lunes, 31 de diciembre de 2012

Crítica: The Possesion - El Origen del Mal


Título: The Possesion - El Origen del Mal
Año: 2012
Genero: Terror
Duración:  92 min
Director: Ole Bordenal
Guión:  Juliet Snowden y Stiles White basado un articulo de Leslie Gornstein (articulo)
Música: Anton Sanko
Interpretes: Jeffery Dean Morgan, Kyra Sedgwik, Nathasa Calis, Madison Davenport
Nota: 6

Sinopsis:
En un mercadillo casero Hannah se encaprichará con una caja de madera, lo que no sabe es que en esa caja se encuentra atrapado un ser demoníaco que esta deseando encontrar un cuerpo del que apoderarse y así salir de la caja.




Crítica:
Ole Bordenal saltó a la fama gracias a "El Vigilante Nocturno" un solvente thriller en el que el vigilante de una morgue se las verá con un asesino en serie. Debido a la falta de ideas Hollywood decidió hacer el remake de la película de Bordenal y fue el propio Bordenal el elegido para rodarla, pero esta vez el resultado fue decepcionante ya sea por el control ejercido por los productores o porque Bordenal no se supo adaptar a las condiciones que se exigen en América a la hora de rodar una película.(Aunque no es la primera vez que un director hace el remake de una de sus películas con resultado decepcionante, por ejemplo Haneke con "Funny Games") Pasaron 5 años hasta que volvió a dirigir un largo para el cine, en este caso "Dina" un gran drama pero que estaba lastrado por sus propios excesos. Diez años después Bordenal volvió al circuito comercial internacional gracias a esta película basada en hechos reales y producida por Sam Raimi


Sam Raimi llevaba desde el año 2000 sin dirigir una película de "terror" y pongo entre comillas la palabra terror porque "Premoción" me parece una película interesante pero pasable, si la ves te entretenderá pero si no la ves no te pierdes gran cosa y lo que se dice miedo no da, hasta que en el año 2009 sorprendió a propios y extraños con una película de terror con el típico humor negro marca de la casa, esa película era "Drag me to hell". Y Tanto "Drag me to hell" como "The possesion" tienen un núcleo común: un objeto que llega a manos de la protagonista despertará una maldición sobre ella que la intentará destruir y/o poseer. Pero la historia de "The possesion" esta mas cerca de la mediocre película dirigida por David S. Goyer titulada "The unborn" ("La semilla del mal") donde en ambas el espíritu que quiere volver a la vida es un Dybbuk y en ambas los protagonistas tendrán que recurrir a un rabino judío para en el climax de la película realizar un exorcismo que libere o no a la protagonista de la influencia del Dybbuk.


Así que en "The possesion" nos encontramos con una primera parte que argumentalmente recuerda a "Drag me to hell" (el hallazgo del objeto maldito) y una segunda parte que recuerda a "The unborn". Ole Bordenal se toma su tiempo a la hora de contarnos la historia, aunque esta arranca con una soberbia escena donde se deja claro ante que tipo de película estamos, y pasará un rato hasta que volvamos a tener una escena del mismo calado pero esta espera no se hace pesada ni larga ya que el director crea una ambientación perfecta dándole un aire enfermizo y metiéndonos el miedo en el cuerpo poco a poco. Y es que en el momento en el que Bordenal se desmelena nos consigue perturbar (véase la escena en la que la niña ve unos dedos que le salen de la garganta) con grandes escenas y una niña poseída que da miedo.


Pero "The possesion" tiene un gran fallo y es que ya la hemos visto mil veces y no hay nada que nos pueda sorprender, se han hecho muchas películas sobre posesiones y espíritus atrapados que quieren volver a la vida y aunque la ambientación este muy lograda nos es inevitable pensar porque han vuelto a hacer la misma película  Tampoco nos gustan ciertas licencias que se han tomado para rodar esta película  se supone que el exorcismo se va a realizar en una planta del hospital donde no va nadie después de las 6 pero ¿acaso no hay nadie que escuche a una niña poseída berreando y a un rabino gritando como un loco?. Además ya estamos un poco cansados de leer eso de "Basado en hechos reales" antes de una película de terror, antes era algo que nada mas leerlo te asustaba pero ahora ya.. (Esta historia esta basada en un articulo escrito por Leslie Gornstein y que se puede leer aqui


En "The possesion" no hay una gran historia, estamos ante la típica historia de terror de una familia rota donde una de sus hijas acaba poseída y al principio se achaca a los problemas entre los padres (bueno esta vez aunque comió pizza la niña no volvió con alergia sino con un espíritu)  pero para mi lo peor de todo es que en la parte final la película nos recuerda mucho a "The unborn" y eso es un lastre muy grande ya que el hecho de que una película nos traiga a la mente a otra muy mediocre no es bueno, se podría decir que "The unborn" pese a ser anterior a "The possesion" es el doppelgänger de la película de Bordenal. Pero aun con todo esto el oficio del director se impone en una gran ambientación y con escenas realmente impactantes. Esta es una película que si se ve por la noche solo en casa puede llegar a asustar y eso es de agradecer.



Lo Mejor:  La ambientación esta muy lograda
Lo Peor:   La hemos visto una y mil veces, y la volveremos a ver otra vez.. y otra..

domingo, 30 de diciembre de 2012

Crítica: Promoción Fantasma


Título: Promoción Fantasma
Año: 2012
Genero: Comedia - Fantastico
Duración:  88 min
Director: Javier Ruiz Caldera
Guión:  Crisóobal Garrido y Adolfo Valor
Música: Javier Rodero
Interpretes: Raúl Arévalo, Alexandra Jiménez, Carlos Areces,  Javier Bódalo
Nota: 6

Sinopsis:
Modesto es un profesor traumatizado por su capacidad de ver y hablar con los muertos pero lo que para el era una maldición se convertirá en un don cuando llegue a un nuevo colegio.




Crítica:
Segundo largo de Javier Ruiz Caldera después de la muy mediocre "Spanish Movie" que seguia las pautas de la saga "Scary Movie" (y esta a su vez seguía las pautas del trio Zaz, Zucker Abrahams y Zucker) pero parodiando películas españolas y si en la primera "Scary Movie" se tomaban como base a "Scream", "Spanish movie" tomaba como base a "Los Otros". Después de esta primera película no podemos esperar una gran segunda película  y "Promoción Fantasma  no es una gran película pero si entretenida y al fin y al cabo, la idea de "Promocion Fantasma" es entretener y eso esta vez si, Javier Ruiz Caldera lo consigue.


"Promoción Fantasma  no deja de ser una versión de "El club de los cinco" con muertos. De hecho los espíritus que se encuentran atrapados en el colegio y a los que Modesto intentará ayudar son 5 y al igual que en la película de John Huges cada uno es un estereotipo de la gente que te puedes encontrar en el colegio: la estudiante, el guapo deportista, el chulo, la chica popular y el pijo. Ruiz Caldera no huye de la influencia del cine de Huges y en especial de "El club de los cinco" y por si no nos había quedado claro lo remarca en la escena del baile de los cinco espíritus donde como en "El club de los cinco" los personajes estereotipados ocupan la misma posición en la fila.



Se agradece que se hagan homenajes así de los clásicos  resulta entrañable y se nos escapa una sonrisa a todos aquellos que crecimos con el cine de Huges. Aunque por desgracia ninguna de las interpretaciones de los 5 de "Promoción Fanstama" puedan hacer sombra a los 5 del breakfast club, en especial el tío duro, que aquí resulta un intento por imitar al personaje de Judd Nelson y  no lo consigue  Ruiz Caldera también hace otro tipo de homenajes a otras películas como por ejemplo a "Cazafantasmas" o "Carrie" pero siempre desde el humor y huyendo del terror.


Pero por muy simpática que nos nos parezca "Promoción Fantasma" por mucho que tanto Raúl Arévalo, Carlos Areces, Joaquin Reyes y sobre todo Silvia Abascal (que buena puede llegar a ser si no cae en su habitual histrionismo que llega a cansar y aquí excepto en contadas ocasiones no llega a sus puntos histrionicos y hace que su personaje nos deje grandes momentos, de hecho junto a Reyes los mejores momentos de la película) se esfuercen y den brillo a sus personajes,  no podemos dejar de lado que estamos ante un guión flojito y totalmente previsible con algún personaje que sobra como la chicha enamorada del fantasma y otro que por desgracia, y a pesar de su importancia en la historia, esta un tanto desdibujado como el de Alexandra Jiménez. No se donde leí que "Promoción Fantasma" es la típica película que estas una tarde de domingo en casa cambiando de canal, la ves, la dejas puesta y acabas pasando un buen rato. Y la verdad es que es la perfecta definición para "Promoción Fantasma" una película para disfrutar un domingo por la tarde y esto no lo digo con animo peyorativo si no todo lo contrario creo que encontrar un película que te pueda llegar a entretener es mas difícil de lo que parece.




Lo Mejor:  Se ve con mucha facilidad
Lo Peor:  Se olvida con la misma facilidad

sábado, 29 de diciembre de 2012

Crítica: ¡Rompe Ralph!


Título: ¡Rompe Ralph!
Año: 2012
Genero: Comedia - Animación
Duración:  108 min
Director: Rich Moore
Guión:  Phil Johnston y Jennifer Lee
Música: Henry Jackman
Voces: John C. Reilly, Sarah Silverman, Jack McBrayer, Jane Lynch, Alan Tudyk
Nota: 6

Sinopsis:
Ralph es el malo en un videojuego que tiene bastante éxito pero esta cansado. En el 30 aniversario del juego tomará una decisión: ser el primer malo de videojuego que consiga una medalla y asi conseguir el cariño de sus compañeros de videojuego.



Crítica:
Nos encontramos con una nueva producción de Disney producida por el guru de la animación por ordenador John Lasseter. Y nos encontramos con un producto que sigue las pautas marcadas tanto por Disney como por Lasseter asi que el resultado es una película simpática, agradable y que seguro hará que los mas pequeños disfruten viéndola pero que no es un producto que nos vaya a sorprender y desde luego queda claro que sorprender era lo ultimo que se buscaba.


En ¡Rompe Ralph! estamos ante un producto que parece pensado para todos aquellos que crecimos jugando con maquinas recreativas: el malo de un videojuego clásico esta cansado de ser malo y quiere ser bueno, conseguir una medalla, ganarse el respeto y el cariño de sus compañeros de videojuego. Y para ello irá de videojuego en videojuego hasta conseguirlo. Hasta aquí lo novedoso. Pero la historia tiene poco de novedosa y los puntos en común con "Toy Story" son muchos por lo que es inevitable pensar que Disney se esta quedando sin ideas. Cojamos la idea de "Toy story", los muñecos con los que jugamos de críos toman vida cuando nadie los ve, y llevemosla a otro sitio, al mundo de las maquinas recreativas, los personajes de los videojuegos con los que jugamos cuando eramos críos cobran vida por la noche cuando nadies les ve. Misma idea distinto envoltorio.


A pesar de que en  el principio de la película se usa la misma idea de base de  "Toy Story", es la parte mas disfrutable de la misma. Es entrañable ver que hacen los personajes de los juegos cuando nadie les ve, las reuniones de "malos anonimos" y esa estación desde donde se puede acceder a otros juegos (Esta parte hace que los amantes de los videojuegos disfrutemos intentando descubrir que personajes van apareciendo). Pero el interés con el que se sigue la película va disminuyendo conforme avanza la película y es que el problema reside en que cuando Ralph accede al mundo de golosinas donde se hacen carreras, el ritmo se hace cansino, esa parte se hace larga y crees que Ralph va a saltar a otro videojuego pero no, ahí esta el núcleo central de la aventura y a mi por lo menos no me acabó de llegar. Y no me acabó de llegar porque el personaje del Rey de histrionico se me hace pesado, porque la moralina que Disney mete en casi todos sus productos ya me cansa (aunque curiosamente en "Rompe Ralph" Disney mete un mensaje antimonarquico: mejor tener una democracia constitucional que una monarquía) y por que normalmente en este tipo de películas los personajes secundarios brillan pero aquí el único personaje secundario que me llamó la atención es el de la heroína del juego Hero's Duty y los momentos donde se habla de su pasado absolutamente geniales.Además no se porque, en esta parte de la historia sobre todo al principio cuando Ralph se encuentra con Vanellope pensaba que en cualquier momento iba a aparecer el Lorax y se iban a poner a buscar no una medalla de oro sino una trufula dorada. La sombra del Dr. Seuss es alargada.


¡Rompe Ralph! es una película simpática y agradable que los mas pequeños disfrutaran, pero no es de lo mejor de Disney, eso si, es muy superior al desastre que fue "Cars 2". Se echa en falta algo, no se si es chispa o alma cosa que si tiene el corto "Paperman" que se proyecta antes de la película  o igual ese es el fallo, que el corto es tan tan bueno que esperamos que ¡Rompe Ralph! este a la altura y por desgracia no lo esta. Es una lastima que después de ver "¡Rompe Ralph! no tengamos ganas de llegar a casa y enchufarnos al Mame y jugar con todos los juegos con los que jugábamos en las recreativas y eso es el claro ejemplo de que algo falla en esta película..




Lo Mejor:  La heroína de Hero's Duty y su traumatico pasado.
Lo Peor:  De un producto Disney se espera mas, mucho mas..

Crítica: Paperman


Título: Paperman
Año: 2012
Genero: Comedia - Drama - Animación - Corto
Duración:  7 min
Director: John Karhs
Guión: Clio Chiang y Kendelle Hoyer
Música: Christophe Beck
Voces: John Karhs, Jeff Turley y Kari Wahlgren
Nota: 10

Sinopsis:
Un oficinista se encuentra en el metro con la mujer de su vida, al volver a verla desde la ventana de su oficina usara los papeles de trabajo para hacer aviones de papel y llamar su atención.





Crítica:
Magistral corto que demuestra que si se tiene algo que contar 7 minutos pueden ser mas que suficientes. Disney ha hecho un corto para adultos totalmente disfrutable por los niños ya que gracias a su estupenda animación y a la magia que hay en la historia hacen del corto un producto destinado a todo tipo de publico. Una gran historia de amor en poco tiempo de la que muchas grandes películas tendrían que aprender, con una mirada, con una sonrisa y en poco menos de 10 minutos se puede hacer un producto que nos toca la fibra sensible y nos emociona.






Lo Mejor:  7 minutos preciosos y totalmente disfrutables
Lo Peor:  Deja el listón muy alto para la película a la que precede

viernes, 28 de diciembre de 2012

Crítica: Así Somos - People Like Us


Título: Así  Somos - People Like Us
Año: 2012
Genero: Drama
Duración:  114 min
Director: Alex Kurtzman
Guión: Alex Kurtzman, Roberto Orci y Jody Lambert
Música: A.R. Rahman
Interpretes: Chris Pine, Elizabeth Banks, Olivia Wilde, Michelle Pfeiffer
Nota: 7

Sinopsis:
Tras la muerte de su padre, Sam volverá a casa para reencontrase con su madre y analizar la difícil relación que tenia con el.





Crítica:
Primera película como director de Alex Kurtzman conocido por ser el creador de "Fringe" junto con J.J Abrams y Roberto Orci (con este último y contando con la colaboración de Jody Lambert ha escrito el guión de "People like us"). Tampoco debemos olvidar que Kurtzman ha escrito también los guiones de "Cowboys contra aliens", "Misión Imposible III", "La Isla" o diversos episodios de "Alias" o "Xena, la princesa guerra".. muchos de estos guiones escritos junto con Orci y para producciones donde esta involucrado de alguna manera J.J. Abrams.


Si observamos los guiones que han escrito Kurtzman y Orci mano a mano, tendríamos que esperar que el debut de Kurtzman se adentrara en el genero fantástico pero este ha elegido una sencilla historia basada en hechos reales donde la muerte del padre del protagonista hará que este descubra como era realmente su padre y que el mismo acepte y reconozca sus errores. Tal y como he dicho esta película se aleja, en principio, de las bases que Kurtzman y Orci habían planteado en otras de sus historias, pero dejo para el final una nota sobre "People like us" y "Fringe", para así, el que llegue al final sepa que se puede encontrar con algún spoiler aunque la capacidad de sorpresa de la historia es prácticamente nula ya que las premisas y el eje central de la película se fijan pronto y luego se dedica a seguir la formula de este tipo de películas: Presentación de personajes, acercamiento entre los personajes, estallido del conflicto, etc, etc...


Nos encontramos ante una historia que hemos ya hemos visto muchas veces, de hecho es fácil que nos venga a la cabeza "Elizabethtown", película protagonizada por Orlando Bloom y Kirsten Dunst. En ambas, la muerte del padre del protagonista y su posterior viaje para asistir al funeral hace que los protagonistas se redescubran y se encuentren en el camino con personas a las que nunca se pensaron que se iban a encontrar. Pero personalmente creo que "People like us" es superior a "Elizabethtown" tanto por sus protagonistas (Un Chris Pine que nunca me ha llamado mucho la atención como actor pero que aquí esta bastante bien, una Elizabeth Banks que devora a Pine, volver a ver a Michell Pfeiffer en un papel donde demuestra su madurez como actriz y nos hace desear que le den papeles dramáticos de consistencia para poder volver a disfrutar de ella en todo su esplendor y un joven Michel Hall D'Addario al que vamos a tener que tener en cuenta para el futuro ya que apunta maneras) como por la dirección: su acierto manteniendo el ritmo sosegado de la película que hace que no perdamos el interés en la historia que nos esta contando a pesar de ser una historia una y mil veces vista y sobre todo su gran dirección de actores o mejor dicho de actrices, porque las tres actrices principales: Banks, Pfeiffer y Wilde brillan por si solas. Si que podemos poner un pero al trabajo de Kurtzman y es que no sabe resumir la película, si, esta se sigue con interés,  si, nos gusta lo que estamos viendo, pero también nos queda la sensación de que a Kurtzman le ha salido una película un pelin larga, casi dos horas y al finalizar pensamos que si hubieran resumido un poco mas lo que nos han contado, la película habría ganado muchos enteros.


Si, he dicho que Kurtzman y Orci dejan de lado el cine fantástico para el debut de Kurtzman como director y si, he dicho que iba a hablar de la relación entre "Fringe" y "People like us" y es que, igual que nos viene "Elizabethtown" a la cabeza al principio de "People like us" es inevitable pensar en "Fringe" a medida que avanza el metraje y en especial en el final de la misma. "Fringe" es una serie de ciencia ficción pero es mucho mas que eso, es una serie donde se habla del dolor de un padre por perder un hijo y de lo que haría este para poder recuperarlo, para volver a estar con el de nuevo. En "People like us" nos encontramos con exactamente lo mismo, el dolor de un padre por perder a un hijo, en este caso una hija y su esfuerzo para  mantenerla de alguna manera. Tanto en la serie como en la película vemos a dos hijos que viven en universos paralelos, en "Fringe" en distintos universos, en "People like us" en universos reales, tangibles (entidendase  que el usar la palabra universo sirve para definir las distintas realidades en las que viven dichos hijos) en los que, en uno hay un padre presente pero ausente y donde hay una familia mas o menos arraigada con grandes facilidades para salir adelante y en el otro un hijo que añora a su padre, viviendo en una familia que no tiene dinero, a la que es difícil sacar adelante y que hacen que este hijo no encuentre su camino en el mundo y tome decisiones incorrectas que le marcaran en su vida. Ademas, tanto en la serie como en la película  queda claro el dolor de ese padre por perder a ese hijo aunque, obviamente, los motivos de esta perdida sean distintos y su forma de mostrar ese dolor y esa ansia por recuperarlo o al menos no dejar tenerlo presente en su vida de alguna manera sea totalmente distinto. Y esto para mi es lo mas bonito de "People like us", una secuencia preciosa, realmente emocionante donde se muestra el amor del padre por sus hijos y su sentimiento de culpa por haber perdido a uno de ellos.


Con todo esto no me queda otra que recomendar "People like us", una película hermosa y sencilla, no hay que esperar giros rocambolescos en el guión ni grandes sorpresas, pero es una película en la que es muy fácil entrar y muy fácil disfrutar.



Lo Mejor: Las actrices: Banks, Pfeiffer y Wilde
Lo Peor:  A Kurtzman le ha salido una película pelin larga.

jueves, 27 de diciembre de 2012

Crítica: Filth and Wisdom


Título: Filth and Wisdom
Año: 2008
Genero: Comedia - Drama - Musical
Duración:  81 min
Director: Madonna
Guión: Madonna y Dan Cadan
Interpretes: Eugene Hutz, Holly Weston, Vicky McClure,  Richard E. Grant, Inder Manocha
Nota: 4

Sinopsis:
Tres compañeros de piso intentan sobrevivir y encontrar su sitio en la vida, pero para hallar la sabiduría primero hay que vivir en la inmundicia, para apreciar lo que es el azúcar primero hay que comer un limón





Crítica:
¿Estamos ante una película de Madonna sobre Eugene Hutz o Madonna usa a Eugene Hutz para hablar sobre su filosofía de vida? ¿Quien usa a quien? ¿Donde esta la frontera entre ficción y realidad en la vida de Hutz? ¿Es esta la película que se merecían los Gogol Bordello? La sinopsis arriba escrita puede resultar extraña o una sinopsis tradicional pero el debut de Madonnna como directora tampoco es una película al uso: excesiva, diferente, irregular.. Lo que queda claro es que tanto a los fans de Madonna como a los fans de Eugene Hutz y de los Gogol Bordello no les dejara indiferentes.


En "Filth and Wisdom" nos encontramos con un personaje central alrededor del que orbitan personajes que no encuentran su sitio en el mundo, están perdidos, solo quieren ser felices pero cada cual vive en la inmundicia, pero no en una inmundicia física sino en una inmundicia espiritual una inmundicia interna. Y esto es lo mejor y lo peor de la película de Madonna co-escrita con Dan Cadan. Todos, en algún momento de nuestras vidas hemos sentido que vivíamos en esa inmundicia, todos hemos notado alguna vez cierta disonancia con el mundo que nos rodea. Y este punto hace que la película de Madonna nos atraiga, nos parezca muy interesante descubrir como va a contarlo, pero aunque parezca extraño es aquí donde la película de Madonna hace aguas. Planteando una situación tan común nos es difícil empatizar con los personajes, con su soledad y sus miserias, ya que el dúo Madonna-Cadan lleva a los personajes al extremo, a la caricatura, haciendo que nos distanciemos de ellos, de lo que les sucede y eso es un error porque no solo nos distanciamos de ellos sino también de la película y lo que pasa por la pantalla simplemente va pasando acompañado de buena música y un showman (Eugene Hutz) que dirige a toda la orquesta de extraños personajes que pululan a su alrededor sin ningún problema, de hecho cuesta creer que Hutz no se este interpretando a si mismo.


¿Realmente era necesario contar que el personaje principal, además de intentar sacar a su grupo adelante llevando maquetas a discográficas, tiendas y a todo tipo de garitos, se gana la vida haciendo realidad las fantasías sexuales de hombres que quieren ser castigados? Es una lastima que este personaje central no sirva solo como mero nexo entre personajes, contándonos las historias que realmente nos interesan y que debido al tiempo que usan para contarnos como lleva a cabo esas fantasías sexuales no nos cuenten con mas profundidad que una de sus compañeras de piso tiene mala relación con sus padres y hermana y que queriendo ayudar a los niños en África quien realmente necesita ayuda es ella, que otra de sus compañeras estudia ballet desde hace años y no pudiendo encontrar trabajo como bailarina de ballet opta por trabajar desnudándose en un garito, que el jefe la chica que quiere ayudar a los niños africanos vive atrapado en  un  matrimonio que detesta, con una mujer que llora por lo que pudo ser de su vida y no es. Y es una pena que se toquen todos estos temas y no se profundice en ellos, es una pena que lo importante sea el exceso y lo la intimidad, ya sea porque no querían hacerlo o no sabían como, se nos queda en el paladar un cierto regusto amargo acerca de todo lo que pudo ser de esta película y por desgracia no es..


Los momentos en los que Eugene Hutz cuenta en voz alta su filosofía de vida ( la inmundicia y la sabiduría son las dos caras de una moneda, para alcanzar la sabiduría antes debes pasar por la inmundicia,  ¿nuestras contradicciones no son mas que una forma de decir estoy de acuerdo en un idioma que nos es desconocido?) son de lo mejor que nos ofrece Madonna en su debut, así como el momento en el que la mujer hindú cansada de su vida estalla llorando abrazada a su foto de cuando era joven. Tal y como he dicho antes nos gustaría que se hubiera profundizado mas en las historias de la gente que rodea a Hutz y este momento demuestra que si que se sabia como contarlo y que si que había mucho que contar.


No todas las historias que rodean a Hutz apuntan maneras, la historia de profesor Flynn que dejó de escribir al quedarse ciego y cuya novela inspira a Hutz, nos deja fríos  igual por tópica o igual por que no estamos ni mucho menos ante una de las mejores interpretaciones de Richard E. Grant ya que en varios momentos no nos creemos que sea invidente (Véase por ejemplo el momento en el que come en un restaurante con Holly (Holly Weston) donde no nos creemos que sea una persona invidente). Tampoco nos interesa la historia de uno de los clientes de Hutz al que le gusta ser castigado por un profesor, no nos interesa su historia ni su relación con su mujer, ya sea por falta de interés en su historia ya sea por que esta historia esta tan esquematizada que es difícil que nos pudiera llegar a interesar y otra vez nos encontramos con lo mismo, la sensación de no haber profundizado mas, la sensación de haberse quedado en el exceso..


En "Filth and Wisdom" nos encontramos con una película excesiva donde tenemos la sensación de que por momentos a los guionistas la historia se les ha ido de las manos. Para todos aquellos a los que les guste Madonna o los Eugene Hutz  puede ser un interesante ejercicio de acercamiento hacia las filias y fobias de ambos ,para el resto mejor abstenerse.



Lo Mejor: Los monólogos de Hutz. La Banda sonora aunque aveces no case muy bien con las imágenes.
Lo Peor:  Los excesos que lastran lo que podía haber sido y no fue... Lastima

domingo, 23 de diciembre de 2012

Crítica: Lifeforce - Fuerza Vital


Título: LifeForce - Fuerza Vital
Año: 1985
Genero: Ciencia Ficción
Duración:  116 min
Director: Tobe Hooper
Guión: Dan O'bannon y Don Jakoby  según la novela de Colin Wilson
Música: Henry Mancini
Interpretes: Steve Railsback, Peter Firth, Frank Finlay, Mathilda May, Michael Gothard
Nota: 7

Sinopsis:
La nave Churchill es enviada en una expedición científica al cometa Halley descubriendo que en la cola del cometa hay una nave espacial con una especie de murciélagos y tres cuerpos humanos. Llevar esos tres cuerpos a la nave sera el fin de la misma y el comienzo del terror en Londres 





Crítica:
Es una lastima que hoy en dia mucha gente no sepa quien es Dan O'bannon. Este escritor y director americano estuvo detras de grandes peliculas de los años ochenta  bien como guionista como puede ser en "Alien", "Dead and Buried" ("Muertos y entetrados"), "Blue Thunder" ("El trueno azul"), el remake de "Invasores de Marte", "Lifeforce" o "Total Recall" ("Desafio total") y como director con bastante acierto en la simpatica "The return of the living death" ("El regreso de los muertos vivientes") o ya en los noventa y solo como director con "The resurrected".


En "Lifeforce" nos encontramos con la primera colaboración de Dan O'Bannon con Tobe Hooper como guionista uno y director el otro, un año mas tarde repetirían con su simpática versión de "Invasores de Marte". Basada en la novela "The space vampires" de Colin Wilson nos encontramos con una mezcla de Alien (la amenaza viene del espacio, los protagonistas encuentran "algo" en una nave alienigena y al transportarlo a su propia nave se desencadena el terror. Son curiosos los elementos en común entre "Lifeforce" y "Aliens" que dirigió James Cameron un año después  en ambas se recupera a un superviviente que tuvo que luchar contra un alien que mató a toda la tripulación de la nave, esta persona tuvo que destruir la nave para que la amenaza no llegara a la tierra y una vez supuestamente sano y salvo tendrá que volver a enfrentarse con esa amenaza), películas de vampiros (En "Lifeforce" los vampiros no se alimentan de sangre sino de energía y almas. Se hace referencia a ciertos elementos clásicos del cine de vampiros con alguna pequeña variación como puede ser la forma de matar a los vampiros espaciales, la conexión que se establece entre vampiro y victima o las referencias a que los vampiros de las leyendas fueron realmente vampiros espaciales)  y peliculas de zombies (Cuando los vampiros han tomado Londres estamos mas cerca a una película clásica de Zombies que a una película de vampiros.)


"Lifeforce" se puede dividir en tres partes: una primera donde se nos cuenta el hallazgo por parte de los tripulantes de la Churchill de la nave alienigena, una segunda donde ya en la Tierra se intenta averiguar que pasó en la Churchill y el intento por atrapar a la vampira y una tercera parte donde ya el caos se ha apoderado de Londres. Y es en la transición entre la segunda y la tercera parte donde nos encontramos el mayor fallo de "LifeForce". Mientras la primera parte es modélica  probablemente porque sigue las pautas ya marcadas por "Alien" y tiene una transición con la segunda parte suave, de forma que no notas que la historia haya sufrido ningún cambio brusco, la transición entre la segunda y la tercera parte resulta brusca y poco creíble dentro del espacio de ciencia ficción donde nos encontramos. Como espectadores ya notamos un cierto cansancio durante esta segunda parte donde se redunda en el tema de la vampira cambiando de cuerpo, lo que no acabamos de entender es porque si los coroneles Carlsen y Caine están investigando un caso de seguridad nacional (De hecho tienen derecho a ir a un hospital psiquiátrico para asesinos dementes a altas horas y no informar al director del centro de por que están allí a esas horas) pero nadie les informa del caos reinante en Londres debido a una extraña infección que es justo lo que ellos están investigando. Esto resta credibilidad a lo que nos están contando y alargar innecesariamente esta segunda parte resta interés a como nos lo están contando.


"Lifeforce" daría para un profundo análisis sobre la relación entre hombres, mujeres y sexo. Desde el primer momento vemos a los tres humanoides totalmente desnudos pero solo la mujer ejerce influencia sobre los hombres, a través de su belleza y sobre todo a través de una atracción puramente sexual tal y como reconoce el personaje interpretado por Michael Gothard, el doctor Bukovsky, después de ser seducido por la humanoide. El análisis podría ser mas profundo al ver porque la humanoide es una mujer ya que en un momento de la película ella reconoce que analizó los pensamientos de Carlsen, llegó a lo mas profundo y tomo forma de la mujer que el siempre deseó. (Todo el poder seductor de la mujer así como su representación del ideal buscado por un hombre no tiene su correspondencia en los otros dos humanoides, estos son hombres y son puramente un adorno en la historia pasando a ser meramente secundarios). Como se puede apreciar los hombres no salimos muy bien parados en "Lifeforce" ya que queda claro que somos altamente manipulables a través del sexo.


"Lifeforce", a pesar del fallo ya antes comentado, es una gran película de ciencia ficción con vampiros y un toque zombie. Un clásico de los años ochenta que sigue siendo igual de disfrutable que entonces, con unos entrañables efectos especiales. Muy recomendable para todos aquellos que a los que nos gusta este tipo de cine y sobre todo para todos aquellos que crecimos viendo este tipo de películas.

                                  Lifeforce - Escena

                               
                                  Trailer              



Lo Mejor: La mezcla entre ciencia ficción, vampiros y zombies.
Lo Peor:  No se entiende que los protagonistas no se enteren de lo que pasa en Londres hasta tan tarde.

Crítica: Soylent Green - Cuando el destino nos alcance



Título: Soylent Green - Cuando el destino nos alcance
Año: 1973
Genero:  Ciencia Ficción
Duración:  97 min
Director: Richard Fleischer
Guión: Stanley R. Greenberg basado en una novela de Harry Harrison
Música: Fred Myrow
Interpretes: Charlton Heston, Edward G. Robinson, Chuck Connors, Joseph Cotten
Nota: 8

Sinopsis:
En un futuro la superpoblación de la Tierra hará que haya una escasez de alimentos. El detective Thorn tendrá que investigar el asesinato de un pez gordo de la empresa que produce la comida para la gente.



Crítica:
Charlton Heston protagonizó en los años setenta dos de mis películas favoritas "Cuando el destino nos alcance" y "El último hombre vivo" que vi de pequeño y a las que guardo mucho cariño. "El ultimo hombre vivo" es una película de terror basada en una novela de Richard Mattheson y a pesar de haber cambiado ciertas partes de libro que creo que son muy importantes y a pesar de que Charlton Heston vive solo en un mundo rodeado de vampiros tiene la suerte de que haya energía para que los semáforos funcionen (en la imagen que hay justo debajo de este párrafo podemos ver la luz roja del semáforo  ) y de poder ir al cine pero curiosamente necesita producir energía para su casa, es una muy digna versión del libro cosa que por desgracia no puedo decir de la versión que hizo Will Smith con esa especie de vampiros hechos por ordenador, aunque reconozco que en la versión de Smith los momentos en los que se cuenta como se llegó a esa situación están muy bien.


"Soylent Green" es una distopía, una antiutopía, un futuro distinto al deseado distinto al ideal. La distopía se usa para prevenir sobre un futuro o para criticar lo que hacemos en el presente y que podrá desembocar en lo que se nos cuenta. En "Soylent Green" o en su titulo en castellano "Cuando el destino nos alcance" (otro titulo muy creativo por parte de los traductores pero en este caso bastante acertado a pesar de no tener nada que ver con el original) se nos cuenta que debido al exceso de población la comida escasea, eso si, solo la sufren los pobres o aquellos que no están al servicio de los poderosos (El guardaespaldas de Simonson (Joseph Cotten), Tab Fielding (Chuck Connors) tiene un estatus de privilegio dentro de la pobreza general, vive en una casa que por fuera no se diferencia del resto pero por dentro tiene muebles de diseño y una despensa privilegiada, con por ejemplo, mermelada de fresas). Esto nos puede resultar excesivo o simplemente un ejemplo mas de la ciencia ficcion de los años 60 y 70 (la historia original de Harrison fue escrita en 1966, cuyo titulo era make room! make room!) pero si somos minimamente críticos con lo que sucede a nuestro alrededor nos daremos cuenta que es cierto que hay una escasez de comida o mejor dicho esta mal repartida (Se ha demostrado que con lo que se tira en los paises ricos se podria alimentar a los pobres). Nosotros estamos ahora en la situación de privilegio del personaje de Chuck Connors, pero llegados a un punto de escasez pasaremos a ser parte de la gente que se pelea cada martes por conseguir galletas soylent green.


"Soylent Green" funciona a todos los niveles: tanto como critica a la sociedad como película de intriga, ademas podemos disfrutar otra vez de Edward G. Robinson y Joseph Cotten. Es llamativo el trato que se da a las mujeres en Soylent Green o por lo menos a aquellas que gozan de cierto estatus, no son tratadas como mujeres sino como muebles,y se les impide reunirse con otros muebles. Por ejemplo después del asesinato de Simonson, Shirl (Leigh Taylor-Young) pasa a ser propiedad del siguiente dueño.  Esta situación, como ya digo, se da con mujeres que gozan de cierto estatus por lo que Fleischer nos lleva a pensar que se refiere así a las prostitutas ya que el resto de mujeres, las que viven en la mas absoluta miseria, malviven juntas con hombres, refugiadas en iglesias o durmiendo en las escaleras de un edificio e incluso dando de mamar a un bebe dentro de un destartalado coche.



A estas alturas es difícil no hablar de "Soylent Green" sin hablar de su impactante final que ha sido usado para hacer homenajes y/o parodias. Dos de las series donde mas referencias se han hecho a "Soylent Green" y su final son dos de las series de Matt Groening: "Los Simpsons" y "Futurama". En "Los Simpsons" en el  episodio en el que Homer castiga a Bart sin ver la pelicular de Rasca y Pica vemos que siendo ya mayores y Bart juez del tribunal supremo, Homer le levanta el castigo a este  y  juntos van a ver la película. Un cliente se dispone a entrar en el cine y en vez de comprar lo que compraríamos todos, palomitas  se dispone a comprar soylent green. Se puede apreciar como en el carteles de snacks del cine se ve que se venden soylent green.



En otro episodio también podremos apreciar que Homer tiene en las manos una caja de las nuevas Soylent Green esta vez con mas chicas.



En Futurama también se han hecho constantes referencias a "Soylent Green". En el episodio "Roswell that ends well"  los protagonistas viajaran hasta 1947, en un momento del episodio el profesor Farnsworth y Leela entran en un bar y este pedirá a la camarera que le sirva productos Soylent. En otro episodio la cabeza de Nixon cita por error la Soylent majority cuando quería decir silent majority, lo que le sucede a la gente después del error de Nixon es exactamente lo que le sucedía a la gente en la película.


La fiebre Soylent Green es amplia, navegando un poco por la red podemos encontrar sitios donde nos venden cajas Soylent Green (enlace) o todo tipo de productos



Ademas de todo tipo de chistes, este uno de los mejores:


Tampoco hay que olvidar que en la película "La Antena" el protagonista descubre el secreto de las galletas que come la gente en la ciudad, en este caso no están hechas con personas si no con sus palabras y voces y si nos quitan la palabra y la voz dejamos de ser personas. Esta clara la influencia de Soylent Green, especialmente en lo que se refiere a su final, pero no debemos de perder el horizonte a la hora de hablar del mismo. Resulta harto curioso que en un mundo donde escasea la comida, la gente malvive en las calles y donde se recoge a la gente con camiones cuando hay algún tipo de revuelta, se de un digno final a la gente que decide ir a los "centros de retiro voluntario" ofreciéndoles un espectáculo con imágenes acompañadas de su música favorita. Este punto siempre me ha impactado mucho en "Soylent Green", el hecho de respetar la muerte de estas personas cuando se nos esta presentando una sociedad tan deshumanizada se siga dando un "digno" final a la gente que decide morir. Esto mismo ocurre con la muerte de Simonson, supuesto traidor para la empresa soylent y todos aquellos que conocen su secreto, se encuentra con su asesino y este le informa de lo que va a hacerle y Simonson lo acepta resultando la escena un crimen donde el asesinado acepta su final y el asesino justifica lo que va a hacer y poco menos que le pide perdón.


"Soylent Green" es una excelente muestra del cine de ciencia ficción de los años 70, con un gran Charlton Heston y donde podemos disfrutar de Edward G. Robinson en un entrañable y emotivo papel y, brevemente, de Joseph Cotten.
           
                                  Títulos de Soylent Green

                               
                                  Trailer


                                  Escena final con Charlton Heston y Edward G. Robinson



Lo Mejor:  Excelente historia y grandes interpretaciones. De lo mejor del cine de ciencia ficción de los 70.
Lo Peor:    Joseph Cotten sale muy poco.

sábado, 22 de diciembre de 2012

Crítica: The house at the end of the street


Título: House at the end of the street - La casa al final de la calle
Año: 2012
Genero: Terror
Duración:  101 min
Director: Mark Tonderai
Guión: David Loucka basado en una historia de Jonathan Mostow
Música: Theo Green
Interpretes: Jennifer Lawrence, Elisabeth Shue, Max Thieriot,  Gil Bellows,
Nota: 4

Sinopsis:
Elissa y su madre se mudan a una casa cerca de otra donde una joven llamada Carrie Anne mató a sus padres. Su hermano mayor vive en la casa intentando superar el trauma de lo que pasó y el odio del pueblo hacia el



Crítica:
No acabo de entender muy bien que hace Jennifer Lawrence en su producto tan flojo como este. Después de una nominación al Oscar por "Winter's Bone","X-men: first generation" e incluso "Los juegos del hambre" es una actriz con gran proyección pero si empieza a escoger guiones con tanto tino como este es posible que sea otra de esas actrices que prometían mucho y se quedaron en nada como le pasa a su compañera de reparto Elisabeth Shue (lo siento pero no me acabo de creer la relación madre e hija de ambas) cuya carrera prometía mucho con "Leaving Las Vegas" y se acabó quedando en nada. Recuperada por Aja para "Piranha 3d" parece que puede aprovechar para vivir una segunda juventud dentro del genero del terror.


En "House at the end of the street" nos encontramos con una historia de Jonathan Mostow que no brilla precisamente por su originalidad, partiendo de esa historia David Loucka perpetra una guión bastante flojo. A favor de Mostow hay que decir que la historia tiene un punto enfermizo muy bueno y con un poco mas de tino por parte del director y del guionista se podría haber hecho una película muy oscura pero ya sea porque no sabían o porque querían hacer un producto para todos los públicos la película se queda en un quiero y no puedo y la sensación con la que te quedas es parecida a la que te quedaba al ver "My soul to take" (Almas condenadas)


Como en muchas de estas películas de terror la historia empieza con una breve introducción donde se cuenta el crimen que Carrie Anne llevó a cabe, y parece que estemos viendo "The Ring", el momento en el que Carrie Anne sale de su cuarto parece sacado de esta película. Por desgracia el director no consigue transmitirnos miedo si no mas bien nos hace plantearnos porque Carrie Anne se mueve como Samara, aunque esta idea se mantiene en la cabeza solo durante un rato ya que la primera hora de la película resulta bastante soporífera y un tanto cansina


La relación entre Elissa y su madre es muy típica-tópica, y la relación de Elissa con el hermano de Carrie Anne no deja de recordarme a la de Thora Birch y Wes Bentley en "American Beauty", la chica que se siente atraída por el tío raro. En este caso el no graba bolsas de basura volando si no que dice que sale al patio a escribir por la mañana o que cuando tiene un secreto va a un árbol a contárselo  Mientras estaba viendo "The house at the end of the street" también me vino a la cabeza "Dream home": las protagonistas pueden alquilar esa pedazo casa gracias a que en la casa de alado hubo un doble crimen y el resto de vecinos de la calle no hacen mas que quejarse de que el precio de sus casas se ha devaluado debido a los crímenes de la casa del final de la calle. Un montón de ideas o situaciones o personajes de otras películas nos vienen a la cabeza mientras vemos esta película cosa que en lugar de ser un sano homenaje como pasaba con "Cabin in the woods" es un intento de parchear una película con restos de otras. Una lastima.


"The house at the end of the street" es una película muy decepcionante, llena de tópicos y con un guión que hace aguas por todos los lados, por mucho que los actores intenten salvar el desastre no pueden sacar la película adelante. A la película le sobra la primera hora, esta bien que nos presenten a los personajes para que al sentirnos identificados con ellos pero en este caso la primera hora es tan floja que no consigue que nos interesemos por ninguno de los personajes. Pasada esta primera hora y cuando empieza verdaderamente la intriga la película sube bastante pero se acaba desinflando como un globo, con un final realmente flojo y que solo hace que los agujeros de guión que hemos ido apreciando se hagan mas visibles. Es una lastima que el director y el guionista no hayan querido mostrar mas el lado enfermizo y se haya quedado en el típico producto prefabricado.



Lo Mejor: Ver a Jennifer Lawrence siempre es un placer.
Lo Peor:  Le sobra la primera hora. El guión hace aguas por todas partes.

lunes, 17 de diciembre de 2012

Lo mejor del 2012

1 - Antiviral 

El debut en la dirección Brandon Cronenberg demuestra que el apellido Cronenberg tiene un digno sucesor. "Antiviral" es una película enfermiza en todos los sentidos (muy en la linea de "Rabia", "Vinieron de dentro de", "Videodrome"..) y a pesar de un fallo en la parte central de la misma y algún agujero de guión nos deja un grato sabor de boca (aunque la palabra grato igual no sea la mas acertada) y deseemos volver a ver esta película y estemos impacientes por ver las siguientes películas de Barndon Cronenberg. Gran historia, impresionante ambientación y un gran Caleb Landry Jones como protagonista.




2 - Shame


Después de "Hunger" el director con el nombre mas cool del momento nos regala otra gran película. La película es Fassbender y Fassbender es la película  aunque esta muy bien secundado por Carey Mulligan. Una historia que habla de la soledad y el aislamiento usando la excusa del sexo. Mcqueen nos seduce con la historia y como nos la cuenta, esto hace que le perdonemos cualquier cosa incluida cierta trampa que a cualquier otro no se la habríamos permitido. Una grandisima banda sonora y fotografía  hacen de "Shame" una gran película, de obligatoria visión.


3 - Beyond The Black Rainbow


Impresionante opera prima de Panos Cosmatos. Con reminiscencias del cine de los 80 y de Stanley Kubrick  siempre me ha parecido una mezcla de "Event Horizont" y "Cromosoma 3". Si David Cronenberg tiene que sentirse orgulloso del "Antiviral" de su hijo, también puede sentirse orgulloso de "Beyond the Black Rainbow" cuyo sello esta muy presente en esta ultima. "Beyond the Black Rainbow" es una película hipnótica a todos los niveles, no es fácil entrar en ella, pero si se entra es imposible salir. Pocos personajes (una grandisimo Michael Rogers y una bellisima Eva Allan) , una música tremenda de Sinoia Caves y nos quedamos sin palabras para hablar de la fotografía y la ambientación.



4 - Moonrise Kingdom



Wes Anderson siempre anda por una cuerda sin red, su particular universo puede caer en gracia o desgracia. Su peculiar sentido del humor, su universo pop, sus personajes hacen de su cine algo muy personal con el que puedes disfrutar o sentirte estafado. No disfrute mucho de "Viaje a Darjeelin", "Life Aquatic" me parece una grandisima película pero con "Moonrise Kingdom" Anderson se supera y nos regala una gran pelicula, totalmente disfrutable. Una joya del universo pop de Anderson y Roman Coppola.



5 - The Cabin in the Woods

Joss Whedon nos ha regalado dos grandes películas este año: "Los Vengadores" y "The Cabin in the Woods", esta ultima una película que cuenta lo que ya hemos visto mil veces: un grupo de chicos que van de acampada e irán muriendo, pero Whedon y Goddard le dan la vuelta al genero, mostrándonos todos los tópicos de este tipo de películas y haciendo que todos los que hemos disfrutado con el cine de terror nos pasemos toda la película descubriendo referentes a otras películas de terror. Mas Comedia que terror, un sano espectáculo que se acaba desmadrando.



6- Sound of my voice


Despues de "Another Earth", Brit Marling vuelve a coescribir el guión de una película  en este caso de "Sound of my voice". Sin llegar a ser "Another Earth", "Sound of my Voice" es una gran película con narración fragmentada que hacen que nuestro interés vaya in crescendo, personajes en busca de una verdad para intentar dar sentido a sus propias vidas. Cine independiente de calidad.



7 - Holy Motors



Después de 13 años sin dirigir un largo, Leos Carax ha vuelto por la puerta grande, con una película que ha triunfado por todos los festivales por los que ha pasado. Carax no se anda con chiquitas, es excesivo en su planteamiento, no quiere dar una explicación a lo que hemos visto, cada uno es libre para ver e interpretar. Un soberbio Denis Lavant mantiene la película. No apta para todo tipo de publico es otra de esas películas en las que si entras la disfrutaras mucho.



8 - Alps



Giorgos Lanthimos vuelve a la carga. Si con "Canino" nos lanzó un derechazo directo a la mandíbula con "Alps" nos lanza otro derechazo directo a la mandíbula para dejarnos noqueados. La historia de un grupo de personas  fijen hacerse pasar por fallecidos para que a sus familiares sea mas fácil llevar la perdida no es mas que una excusa para hablar de la soledad, muchas veces necesitamos que alguien este ahí para que sea mas fácil llevar adelante nuestras vidas. Una película dura con pocas concesiones al optimismo y donde solo verás a un personaje sonreír..



9 - Blancanieves

Pablo Berguer nos regala su visión de Blancanieves trasladando la historia a la Sevilla de 1920. A pesar del exceso de toros y flamenco, estamos ante una grandisima película que se disfruta en cada plano. Se nota que  cada plano ha sido cuidadosamente estudiado, no dejando nada al azar. Es clara la influencia del  cine expresionista alemán en muchas de las escenas de "Blancanieves". Lo peor de la cinta de Berguer es que la sombra de "The Artist" es alargada y eso pudo echar atrás a mucha gente que pensó: otra vez una película muda?.. Lastima, no saben lo que se perdieron..


10 - Cave of forgotten dreams


Herzog nos regala un documental sobre las pinturas rupestres en las cuevas de Chauvet en el sur de franca  Como no podía ser menos en un documental de Herzog, este nos muestra un variopinto plantel de personajes extraños, impagables las escenas donde se muestra como cazar con lanza, el señor que toca el himno americano con una imitación de una flauta hecha con hueso.. Otra muestra de arte y de la locura humana de una tacada.