sábado, 10 de febrero de 2018

Crítica/Análisis: The Cloverfield Paradox

Título: The Cloverfield Paradox
Año: 2018
Género: Ciencia Ficción - Drama 
Duración: 102 min.
Director:  Julius Onah
Guión: Oren Uziel según una historia de Doug Jung y el propio Uziel
Música: Bear McCreary
Interpretes: Gugu Mbatha-Raw, David Oyelowo, Daniel Brühl, John Ortiz, Chris O'Dowd, Aksel Hennie, Zhang Ziyi, Elizabeth Debicki, Roger Davies, Clover Nee, Jordan Rivera,
Nota: 6
Sinopsis: La Tierra se está quedando sin fuentes de energía. Las tensiones entre los países están llevando al planeta al borde de la guerra. La única esperanza reside en un grupo de científicos que orbitando alrededor de la Tierra tendrán que hacer funcionar un complejo mecanismo capaz de generar energía infinita.


Crítica:
La Tierra agoniza. Los Recursos escasean. El sol se apaga. La esperanza de millones de personas puesta en un grupo de científicos que tendrán que llevar a cabo una misión que los alejará de sus familias de forma temporal o permanente. Una explosión nuclear que ha de reactivar el sol. El acelerador de partículas Shepard capaz de generar energía infinita. Danny Boyle. Julius Onah. Sunshine. Cloverfield. Dos películas con una idea común: La desesperada búsqueda de una solución a una situación extrema.
Nota: En el siguiente texto se habla explícitamente de ciertas partes de la película por lo que advertimos al lector que se va a encontrar con varios SPOILERS, si no quieres leerlos te recomendamos que no sigas leyendo ya que consideramos que la mejor forma de acercarse a esta película es hacerlo sin saber absolutamente nada de ella.
En el año 2008, el nombre de Matt Reeves empezó a ser conocido por muchos gracias a la sorpresa que resultó la muy entretenida 'Monstruoso' ('Cloverfield') cinta de ciencia ficción que rodada en base a lo que se conoce como found footage o metraje encontrado, narraba la lucha por sobrevivir de un grupo de jóvenes mientras una extraña criatura atacaba la ciudad de Nueva York. Ocho años mas tarde y en el mas absoluto de los secretos Dan Trachtenberg rodó 'Calle Cloverfield 10' ('10 Cloverfield Lane') cinta no continuaba los hechos narrados por Reeves en su película sino que planteaba otra historia diferente pero situada en el mismo universo o mejor dicho multiverso de 'Monstruoso' ('Cloverfield'). Trachtenberg relegó a las temibles criaturas que atacaban a la Tierra a un segundo plano para mostrar que los verdaderos monstruos están a nuestro alrededor bajo una tranquila y reconfortante apariencia. 'Calle Cloverfield 10' ('10 Cloverfield Lane') dejó de lado el montaje frenético y la aventura de 'Monstruoso' ('Cloverfield') para centrarse en su ambientación y tensión por lo que esta película fue comparada con el cine de Alfred Hitchcock. Sin duda alguna la cinta de Trachtenberg se beneficiaba del excelente trabajo de John Goodman y Mary Elizabeth Winstead cuyo personaje nos dejó una nueva Teniente Ripley.
Ahora, dos años después del estreno de 'Calle Cloverfield 10' ('10 Cloverfield Lane') y continuando con la idea de dar a conocer a nuevos talentos, es el desconocido Julius Onah el encargado de dirigir esta película, llega directamente a la plataforma Netflix y sin pasar por los cines 'The Cloverfield Paradox', nueva entrega de la saga que a pesar de haber sido considerada inicialmente por muchos como una especie de precuela de la cinta de Reeves (Por la idea preconcebida de dar una posible explicación al origen de las criaturas), esta es una cinta que expande el universo Cloverfield logrando que esta película haya resultado demasiado controvertida por toda una serie de motivos y referencias que vamos a intentar analizar.
El giroscopio - El motor gravitatorio - El Arco Iris Uno

Resulta inevitable no hablar del motor gravitatorio inventado por el Doctor William Weir o el Arco Iris Uno del Doctor Longstreet al hablar del giroscopio, pieza elemental para el funcionamiento del acelerador de partículas Shepard. Tres experimentos científicos que por diversos motivos se descontrolan abriendo diferentes puertas interdimensionales o aparentemente plegando el espacio sobre si mismo lo que llevará a los incautos protagonistas a vivir experiencias que les superan y que ponen en duda todas sus creencias, así como en algunos casos pondrán en peligro la propia estabilidad de la Tierra. En 1997, Paul W. S. Anderson dirigió la que es sin duda su mejor película 'Horizonte Final' ('Event Horizon) y que se convirtió desde su estreno en una obra de culto gracias a su excelente puesta en escena y a un sobresaliente grupo de actores. La nave Event Horizon desapareció sin dejar rastro después de activar el motor gravitatorio que servia para crear un agujero negro artificial y así plegar el espacio (La distancia mas corta entre dos puntos no es una linea recta, es cero). Varios años después y tras recibir una señal de rescate un grupo de científicos irán al lugar donde parece haber aparecido la Event Horizon y así descubrir que ha sido de esta.
Sin duda alguna, 'The Cloverfield Paradox' podría funcionar perfectamente como precuela light de 'Event Horizon'. Perfectamente, la estación espacial en la que se encuentran los protagonistas de la película de Onah podría ser una versión de la Event Horizon. Hamilton (Gugu Mbatha-Raw) posee varios paralelismos con la Doctora Peters (Kathleen Quinlan) por la importancia que tienen para ambos personajes los recuerdos familiares en especial aquellos que hacen referencia a sus hijos. Sin duda alguna si la puesta en funcionamiento del motor gravitatorio creado por Weir abrió las puertas del infierno para los tripulantes de la nave, lo mismo se puede decir del acelerador de partículas Shepard pero en este caso para los habitantes del planeta Tierra. Y es posible que muchos espectadores sean incapaces de no pensar en Joely Richardson al ver a Elizabeth Debecki, Jensen en 'The Cloverfield Paradox'. Ten cuidado con lo que preguntas si no quieres escuchar ciertas respuestas. A la cinta de Onah le ocurre exactamente eso, su intento para dar respuesta a ciertas preguntas y plantear otra nuevas no acaba por funcionar como sería necesario haciendo que tras el prometedor arranque, la historia acabe diluyéndose en cientos de referencias que hacen que esta paradoja no tenga la personalidad que tenían sus dos cintas predecesoras.
En 1984, Stewart Raffill dirigió la muy entretenida 'El experimento Filadelfia' ('The Philadelphia Experiment') película que visualmente ha envejecido mal pero que sigue resultando tan fascinante como cuando se estrenó.  La historia escrita por Michael Janover y William Gray se hacía eco de la leyenda urbana acerca de los intentos norteamericanos por hacer invisible al navío USS Eldridge de los radares enemigos y presentaba a dos soldados que tras activar el Arco Iris Uno y por culpa del un fallo en el experimento viajaban de 1943 a 1984, año en el que se ha creado un agujero que absorbe todo lo que encuentra a su paso poniendo en peligro al propio planeta. Si resulta inevitable pensar en 'Horizonte Final' ('Event Horizon) al ver 'The Cloverfield Paradox' ya que tanto el giroscopio como el motor gravitatorio llevan a ambas naves a una nueva y desconocida dimensión que parece abrir las puertas del infierno, tampoco se puede evitar hacerlo con 'El experimento Filadelfia' ('The Philadelphia Experiment') por estar ante la idea del peligro que supone para la Tierra un extraño y fallido experimento. Nota: Siempre que hablo o escribo acerca de la cinta de Raffill no puedo evitar pensar en 'El final de la cuenta atrás' ('The Final Countdown') dirigida por Don Taylor cuatro años antes y que supone otro notable ejercicio de ciencia ficción cuyo visionado recomendamos. 
Kill Switch - Fringe

Los ahora tan odiados por muchos J.J Abrams (Parece que al director no se le perdona el remake de 'Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza' - 'Star Wars: Episode IV - A new hope'- bajo el título de 'Star Wars: Episodio VII - La fuerza despierta' -'Star Wars: Episode VII - The force awakens'-), Alex Kurtzman (Si, el director de 'La Momia' -'The Mummy'- la desastrosa cinta del fracasado Dark Universe) y Roberto Orci (The amazing Spider-man 2: El poder de electro) fueron los creadores de la mítica serie de ciencia ficción 'Fringe', obra de culto venerada por los amantes de este género. La colisión de los Universos paralelos y la forma en la que estos parecen que van a colapsar nos llevan a pensar como no podía ser de otra manera en 'The Clovierfield Paradox'. Dos Universos donde las personas que habitan en ellos, en especial Jensen interpretada por Elizabeth Debecki harán todo lo posible para salvar a las personas que viven en el suyo. Tal es la influencia de la serie creada por Abrams, Kurtzman y Orci que su sello no solo es visible en 'The Cloverfield Paradox' sino en otras muchas películas como 'Autodestrucción' ('Kill Switch') de Tim Smit. Película que presentaba otra vez la idea de como un experimento fallido destinado a conseguir energía infinita abría una conexión entre la Tierra y un planeta similar a este donde tal y como ocurría en 'Otra Tierra' ('Another Earth') de Mike Cahill todo el mundo tiene su doble exacto. Si la colisión entre Universos de 'The Cloverfield Paradox' ponen en peligro la estabilidad de ambos, en 'Kill Switch', la ilimitada energía que recibe la Tierra no deja de ser una manera de absorber la de ese planeta espejo. Tim Smit a pesar de rodar muchas escenas en primera persona, algo que acaba saturando al espectador, muestra otra vez la colisión entre diversos Universos y como las puertas del infierno se pueden abrir de muy diversas personas. Nota: Si el sello de la serie 'Fringe' está presente en 'Kill Swith', también lo está el de 'Monstruoso' ('Cloverfield').

Die Tür - Another Earth - Coherence

La existencia de Universos paralelos, de otros mundos igual al nuestro lleva implícita la pregunta de si aquellas personas que viven en él, si aquellas personas que son igual que nosotros han tomado las mismas decisiones o no y si sus vidas son mejores que las nuestras. Parece ser recurrente el hecho de que siempre son los otros los que acertaron con sus decisiones. Rhoda Williams (Britt Marling), Em (Emily Baldoni), David Andernach (Mads Mikkelsen), Hamilton (Gugu Mbatha-Raw) todos ellos se encuentran ante el dilema de como sus 'dobles' tienen todo aquello que ellos han perdido. A pesar de que 'The Cloverfield Paradox' muestra la desesperación de la protagonista presentando las mismas preguntas que la película de Anno Saul, esta se acerca a estas de una manera demasiado sentimental y un tanto superficial, sin analizar ni llegar a la profundidad de la cinta de Saul. Hay que reconocer que 'Die Tür' pivotaba alrededor de esta idea y en 'The Cloverfield Paradox' este no deja de ser un hecho secundario, residual dentro de la trama principal. 'Die Tür' y en especial el personaje de Maja Andernach (Jessica Schwarz) dan respuesta a todas las preguntas planteadas tanto por Hamilton (Gugu Mbatha-Raw) como por Kiel (David Oyelowo).
Sunshine - Prometheus  - Juan Piquer Simón - Life

Al hacer referencia a 'Sunshine' de Danny Boyle hay que hablar obligatoriamente de 'Event Horizon' de Paul W.S. Anderson. De la mima manera si se hace referencia a la cinta de Anderson hay que hacerlo de la de Boyle. 'Sunshine' es la versión luminosa de 'Event Horizon'. Ambas películas poseen una conexión que de alguna manera las hermana. A lo ya explicado en el primera párrafo de esta crítica/análisis hay que añadir el hecho de que el espectador se encontrará con ciertas partes de la historia que resultan demasiado similares como puede ser el hecho de tener que prescindir de ciertas partes de la nave que ponen en riesgo la integridad de sus ocupantes. Ciertos clichés parecen estar presentes de manera repetitiva en el cine de ciencia ficción. Pero hay mas referencias o paralelismos con otras películas y/o autores que desde 'La soledad del perro guía' no queremos dejar pasar por alto y sobre las que queremos hacer un breve comentario.
Puede que a muchos lectores le sorprenda hablar en el mismo párrafo del 'Prometheus' de Riddley Scott y Juan Piquer Simón, figura clave en el cine fantástico español y que merece ser reconocido como tal. Gusanos, ojos, dolores de cabeza. Charlie Holloway (Logan Marshall-Green). Volkov (Aksel Hennie). John Foley (Santiago Álvarez). Tres personajes en los que es inevitable no pensar.
De la misma manera es imposible no acordarse de 'Life', una de las grandes sorpresas de la temporada pasada. La cinta dirigida por Daniel Espinosa y protagonizada entre otros por Jake Gyllenhaal, Ryan Reynolds o Hiroyuki Sanada que también formó parte del reparto de 'Sunshine', sin mostrar nada nuevo ofreció un espectáculo realmente entretenido. La simple pretensión de hacer pasar un buen rato al espectador hicieron de esta película una muy grata sorpresa. Por motivos mas que obvios es obligatorio hablar de 'Life'. Uno de ellos es el hecho de como algo mil veces visto puede llegar a entretener y mucho, algo que por momentos parece que no sucede en 'The Cloverfield Paradox'. La otra es que aquello que nos pudo impactar hace menos de un año, no tiene porque hacerlo ahora. Ciertas similitudes en tan corto espacio de tiempo hace que la capacidad de sorpresa del espectador se vea disminuida de forma exponencial consiguiendo que este acabe quedándose con un extraño sabor de boca.
El monstruo ya no es el monstruo. Michael (Roger Davids) parece compensar la negativa visión que Howard (John Goodman) dio acerca del comportamiento humano en circunstancias extremas. Uziel como guionista y Onah como director plantean muy interesantes ideas que no acaban por funcionar como sería deseable. La complejidad de la paradoja a la que hace referencia el título deja al espectador ganas de mas, como si a esta película le faltara un complemento para poder acabar de ser redonda, como si necesitáramos ver la historia desde el punto de vista de la tripulación de Jensen para poder dar forma a esta película. A pesar de la decepción que ha supuesto en mi esta película (No tiene el factor sorpresa de 'Monstruoso' - 'Cloverfield'-, ni la tensión de 'Calle Cloverfield 10' - '10 Cloverfield Lane'), el Universo Cloverfield tiene mucho que ofrecer e igual que ocurría con ciertos episodios de 'Fringe' que individualmente flojeaban, en conjunto hacían de esta una extraordinaria serie, y personalmente creo que ocurre con 'The Cloverfield paradox'. Interesante aunque aparentemente fallida.


Lo mejor: La jugada maestra de Netflix para publicitar y acto seguido estrenar esta película.
Lo peor: La mezcla de ideas de otras cintas no acaba por funcionar como nos gustaría.

domingo, 4 de febrero de 2018

Crítica: The Treatment - De Behandeling

Título: The Treatment - De Behandeling
Año: 2014
Género: Thriller - Terror - Drama
Duración: 131 min.
Director:  Hans Herbost
Guión: Carl Joos según la novela de Mo Hayder
Música: Kieran Klaasen, Melcher Meirmans y Chrisanne Wiegel
Interpretes: Geert Van Rampelberg, Ina Geerts, Johan Van Assche, Laura Verlinden, Dominique Van Malder, Roel Swanenberg, Kyan Steverlynck, Ingrid De Vos, Michael Vergauwen, Circé Lethem
Nota: 8
Sinopsis: Una familia ha sido secuestrada y brutalmente torturada durante tres días. El detective Cafmeyer encuentra demasiados paralelismos entre este caso y la extraña desaparición de su hermano cuando tenía nueve años, lo que hará que lleve la investigación a un terreno demasiado personal.


Crítica:
Hay películas incomodas. Hay películas cuyo visionado no es complaciente con el espectador. Hay películas cuyo recuerdo perdura en la memoria de aquel que la ha visto. Sin duda alguna, 'The Treatment' es una de esas películas...
Es de agradecer el enorme esfuerzo que hace la plataforma Filmin para ofrecer un tipo de cine que se aleja de lo que comúnmente se conoce como cine comercial y que de otra manera para muchos de nosotros sería muy difícil poder ver y disfrutar. Con lo que no estoy tan de acuerdo es con la manera en la que muchas veces publicitan las películas. "Como si David Fincher dirigiese 'A Serbian Film', como si 'Mystic River' encontrara su más retorcido reverso europeo". Es cierto que 'The Treatment' es una cinta oscura que en algunos momentos puede traer a la memoria del espectador el cine de Fincher (Para bien y para mal, el director norteamericano ha dejado huella en la historia del cine reciente), es cierto que la cinta de Herbost posee ciertas imágenes que pueden provocar el rechazo de mas de un espectador (Pero nada comparable a lo que hizo Srdjan Spasojevic en su película. Cinta a la que la censura convirtió en una obra de culto y sobre la que habría que hablar y mucho. La forma elegida por Spasojevic para hablar de su país es a todas luces excesiva y brutal pero ningún espectador ha de pasar por alto la enorme crítica que esta película esconde)...
..es cierto que el peso del pasado marca el presente como en 'Mystic River'. Pero también es cierto que esta película tiene mucho de 'Silencio de hielo' ('Das Letzte Schweigen') de Baran Bo Odar por la temática, por la carga de todo lo ocurrido en el pasado, por ambientación de la casa donde vive la familia de Timo Friedrich (Wotan Wilke Möhring) que hace que el miedo y el terror sea algo que nos rodea con total naturalidad, o de 'Big Bad Wolves' de Aharon Keshales y Navot Papusado por presentar a unos protagonistas (Micki - Lior Ashkenzi- en un caso, Nick Cafmeyer -Geert Van Rampelberg- en el otro) con un claro punto en común: Son dos policías que por diversos motivos se enfrentaran a casos que harán que estos se planteen sus limites. Es claro que Fincher, 'A Serbian Film' o 'Mystic River' son mas conocidas que 'Silencio de hielo' ('Das Letzte Schweigen') o 'Big Bad Wolves' pero mirando en profundidad, la cinta de Herbost tiene mas de estas dos últimas  películas que de las otras.
'The Treatment' ('De Behandeling') está basada en la novela que da nombre en inglés a la película y que fue escrita por Mo Hayder en el año 2001. Esta es la segunda de sus obras que tienen como protagonista al detective Jack Caffery, el Cafmeyer de la película de Herbost y que está presente en nada mas y nada menos que siete de sus novelas ('Birdman', 'The Treatment', 'Ritual', 'Skin', 'Gone', 'Poppet' y 'Wolf'). Como no podía ser de otra manera la adaptación de la novela llevada a cabo por Carl Joos ha cambiado detalles, ideas y personajes. En 'La soledad del perro guía' nos gusta leer las novelas de las películas que nos han impactado y este es un claro ejemplo de ello. Así que creemos que lo mejor es hablar de la obra de Hayder, de la de Herbost y sus comparaciones con las películas antes mencionadas.
En el año 2008, Tomas Alfredson dirigió la sobresaliente 'Déjame entrar' ('Lat den rättekomma in') que adaptaba una novela del escritor John Ajvide Lindqvist y donde este último se encargó el mismo del guión de la película. Son muchos los aciertos de Alfredson a la hora de plasmar la obra de Lindqvist en pantalla grande lo que hace de 'Déjame entrar' (Lat den rättekomma in')  un modélico ejemplo de como adaptar una novela centrándose en lo realmente importante y dejando fuera todo aquello que puede apartar la atención del espectador de lo que se quiere contar, algo que por desgracia ocurría en la historia original. Sin duda alguna el trabajo de Carl Joos como guionista y de Hans Herbost como director hacen de 'The Treatment' otra de esas adaptaciones que sin duda alguna mejoran al original.
Sobre el protagonista principal (El peso del pasado y su influencia en el presente)

Caffery, Cafmeyer. Dos nombres para referirse a un mismo personaje. A un mismo trauma. A la edad de nueve años y tras una pelea con su hermano Ewan/Bjorn, este desaparece sin dejar rastro. Como no podía ser de otra manera, tan traumático hecho es el motivo por el cual el protagonista de la novela/película decide hacerse policía. La necesidad de encontrar respuestas a aquello que sucedió en el pasado marca el presente del protagonista. El secuestro de una familia durante tres días y la desaparición del hijo de esta hará que para Caffery/Cafmeyer el caso se convierta en algo personal. A pesar de que ambos personajes tienen en común la desaparición de su hermano, la necesidad de saber que ocurrió y la forma en la que ambos son llevados al límite por Hayder y Herbost algo en lo que influyen el caso que están investigando, el secuestro y desaparición de su hermano Ewan/Bjorn, la presencia de Ivan Plettinckx/Pendereki y en el caso de la novela de Hayder la imposibilidad del protagonista de comprender y relacionarse con su pareja Rebecca Morant, hace que sea necesario analizar al protagonista a través de algunos de los personajes que hay a su alrededor.
Ivan Plettinckx/Ivan Pendereki

El sadismo que emana todas y cada una de las apariciones de Ivan Plettinckx (Johan van Assche) en la película de Herbost que arranca con un perturbador y cruel monólogo de este sobre imágenes de los dos hermanos sirve para que el director muestre a un personaje (Cafmeyer) que se encuentra al limite desde el principio, mientras que en la novela de Hayder este va evolucionado hasta perder el control de tal manera que la escritora ha de hacer esfuerzos titánicos para que el lector no vea a este simplemente como un monstruo, lo que lleva a que el lector pueda tener la terrible sensación de que Hayder esta justificando su forma de actuar. Que en Caffery se encuentre una bestia de difícil control bajo ciertas circunstancias es una idea que resulta ciertamente arriesgada ya que puede llevar a que toda la novela naufrague debido a que se puede establecer cierta distancia que resulta del todo insalvable. Hayder juega con la idea de convertir al héroe en un monstruo, en una bestia capaz de hacer cualquier cosa para afrontar la manera en la que su vida se está destruyendo por egoísmo y su incapacidad de dejar de lado sus propias vivencias a la hora de investigar el terrible caso que tiene entre manos.
Sobre Rebecca y Hakan

Uno de los grandes aciertos de John Ajvide Lindqvist a la hora de adaptar su propia novela fue el de prescindir de ciertas partes de su obra que podían desviar la atención del lector. A pesar de ser considerada por muchos como una gran historia de amor entre Eli y Oskar, la presencia de Hakan dejaba entrever el triste futuro que le esperaba al joven. Lindqvist desarrolló en profundidad la manera en la que Hakan se enfrentaba al rechazo, a la forma en la que Eli lo sustituía por otra persona que no mostraba el hastío y el cansancio del que hacía gala este, algo que fue resumido en su salto a la gran pantalla y que sin duda alguna hay que agradecer. De la misma manera, las partes que hacían referencia a la pederastia de Hakan que acudía a la biblioteca en busca de jóvenes que se prostituían quedaron diluidas en la película de Tomas Alfredson consiguiendo que el personaje interpretado por Per Ragnar no levantara el profundo odio y rechazo que si que sufría su análogo en la novela (De hecho en la cinta de Alfredson este era un personaje rodeado de un halo de tristeza). Algo parecido ocurre con el personaje de Rebecca, eliminado de la película, lo que sirve para que el espectador pueda empatizar mas con el protagonista y no establezca la gran distancia que existe con el Caffery de la novela. La diferencias existentes entre Rebecca y Caffery harán que el abismo al que este se dirige sin posibilidad de retorno le lleve a cometer actos repulsivos y punibles. A pesar de que Hayden consigue de alguna manera reconciliar al lector con Caffery y Rebecca, la forma en la que esta muestra el descenso a los infiernos de su protagonista, la forma en la que este se convierte en el monstruo al que quiere dar caza es algo que como lector me incomodó y consiguió alejarme de la historia. Fincher, 'A Serbian Film', 'Mystic River', estas son las referencias que se utilizan para publicitar esta película, que Rebecca no forme parte de la misma lleva a que el nombre de David Cronenberg no pueda ser utilizado para hablar de 'The Treatment' ('De Behandeling'). Tras ser ella y su compañera de piso brutalmente atacadas por Malcolm Bliss, esta 'se escondió en aquel arte perturbador, en los moldes de yeso de las vaginas de otras mujeres. Era tan absurdo como desalentador'. Sin duda alguna una idea que haría las delicias del director canadiense.
Silencio de hielo' ('Das Letzte Schweigen')

Baran Bo Odar, director y uno de los creadores de la sobresaliente serie 'Dark' dirigió en el año 2010 la película Silencio de hielo' ('Das Letzte Schweigen'). En ella el director que adaptaba una novela de Jan Costin Wagner narraba la desaparición de una joven que guardaba demasiados paralelismos con un crimen cometido veintitrés años antes. Bo Odar que parece sentar en esta película las bases de la famosa serie distribuida por Netflix toca ciertos temas (La desaparición de un menor, la pedofilia) que hacen imposible no pensar en ella al ver 'The Treatment'. El tono (Tras mas de dos décadas una adolescente desaparece en el mismo lugar donde se cometió un brutal crimen. La desaparición del hermano del protagonista cuando este era un crío vuelve a estar presente por culpa de un caso donde se ha de investigar la desaparición de un niño de la misma edad que este y el acoso del principal sospechoso de su secuestro. Los interrogatorios policiales puerta por puerta), la casa donde vive Steffi Vankerkhove (Aparentemente asilada, el idílico lugar se convierte en una cárcel, en una pesadilla igual que le ocurre a la familia de Friedrich pero obviamente por motivos muy distintos) los vídeos que el protagonista visiona (Mas cercanos a las cintas que visionan Peer Sommer -Ulrich Thomsen- y Timo Friedich -Wotan Wilke Möring- que de las que se ven en la película de Sdrjan Spasojevic) o el peso del pasado y la culpa mostrado de diversas maneras en los personajes interpretados por Wotan Wilke Möhring 'Silencio de hielo' ('Das Letzte Schweigen') y Michael Vergauwen hacen que la sombra de la cinta de Bo Odar pueda eclipsar en ciertos momentos a la de Herbost.
Sobre los tiempos. Sobre la narración.

Obviamente y como no puede ser de otra manera, Caffery y Cafmeyer son los protagonistas indiscutibles de la novela y de la película, pero la narración de los hechos que les ocurren a los diversos personajes y el tiempo que la autora y el director les dedican difiere sustancialmente, ya que parece que la película resulta mucho mas compacta, mas homogénea en lo que a las tramas y subtramas se refiere que la novela donde el lector podrá tener la sensación de que Benedectine (Steffi Vankerkhove en la película) y su familia, Roland Klare (Roland Claeren), Chris Gummer, (Chris Gommaer), Tracey Lamb (Nancy Lammers) van apareciendo y desapareciendo según capricho de la autora y no por una construcción lógica de la historia. Sirva de ejemplo el hecho de que en la novela, Benedectine y su familia parecen ir quedando en un segundo plano a la vez que la trama centrada Tracey Lamb arranca y va cogiendo forma y fuerza, algo que el espectador no tendrá la sensación de que ocurre en la película, ya que parece que ambas se complementan y no se anulan una a la otra. Todo parece mas compacto, mas coherente en la película de Herbost y de igual manera que ocurría con Hakan en 'Déjame entrar' ('Lat den rättekomma in') sucede con Tracy Lamb, Nancy Lammers en la película, consiguiendo centrarse en lo importante y cerrando esta parte de la historia de manera notable sin la necesidad de alargarla innecesariamente como ocurre en la novela.
Aunque desde 'La soledad del perro guía' destacamos a esta película como una adaptación modélica de la novela en la que se basa y que mejoran a esta (La forma en la que se da con el paradero del secuestrador posee mas coherencia en la película que en la novela y lo mismo ocurre con el personaje de Ivan Plettinckx/Ivan Pendereki) siendo sinceros hay que poner algunos peros. Uno de ellos hace referencia al encuentro entre el protagonista y el detective Durham/Dumon que cinematográficamente hablando resulta muy llamativo pero que como espectadores críticos no podemos darle mucha veracidad y el otro y mas importante es todo lo relacionado con Roland Klare/Roland Claeren y la cámara de fotos, ya que en la película puede llegar a confundir al espectador mientras que en la novela este punto parece algo mejor explicado.
'The Treatment' ('De Behandeling') es una dura película que no es complaciente con el espectador y cuyo visionado le golpea a este con fuerza haciendo que el recuerdo perdure. Sin duda alguna la cinta de Herbost es un notable thriller  y que a pesar de su dureza desde 'La soledad del perro guía' recomendamos. El gran trabajo de Herbost detrás de las cámaras, de Carl Joos adaptando la novela de Mo Hayder seleccionado las mejores partes de esta y de sus protagonistas en especial de Geert Van Rampelberg, Laura Verlinden e Ingrid de Vos hacen de 'The Treatment' ('De Behandeling') una cinta de obligada visión que noqueará al espectador como pocas películas lo han hecho antes.


Lo mejor: El gran trabajo del director, guionista y de los actores.
Lo peor: Toda la trama de Claeren y la cámara de fotos puede llevar a cierta confusión.

miércoles, 17 de enero de 2018

Crítica: Day of the dead: Bloodline

Título: Day of the dead: Bloodline
Año: 2018
Género: Terror - Remake
Duración: 90 min.
Director:  Hèctor Hernández Vicens
Guión: Mark Tonderai y Lars Jacobson
Música: Frederik Wiedmann
Interpretes: Sophie Sketlton, Joinathon Schaech, Jeff Gum, Marcus Vanco, Mark Rinho Smith, Lillian Blankenship, Shari Watson, Rachel O'Meara, Luke Cousins, Lorina Kamburona
Nota: 2
Sinopsis: Un pequeño grupo de militares y civiles supervivientes de un apocalipsis zombie sobreviven en un bunker a la espera de dar con el paradero de otras personas que se encuentren en la misma situación que ellos.





Crítica:
Breve manual para tirar a la basura una prometedora carrera cinematográfica en solo dos pasos:

1.- Rodar una interesante película con un mas que ajustado metraje, buenos actores y una historia con toques enfermizos capaz de captar la atención del espectador.

2.- Mancillar el nombre de George A. Romero rodando una especie de remake de una de sus películas mas míticas demostrando una total incapacidad para dirigir actores, crear escenas con un mínimo de tensión y llevar a la pantalla un guión que solo produce vergüenza ajena.

No sabemos que ha podido llevar a Hèctor Henández Vicens, director de la mas que apreciable 'El cadáver de Anna Fritz' a rodar 'Day of the Dead: Bloodline': Si la oportunidad de trabajar sobre una historia que 'adapta' una película de George A. Romero,el padre del zombie tal y como lo conocemos actualmente, si el hecho de rodar una película que podría haber servido para empezar a labrarse una carrera internacional o simplemente un jugoso y suculento cheque. De verdad, no sabemos cual ha sido el motivo para que un director tan prometedor como Vicens dilapide su carrera con una película como esta. Tras 'El cadáver de Anna Fritz', ver su nombre en 'Day of the dead: Bloodline' le hizo pensar a la persona que escribe estas líneas que de esta cinta se podía esperar algo como mínimo interesante. Por desgracia no podía estar mas equivocado...
'Day of the Dead: Bloodline' utiliza como no podía ser de otra manera el nombre de George A. Romero para publicitarse pero no utiliza la palabra remake para ello sino el concepto 'una nueva visión audaz' o 'una reinvención' de la película 'Day of the Dead' de Romero, algo que como mínimo ha de poner en alerta al espectador. Pero hemos de ser sinceros, si ese no ha sido un aviso suficiente, tras la escena que sirve de prologo, nadie absolutamente nadie puede sentirse ofendido o engañado. Nadie puede pensar que Vicens no ha mostrado sus cartas desde el minuto uno: El tono cutre pero no simpático ni entrañable de su escena inicial va a marcar el lamentable devenir de la película. Por si esto no fuera poco por tres veces durante los primeros veinte minutos de película veremos a su protagonista, Sophe Skelton, en sujetador, algo del todo gratuito y que como no puede ser de otra manera no aporta absolutamente nada a la historias.
En el año 2004, Zach Snyder rodó la notable 'Amanecer de los muertos' ('Dawn of the dead') película que tomaba como base la cinta original que George A. Romero rodó en 1978 y que a día de hoy es considerada como una cinta de culto. Preguntado Romero durante la presentación de 'Diary of the dead' en el Festival de cine fantástico de Sitges sobre la película de Snyder, este reconoció que le parecía una entretenida cinta de acción pero que carecía de la carga crítica de la cinta original y que por lo tanto no reflejaba su obra. Romero fundamentó que los zombies son cadaveres en descomposición por lo que estos han de moverse de manera lenta y no con la rapidez que Snyder mostró en su película. Dejando de lado las apreciaciones del director, Snyder dejó en el 'Amanecer de los muertos', uno de los mejores arranques vistos en una película de terror en mucho tiempo. La forma en la que el director plasmó el caos, el miedo y la incompresión acerca de aquello que está sucediendo es simple y llanamente lo mejor de la película (Y que tendría que ser estudiado en las escuelas de cine como un modélico arranque capaz de captar la atención de cualquier espectador por reticente que se muestre). Esta escena, este comienzo hace que la distancia entre la cinta de Vicens y la de Snyder no pueda ser mas grande. Aquella película que tenía que haber sido estudiada y tomada como un referencia de cabecera para rodar 'Day of the Dead: Bloodline' parece haber sido relegada al mas oscuro, triste e injusto de los ostracismos.
Un hospital. Ana (Sarah Polley) una enfermera cuya jornada laboral se ha alargado terriblemente. Zoe (Sophie Skelton) una prometedora estudiante de medicina. Edward Solomon, un paciente ingresado en la UCI por una mordedura en la mano. Un cadáver sobre el cual Zoe es preguntada sobre las posibles causas de su muerte. Una noche tranquila. Una fiesta. La mas absoluta normalidad rota por que los muertos han vuelto de manera sorprendente e inexplicable a la vida. Ana y Zoe intentando escapar del caos que se ha producido a su alrededor. Mientras una acaba encerrada en un centro comercial con un grupo grupo de supervivientes, la otra lo hará en un bunker bajo las férreas normas del teniente encargado de mantener el control y la seguridad del lugar.
No solo es posible establecer cierto paralelismo entre la cinta de Snyder y la de Vicens, sino también entre 'Day of the Dead: Bloodline' y 'El cadáver de Anna Fritz', ya que en ambos casos estamos ante historias que se sitúan total o parcialmente en un hospital y donde sus protagonistas, Ana o Pau y sus compañeros, se encontrarán con el hecho de que a quién consideran muerto vuelve a la vida. Si en la cinta que supuso el debut en pantalla grande Vicens este mostraba a tres acosadores que abusaban de la persona a la que creen muerta, en 'Day of the Dead: Bloodline' cambian los papeles y es el muerto aquel que quiere abusar del vivo. La nueva cinta de Vicens no se tendría que haber publicitado como una nueva visión audaz de la cinta de Romero sino como un infumable cruce de 'Day of the Dead' con '50 sombras de Grey' ('Fifty Shades of Grey'). Seamos sinceros, la única diferencia entre Grey y Max es que uno es millonario y el otro está muerto, porque lo que está claro es que ambos viven sus 'pasiones' (Ejem..por decirlo de alguna manera) de la forma mas enfermiza y patológica posible.
En esta 'nueva y audaz revisión del clásico de Romero (Por favor, léase esta frase con toda la ironía del mundo) hay varias diferencias con la cinta original que como mínimo pueden llamar la atención del espectador. Alguna de ellas puede ser considerada como pequeña o insignificante pero poseen mas importancia de la que en un principio podemos pensar. Uno de estos detalles no es otro que la forma en la que los supervivientes viven dentro de las verjas que delimitan el lugar donde se refugian y manera en la que estos se se acercan a tan peligroso sitio. 'Llena el tanque esta noche, cuando no puedan verte', 'el movimiento les pone nerviosos'. Son varias las frases que en 'El día de los muertos' ('Day of the Dead') hacen referencia al tremendo cuidado que tienen los supervivientes no solo para no acercarse al vallado sino también y muy especialmente para que los muertos vivientes no perciban su presencia. Esta idea no es relegada a un segundo plano en 'Day of the dead: Bloodline' sino directamente obviada: No solo la protagonista hace footing pegada las verjas (Que queda muy bien en pantalla pero carece de toda lógica) sino que además se les permite a los niños jugar a la pelota cerca de tan peligroso lugar, a la vista de todos los muertos vivientes que merodean por el lugar.
El siguiente detalle es la relación existente entre los 'científicos' y los militares. Si en la cinta original se establecía entre ellos un claro conflicto de intereses llegando a su momento crítico tras la muerte del mayor Cooper por culpa de las investigaciones que están llevando a cabo los primeros y la necesidad de capturar muertos vivientes para continuar con ellas, en la película de Vicens la excusa construida para enfrentar a unos y otros no tiene demasiado sentido. Igual soy demasiado exigente con la historia que Vicens quiere contarnos pero no creo que sea fácil encontrar antibióticos que no hayan caducado después de cinco años, por mucho que alguien quiera ir a un hospital, este no es un buffet libre de medicinas aptas para el consumo humano.
Pero el mayor cambio no es otro que el que ha sufrido el zombie mas entrañable de la historia. Bub (Sherman Howard) se ha trasformado en Max (Johnathon Schaech) un acosador obsesionado con la protagonista. Bub, ya no es Bub, es Grey. Romero exploró en 'El día de los muertos' ('Day of the dead') la capacidad de los zombies para recordar, para recuperar algo de la humanidad que todavía queda en alguno de ellos (Y en el caso de Bub, este es mas humano que los propios humanos) que encontró su natural evolución en 'La tierra de los muertos' ('Land of the dead'). Por desgracia, Vicens como director y Tonderai y Jacobson como guionistas tiran por el suelo la idea construida por Romero en su película haciendo que su 'Day of the Dead: Bloodline' acabe convirtiéndose en la típica película de acosadores y psicópatas con la única diferencia de que el malo es un muerto viviente. La idea podría haber tenido su enjundia, su fuerza si el director y los guionistas hubieran seguido la linea marcada por Romero cambiado los recuerdos que hacían de Bub 'una persona' por los que convirtieron a Max en un psicópata. (Los recuerdos siguen estando ahí, nuestros recuerdos marcan quienes somos) El análisis de aquello que fuimos es lo que somos en la muerte, posee un gran trasfondo en la cinta de Romero, pero en la de Vicens es una simple excusa para ver a Zoe y el resto de refugiados luchar por su vida. Como no puede ser de otra manera, todo el componente religioso de la película de Romero ha desaparecido en esta nueva versión y la idea de intentar domesticar a los muertos vivientes como única vía de escape ha cambiado por el intento de encontrar una cura. La profundidad ha dejado paso a la mas soporífera levedad.
'Day of the Dead: Bloodline' se aleja por completo de la historia planteada por Romero, solo el hecho de presentar a los protagonistas escondidos en un bunker bajo una férrea disciplina militar es común a ambas películas. La cinta de Vicens está mas cercana a todas esas películas y series que están mostrando el declive de un género que de la profundidad y el gore de la película de Romero. Aprovechamos este momento para recomendar el notable libro 'Autopsia Zombi: Cuaderno secreto del Apocaplisis' ('The zombie autopsises: Secret Notebooks from the Apocalypse') de Steven C. Shlozman que disfrutaran todos los amantes de las películas de Romero y especialmente de 'El día de los muertos' ('Day of the dead').
Todo en este 'Day of the Dead: Bloodline' produce vergüenza ajena. Vicens que supo sacar el máximo provecho a Alba Rivas y al resto de sus compañeros en 'El cadáver de Ann Fritz' (A pesar de las limitaciones de alguno de ellos), se muestra total y absolutamente incapaz de hacer lo mismo con ese grupo de actores que los directores de casting Marianne Stanicheva y Jeremy Zimmermann han considerado que eran los mejores (o los mas baratos) para dar vida a los protagonistas de esta película. Si la expresividad y la forma de actuar de Rachel O'Meara (La doctora Beeman) nos puede llevar a mas de uno a pensar que tiene el mismo profesor de interpretación que Tommy Wiseau, si Marcus Vanco (Baca Salazar), Max (Johnathon Saech. Recordemos que una de sus primeras películas fue 'Maldita generación' - 'The doom generation'- de Gregg Araki) o Jeff Gum nos hacen dudar de su capacidad para ponerse delante de una cámara, Vicens llega a cotas jamas imaginadas en la escena de la fiesta con unos secundarios que son incapaces de hacer creíble dicho momento produciendo una terrible vergüenza ajena.
En 1990 Tom Savini dirigió un mas que interesante remake de 'La noche de los muertos vivientes' ('The Night of the living dead'), en el año 2004 Zack Snyder rodó el notable remake de 'Zombi' ('Dawn of the dead'). Parece que 'El día de los muertos' va camino de ser la cinta con mas mala suerte de Romero. Steve Miner ('Warlock, el brujo' - 'Warlock'-, 'Viernes 13, 2ª Parte' -'Friday the 13th Part 2') en el 2008 y Vicens diez años después dejaron dos diferentes acercamientos a la cinta original de Romero de una calidad mas que discutible. Esperemos que alguien, algún día sea capaz de rodar el remake que 'El día de los muertos' ('Day of the dead') se merece. Y por favor, si alguna vez os encontráis en la misma situación que los protagonistas, intentad no correr hacía los zombies. Es algo de primero de supervivencia que parece que los protagonistas no saben...


Lo mejor: Es un perfecto ejemplo para saber lo que no hay que hacer para rodar una nueva versión de un clásico del cine de terror.
Lo peor: Todo lo demás.

jueves, 11 de enero de 2018

Crítica: Insidious: La última llave - Insidious: The last key

Título: Insidious: La última llave - Insidious: The last key
Año: 2018
Género: Terror - Thriller
Duración: 103 min.
Director:  Adam Robitel
Guión: Leigh Whannell
Música: Joshep Bishara
Interpretes: Lin Shaye, Leigh Whannell, Angus Sampson, Kirk Acevedo, Caitlin Gerard, Spencer Locke, Josh Stewart, Tessa Ferrer, Aleque Reid, Ava Kolker, Bruce Davison, Javier Botet
Nota: 5
Sinopsis: La parapsicologa Elise Rainier deberá volver a la casa donde se crió para enfrentarse a una malvada presencia que quiere aprovecharse de sus poderes para sembrar el mal.



Crítica:
Hace ya un tiempo, el director de cine Alejandro Hidalgo subió a twitter una fotografía que a los seguidores de 'La casa del fin de los tiempos' nos hizo pensar que la saga de películas centradas en el universo 'Insidious' que comenzó en el año 2010 iba a salir de la monotonía y la previsibilidad a la que se estaban viendo avocadas por culpa de un mayor interés en la taquilla que en las historias que los creadores de la saga (Wan dirigió la primera y segunda parte, Whannell la tercera) querían contarnos y por toda una serie de películas surgidas alrededor de estas que se aprovechaban de su éxito comercial a pesar de que alguna de ellas carecía de la calidad suficiente para ser estrenadas en pantalla grande: Ahí está por ejemplo la desastrosa 'Anabelle'.
La decepción fue la tónica de 'Insidious: Capítulo 2' ('Insidious: Chapter 2') donde las explicaciones rompían de alguna manera el encanto del misterio, la monotonía la de 'Insidious: Capítulo 3' ('Inisidious: Chapter 3') que parecía tomar demasiados elementos de otras películas para mezclarlos con el toque paranormal marca de la casa y ofrecérselo al espectador bajo un seductor y sugerente envoltorio. Por desgracia y a pesar de que este 'Insidious: La última llave' ('Insidious: The last key') resulta, al menos en su parte final, bastante entretenida, el espectador no deja de encontrarse ante una historia demasiado encorsetada por unos clichés que ya cansan, con unos toques de humor que nunca funcionan y unos primeros cuarenta minutos realmente aburridos.
Desafortunadamente Robitel, director de 'The Taking of Deborah Logan' no es Hidalgo y a pesar del juego que establece Whannel en ciertas partes de su historia, esta deja demasiados interrogantes y situaciones del todo absurdas que solo sirven para hacer avanzar a la historia y situar a los personajes donde el guionista y el director quieren. No hay que buscar ningún tipo de coherencia en el guión, en las palabras o en las acciones de sus protagonistas Todo está construido con una clara intención y Whannell como guionista se permite todo tipo de licencias para ello. Es una lastima que las buenas ideas que la historia parece apuntar (El juego con los tiempos, las personas y los recuerdos) que nos nos llevan otra vez a pensar en Hidalgo, acaba en cierto modo eclipsado por un personaje principal que no tiene el carisma suficiente como para mantener toda una historia centrada en ella y por toda una serie de situaciones absurdas que no aguantan un mínimo análisis critico. No comparto el entusiasmo general acerca de Lin Shaye y su personaje sobre todo porque este no me parece lo suficientemente interesante para construir toda película alrededor de el, sin duda alguna me quedo con los Warren y 'Expediente Warren: The Conjuring' ('The Conjuring').
Uno de los motivos que me impulsó a ver esta película en el cine no fue otro que su reparto. Ver a Josh Stewart protagonista de la excelente 'The Neighbour' y las muy sádicas 'The Collector' y 'The Collection' todas ellas dirigidas por Marcus Dunstan y a Kirk Acevedo, compañero de la agente Olivia Duham en la serie de culto 'Fringe', eran elementos suficientes para captar mi atención y arriesgarme a pagar el precio de una entrada el día del estreno para ver la película en una sala llena de personas que comentan en voz alta cualquier mínimo detalle. Y creo sinceramente que a pesar de sus pequeños papeles, Stewart y Acevedo son sin ningún tipo de duda lo mejor de esta película, ya que ambos consiguen crear dos personajes oscuros y atormentados a los que habría que haberles dedicado un poco mas de tiempo dejando de lado los problemas familiares de la Rainier y sus sobrinas. Nota: Es una lastima ver a Bruce 'Willard' Davison en papeles secundarios como este o en lamentables producciones como 'Titanic 2' de Shane Van Dicke.
En el siguiente párrafo se hace referencia a cierta película que por comparación puede llevar implícitos ciertos SPOILERS por lo que si no quieres leerlo te recomendamos que saltes al siguiente párrafo. Como ya hemos comentado, la saga 'Insidious' y las sucesivas películas que surgieron gracias a su éxito empiezan a dar muestras de cansancio, de ser un chicle que no puede estirarse mas, de haber matado a la gallina de los huevos de oro. Es por eso que Whannell se vuelve a permitir el lujo de coger ideas y escenas de otras películas para mezclarlas sin ningún pudor ni reparo. Una: La ya mencionada 'La casa del fin de los tiempos': Una mujer vuelve a la casa en la que vivió donde percibe extrañas presencias. En el caso de la cinta de Hidalgo, el hijo de Dulce (Ruddi Rogriguez) desapareció en dicho lugar, en él de la de Robitel, Elise (Lynn Rainier) abandonó a su hermano a su suerte. En ambos casos, los recuerdos y el tiempo parecerán fusionarse de alguna manera para dar forma al drama vivido por Dulce y Elise. Pero hay otra película en la que es imposible no pensar al ver 'Insidious: La última llave' ('Insidious: The last Key') y esa no es otra que 'No respires ('Don't Breath') de Fede Álvarez. Si en el caso de la cinta de Álvarez, tres jóvenes van a casa con la idea de robar, en la de Robitel son otra vez tres personas las que acuden a una destartalada casa con la idea de ayudar a quien vive en ella (Elise y sus peculiares compañeros) o recuperar un silbato que se creía perdido (Christian Rainier y sus dos hijas) en una de las escenas mas incomprensible y ridícula de toda la película. Dos personas de apariencia frágil habitan en tan peculiares moradas (Una en medido de un suburbio, la otra todavía tiene muebles de los años 50 porque se conservan bastante bien.. es que ya no se hacen cosas como antes...) pero ya se sabe que todo el mundo, siempre, pero siempre, tiene mucho que ocultar. FIN SPOILERS FIN SPOILERS
Insidious: La última llave ('Insidious: The last key') es una continuación de 'Insidious: Chapter 3') y una precuela de 'Insidious', lo que llevará al espectador que haya visto 'Annabelle: Creation' a pensar que Whannel y Gary Dauberman debieron trabajar codo a codo en el guión de ambas historias. Es cierto que la cinta de David F. Sandberg es mejor que 'Annabelle' y también es cierto que la película de Robitel no es la peor de toda la saga pero sin duda alguna estamos ante un género sobresaturado, apunto de explotar algo que podemos hacer extensible al mundo zombie y que salvo extrañas excepciones como 'Verónica' de Paco Plaza, no ofrece nada nuevo y está cayendo en la mas absoluta de las monotonías. Insidious: La última llave ('Insidious: The last key') es una cinta con una parte final realmente interesante pero cuyos primeros cuarenta y cinco minutos son total y absolutamente prescindibles, lo que sumado a un guión lleno de agujeros, escenas ridículas y personajes que no aportan nada a la historia, nos lleva a pensar que Whannell ha de pasar ya página y empezar con otros proyectos alejados del universo 'Insidious'.


Lo mejor: Stewart y Acevedo.
Lo peor: Los primeros cuarenta y cinco minutos no aportan nada nuevo.

domingo, 24 de diciembre de 2017

Las 10 mejores películas del 2017 y una mención especial


1 - 'A Ghost Story' de David Lowery
Si, es cierto, 'A Ghost Story' es una de esas películas que o se aman o se odian y en ambos casos casi de manera visceral. Yo soy uno de los que la aman. Por su soberbia banda sonora, por la impresionante 'I get overhelmed', por el excelente trabajo de Rooney Mara, por que una simple sábana es capaz de transmitir mas que muchos de los actores actuales y por que la sensiblidad que ya mostró David Lowery en su anterior película 'Ain't them bodies saints' impregna a cada fotograma de 'A Ghost Story'. Sin duda alguna esta es una de esas películas que para bien o para mal, el espectador no se va a quitar de la cabeza. La famosa y hermosa frase de 'Drácula de Bram Stoker' de Francis Ford Coppola: 'He cruzado océanos de tiempo para encontrarte' es llevada por Lowery a su máximo esplendor.



2 - 'Blade Runner 2049'  de Dennis Villeneuve
Un director como Villeneuve no iba a arriesgar su excelente carrera por una película en la que no creyera. 'Blade Runner 2049' no es simplemente una cinta visualmente apabullante, no es simplemente una cinta con una excelente banda sonora. No, 'Blade Runner 2049' es una sobresaliente secuela a la que el tiempo pondrá en su justo lugar y que supone la perfecta continuación de las obsesiones mostradas por el director a lo largo de su filmografía. Sin duda alguna, esta es una de las grandes películas del año que por desgracia no ha encontrado el respaldo de la taquilla. Sorprende que viendo la cinta original de Ridley Scott o las películas de Villeneuve se haya echado en cara a 'Blade Runner 2049' que es una película lenta. Las buenas historias se cocinan a fuego lento y Villeneuve haciendo esto es un autentico maestro.



3 - 'Your Name' de Makoto Shinkai 
Makoto Shinkai mezcla de manera soberbia elementos propios de la ciencia ficción con la sensiblidad y el romanticismo de muchas novelas de Haruki Murakami y que ya se podía observar en la también sobresaliente '5 centímetros por segundo'. 'Your Name' es una de esas películas que se saborean de principio a fin, una autentica maravilla que gustará a los amantes del buen cine. Una delicia que hay que ver y disfrutar. Y siguiendo la línea de las dos películas anteriores, 'Your Name' cuenta con una excelente banda sonora





4 - 'Coco' de Lee Unkrich
No soy muy fan de las películas de la Disney, de hecho creo que lo peor de la proyección de 'Coco' fue el insufrible cortometraje que acompañaba a esta película 'Frozen: Una aventura de Olaf' ('Olaf's Frozen adventure') pero no por su pobre argumento sino por sus interminables veintidos minutos de duración que consiguieron que me acordara constantemente del cortometraje 'El gilipollas' de Victor García León y protagonizado por Juan Luis Galiardo. Pero tras las insipidas aventuras de Olaf llegó 'Coco' y esta se ganó al público. Es cierto que la película no es precisamente original, que Disney explota la lagrima fácil como nadie y que sus cintas suelen estar prefabricadas para llevar al espectador al lugar donde ellos quieren, pero todo eso y mas se lo permitimos y se lo perdonamos a 'Coco'. La historia del pequeño Miguel que se enfrentará a su familia y viajara a la Tierra de los muertos es simplemente preciosa. El público ha dejar fuera de la sala sus prejuicios al cine de Disney y dejarse llevar. Y si lo hace disfrutará de esta película como hacía tiempo que no lo hacía.





5 - 'The Square' de Ruben Östlund.
El nombre de Ruben Östlund empezó a ser conocido por muchos gracias a 'Fuerza Mayor' ('Turist') donde este analizaba las relaciones de pareja. Östlund vuelve a usar una cartera y un móvil como elemento disparador de su película donde utiliza también el arte para explorar la sociedad clasista, despreocupada e individualista en la que vivimos. 'The Square' no habla de arte, habla de nosotros, de las personas y de nuestra posición en el mundo. La cinta de Östlund se mueve entre el drama, la comedia y el patetismo para reflejar todo tipo de egoísmos y prejuicios. Sin duda alguna, una grandisima película.



6 - 'Logan' de James Mangold
No me gustan las cintas de los X-Men centradas en Lobezno. Todas me aburren hasta la saciedad por lo que no esperaba absolutamente nada de 'Logan', pero para mi sorpresa me encontré con la exploración de la decadencia de un personaje que me dejó pegado a la butaca. 'Logan' es sin duda alguna una excelente despedida para el personaje que ha marcado para bien y para mal la carrera de Hugh Jackman. Si Patrick Stewart consigue emocionarnos, Dafne Keen nos roba directamente el corazón. Este 'Logan' es sin duda alguna, la cinta violenta y oscura que el personaje se merecía.





7 - 'Verónica' de Paco Plaza.
Siempre he pensado que en el equipo Balaguero-Plaza era el primero el que ponía el talento y el segundo las ganas. Hasta este año. Si Balagueró nos dejó la decepcionante ‘Musa’, Plaza nos regaló una de las mejores cintas de terror del año. A pesar de que esta llegaba tarde, la saturación de cintas de temática paranormal con el sello Wan nos hacía pensar que esta era otra de esas películas que se suben al carro del éxito de estas, Plaza consiguió que ‘Verónica’ no solo diera miedo sino que además encontrara su sitio propio en un género que actualmente está sobresaturado.









8 - 'Detroit'
Detroit. 1967. La creciente tensión por los disturbios raciales que vive la ciudad hará que la noche del 25 de julio, tres jóvenes negros sean brutalmente golpeados y asesinados en el motel Algiers. Kathryn Bigelow vuelve a demostrar que es una de las mejores directoras en lo que al cine de acción y thriller se refiere y nos deja con 'Detroir' una película tan necesaria y actual como brutal. Bigelow sitúa la cámara de manera que hace de nosotros espectadores de excepción de los dramáticos hechos ocurridos en el motel Algiers. De la misma manera que hizo Villeneuve en 'Polytechnique', Bigelow explora no solo el hecho en si, si no además como las personas que se vieron involucradas intentaron superarlo y seguir con sus vidas.


9 - 'Wild River'
Taylor Sheridan autor de los guiones de 'Hell or High Water' o 'Sicario' entre otros, vuelve a ponerse detrás de las cámaras como director de uno de los mejores thrillers de la temporada. No hay increibles giros de guión, no hay sorpresas detrás de una puerta. No. En 'Wild River' hay sobre todo un grupo de personajes que han de enfrentarse a la perdida y a una dramática investigación. Si a todo eso le sumamos la extraordinaria banda sonora de Nick Cave y Warren Ellis, esta es otra de las películas de obligada visión de la temporada.







10- 'Nocturama' de Bertrand Bonello
Este año he podido ver dos películas que poseen una temática similar, una de ellas 'Ensayo para una revolución' ('Ceux qui font les révolutions à moitié n'ont fait que se creuser un tombeau') de Matthieu Denis y Simon Lavoie y esta 'Nocturama' de Bertrand Bonello. El hastío de un grupo de jóvenes les llevará a enfrentarse al sistema establecido usando para ello la violencia. El descontento ante una sociedad que enjaula a las personas y sus ideales es analizada por Bonello con la precisión de un cirujano ya que este encierra a sus protagonistas en el lugar que mejor representa todo aquello que pueden odiar: Un lujoso centro comercial. No debemos quedarnos solo con la historia que Bonello plasma en imágenes sino también y muy especialmente, el espectador debe reflexionar sobre los motivos que llevan a los protagonistas a hacer lo que hacen. Esto no es una justificación ni mucho menos, es simplemente un punto de atención para una historia que tiene mucho mas trasfondo del que podemos llegar a pensar. 'Nocturama' tiene sin duda alguna los mejores primeros cuarenta y cinco minutos del año.





Mención Especial
'Wonder' de Stephen Chbosky


Tras 'Las ventajas de ser un marginado' ('The Perks of being a wallflower'), novela que el propio Chbosky se encargó de llevar a la pantalla grande, este sigue explorando en 'Wonder' la dificultad de ser aceptado en un entorno tal hostil como un colegio o un instituto. La importancia de los amigos, los diversos traumas que arrastran los protagonistas, unos profesores enrollados como pocos... son muchos los puntos que hermanan a estas dos películas que hace que una sesión doble con 'Las ventajas de ser un marginado' ('The perks of being a wallflower') y 'Wonder' sea una muy grata experiencia. Dividida en diversos capítulos, 'Wonder' se acerca a todos aquellos que tienen algo que ver con su protagonista, Auggie, mostrando que todos anhelan aquello que no tienen. Si Auggie sufre aislamiento y rechazo por su físico, el resto de los personajes lo hacen por ser incapaces de aceptar o de enfrentarse a las circunstancias que les rodean. Resulta inevitable no pensar en 'Yo, él y Raquel' ('Me and Earl and the dying girl') de Alfonso Gómez-Rejón al ver 'Wonder' por el paralelismo existente entre el personaje de Greg (Thomas Mann) y el de Jack Will (Noah Jupe) obligados ambos a hablar con Raquél (Olivia Cooke) y Auggie (Jacob Tremblay) y que derivará en una gran amistad. Si en 'Las ventajas de ser un marginado' ('The Perks of being a wallflower'), Chbosky contó con Tom Savini como el señor Callahan, en 'Wonder' el director hace lo propio con Mandy 'Iñigo Montoya' Patinkin. Sin duda alguna 'Wonder' es una autentica delicia que se ve muy bien y se disfruta mucho.