uno de los grandes descubrimientos del pasado festival de cine fantástico de Sitges y tras haber podido disfrutar de esta película en Netflix, nos damos cuenta de que hay motivos mas que suficientes para que el público de dicho festival se sintiera cautivado por esta película. Muy recomendable.
'Aquél fue el final de la historia: nadie que entrase en el Bosque volvía a salir, no entero e indemne, por lo menos. De cuando en cuando salían ciegos, gritando, y otras veces tan retorcidos y contrahechos que no se les reconocía y lo peor de todo, en ocasiones salían con su propia cara pero con una pesadilla detrás de ese rostro, con un espantoso daño en su interior'

Un Cuento Oscuro - Naomi Novick


Lo mejor: El uso del espacio, la ambientación y la puesta en escena.
Lo peor: Que se la compara con 'El proyecto de la bruja de Blair'