domingo, 19 de febrero de 2017

Crítica: La gran muralla - The great Wall

Título: La gran muralla - The great wall
Año: 2016
Género: Aventura - Fantasía
Duración: 103 min. 
Director: Zhang Yimou
Guión: Carlo Bernard, Doug Miro y Tony Gilroy según una historia de Max Brooks, Edward Zwick y Marshall Herskovitz
Música: Ramin Djawadi
Interpretes: Matt Damon, Pedro Pascal, Andy Lau, Tian Jin, Willem Dafoe, Hanyu Zhang, Lu Han, Kenny Lin, Eddie Peng, Xuan Huang, Ryan Zheng, Karry Wang, Cheney Cheng
Nota: 5
Sinopsis: Huyendo de sus perseguidores, un par de mercenarios europeos llegaran a la gran muralla china donde descubriran que esta fue construida para defenderse de una terrible amenaza



Crítica:
A pesar de que el guión de la nueva película de Zhang Yimou está escrito por Carlo Bernad, Doug Miro y Tony Gilroy (Nombre que refuerza la idea de que esta cinta está hecha por y para la medida de su estrella principal: Matt Damon. Recordemos que Gilroy director de la notable 'Michael Clayton' ha sido el guionista de las tres primeras películas centradas en la figura de Jason Bourne protagonizadas por el actor, así como del frustrado intento por relanzar la saga con un nuevo protagonista con 'El legado de Bourne’ –‘The Bourne legacy’-), hay que fijarse en dos de las tres personas que están detrás de la historia que se ha tomado como base para el guión de esta película ya que 'La gran muralla' (‘The great wall’) parece tener mucho de algunas de las cintas dirigidas o libros escritos anteriormente por estos. Uno de ellos es Edward Zwick, el otro Max Brooks.
Edward Zwick dirigió en el año 2003 la película 'El último Samurai' (‘The last Samurai’) en la que se narraba la historia de Nathan Algren (Tom Cruise) al que el peso de la culpa por decisiones pasadas junto con otros motivos le llevará a unirse al ejercito japonés para ayudarlos en su lucha. La cinta de Zwick comparte, como no podía ser de otra manera, con 'La gran muralla' (‘The great wall’) varias ideas. La primera de ellas es la de encontrarnos ante una película fabricada para el lucimiento de su estrella principal, en el caso de la película de Zwick, Tom Cruise y en el de la de Zhang Yimou la de Matt Damon. La segunda de ellas es la de situar su historia en un país asiático (Japón o China según sea el caso) y la tercera es la de presentar una historia que en líneas generales resulta demasiado parecida: En ambas, los protagonistas que cuentan con un pasado un tanto turbio se verán rodeados por los que consideran sus enemigos y en un acto de valor se ganarán el respeto de estos. El curso de los hechos les llevará a luchar junto a ellos convirtiéndose en héroes gracias arriesgar su vida por unos principios que no son los suyos.
Max Brooks es conocido por haber escrito 'Zombie: Guía de supervivencia' (‘The zombie survival guide’) y 'Guerra mundial Z' (‘World War Z’) que sufrió una mas que decepcionante adaptación a la pantalla grande de la mano de Marc Foster y fue protagonizada por Brad Pitt siendo como en el caso de 'El último Samurai' (‘The last Samurai’) o 'La gran muralla' (‘The great wall’) otra de esas películas hechas por y para el lucimiento de su estrella principal. Brooks escribió también una pequeña novela titulada 'La marcha zombie' (‘Closure, Limited; And other zombie tales’) que parece un recopilatorio de cuatro relatos desechados de la novela que le lanzó a la fama. Una de las historias que forman parte del mismo se titula: 'La gran muralla: Una historia de la guerra Zombi' donde siguiendo la forma en la que este escribió 'Guerra Mundial Z', Liu Huafeng narra la manera en la que se vio involucrada en la reconstrucción de ciertas partes de la gran muralla para frenar el avance de los muertos vivientes. 'Las bengalas verdes indicaban que se estaba produciendo un asalto; la roja, que el enemigo estaba atacando en tropel. Las rojas no habían sido muy habituales hasta entonces (...) Salí a toda velocidad de la cueva y seguí corriendo hasta llegar a mi sección, justo a tiempo de ver cómo esas putrefactas cabezas y manos asomaban por las murallas sin acabar'. Estas frases que forman parte de la historia de Liu Huafeng pueden ser usadas para narrar las aventuras de William en su defensa de la gran muralla y su enfrentamiento con esas criaturas sobrenaturales que les atacan. Como muchos espectadores habrán observado, la manera en la que las bestias atacan la muralla y la de los zombies resulta prácticamente calcada, si bien en la película de Zhang Yimou se puede llegar a pensar que es algo que puede tener mas o menos sentido, en la de Foster, esas hordas de muertos vivientes trepadores supuso un duro golpe para aquellos seguidores de los zombies clásicos. Tras saber que detrás de la historia en la que se basa el guión de la película o del propio guión están Tony Gilroy, Edward Zwick y Max Brooks no resulta para nada sorprendente los caminos por los que se mueve la cinta de Zhang Yimou donde la labor de este parece haber quedado relegada a la preciosista puesta en escena. La poesía que desprendían ‘las cintas de acción’ del director chino como pueden ser ‘Hero’ (‘Ying xiong’) o 'La casa de las dagas voladoras' ('Shi mian mai fu') brilla por su ausencia, algo que resulta del todo decepcionante.
Dos mercenarios europeos (Matt Damon y Pedro Pascal, si, ese mba que en la muy entretenida 'Bloodsucking bastards' de Brian James O'Connell y que sabía perfectamente cual era la mejor manera de mejorar la productividad de sus subordinados también ha participado en series como ‘Narcos’ y ‘Juego de Tronos’ –‘Game of Thrones’- donde daba vida a Oberyn Martell) huyendo de sus perseguidores se toparan con la gran muralla china. Capturados, vivirán el terrible ataque por parte de una extrañas criaturas conocidas como Taotie a las que uno de ellos dio muerte varios días antes (Según podemos leer en chinaknwoledge.de: 'El taotie es una bestia demoníaca china que se utilizó para el diseño de vasijas de bronce de los periodos Shang y Zou, se dice que el taotie era originariamente el descendiente de una persona sin talento llamada Jinyun, codicioso en todos los aspectos fue denominado 'glotón' termino con el que se refiere a los taotie. En el libro Lüshi chunqiu se hace referencia a estas criaturas que interesadas por devorar a los humanos eran incapaces de tragárselos con lo que solo conseguían herirse a si mismas'). Su heroica actuación durante el asedio les llevará a ser liberados y respetados por la orden sin nombre. Los mercenarios se verán envueltos en una lucha que les supera y donde su amistad se verá en serio peligro ya que los intereses de uno y otro no parecen converger.
Los en total seis nombres que ha participado de una u otra manera en la concepción de la historia o del guión de esta película no han conseguido que esta funcione y que no se quede simplemente en una mera sucesión de situaciones típicas y tópicas de este tipo de películas. Por un lado parece que no dejamos de estar ante una nueva versión del ataque al abismo de Helm que rodó Peter Jackson para su trilogía de 'El señor de los anillos' ('Lord of the rings') donde lo estilizado de los trajes de los elfos es sustituido por el preciosismo de los escudos que visten los miembros de la hermandad sin nombre. Por otro lado el tema principal de la historia, el enfrentamiento con los taotie, acaba derivando en una historia de monstruos al uso y cintas como 'Aliens: El Regreso' ('Aliens') de James Cameron o incluso 'Slugs, muerte viscosa' ('Slugs') de Juan Piquer Simón están presentes en varios momentos de la película. 'Keep cool' ('You hua hao hao shuo') supuso un radical cambio en la manera en la que el director chino rodaba sus películas (De la tranquilidad al puro nervio) algo que llamó y mucho la atención, a pesar de que este ya apunto maneras con el corto que formó parte de la película 'Lumière y compañía'. Algo parecido ocurrió con 'Hero' rodada dos años después del éxito de 'Tigre y Dragón' ('Wo hu cang long') de Ang Lee y lo mismo se podría decir ahora de esta 'La gran muralla' ya que aunque es una cinta de acción se aleja de las anteriores películas de ese género que rodó el director. Personalmente nunca pensé que iba a ver al director de 'La linterna roja' ('Da hong deng long gao gao gua'), 'Ni uno menos' ('Yi ge dou bu neng shao') o la soberbia 'Sorgo Rojo' ('Hong gao liang') rodar una cinta con escenas más propias del cine de Cameron.
El resto de historias secundarias que conforman 'La gran muralla' ('The greal wall') tampoco acaban por funcionar. El anhelo de Ballard (Willem Dafoe) y Tovar (Pedro Pascal) de escapar con la pólvora negra se contagia de la decepción general en la se va transformando la película y si Zhang Yimou acaba convirtiendo su película en una cinta de monstruos al uso, las aventuras de Ballard y Tovar parecen un descarte de 'Django Desencadenado' ('Django Unchained') que de la película que ahora estamos tratando. La relación entre Tovar y William (Matt Damon) que debería servir junto con el acercamiento de este último a Lin Mae (Tian Jing) para dar un trasfondo humano a la historia solo sirve para distraer al espectador llegando incluso al punto de que lo que el director nos está contando no solo no son aporta absolutamente nada a la historia principal si no que además distrae.
Da igual que sea cada 23 primaveras como ocurre en 'Jeepers Creepers' o cada sesenta años cuando las bestias despiertan y comienzan su caza, si el guión de 'La gran muralla' ('The great wall') no posee garra (Parece que esta ha sido cercenada casi desde el primer fotograma), no posee chispa y todo parece prefabricado para justificar el desarrollo de la película es muy difícil por no decir imposible que un director como Zhang Yimou consiga trasmitir algo al espectador. 'La gran muralla' ('The great wall') es un gran espectáculo visual que hay que ver en pantalla grande pero donde las aventuras de William y la lucha contra los taotie acaban por saturar al espectador llevándolo casi al tedio, algo totalmente decepcionante al ver una película como esta. Si se ha dicho que M. Night Shyamalan se ha reconciliado con su cine con 'Múltiple' ('Split'), esperamos que Zhang Yimou se aleje de propuestas como 'La gran muralla' ('The great wall') y vuelva al cine que nos gusta, vuelva a 'Sorgo rojo' ('Hong gao liang'), a 'La linterna roja' ('Da hong deng long gao gao gua') e incluso a 'Amor bajo el espino blanco' ('Shan zha shu zhi lian'). 'Regreso a casa' ('Gui lai') pese a ser una muy interesante cinta dramática nos dejaba la sensación de que el director chino había rodado la película con el piloto automático puesto algo que también se puede decir de 'La gran muralla' ('The great wall'). Como espectador, de Zhang Yimou espero mas, mucho mas... Una decepción.


Lo mejor: La capacidad de Zhang Yimou para jugar con la estética.
Lo peor: Todo resulta demasiado prefabricado para ser un producto para el lucimiento de su estrella principal. A pesar de estar ante una película de una correcta duración, esta se nos acaba haciendo larga. El momento toreo, de vergüenza ajena.

domingo, 12 de febrero de 2017

Xiu Xiu - Twin Peaks - Bajo los cerezos en flor

Parecía inevitable que la música compuesta por Angelo Badalamentti para 'Twin Peaks' no se cruzara en el camino de Xiu Xiu banda formada por Jamie Stewart en el año 2002 (Actualmente cuenta con en sus filas con el propio Stewart, Shanya Dunkelman y Angela Seo) y que toma su nombre de la película 'Xiu Xiu; The sent girl down' dirigida y producida por Joan Chen que también se encarga del guión de la misma que adapta una novela de Geling Yan. A pesar de la dilatada carrera cinematográfica de la actriz esta es recordada por muchos por su trabajo en la serie de David Lynch donde daba vida a Jocelyn Packard. El tono abiertamente experimental de la banda no solo complementa perfectamente a la música de Badalamentti si no que además consigue algo que parecía imposible: dotar a las canciones de un fondo todavía mas oscuro y perturbador, algo que se puede apreciar especialmente en 'Laura Palmer's Theme' y 'Falling'. A continuación os dejamos el link para que podáis escuchar y disfrutar de la excelente versión de la música de 'Twin Peaks' compuesta por Xiu Xiu.





El pasado día 10 de febrero, el ciclo Retina nos dio la oportunidad de disfrutar en directo de la actuación de la banda mientras se proyectaba la cinta 'Bajo los cerezos en flor' ('Sakura rio mori no mankai no shita') de Masahiro Shinoda a la que ponían banda sonora. Acostumbrados por lo general a un cine mas comercial, la cinta de Shinoda que adapta la novela 'Ango Sakaguchi' de Taeko Tomioka es una obra que a cierto tipo de espectador occidental puede hacerle establecer algún tipo de distancia por culpa de su ritmo, su concepción de la poesía y el uso de las metáforas. 'Bajo los cerezos en flor' es una obra de gran belleza y truculencia, algo que en mi caso hizo que me fuera imposible no pensar en cintas como 'The Stroller in the Attic' también conocida como 'Watcher in the Attic' ('Edogawa Ranpo ryôki-kan: Yaneura no sanposha') de Noburu Tanaka por la enfermiza relación 'amorosa' que se acaba estableciendo entre los dos protagonistas principales. A pesar de que la cinta de Tanaka resulta claramente inferior a la de Shinoda, el final de la cinta posee una fuerza absolutamente brutal dejando una de las mejores escenas para cerrar una película.


Reconozco que como espectador me costó entrar en la propuesta de Xiu Xiu, puede que alguna de las piezas compuestas por la banda hacen que la distancia entre la película, la música y el espectador se acreciente pero conforme avanza el metraje y la música, esta consiguió atraparme, gracias a momentos absolutamente sublimes, dejándome la sensación de haber asistido a un propuesta realmente seductora. Solo se puede poner un par de peros, uno de ellos es achacable a la puesta en escena de la banda y se centra en la manera en la que acaba la proyección de la película. La cinta producida por la Toho Company y por la Geiensha Company no posee grandes títulos finales por lo que una vez acabada la película se mostró el proyector VLC mientras el grupo seguía tocando, algo que rompe completamente la atmósfera creada. La segunda, no achacable ni a la banda, ni a la organización es una reflexión que todos tenemos que hacernos a la hora de ver un concierto. ¿Realmente es necesario grabar tanto con el móvil? ¿No es mejor disfrutar de la experiencia en directo? Las sensaciones a través de la pantalla de un móvil son artificiales. Dejadnos, por favor, disfrutar del directo...

Con todo no debemos perder de vista lo notable que resulta la propuesta de Xiu Xiu, no apta para todo tipo de públicos pero que posee una fuerza increíble. Muy recomendable.



sábado, 11 de febrero de 2017

Crítica: xXx: Reactivated - xXx: The return of Xander Cage

Título: xXx: Reactivated - xXx: The return of Xander Cage
Año: 2017
Género: Acción - Thriller
Duración: 107 min. 
Director: D.J, Caruso
Guión: F. Scott Frazier
Música: Brian Tayler y Robert Lydecker
Interpretes: Vin Diesel, Donnie Yen, Deepika Padukone, Kris Wu, Ruby Rose, Tony Jaa, Samuel L. Jackson, Toni Collette, Nina Dobrev, Rory McCann, Hermoine Corfield, Tony Gonzalez
Nota: 6
Sinopsis: Tras la muerte de Augustus Gibbons, Xander Cage será reclutado de nuevo para dar con un grupo de expertos terroristas que han robado un artefacto conocido como 'La caja de Pandora' capaz de controlar todas las comunicaciones mundiales. Y de usar satélites como misiles... ahí queda eso...



Crítica:
Siempre he defendido que la saga iniciada en el año 2001 con 'The fast and the furious: A todo gas' ('The fast and the furious') dirigida por Rob Cohen es digna de estudio. Dejando de lado la mayor o menor calidad de las películas que forman parte de ella, pocas veces una cuarta parte ha conseguido no solo levantar el vuelo (Algo digno de mención ya que esta estaba dirigida por Justin Lin, la misma persona que llevó a la saga a sus cotas mas bajas de calidad con 'A todo gas: Tokio Race' -'The fast and the furious: Tokio drift'-) si no que entrega a entrega (A partir de la cuarta película por supuesto) ha conseguido superarse en lo que a la concepción del espectáculo y el exceso se refiere, haciendo de cada nueva película un divertido desprecio a las leyes de la lógica y de la física. James Wan, director de 'Fast & Furious 7' ('Furious Seven') consiguió no solo reunir un reparto lleno de caras conocidas si no además y muy especialmente rodar una de las cintas mas entretenidas que se han visto en mucho tiempo. Sería imposible pensar en 'John Wick' de Chad Stahelski sin 'The Raid' de Gareth Evans, en 'Casino Royale' de Martin Campbell sin fijarse en la manera en la que Paul Greengrass rodó 'El mito de Bourne' ('The Bourne supremacy') y por mucho que duela a los mas puristas, sería imposible pensar en una película como 'xXx: Reactivated' ('xXx: The Return of Xander Cage') sin 'Fast & Furious 7' ('Furious 7').
Un año después del sorprendente éxito de ''The fast and the furious: A todo gas' ('The Fast and the furious') el propio Rob Cohen volvió a ponerse detrás de las cámaras para rodar una entretenida cinta de acción titulada 'xXx' donde el director volvía a contar con Vin Diesel como protagonista que esta vez daba vida a un experto en deportes extremos reclutado para formar parte de un grupo especial (Y secreto por supuesto) del gobierno y así llevar a cabo como no podía ser menos una peligrosa misión. Un Samuel L. Jackson pre-Nick Furia y la sorprendente presencia de Asia Argento eran reclamos mas que suficientes para que el espectador pasara por taquilla. Por desgracia y aun considerando a esta película como una cinta muy entretenida esta se quedó lejos de lo conseguido por su hermana mayor, y si Diesel no participó en '2 Fast 2 Furious - A todo gas 2' ('2 Fast 2 Furious') de John Singleton y su presencia en 'A todo gas: Tokio Race' (The fast and the furious: Tokio drift') no pasó de ser un simple cameo que servia para justificar que la cinta de Lin formaba parte de la saga de películas iniciadas por Cohen (La presencia de Han -Sung Kang- debió de ser insuficiente para los productores) hizo lo propio con 'xXx 2: Estado de Emergencia' ('xXx: State of the Union') de Lee Tamahori (El director neozelandés que tras su sorprendente 'Guerreros de Antaño' -One were warriors'- saltó al mercado americano, no se prodiga mucho detrás de las cámaras desde el escándalo sexual en el que se vio envuelto en el año 2006). Si en la cinta de Singleton, Diesel cedió todo el protagonismo a Paul Walker y Tyrese Gibson, en el de la de la película de Tamahori fue Ice Cube quién ocupó el lugar de este.
Pero algo falló y 'xXx 2: Estado de Emergencia' ('xXx: State of the Union') se convirtió en el 'Tokio Race' de la saga y las aventuras de Xander Cage, Darius Stone y Augustus Gibbons quedaron relegadas al mas oscuro de los ostracismos. 12 años después de la cinta de Tamahori y tras el éxito de la saga de 'The Fast and the furious: A todo gas' ('The fast and the furious') volvemos a encontrarnos en la pantalla grande con ese reclutador de especialistas en deportes extremos que ha de hacer frente a una nueva amenaza que como no puede ser de otra manera hace peligrar la paz mundial. Perdón, ¿he escrito 'nueva amenaza'? Vin Diesel, Tony Jaa, Brian Tayler, sagas iniciadas por Rob Cohen, etc.., etc... ¿Por qué no entonces coger 'El ojo de Dios' de 'Fast & Furious 7' ('Furious Seven') cambiarle el nombre por 'La caja de Pandora' y hacerlo pasar por algo nuevo? ¿Acaso no están haciendo ya lo mismo con 'xXx: Reactivated' ('xXx: The Return of Xander Cage') sin el mínimo reparo? ¿Podemos considerar a la película de D.J. Caruso como una especie de remake encubierto de la película de James Wan envuelta en un bonito y seductor papel de regalo destinado a cierto tipo de público, como un spin-off de las aventuras de Toretto y compañía o directamente como una burda manera de explotar el éxito de estas para reactivar (Por una vez el título en español -ejem- resulta mas acertado que el original) una saga de la que ya casi nadie se acordaba?
Por si los nombres comunes a ambas películas y sagas no fueran suficiente, por si acaso el hecho de cambiar el nombre de ‘El ojo de Dios’ a ‘La caja de Pandora’ no resultara demasiado obvio, F. Scott Frazier vuelve de alguna manera a usar el concepto de familia tan presente en la saga de ‘The fast and the furious: A todo gas’ (‘The fast and the furious’ – Recordemos que la frase que publicita a la octava película de la saga no es otra que ‘La familia no existe’) en 'xXx: Reactivated' ('xXx: The Return of Xander Cage') para justificar las relaciones que se crean entre los protagonistas. Los lazos que existen entre ellos poco tienen que envidiar a los que se construyeron entre Toretto, Brian O’Conner, Leticia Ortiz y el resto de los integrantes del grupo, tanto es así que el momento en el que vemos a todos juntos hace imposible que no pensemos en alguna de las escenas de 'Fast & Furious 7' ('Furious Seven').
Pero aunque ‘xXx: Reactivated’ (‘xXx: The return of Xander Cage’) ha surgido a la sombra de 'Fast & Furious 7' ('Furious Seven') y de que esta vuelve a mostrar un absoluto desprecio por todo tipo de leyes físicas y de la lógica mas elemental resultando una cinta bastante entretenida, la película de D.J Caruso se queda muy lejos de lo que consiguió James Wan en su cinta por culpa de un guión que no acaba por funcionar en ningún momento (Obviamente no hay que pedir a esta película la profundidad de una obra de Shakespeare ni nada parecido pero hay algunas ideas que no están bien desarrolladas lo que implica en que todo resulte demasiado forzado. Frazier sabe perfectamente donde empieza la historia que quiere contarnos y tiene muy claro a donde quiere llegar, pero el camino que hay entre medio de esos dos puntos no le interesa demasiado salvo que la historia sea una simple justificación para convertirse en una transición entre las diversas escenas de acción. Desde ese punto de vista y sin ser excesivamente exigentes, el guión escrito por este juega con las intrigas, el compañerismo y las traiciones de una manera que resulta del todo inverosímil. Si, es cierto, exactamente lo mismo se podría decir de la cinta de Wan pero en esta el sentido del espectáculo de la película acababa por eclipsar los fallos de la historia consiguiendo que el espectador no se planteara las incongruencias de la misma, algo que no que ocurre con 'xXx: Reactivated' - 'xXx: The return of Xander Cage'-)...
....y por que desde el punto de vista de la persona que escribe estas líneas, la elección de D.J. Caruso no es la mejor para dirigir un sin sentido como este. Caruso que suele rodar solventes e interesantes thrillers, suyos son ‘La conspiración del pánico’ (‘Eagle Eye’) o ‘Disturbia’, también nos ha dejado infumables cintas como ‘The dissapoinments room’, no consigue transmitirnos la locura y el sentido del exceso como lo hacía Wan. Es cierto que hay escenas de acción y peleas espectaculares que gustaran y mucho a los amantes del género pero estas parece que no acaban por arrancar del todo, dejando al espectador la sensación de que ese gran momento que todos esperamos no acaba por llegar (Sirva de ejemplo la escena del avión que parece que vuelve a estar inspirado en una de las películas de la saga iniciada por Cohen en este caso ‘Fast & Furious 6’ –‘Furious 6’–. A Justin Lin, las películas que rodó con Toretto de protagonista parece que van a marcar su cine ahí está su ‘Star Trek: Mas allá’ –‘Star Trek: Beyond’’–  el uso que este hace de una moto y la presencia de Joe Taslim, rodó el clímax final de su película en un avión despegando, Caruso parece hacer lo propio en otro avión. Pero mientras el primero nos dejó un momento de esos que por diversos motivos se quedan grabados en la memoria de los espectadores aficionados a este tipo de películas, el segundo parece no saber como dar un final redondo y espectacular a ese momento dejando en el espectador un cierto sabor agridulce)
Tampoco el intento de Caruso y Frazier por hacer una película que no se tome demasiado en seria a si misma acaba por funcionar. A pesar de su prometedor arranque (En este sentido, claro) con Augustus Gibbons y Neymar donde el director y guionista explotan muy acertadamente la idea de contar con el mismo actor que interpreta a Nick Furia y por mucho que Caruso intente mostrarse festivo e irreverente, todo parece demasiado forzado para llegar a un cierto tipo de público. ‘xXx: Reactivated’ parece demasiado planificada a todos los niveles (Acción, banda sonora, etc, etc…) como para tener un mínimo de personalidad propia.
Hay que hacer un par de consideraciones acerca del reparto. La primera es volver a recalcar la idea de que esta película es una cinta prefabricada para llegar a cierto tipo de público, especialmente al del mercado asiático y para ello la cinta de D.J.Caruso cuenta con un reparto plagado de actores de aquellos países: Un actor chino (Donnie Yen) al que recientemente pudimos ver en 'Rouge One: Una historia de Star Wars' ('Rouge One) conocido por su trabajo en la saga 'Ip man' de Wilson Yip y que es un autentico placer ver en acción, otro actor chino (Kris Wan) en pleno salto al mercado americano (Wan ha trabajado recientemente con Luc Besson en 'Valerian y la ciudad de los mil planetas' -'Valerian and the city of a thousand planets'-) y que interpreta al personaje mas ridículo de toda la película, una actriz nacida en Copehnague pero de origen indio y que ha desarrollado su carrera en Bollywood (Deepika Padukone), un actor tailandés (Tony Jaa) que nos dejó hace ya unos años la increíblemente entretenida 'Ong Bak' y que hace dos protagonizó la notable 'El despertar de los dragones (SPL2') ('SPL 2: A time for consequencies') y trabajó en 'Fast & Furious 7' ('Furious 7'). Australia, Bulgaria, Inglaterra, Estados Unidos... son múltiples las nacionalidades o lugares de origen de los actores que forman parte del reparto de esta película. La segunda hace referencia al poco provecho que se saca de algunos secundarios. Ruby Rose, actriz que ha tenido dos de sus películas en cartel en España al mismo tiempo, una esta y la otra 'Resident Evil: Capítulo Final' ('Resident Evil: The final chapter') da vida a uno de esos personajes que apuntan (y nunca mejor) dicho bastante alto pero queda eclipsado por el protagonista principal o Rory McCann conocido por muchos por ser Sandor Clenage en 'Juego de Tronos' ('Game of Thrones') cuyo protector dental tiene mas interés que él. Tony Collete nuestra querida Muriel parece no encontrar su sitio en ningún momento y lo que en principio podría ser considerada como una exótica presencia acaba por lastrar toda y cada una de las escenas donde aparece la actriz. Una lastima.
El título original de esta película deja claras las intenciones de esta, 'xXx: Reactivated' ('xXx: The Return of Xander Cage') es una película hecha por y para la medida de su actor principal, Vin Diesel, de la misma manera que la saga de 'Mission: Impossible' se ha ido convirtiendo en un producto rodado para el lucimiento casi exclusivo de Tom Cruise. Solo Donnie Yen consigue hacer sombra a Diesel y por momentos hasta casi devorarlo. Aunque la película de D.J. Caruso se ve bien y se disfruta mucho, el espectador se queda con la sensación de que la película no acaba de arrancar y que ese gran momento que está esperando no acaba por llegar.  'xXx: Reactivated' ('xXx: The Return of Xander Cage') es una película que disfrutaran los amantes del cine de acción, el resto mejor abstenerse.



Lo mejor: Donnie Yen y la primera escena donde lo vemos a él y a Tony Jaa en acción
Lo peor: Todo resulta demasiado preparado y prefabricado lo que deriva en que a esta película le falte chispa. Una desubicada Toni Collette

martes, 31 de enero de 2017

Sobre 'Múltiple' ('Split') y el cine de Shyamalan

Título: Múltiple - Split
Año: 2016
Género: Thriller - Drama - Terror
Duración: 117 min. 
Director: M. Night Shyamalan
Guión: M. Night Shyamalan
Música: West Dylan Thordson
Interpretes: James McAvoy, Anya Taylor-Joy, Haley Lu Richardson, Jessica Scula, Izzie Coffey, Betty Buckley, Sebastian Arcelus, Brad William Henke, Rosmary Howard, Neal Huff
Nota: 5,5
Sinopsis: Tras ser invitada por compromiso a un cumpleaños, Casey y dos de sus amigas serán secuestradas. Su lucha por escapar se topará con su captor y sus nada más y nada menos que veintitrés personalidades distintas que viven dentro de él.





Crítica:
El cine de Shyamalan ha sido duramente criticado por muchos (Al menos las películas que el público y la crítica recuerdan ya que sus dos primeras cintas ‘Praying with Angels’ y ‘Los primeros amigos’ –‘Wide Awake’- parecen haber sido relegadas al mas oscuro de los ostracismos) por su efectismo (Sus giros finales, los vacíos de los guiones llenos de situaciones forzadas e inexplicables así como la manera que tiene el director y guionista de llevar al espectador a donde el quiere haciéndolo en muchos casos de una manera un tanto tramposa es algo conocido por muchos como ‘el efecto Shyamalan’ lo que deriva en que muchos espectadores se cierren en banda ante las propuestas del director. Tampoco debemos olvidar que en muchos casos al acercarse a una cinta de Shyamalan muchos están ya esperando ese giro, esa vuelta de tuerca que sorprenda, algo que sin duda juega en contra del resultado final de la misma. Hay que ser sinceros y reconocer que estos giros, esos conejos que muchas veces el director se saca de la chistera no están presentes en todas sus películas, pero estos como en el caso de ‘El sexto sentido’ (‘The Sixth sense’. Su cinta mas conocida pero no la mejor) forman parte de la memoria colectiva de muchos espectadores. (Nota: Estas vueltas de tuerca a las historias están también presentes en cintas que Shyamalan ha escrito y producido pero no dirigido como es el caso de ‘La trampa del mal’ –‘Devil’- de John Erick Dowdle) y por su por momentos tremendo egocentrismo (Es conocido por todos, que a muchos directores les gusta aparecer en sus películas, bien sea en algunos planos como hacía Hitchcock o bien sea con papeles con mayor o menor peso. El problema llegó con ‘La joven del agua’ –‘Lady in the water’- donde este confiando demasiado en su capacidad como actor, se reservó el papel de Vick Ran personaje que está escribiendo un libro titulado ‘Cookbook’ donde se especifica la manera de mejorar el mundo -¿Es esta una velada crítica al ‘Manual de cocina del anarquista?’-, algo que en pleno auge del director parecía toda una declaración de intenciones y que fue usado por muchos para atacarle tras la decepción que supuso la película) algo que parece que parece que este intentó subsanar riéndose de si mismo con ‘La visita’ (‘The Visit’), eso o Shyamalan nos volvió a dejar otro de sus giros de guión aplicado a su propio cine en lo que no fue mas que un gran truco publicitario.
Fueron ‘Airbender, el último guerrero’ (‘The Last Airbender’) y la película hecha por y para la medida de la familia Smith ‘After Earth’, las cintas que acabaron por confirmar el distanciamiento del cine de Shyamalan tanto con la crítica como con el público y no fue hasta el año 2015 cuando este y gracias a ese mockumentary titulado ‘La visita’ (‘The Visit’) consiguió reconciliarse con parte del público. A pesar de que el mockumentary y el found footage poseen elementos comunes haciendo que la imaginaria línea que los separa sea en muchos momentos difícil de discernir, fue el propio Shyamalan el que recalcó que su película era un mockumentary y no una cinta que se inscribe en el found footge, ya que para el director el primero es un género que permite mayor libertad siendo el segundo algo mas sucio. Ahora con ‘Múltiple’ (‘Split’) el idilio que empezó a gestarse de nuevo con su anterior cinta sale reforzado con esta película gracias a la cual el director se ha vuelto a aupar a lo mas alto de la taquilla norteamericana recibiendo por lo general muy buenas críticas por parte de la prensa especializada. Pero Shyamalan sigue siendo fiel al estilo que lo catapultó a la fama y su nueva película posee muchos de los aciertos y también de los fallos de la mayoría de sus cintas, lo que hace de ‘Múltiple’ (‘Split’) una película que gustará a sus seguidores pero que creemos difícil que sirva para convertir a nuevos feligreses al culto de seguidores de Shyamalan.
Tras ser invitada a una fiesta de cumpleaños por simple compromiso, Casey y sus dos compañeras de clase, Marica y Claire, serán secuestradas. Su lucha por escapar se topará con su captor y sus nada más y nada menos que veintitrés personalidades distintas que viven dentro de él.  Shyamalan se muestra tremendamente inteligente a la hora de plantear su historia, a la hora de conseguir captar la atención del espectador acerca de aquello sobre lo que este quiere contarnos, llevándonos, como es habitual en su cine, al lugar donde este quiere y desea. Muchos críticos han destacado que con esta película vuelve el mejor Shyamalan, vuelve el director de ‘El sexto sentido’ (‘The Sixth sense’) en plena forma, lo que hace de esta cinta un perfecto resumen de todos aquellos aciertos, excesos y vicios propios de Shyamalan, algo que el espectador percibirá claramente en esta película sobre todo conforme avance el metraje. ‘Multiple’ (‘Split’) se beneficia del gran trabajo de sus dos actores principales. James McAvoy interpreta a ese secuestrador en el que se encierran nada más y nada menos que veintitrés personalidades distintas que luchan por controlar a las demás (Llegados a este punto es necesario que el espectador se aleje del recuerdo de la decepcionante ‘Identidad’ –‘Identity’- de James Mangold. La cinta de Shyamalan se aleja de este posible referente para tomar el cine del propio director como su mayor inspiración) consiguiendo hacer creíble a un personaje tan extremo y excesivo. Su Denis-Patricia-Hedwig-Kevin-Barry-Orwell-Jade (Tranquilos, por mucho que durante la película se hable de las veintitrés personalidades del protagonista, McAvoy solo interpreta a un número limitado de ellas) es uno de esos papeles que se encuentran en el filo de abismo, donde es muy fácil caer en la sobreactuación, el exceso y casi la parodia, pero en manos de un actor de la talla de McAvoy, su personaje y las distintas personalidades de este, resultan absolutamente perfectas para la película, algo que es tanto acierto del actor como del director por saber exprimir a este hasta el límite pero sin forzarlo.
Según reconoce el propio Shayamalan, esta iba a ser la cinta que le volviera a unir a Joaquim Phoenix con quién ya trabajó en ‘Señales’ (‘Signs’). A la vista del gran trabajo de McAvoy y reconociendo que Phoenix nos parece uno de los mejores actores de su generación, nos es imposible imaginarnos esta película con otro actor protagonista. Anya Taylor-Joy, actriz que según el propio director fue contratada antes de hacerse famosa, vuelve a demostrar que es un valor seguro y una de esas jóvenes actrices a las que hay que seguir muy de cerca. Taylor-Joy que destacó en la soberbia ‘La bruja’ (‘The Witch: A New-England Folktale’) de Robert Eggers y era casi lo mejor de la tremendamente decepcionante ‘Morgan’ de Luke Scott, es el contrapunto perfecto para el personaje de McAvoy con el que establece un perverso juego que nos deja sin duda alguna algunos de los mejores momentos de la película. De igual manera que ocurría en ‘La Bruja’ (‘The Witch: A New-England Folktale’), Shyamalan saca el máximo provecho no solo de la actriz si no también de su peculiar rostro, perfecto para interpretar tanto a la protagonista de la película de Eggers como a la de la cinta de Scott y a esta Casey Cooke, capaz de perturbar y seducir al espectador casi al mismo tiempo.
El año pasado Dan Trachtenberg sorprendió a propios y extraños con la notable ‘Calle Cloverfield 10’ (’10 Cloverfield Lane’), película que se situaba en el mismo universo que ‘Monstruoso’ (‘Cloverfield’) de Matt Reeves. La cinta vendida publicitariamente con gran acierto con la frase ‘Los monstruos tienen muchas formas’ narraba la historia de Michelle que tras ser rescatada de un accidente por Howard se ve obligada a vivir con él y con Emmett debido a la radiación que parece afectar a la superficie terrestre. Trachtenberg mostraba con notable acierto el aislamiento al que se ven sometidos los tres protagonistas y como las dudas, los temores y los miedos iban surgiendo tanto en Michelle como en Emmet, especialmente en lo que se refiere a la primera y su relación con su salvador. Es cierto que en ‘Múltiple’ (‘Split’) las dudas no están presentes de igual manera que en ‘Calle Cloverfield 10’ (’10 Cloverfield Lane’) pero el juego de fuerza que se muestra entre Michelle y Howard puede ser extrapolable a los personajes de Taylor-Joy y McAvoy. Si a la hora de hablar de la cinta de Trachtenberg se comparó a Michelle (Mary Elizabeth Winstead) con la teniente Ripley, la manera que tiene por momentos Casey de hacer frente a la terrible amenaza que se cierne sobre ella y sus amigas, hace que podamos hablar de esta casi en los mismos términos.
‘Múltiple’ (‘Split’) podría definirse como ‘The Lords of Salem’ de Rob Zombie ya que ambas películas muestran una inicial contención capaz de seducir a los espectadores mas reacios con las propuestas de ambos directores (Tanto Zombie como Shyamalan tienen tantos seguidores como detractores y muchos de ellos muy virulentos a la hora de cargar contra los directores) para acabar desmelenándose, perdiendo la sutileza con la que estos habían plasmado sus historias en la gran pantalla y caer en los excesos y para muchos en los fallos marca de la casa. Shyamalan intenta justificar los caminos que va tomando su película y para ello introduce en la historia a una psicóloga interpretada por Betty Buckley que ya trabajó con el director en ‘El incidente’ (‘The happening’) que trata a McAvoy y sus veintitrés personalidades distintas (Parece que el actor se siente cómodo sentándose en un diván, algo que ya hizo aunque en este caso con una hipnoterapeuta en ‘Trance’ de Danny Boyle). Shyamalan intenta crear un pasado que justifique el presente y la evolución del personaje interpretado por Anya Taylor-Joy algo que no sucede con la doctora Karen Fletcher lo que deriva en que la relación entre esta y McAvoy resulte un tanto forzada y artificial.
Shyamalan vuelve a hacer que personajes rotos, heridos, personajes vulnerables por diversos motivos sean los protagonistas de su película. Un psicólogo, el Doctor Malcolm Crowe incapaz de superar el suicidio de uno de sus pacientes en ‘El sexto sentido’ (‘The sixth sense’), David Dunn alejado y distanciado de su mujer y su hijo en ‘El protegido’ (‘Unbreakable’), Graham Hess ex-sacerdote que perdió la fe tras la muerte de su mujer en un accidente de tráfico en ‘Señales’ (‘Signs’), la invidente Ivy Walker que tras prometerse con Lucius se entera de que este ha sido apuñalado en ‘El bosque’ (‘The village’), la familia de Clevenland Heep ha sido asesinada en ‘La joven del agua’ (‘Lady in the water’), Becca y Tayler son enviados por su madre a visitar a sus abuelos a los que no conocen mientras ella se va de viaje con su nueva pareja. Suicidios, asesinatos, familias desestructuradas… parece que Shayamalan es al cine de terror y ciencia ficción lo que Todd Solondz al drama, directores que usan sus películas para expiar traumas o miedos. Las cintas de Shyamalan aún centrándose en el terror, la ciencia ficción o el thriller poseen un gran componente dramático que se muestra en unos personajes torturados.
‘Múltiple’ (‘Split’) igual que ocurrió con ‘La visita’ (‘The Visit’) no cuenta con un gran presupuesto algo que a Shyamalan parece hacerle sentirse mas cómodo y libre. Pero el director que es perro viejo ha sabido rodearse de un gran equipo. A los dos actores principales, bien escudándos en líneas generales por el resto del elenco, hay que sumar el nombre de Mike Gioulakis director de fotografía de la sorprendente ‘It follows’ de David Robert Mitchell, el de Mara LePere-Schloop encargada del diseño de producción de la serie ‘True Detective’ cuya esencia ha cautivado a Shyamalan y que el reconoce que ha intentado plasmar en su película y el del español Paco Delgado encargado del vestuario de películas como ‘Blancanives’ de Pablo Berguer por la que ganó el premio Goya o ‘La chica danesa’ (‘The danish girl’) de Tom Hooper que supuso su segunda nominación a los Oscars tras su trabajo en ‘Los Miserable' ('Les Misérables') del mismo director.
SPOILER En los dos siguientes parráfos no vamos a hablar del final de la película, algo que personalmente nos gustaría hacer pero creemos que este no es el momento pero si que vamos a hablar de la escena inicial de la misma, aunque es el comienzo de la historia no queremos que ningún espectador no vea esta película sin la inocencia que tuvimos nosotros al hacerlo por lo que preferimos avisar. Shyamalan vuelve otra vez a construir deliberadamente escenas que pueden llevar al espectador a la falsa creencia de que los personajes protagonistas tienen algún tipo de relación o son conscientes de la presencia del otro. Hay dos escenas en ‘El sexto sentido’ (‘The Sixth sense’) que llaman especialmente la atención del espectador. Una de ellas es cuando Cole (Haley Joel Osment) llega a su casa y se encuentra con su madre (Toni Collete) sentada enfrente del que parece que es su psicólogo (Bruce Willis). La otra es la del momento en el que Anna Crowe (Olivia Williams) mira directamente a los ojos de su marido, Malcolm Crowe, momento en el que ella paga rápidamente la cuenta de la cena. Ambas escenas están rodadas con la clara intención de que el espectador crea que Lynn Sear ha invitado al doctor Malcolm Crowe a entrar a su casa y que Anna está enfadada con su marido debido a que este ha llegado tarde. Con las cartas marcadas, es fácil sorprender al espectador. CONTINÚA EL SPOILER
CONTINÚA EL SPOILER Shyamalan habla acerca de que estos trucos y estas manipulaciones están presentes en muchas películas y para ello pone el ejemplo de ‘Sospechosos Habituales’ (‘The Usual Suspects’) de Bryan Singer. Ningún lector ha de caer en la trampa de esta comparación. No debemos olvidar de que el protagonista de la película de Singer narra los hechos ante un policía que intenta dar con el paradero de un legendario criminal, la situación en la que se ve envuelto Verbal Kint le da la libertad a este de contarle a Dave Kujan su versión de lo sucedido que no tiene porque ser lo que ocurrió de verdad, algo diametralmente opuesto a lo que ocurre con Malcolm Crowe ya que este no es narrador de ninguna historia y su manera de deformar la realidad dista mucho el juego que mostró Singer en su película. Esta misma sensación la podrá tener el espectador al principio de ‘Múltiple’ (‘Split’) debido a la manera en la que los personajes interpretados por James McAvoy y Anya Taylor-Joy se quedan mirando y reaccionan. Resulta absolutamente imposible no pensar que entre ambos hay algún tipo de relación, alguna conexión. Por mucho que el director intente justificar este hecho con la idea de que el secuestrador había estado siguiendo solo a dos de las chicas, esto vuelve a resultar demasiado forzado dejando otra vez una extraña sensación en el cuerpo del espectador haciendo que este vuelva a pensar que otra vez Shyamalan va a volver a jugar con las cartas marcadas. FIN DEL SPOILER.
'Múltiple' ('Split') es una cinta que arranca con fuerza, que consigue captar la atención del espectador y llevarlo al lugar donde Shyamalan quiere y desea. James McAvoy consigue que su personaje no resulte excesivo, saturante o ridículo, sacándole el máximo partido y haciendo que el espectador se sorprenda (En el mejor de los sentidos) según este va mostrando las personalidades que conviven dentro de la mente del protagonista. Anya Taylor-Joy es el contrapunto perfecto a McAvoy y su Casey vuelve a demostrar que esta es una gran actriz a la que no hay que perder de vista. Por desgracia, llega un momento en la historia en la que esta se le va completamente de las manos a Shyamalan y todo lo bueno que había mostrado acaba yéndose por el sumidero. El director que parecía que había vuelto por la puerta grande (Así se ha vendido esta película en muchos medios… igual que se hizo con ‘La visita’ –‘The Visit’-), vuelve otra vez a hacer de este 'Múltiple' ('Split') un perfecto resumen de lo mejor y de lo peor de su cine. Shyamalan ha rodado una película que gustará y mucho a sus seguidores, al resto nos dejará bastante indiferentes.


Lo mejor: James McAvoy y Anya Taylor-Joy
Lo peor: La manera en la que a Shyamalan se le acaba yendo la historia de las manos, dejándonos un muy flojo clímax final.

sábado, 21 de enero de 2017

Análisis: 'Silencio' - 'Silence'

Título: Silencio - Silence
Año: 2016
Género: Drama - Religión - Histórico - Adaptación
Duración: 161 min.
Director: Martin Scorsese
Guión: Jay Cocks y Martin Scorsese según la novela del mismo nombre de Shûkasu Endô
Música: Kathryn Kluge y Kim Allen Kluge
Interpretes: Andrew Gardfield, Adam Driver, Yôsuke Kubozuka, Tadanobu Asano, Shin'ya Tsukamoto, Issei Ogata, Liam Neeson, Cirian Hinds, Yoshi Oida, Ryô Kase, Nana Komatsu
Nota: 7,5
Sinopsis: Tras las noticias que parecen confirmar que el Padre Ferreria ha apostatado, los Padres Rodrigues y Garupe, en contra de la opinión de sus superiores, se trasladaran a Japón con dos claras ideas: Descubrir si realmente Ferreira ha apostatado y ayudar a los fieles cristianos que son perseguidos en el país asiático debido al culto que profesan.





Crítica:
En la sobresaliente 'Mil Otoños' ('The thousand autumns of Jacob de Zoet'), el novelista David Mitchell narra la vida de Jacob de Zoet en el único enclave comercial con presencia extranjera que permitía Japón durante el periodo que refleja la novela. En ella, el autor inglés no solo se centra en el personaje al que hace referencia el título original del libro, ni en Orito, la persona de la que este cae rendidamente enamorado ni en las oscuras intrigas que se producen alrededor de ella, si no que también se acerca a la sociedad japonesa, a su cultura, sus relaciones comerciales con Europa y la persecución de todo aquello que hiciera referencia a la religión especialmente a lo relacionado con el cristianismo.
Son múltiples las alusiones acerca de la persecución y hostigamiento que sufrieron tanto los extranjeros que llegaban a Japón y profesaban dicha religión como a los propios japoneses que habían dado la espalda al budismo para convertirse al cristianismo, si bien es cierto que la novela de Shûkasu Endô se centra en este hecho mientras que en la de Mitchell esta, aunque es una idea importante, no deja de resultar un tanto secundaria: 'Un chambelán recitó un texto invariable desde la década de 1660, que nos prohíbe hacer proselitismo de la perversa fe cristiana o acercarnos a los juncos de los chinos o de los nativos de las islas Riu Kiu y nos conmina a dar parte de cualquier complot contra el Japón que llegare a nuestros oídos'. 
Tanto la novela de Shûkasu Endô como la de Mitchell suceden casi en el mismo periodo de tiempo aunque 'Mil otoños' abarca mas años que 'Silencio' por lo que es lógico que ambas hagan de alguna manera referencia a personajes y lugares comunes. Si en el prologo de la obra de Shûkasu Endô este hace mención a que el shogun Tokugawa siguió la misma política que el gobernador Hideyoshi decretando en 1614 la expulsión de todos los cristianos del país, en la novela de Mitchell se hace alusión a Tokugawa de la siguiente manera: 'El tercer shogun cerró el país para impedir las rebeliones cristianas -sostiene el historiador Aodo- pero el resultado ha sido ¡un Japón embalsamado dentro de un frasco!', La crítica a las medidas impulsadas por Hideyoshi y reforzadas por Tokugawa por parte de los propios japoneses están presentes en 'Mil Otoños' tanto en la figura de Yoshida-san como en la de Aodo algo que se muestra tanto en las palabras de este como en la referencia explicita que hace el farmacólogo Haga, mientras que en la obra de Shûkasu Endô y por tanto en la cinta de Scorsese está representada en la manera en la que los japoneses conversos se mantienen fieles a sus creencias lo que revela que estos están también en contra de las leyes promovidas por Hideyoshi y continuadas por Tokugawa.
El sitio a Shimabara está también presente en ambas novelas, hecho que recalcan tanto Shûkasu Endô en 'Silencio': 'Desde 1636 el gobierno japonés, sospechando la complicidad de los portugueses en la resurrección de Shimabara, ha cortado de raíz todo intercambio comercial con ellos. Además, el mar, desde Macao hasta las inmediaciones del Japón, está infestado de fragatas protestantes, inglesas y holandesas, que cañonean nuestros mercantes' y Mitchell en 'Mil otoños': 'Un contador de historias señala el sitio de Shimabra en su cartel (...) Por eso el gran Shoung expulsó a los demonios extranjeros y por eso el rito anual del fumi-e sigue vigente en nuestros días: ¡para erradicar a esos heréticos que chupan de nuestras ubres¡'. Si bien en la novela de Mitchell las relaciones comerciales entre Japón y en este caso Holanda forman parte fundamental de la misma (El acoso de los navíos que cañonean a los mercantes del que habla Shûkasu Endô en su novela también está presente en la de Mitchell), el autor inglés vuelve casi constantemente al componente religioso y a la persecución de los cristianos. El rito anual de fumi-e o fumie (Aquellas personas sospechosas de ser católicas han de pisar una imagen sagrada -fumie- que sirve para demostrar si estas pertenecen realmente al culto prohibido o no) es mostrado tanto por Mitchell como por Shûkasu Endô en diversos pasajes de sus novelas (Hay aproximadamente 13 referencias al fumi-e en 'Mil otoños' y 39 en 'Silencio'). No pisar el fumie, no apostatar, no renegar de las creencias conllevaba que los fieles fueran salvajemente torturados, algo que se observa perfectamente tanto en la obra de Shûkasu y por tanto en la película de Scorsese como en la novela de Mitchell: 'El samurái se batió con tal audacia que cuando la última cabeza cristiana se clavó en la última pica'.
Los Padres Rodrigues y Garupe y ante la reticencia inicial del Padre Valignano debido a la persecución y torturas que sufren los cristianos en Japón, viajarán al país asiático con dos claros objetivos: Averiguar si el Padre Ferreria que los educó en su fe ha apostatado y apoyar a todos aquellos conversos que están en Japón ocultado sus creencias: 'En esa tierra los cristianos acaban de perder a sus padres, y se sienten solos, como los corderos de un rebaño. Sea como sea, alguien tiene que ir a alentarlos y hacer que ese rescoldo de fe no se extinga'. Ayudados por Kichijiro, un japonés al que la cobardía y el peso de la culpa le han llevado al alcoholismo, llegarán a Tomogi una pequeña aldea donde sus habitantes han de ocultar sus creencias ante el miedo a terribles represalias.
'Silencio' basada en la novela del mismo nombre escrita por Shûkasu Endô en 1966 y de cuyo guión se han encargado Jay Coks y Martin Scorsese es llevada a la pantalla grande con enorme fidelidad. Obviamente ciertos pasajes se han dejado fuera de la película, algunos de ellos de forma acertada como aquellos que narran en detalle el viaje en barco de los protagonistas hasta la costa japonesa, otros han sido modificados con mayor o menor acierto. Es claro que la parte final de la novela de Shûkasu Endô se ha adaptado a un lenguaje mucho más cinematográfico y efectista que lo mostrado por el autor japonés en su obra. Scorsese aun manteniéndose en líneas generales fiel a la novela de Shûkasu Endô muestra ciertos y claros detalles (Sobre los que no vamos a entrar en profundidad ahora) que se puede considerar que se alejan de la sutileza y la claridad con la que Shûkasu Endô cerraba la historia de los protagonistas de su libro. Este efectismo utilizado por el director de 'Uno de los nuestros' ('Goodfellas') de manera sorprendente y por momentos un tanto decepcionante.
'Silencio' de Shûkasu Endô posee cierta estructura epistolar. Las cartas escritas por el propio Rodrigues y por el comerciante holandés Jonassen desde Deshima (Otra vez y no será la última, volvemos a nombrar la novela de David Mitchell 'Mil Otoños' ya que en ella su protagonista vive en el único enclave permitido por los japoneses para comerciar con los europeos, en Dejima que no deja de ser el mismo sitio desde donde Jonassen escribe las cartas de la parte final de la novela solo que escrito de otra manera. Tanto Deshima como Dejima son formas aceptadas para referirse al mismo lugar. Es por eso que es fácil pensar que Jacob de Zoet podría aparecer sin ningún tipo de problema en las cartas de su compatriota) son puestas en voz de sus personajes homólogos en la película de Scorsese. De igual manera que ocurría en la novela de Shûkasu Endô existen tres partes claramente diferenciadas: La primera explicada mediante las cartas de Rodrigues, una segunda donde la narración de la misma no está en boca de ninguno de los protagonistas de la película (Una forma que podría definirse como clásica) y un final narrado en base a las cartas escritas por ese comerciante holandés.
Pero 'Silencio' tanto en lo que a la novela se refiere como en la película es mucho mas que el reflejo de la persecución que sufrieron los cristianos en Japón (Las referencias a las islas de Goto vuelven a estar presentes tanto en la obra de Endô como en la de Mitchell. En el primer caso mostrada por esos campesinos que se trasladan a Tomogi para saber si el rumor de que allí se esconde un sacerdote. Rodrigues tras ver el esfuerzo de estos por dar con su paradero viajará a Goto para ayudar a los católicos que allí se esconden, tampoco debemos dejar de lado de Kichijiro es natural de Goto, en el segundo mediante claras referencias: 'En esa misma sala, el magistrado a condenado a contrabandistas, ladrones, violadores, asesinos, rateros, y a un cristiano clandestino de las islas de Goto') es sobre todo una exploración a las dudas que le surgen al protagonista acerca de la manera en la que Dios observa las terribles persecuciones que sufren los campesinos japoneses. 'Silencio' es una aproximación a la manera en la que su protagonista (Un excelente Andrew Gardflied que se aleja de papeles como el de Spiderman para centrarse en cintas donde puede mostrar para enfrenarse a retos y dar lo mejor de si mismo. A este 'Silencio' hay que sumar su trabajo en 'Hasta el último hombre' -'Hacksaw Ridge'- de Mel Gibson) vive su fe y sus dudas. El paralelismo existente entre la relación de Rodrigues y Kichijiro y Jesucristo y Judas está claramente representado en varios momentos tanto de la novela como de la película. 'Éstas fueron mis primeras palabras a Kichijiro y mientras las decía asomó a mis labios una sonrisa amarga. Judas había vendido al Señor por treinta piezas de plata. Yo había sido tasado en diez veces más...' Endô y por tanto Scorsese hacen suyo el salmo 22 que empieza de la siguiente manera:

Dios mío, Dios mío,
¿Por qué me has abandonado?
¿Por qué estás lejos de mi clamor y mis gemidos?
Te invoco de día, y no respondes,
de noche, y no encuentro descanso;
y sin embargo, tú eres el Santo,
que reinas entre las alabanzas de Israel.


para mostrar y profundizar en el desespero que siente el Padre Rodrigues ante la situación que están viviendo tanto él y el Padre Garupe así como los pobres japoneses que se han convertido al cristianismo. Estas ideas son mostradas en distintos pasajes tanto de la novela como de la película y sirven para recalcar estas ideas y la evolución de la fe del Padre Rodrigues.
La palabra silencio no solo hace referencia a lo que siente el protagonista acerca de la posición de Dios con respecto a todo lo que está ocurriendo en el país asiático si no también es toda una declaración de intenciones por parte de Scorsese (Algo que se puede apreciar por ejemplo en el uso de la música en la película). El director se toma su tiempo a la hora de narrar la historia de los Padres Rodrigues y Garupe en Japón, la cinta se va hasta las dos horas y cuarenta minutos y hay que ser sinceros y reconocer que a pesar de que esta película a la persona que escribe estas líneas le gustó muchísimo, Scorsese podía haber recortando un poco la parte final de la misma, ya que conforme esta avanza, el espectador empieza a sentir un tanto el tedio haciendo que este pueda acabar desconectando de la película (Tanto es así que en la sesión a la que asistí uno de los espectadores roncó de manera bastante sonora). Aunque tanto la novela como la película tiene tres claras partes diferenciadas según quién es el narrador tal y como se ha dicho anteriormente, la tercera, la conclusión, la narrada por el personaje holandés no ocupa casi parte del metraje siendo las dos primeras a las que Shûkasu Endô le dedica la mayor parte de las páginas de su libro y Scorsese la mayoría de minutos de su película, siendo la segunda, aquella que se centra en el personaje interpretado por Gardfield y que no está narrada directamente por ningún protagonista de la película, la que indudablemente resulta mas floja y por momentos alargada. El ritmo con el que Scorsese dota a su película hace que esta parte se pueda hacer por momentos de difícil digestión para muchos espectadores.
Como no podía ser de otra manera, ‘Silencio’ cuenta con actores de diversas nacionalidades para dar vida a los distintos personajes que aparecen en la película. Andrew Gardfiled que interpreta al Padre Rodrigues y que como ya hemos comentado antes es digno de alabar que se aleje de papeles ‘cómodos’ y que arriesgue, Adam Driver que tras su emo Kylo Ren parece, gracias a Dios, que no va a convertirse en el nuevo Hayden Christensen ya que sabe rodearse de grandes directores (Scorsese, Jarmusch) capaces de darle papeles llenos de matices, la presencia de Cirian Hinds no deja de ser un simple cameo y la de Liam Neeson puede llevar a mas de uno a pensar que el Padre Ferreira está muy cercano Qui-Gon Jinn (Espero que alguien edite algún vídeo con imágenes de la cinta de George Lucas y de la de Scorsese). Yôsuke Kubozkua interpreta de una manera bastante convincente a Kichijiro (Las constantes entradas y salidas de este personaje de la historia pueden exasperar a mas de uno y resultar un tanto cansinas pero esto es algo que sucede tanto en la novela como en la película) e Issei Ogata que da vida al inquisidor Inoue tan criticado por muchos resulta perfecto para su papel. Al hablar de Inoue hay que hacer dos comentarios acerca de la adaptación de Scorsese al cine de la novela de Endô y ambas hacen referencia al papel del cristianismo antes de la llegada de los Padres Rodrigues y Garupe a Japón. El primero de ellos hace referencia a la importancia que el escritor da al hecho de que Inoue fuera bautizado y el segundo de ellos al odio que el padre Cabral trataba a los japoneses y que hizo que muchos de ellos rechazaran la religión que este intentaba enseñarles. Estas dos ideas aunque de algún modo presentes en la película parecen ser tratadas por Scorsese de manera un tanto difusa haciendo que la crítica de los propios religiosos a los métodos que sus compañeros usaron quede diluida en la historia.
En el siguiente párrafo se habla del final de la película, del destino de los protagonistas por lo que obviamente esto conlleva SPOILERS si no deseas leerlos te recomendamos que saltes al siguiente párrafo. Es inevitable no volver a pensar en la novela de Mitchell a leer o ver el final de la obra de Shûkasu Endô o de Scorsese, ya que los Padres Rodrigues y Ferreira se dedican, entre otras cosas, a controlar aquellos objetos que por desconocimiento los japoneses son incapaces de determinar si son o no cristianos. Si en su película Scorsese muestra el intento de un holandés de introducir un símbolo cristiano en Japón, Mitchell hace lo propio con su protagonista: 'Impaciente, Ogawa inicia la operación sin esperar la respuesta. Para Jacob, el mundo se ha reducido a un túnel estrecho que lo separa de su salterio, visible entre dos volúmenes de Sara Burgerhart. Ogawa frunce el ceño'. Otra vez y tal y como ocurría al hablar de la narración del personaje holandés, no es difícil pensar que Ogawa fue adiestrado por los Padres Rodrigues y Ferreira para detectar aquellos símbolos cristianos que se intentan introducir en el país, siendo Jacob de Zoet espectador de excepción de ello.
En definitiva, 'Silencio' es una gran obra que puede que en su parte final se crea mas grande de lo que realmente es, lo que juega en su contra. Scorsese se muestra bastante fiel a la novela de Shûkasu Endô y es en su parte final donde se pueden observar mas claramente las diferencias existentes entre el libro y la película, donde por desgracia Scorsese hace del efectismo su gran arma algo que resulta impropio de una cinta que se había mantenido bastante sobria hasta ese momento. Andrew Gardfield y Adam Driver destacan por encima de sus compañeros y la estética con la que Scorsese impregna cada uno de los fotogramas de su película resulta simplemente perfecta. 'Silencio' es una cinta de rimo lento y pausado, algo de lo que hay que ser claramente consciente. Si el espectador consigue entrar en la cinta de Scorsese es seguro que disfrutara de ella, si no es así, las dos horas y cuarenta minutos que dura esta película se pueden hacer muy, pero que muy cuesta arriba.



Lo mejor: Gardfield y Driver. La primera parte de la película.
Lo peor: El efectismo de la parte final de la película. Su ritmo puede frenar a muchos espectadores.

miércoles, 11 de enero de 2017

Crítica: Passengers

Título: Passengers
Año: 2016
Género: Ciencia Ficción - Drama
Duración: 116 min. 
Director: Morten Tyldum
Guión: Jon Spaihts
Música: Thomas Newman
Interpretes: Chris Pratt, Jennifer Lawrence, Michael Sheen
Nota: 4
Sinopsis: Un viaje espacial a una lejana colonia se convertirá en una autentica pesadilla para dos de los pasajeros cuando estos se despierten antes de tiempo.








Crítica:
Fallido acercamiento a la soledad, la obsesión, la paranoia y al miedo a morir solo en medio de la nada por parte de Morten Tyldum, director de las muy interesantes 'Headhunters' y 'The Imitation Game' que pone en imágenes un guión escrito por Jon Spaihts, guionista también de películas como 'La hora más oscura' ('The Darkness Hour'), 'Prometheus', 'Doctor Strange' o el nuevo reboot de la momia protagonizado por Tom Cruise y Russell Crowe. La historia de Spaihts tiene ideas interesantes pero por desgracia, 'Passengers' acaba convirtiéndose en la versión espacial de 'Titanic' y ni si quiera los guiños a 'El Resplandor' ('The Shining') de Kubrick sirven para apuntalar la obsesión y la paranoia. Todo aquello que parece apuntar la película acaba siendo desperdiciado por culpa de una dirección y de un guión mas interesados en llegar al gran público que en explorar los sentimientos de los protagonistas.
En el año 2106, Daniel Scheinert y Dan Kwan rodaron una de las películas más excesivas y arriesgadas del año. 'Swiss Army Man' a la que 'The Greasy Strangler' le quitó el título de 'película mas what the fuck' del año, tomaba elementos propios del cine de Michel Gondry para hablar de la soledad y los efectos que esta tiene en las personas. En ella, Paul Dano da vida a un naufrago que aislado en una pequeña isla desierta anhela ser rescatado, no morir solo, llevándolo a la mas absoluta de las desesperaciones. Todo cambiará cuando un cadáver interpretado por Daniel Radcliffe llegue a la isla y Hank encuentre en él a un amigo al que hablarle de sus sentimientos y explicarle que es la vida y el amor. La escatologica puesta en escena de esta película puede frenar a más de un espectador, pero la profundidad de la cinta de Scheinert y Kwan hacen de esta una mas que interesante propuesta sobre la que merece la pena hablar y reflexionar. Queda claro que la forma no impide que el fondo ofrezca más de lo que creemos. Al ver las primeras y flatulentas escenas de 'Swiss Army Man' pocos espectadores pondrán pensar que se acabaran encontrando ante una cinta tan elaborada y profunda como esta. Es por eso que la idea de Tyldum y Spaihts de mostrar a dos personajes aislados que forjan una estrecha amistad puede llevarnos a creer que estamos ante una cinta que ofrece mucho más de lo que el espectador puede llegar a pensar.
Es fácil que mas de un espectador se acuerde de 'Robinson Crusoe' de Daniel Defoe al leer lo anteriormente escrito acerca de 'Swiss Army Man' o incluso al leer la sinopsis de 'Passengers' (Si en la novela del escritor inglés, un naufrago, Robinson Crusoe, se encuentra con Viernes con quién establecerá una gran amistad y donde ambos lucharan por ayudar a un grupo de prisioneros capturados por los indígenas, en la cinta de Tyldum nos encontramos con Jim Preston y Aurora Lane que mantendrán un vínculo muy estrecho y juntos intentarán ayudar al resto de pasajeros del viaje estelar abocado a su casi segura destrucción) pero no debe dejar de lado la novela 'Foe' de J.M. Coetzee (Considerada por muchos como una obra maestra, la novela de Coetzee es un muy interesante acercamiento al universo creado por Daniel Defoe) por la idea de presentar a un personaje femenino (Susan Barton en un caso, Aurora Lane en el otro) que se encuentra con Robinson Crusoe (Jim Preston en el caso de la cinta de Tyldum) y Viernes (Si en la novela del escritor sudafricano se dice que este personaje carece de lengua -Susan Barton reconoce que cuando Viernes abre la boca ve todo demasiado oscuro para distinguir nada y es Robison Crusoe quién le confirma que efectivamente Viernes no tiene lengua ya que le fue arrancada-, en 'Passengers' es Arthur el que parece ocupar el lugar de este personaje y que en este caso es un androide. La comunicación entre Crusoe/Preston y Viernes/Arthur es por diversos motivos, complicada. No debemos olvidar que Crusoe y Viernes no comparten la misma lengua ni la misma educación y creencias, algo que de alguna manera puede ser extrapolable a Preston y Arthur. Incluso el título de la novela de Coetzee que hace referencia al escritor de 'Robison Crusoe' y que significa 'Enemigo' podría aplicarse es diversos momentos a la trama de la película.
Por desgracia todas estas ideas quedan relegadas a un segundo plano y el proceso de exploración de la soledad y sus efectos sobre el protagonista carece de la profundidad necesaria llegando al extremo de que la manera elegida por Tyldum para mostrarla resulta vacía y simplista tanto que las motivaciones del protagonista acaban por no ser explicadas y desarrolladas de manera convincente. No sabemos si por culpa del director o de un guión timorato, 'Passengers' simplifica el acercamiento al aislamiento forzado, tanto que para el director parece que mostrar al protagonista de su película con una gran barba es mas que suficiente. Por mucho que 'Passengers' haya claras y continuas referencias a 'El Resplandor' ('The Shining'), Tyldum parece que no sabe (O no quiere) explorar el paralelismo existente entre Preston, Jack Torrance y los 'fantasmas' que acechan a estos. Es claro que este es el gran fallo de esta película, la falta de profundidad, la manera en la que Tyldum se acerca a los sentimientos de Preston y Lane no traspasa la pantalla, haciendo que alguna de las decisiones no solo no las comprendamos si no que además nos pueden a exasperar de tal manera que puede hacer que muchos desconectemos de esta película. No es necesario que Tyldum dedique mucho tiempo para mostrar el miedo a la soledad y la psicosis que esta crea en los protagonistas, ahí está el caso de la ya citada 'Swiss Army Man': Con una breve y mas que acertada introducción y enseñando la evolución de los personajes es mas que suficiente para dejar claras todas estas ideas.
La presencia de Jennifer Lawrence deja claros dos hechos. El primero de ellos es la de dejarnos una actuación tirando a floja de una actriz ganadora de un Oscar por 'El lado bueno de las cosas' ('Silver Linings Playbook' de David O. Russelll) y nominada por 'Winter's Bone' de Debra Granik, 'La gran estafa americana' ('American Hustle') y 'Joy' ambas dirigidas también por David O. Russell, no sabemos si por desidia de la Lawrence (Por momentos parece que la actriz tiene el piloto automático puesto) o por la incapacidad de Tyldum para dirigirla. El segundo de ellos hace referencia a la deriva que parece tomar la película a partir de este momento, algo comparable a la nave Avalon en la que viajan los protagonistas. Las mas que interesantes pinceladas acerca del aislamiento que han sido de alguna manera desarrolladas hasta ese momento dejan paso a una predecible y aburrida historia de amor (Sobre esto habría mucho que hablar. Primero tendríamos que replantearnos el concepto de que es y que no es romántico, para después acordarnos de 'Código 46' -'Code 46' de Michael Winterbottom. Si el inglés mostró a dos personajes antagónicos que se encontraban y se enamoraban, el noruego parece querer hacer lo mismo. Si en el caso de 'Código 46' el aparente mal funcionamiento de un virus de la empatía parecía justificar o forzar esta relación, en 'Passengers' el aislamiento forzado en el que viven los protagonistas parece tener el mismo efecto que dicho virus) y las referencias a 'El Resplandor' ('The Shining') son sustituidas por la de 'Titanic' de James Cameron.
Es a partir de este momento cuando empieza la parte más decepcionante de esta película, donde la sombra de la cinta de Cameron acaba eclipsando a la de Tyldum. 'Passengers' no deja de ser mas que una mera versión espacial de 'Titanic'. Las acaudaladas Susan y Rose DeWitt Bukater que viajan con todo lujo de comodidades en el Avalon o en el Titanic, conocerán a Preston o a Jack, dos jóvenes ansiosos por conocer un nuevo mundo, empezar una nueva vida, bien sea en Homestead II o en Estados Unidos y que viajan en la clase más económica de la nave o del transatlántico. Dos personas que de otra manera no se hubieran conocido acaban compartiendo un mismo destino gracias a enorme meteorito o un gigantesco Iceberg que se cruzará en su camino. Si el espectador todavía tenía esperanzas de encontrar algo diferente, de que la película consiguiera alzar el vuelo o incluso emocionarle descubrirá por desgracia que esta cinta parece ser simplemente una nueva versión de la película de Cameron rodada para una nueva generación.
En el siguiente párrafo se hace referencia explicita al final de la película, es decir, en las siguientes líneas hay un claro SPOILER. Por favor, si no deseas leerlo te recomendamos que saltes al siguiente párrafo. Tal es el parecido con la cinta de James Cameron que 'Passengers' parece querer jugar a mostrar un final alternativo de 'Titanic'. Son muchas las personas que consideran que al final de esa película había sitio para los dos protagonistas. Tyldum vuelve a mostrar la congelación del galán de la historia, en este caso la de un Preston que se 'hunde' en el espacio exterior igual que Jack lo hizo en el océano pero cambiando el destino final de este. Pero esta vez no hay solo una tabla a la que aferrarse si no una única cápsula para poder volver al estado de hibernación. Tal parece ser la obsesión de Tyldum y Spaihts por emular a Cameron que ni si quiera esta idea está bien justificada.
'Passengers' es una película tremendamente decepcionante tanto por su falta de originalidad como por la nula capacidad de Tyldum y Spaihts para explorar y profundizar en los sentimientos de los protagonistas ni de la evolución de estos en la historia. Sin duda alguna, Michael Sheen que da vida al androide que trabaja en el bar de la nave es lo mejor de esta película, algo que demuestra lo falso y artificial que resulta el conjunto. Por mucho que estemos ante una supuesta historia de amor (De esto habría que hablar mucho y en profundidad) la falta de pasión es lo único que esta cinta consigue transmitirnos y ni siquiera jugar a descubrir sus múltiples referencias (A las ya nombradas hay que sumar por ejemplo la de 'Sunshine' de Danny Boyle) consigue sacarnos del tedio. Por momentos el espectador podrá pensar que el también se ha despertando antes de tiempo, antes de que acabe esta película...


Lo mejor: Michael Sheen. Las ideas que parece apuntar la película...
Lo peor: ...la manera en la que se desaprovechan dichas ideas que nos acaba dejando un mas que preocupante mensaje de la película acerca de lo que es el amor.