lunes, 28 de enero de 2013

Crítca: The Thieves - El Gran Golpe



Título: The Thieves - Dodookdeul - El Gran Golpe
Año: 2012
Genero: Acción
Duración:  135 min
Director: Dong-Hoon Choi
Guión: Dong-Hoon Choi y Lee Gi-Cheol
Interpretes: Gianna Jun, Hae-suk Kim, Hye-su Kim, Yun-seok Kim, Angelica Lee
Nota: 5
Sinopsis: Un grupo de ladrones se digire a Macau para robar el diamante conocido como "Tear of the sun"









Crítica:
Creo que estamos ante los ladrones mas cutres que he visto en el cine en muchos años. Vamos a robar en un museo y nos encontramos ante un pasillo donde hay cámaras de seguridad, ¿como evitarlas?, ¿las desconectamos? ¿ponemos algún tipo de elemento electrónico que las deje fuera de funcionamiento durante un rato? No.. para que si podemos abrir un paraguas, ¿Quien se va a dar cuenta que en un pasillo de un museo un tío abre un paraguas?


Que una persona que se supone esta investigando quien ha robado en el museo y tiene fotos de las cámaras de seguridad se plante en el taller donde se reunen los ladrones y utilice la vasija robada como cenicero y escupidero es algo que no tiene precio. Tiene sospechosos, sabe donde buscarlos pero.. ¿no tiene ni idea de que narices han robado? Que vamos a abrir una caja fuerte, ¿para que ponerse guantes? y si es posible que otro ladrón se ponga a fumar un cigarrillo, así seguro que al dueño de la caja fuerte le cuesta un buen rato darse cuenta que mientras el no estaba alguien ha fumando en la habitación..


Con todo esto cuesta creer que este grupo de ladrones sean capaces de realizar cualquier tipo de robo. Así que si conseguimos vencer nuestra falta de fe nos vamos a encontrar ante una típica película de robos donde nadie es lo que parece y parece los chanchullos entre los diferentes miembros de la banda están a la orden de día. Parece que en este tipo de películas siempre tiene que haber alguien que traiciona, alguien que intenta dar esquinazo al grupo, etc.. el problema es que lo hemos visto ya tantas veces que ya nada nos va a sorprender  ya que esperamos la traición por parte de alguno de los miembros de la banda en cualquier momento. Si que hay una cosa realmente novedosa y entretenida en "The Thieves" y es la parte final de la misma, donde el director nos ofrece una muy espectacular escena de acción en la fachada de un edificio. Estamos ante una de las grandes escenas de acción que se han rodado últimamente y cuya visión justifica el resto de la película.


No estamos ante lo mejor del cine de Corea del Sur, no todas las películas que nos llegan de allá son buenas, vease por ejemplo "sector 7", pero estamos ante una película que a pesar de los tópicos resulta entretenida, donde sus casi dos horas y cuarto no piensan en ningún momento pero que no nos va a aportar nada nuevo. Siempre es un placer ver en pantalla a Yun-seok  Kim, protagonista de "The yellow sea" y "Chaser" y eso es un punto positivo para cualquier película que venga de Corea del Sur, pero me cuesta creer que Hae-suk Kim recibiera el premio a la mejor actriz de reparto en los Grand Bell Awards, para mi un personaje que sobra y que me resulto especialmente exasperante..pero para gustos los colores..


Lo Mejor: La pelea en la fachada del edificio
Lo Peor:  No nos creemos a estos ladrones de altos vuelos.

domingo, 27 de enero de 2013

Crítica: The Collection


Título: The Collection
Año: 2012
Genero: Terror - Gore
Duración:  82 min
Director: Marcus Dunstan
Guión: Marcus Dunstan y Patrick Melton
Música: Charlie Clouser
Interpretes: Josh Stewart, Emma Fritzpatrick, Lee Tergersen, Christopher Mcdonald
Nota: 6

Sinopsis: Arkin tras escapar del asesino conocido por "The collector" tendrá que volver a enfrentarse a el para liberar a su última víctima






Crítica:
Secuela de una película del 2009 que surgió a la sombra de la saga "Saw", de hecho su director y guionista fue guionista en varias de las secuelas de "Saw" titulada "The collector" que no tiene nada que ver con la novela homónima de Fowles (aunque en la novela de Fowles, Clegg secuestra a Miranda, lo hace con la idea de que ella se consiga enamorar de el y no por el simple hecho de torturar cruelmente a todo aquel "objeto" de la colección como suceden en la película de Dunstan). "The collection" sigue las pautas marcadas tanto por "The collector" como por "Saw", mas muerte y de formas mas truculentas. Es de agradecer que gente como Dunstan y Melton hagan cine, me daría mucho miedo que dos tipos que piensan en todo tipo de retorcidas torturas no tuvieran nada que hacer, mucho tiempo libre y oscuros pensamientos acojonan mas que la mas cruel ficción.


En "The collection" nos volvemos a encontrar con Arkin cuyo destino en "The collector" no podía ser menos esperanzador pero que cosas del destino tendrá una segunda oportunidad para enfrentarse al asesino que lo secuestró. Tras una gran secuencia inicial y el secuestro de una nueva víctima, Arkin será "reclutado" por un grupo de asesinos a sueldo para liberarla. Dunstan y Melton saben lo que les gusta a la gente que ve este tipo de películas: sangre y gore, y no se andan por las ramas a la hora de dar una profundidad a la historia o a los personajes, no es necesario contarnos mucho sobre los personajes. ¿para que? si los van a despedazar antes o después..  En "The collection" los únicos personajes que parece que saben como defenderse son Arkin, la chica secuestrada y el asesino. Resulta harto patético que el grupo de élite formado para liberar a la chica sea tan malo y muera tan rápido, si este era el mejor que equipo que un rico multimillonario ha podido contratar apaga y vámonos.. Por cierto, por que el personaje de Wally (Andre Royo) parece sacado directamente de "The Warriors"?


Resulta curioso el toque "zombie" que le dan Dunstan y Melton a la historia, los secuestrados, torturados y expuestos a todo tipo de drogas, han perdido la cabeza y su reacción ante los extraños es la misma que la que tendría un zombie. Pero el director solo "toca" de refilón el genero zombie para centrase en un producto de la factoría "Saw", volvemos a estar como en esta saga con un grupo de personajes encerrados en una casa aislada, llena de trampas donde tendrán que luchar por sobrevivir y como en "Saw" nos preparamos ante las dos primeras películas de la que va a ser otra larga saga..


En "The collector" estamos ante una película breve (y este puede que sea uno de sus mayores aciertos, su brevedad y concisión) que resultará muy entretenida para todos aquellos a los que les guste el gore y la sangre. Estamos seguros que habrá mas secuelas de esta película y no podemos esperar grandes sorpresas pero estamos deseando ver la siguiente película..



Lo Mejor: La escena de la discoteca
Lo Peor:  No deja de ser una especie de spin-off de "Saw"

Crítica: Amor


Título: Amor
Año: 2012
Genero: Drama
Duración:  127 min
Director: Michael Haneke
Guión: Michael Haneke
Interpretes: Jean-Louise Tritignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert, Alexandre Tharaud
Nota: 10

Sinopsis: Georges y Anne son un matrimonio feliz, pero el día que  Anna sufra un ataque su vida dará un giro radical y hará que ambos se replanteen el futuro





Crítica:
Solo Haneke podía hacer una película tan cruda y tan clara sobre como afrontar que un ser querido se va apagando poco a poco y para el cual no hay posibilidad de recuperación. Haneke deja de lado todo posible sentimentalismo y no se anda con rodeos a la hora de plantear el conflicto; ella, Anne, no quiere ver como se apaga y no quiere ni volver a un hospital ni resultar una carga, a el, toda la situación le desborda, no entiende que ella no quiera volver a un hospital y hará todo lo posible para ayudarla. Haneke no engaña, sigue siendo fiel a su estilo, duro, seco, sin concesión al espectador y con largos planos, por lo que nadie podrá sentir que Haneke que esta vendiendo o suavizando. Que no haya violencia como en "Funny Games", que nadie se corte el cuello como en "Cache" o que nadie se torture físicamente como en "La pianista" no hace que la película sea menos dura.


Estamos ante una película en la que por desgracia muchos de nosotros nos podemos ver reflejados o nos veremos reflejados como esposos/esposas o hijos. Haneke explica a la perfección que puede sentir una persona que se esta apagando y también explica a la perfección lo duro que es ver como la persona amada va muriendo y oír como esa persona no quiere luchar mas, no quiere que la vean en esa situación. Es difícil entender por que gente como Bret Easton Ellis dice en su cuenta de twitter que "Amor" es la película que hubiera hecho Hitler si hubiera dirigido "En el estanque dorado". Podremos estar de acuerdo con la acción final de Georges (tranquilos, no es spoiler, todo se sabe desde el principio de la película, a Haneke no le interesa enseñarnos el final de la historia si no como se llega a ese final) pero lo que queda muy claro durante toda la película es el profundo amor que siente por su mujer y el enorme sufrimiento que siente al ver su dolor y no poder hacer nada por ayudarla. Y es que al encontrarnos en una situación así nuestras mas profundas convicciones se pueden venir abajo como un castillo de naipes, no hay nada como el sufrimiento de un ser querido para que te replantees si tiene sentido que pase por todo ese dolor o si hay que acabar con todo ese sufrimiento. Haneke deja de lado todo conflicto religioso, no le interesa entrar en ningún tipo de debate moral, el dispara directamente su misil y para dejarnos tocados y hundidos.


Haneke nos plantea un espacio casi único y el peso de la película recae casi integramente en  Tritignant y Riva (ambos están esplendidos) aunque hay personajes secundarios con mayor o menor peso, como puede ser Isabelle Huppert, hija del matrimonio, o por ejemplo una de las cuidadoras. Hay dos elementos de "Amor" que me han desestabilizado, uno de ellos es ese sueño lynchiniano que tiene el personaje de Tritignant (Recordemos que el cine de Haneke y Lynch ya han tenido algún punto en común, "Cache" tiene el mismo punto de partida de "Lost Highway", en la puerta de casa aparecen unas extrañas cintas de vídeo donde se graba la casa del protagonista) y otra es un pequeño detalle que hay en la cocina. Después de que Georges tome la decisión de acabar con el sufrimiento de su esposa, este compra unas flores y mientras las esta limpiando vemos que en la cocina hay un frasco de aceite de oliva, este detalle me perturba porque Haneke es muy perfecionista en todo lo que hace y justo en ese momento se ve que en la etiqueta del aceite resalta la palabra "LIVE" (vida). Igual con otro director pensaría que es algo que simplemente estaba allí pero no con Haneke.


Por mucho que se haya dicho estamos ante un producto 100% Haneke por lo que hay que andar con cuidado ya que Haneke no es un director para todos los gustos, ya sea por lo que cuenta o por como lo cuenta: hay algun plano largo donde da la sensación de que Haneke se ha olvidado de apagar la cámara y se ha ido a fumar un cigarrillo. Es curioso que dos de las ultimas películas que se han hecho "Holy Motors" y "Amour" tengan una escena, casi al principo, en un cine/teatro donde la gente observa lo que ocurre en pantalla/el escenario, pero aqui acaban las coincidencias entre ambas películas, no hay un Denis Lavant que haga mas facil el transito de una vida a la otra a la protagonista.


Creo que "La cinta blanca" (Die weisse Band") esta sobrevalorada, que "Le temps du loup" es su pelicula mas floja en los ultimos años y que "Codigo Desconocido" ("Code Inconnu") es una gran pelicula injustamente tratada por parte de la critica y del publico y a la que habria que darle una segunda oportunidad. En "Amour" Haneke nos regala una de sus mejores peliculas y donde nos sentiremos como Georges cuando cuenta como quedó afectado despues de ver una pelicula cuando era pequeño y cuando tuvo que contar de que iba solo pudo llorar..


Lo Mejor: Que Haneke no se ande por las ramas a la hora de hablar de los sentimientos de Anne
Lo Peor:  No es un producto complaciente

viernes, 25 de enero de 2013

Crítica: DeadFall


Título: DeadFall
Año: 2012
Genero: Thriller
Duración:  95 min
Director: Stefan Ruzowitzky
Guión: Zach Dean
Música: Marco Beltrami
Interpretes: Eric Bana, Olivia Wilde, Charlie Hunnam, Kate Mara, Kris Kristofferson, Sissy Spacek, Treat Williams
Nota: 6,5

Sinopsis: Después de un robo a un casino en una reserva, un accidente de trafico y una tormenta de nieve cambiaran los planes de Addison y Liza y la huida por separado será necesaria para escapar de la policía



Crítica:
Debut en América de Stefan Ruzowitzky conocido por "Los Falsificadores" ganadora del Oscar a la mejor película extranjera en el 2008 y por una apreciable cinta de intriga con toques de terror "Anatomía" que para variar tuvo su mas que decepcionante remake americano. Para su salto al otro lado del océano, Ruzowitzky se ha rodeado de un gran plantel del actores: Eric Bana (el Hulk de la decepcionante versión de Ang Lee y padre de "Hanna" de Joe Wright, cuyo papel en "Deadfall" parece una extensión de este ya que su capacidad para sobrevivir en condiciones adversas parece mas propia de un ex-agente perfectamente entrenado que de un simple ladrón), Olivia Wilde (desde su aparición en "House" y "Tron legacy" esta chica no para de trabajar y cada vez mejor), Charlie Hunnam (conocido por la serie "Sons of Anarchy"), Kris Kristofferson (Del cual hay que obligatoriamente ver dos películas: "Limbo" de John Sayles y la versión extendida de "Las puertas del Cielo" "Heaven's gate" de Michael Ciminio, absoluta obra maestra rechazada por mucha gente debido a la desastrosa versión cortada que fue estrenada comercialmente), Treat Williams ("Deep Rising) y Sissy Spacek que será siempre nuestra Carrie.


En "Deadfall" nos encontramos con dos hermanos que después de robar un casino de una reserva sufren un accidente quedandose tirados en medio de la nada, y ante la amenaza de una gran tormenta de nieve deciden separarse, huir cada uno por su lado con la idea de volver a encontrarse luego. "Deadfall" es un solvente thriller pero en el fondo nos encontramos con una película que lo que realmente hace es hablarnos de las difíciles relaciones entre padres e hijos, para ello nos cuentan, con mayor o menor profundidad tres historias: La de Jay (Charlie Hunnam) con su padre Chet (Kris Kristofferson), la de Hanna (Kate Mara) con su padre Becker (Treat Williams) y la de Addison y Liza con el traumatico recuerdo de su padre.


En las tres historias se nos presenta una mas que difícil relación entre padres e hijos, ya bien sea mediante figuras autoritarias como la del padre de Addison y Liza, mediante una figura paterna, Chet (Kris Kristofferson), decepcionada por las decisiones que su hijo ha tomado en la vida, o mediante una figura paterna, Becker, cuya sobreprotección para con su hija hacen que esta sufra constantes desprecios por parte de su padre. Las distintas relaciones padre-hijo están claramente definidas en la película y aquella que podría hacer que la silla cojeara debido a que es la única en la que el padre no esta presente queda explicada gracias a que Liza (Olivia Wilde) le cuenta su infancia a Jay (Charlie Hunnam), pero sobre todo gracias a la escena en la que Eric Bana se encuentra con una mujer maltratada en medio del bosque, donde después de matar al maltratador, Addison le comenta a su hija que le puede ver como un ángel salido de la tormenta y que a los niños hay que protegerlos.


En "Deadfall" lo último que podemos esperar son sorpresas, por lo que desde que se acaba la presentación de los personajes principales de la película queda claro que tarde o temprano todos se van a encontrar en la casa de de June y Chet y donde no solo se resolverá la principal linea argumental de la película (La huida de los dos ladrones) si no que se pondrá sobre la mesa, de una u otra manera, todo aquello que los personajes piensan y sienten y así poder poner fin o no a los diversos conflictos padre-hijo que hay en la película.


"Deadfall" es una película con trasfondo, solvente, que se sigue con mucho interés aunque sepamos cuando y como va a ser la escena final de la película. Los actores se ajustan perfectamente a sus papeles y el nivel del conjunto es bastante alto. Es inevitable pensar en "Fargo" cuando al principio de "Deadfall" un policía es asesinado en medio de una carretera pero los puntos en común entre ambas películas se acaban aquí, aunque tendríamos que recordar que en ambas cintas el paisaje helado es una constante. "Deadfall" es una película muy recomendable para todos aquellos a los que les gusten los thrillers y para todos aquellos que quieran encontrar algo mas bajo la superficie de la historia.


Lo Mejor: Los actores
Lo Peor:  No es un producto que sorprenda por lo que cuenta

miércoles, 23 de enero de 2013

Crítica: Silent Hill: Revelation


Título: Silent Hill: Revelation
Año: 2012
Genero: Terror
Duración:  94 min
Director: Michael J. Bassett
Guión: Michel J. Bassett
Música: Akira Yamaoka y Jeff Danna
Interpretes: Adelaide Clemens, Kit Harington, Carrie-Ann Moss, Sean Bean, Malcom McDowell, Martin Donovan
Nota: 3

Sinopsis: Por mucho que Sharon corra, por muchas veces que cambie de colegio y de nombre, ahora se llama Heather, el pasado acabará por encontrarla y tendrá que volver a Silent Hill a enfrentarse con el.




Crítica:
Silent Hill es un famoso videojuego cuya primera entrega fue en 1999. Su éxito fue tal que ha propiciado varias secuelas y su salto al cine solo era cuestión de tiempo. Y esa adaptación llegó en el 2006 de la mano de Christophe Gans (director de "Crying Freeman" y "El pacto de los lobos", dos cintas bastante estimables a pesar de sus fallos) como director y Roger Avary (coguionista de "Pulp Fiction" y director de la sobrevalorada "Killing Zoe" y de "Las Reglas del juego" ("The Rules of attraction") película para recuperar a la voz de YA!) como guionista y con un reparto de altura: Sean Bean, Radha Mitchell y una joven Jodelle Ferland (Que grande es esta chica) con un resultado bastante bueno. Silent Hill era una película de terror muy entretenida con una gran ambientación, que igual flojeaba hacia el final pero que nos deja un final que a mi personalmente, me gusta mucho.


Seis años después nos llega esta secuela rodada en el ahora tan de moda 3D por Michael J Bassett, director de la apreciable "Deathwatch" y de la entretenida pero liviana "Salomon Kane". En "Silent Hill: Revelation" nos encontramos con los protagonistas de la primera parte, padre e hija huyendo de su pasado. Pero el pasado es demasiado fuerte y hay mucha gente deseando que Heather (tal y como se hace llamar en la secuela) vuelva a Silent Hill. Aqui no hay una gran historia, solo hay un leve hilo argumental para justificar la vuelta de Heather a Silent Hill. Esta levedad en la historia no justifica el personaje de Vincent (Kit Harington) cuya presentación nos trae a la cabeza "Crepúsculo": el chico oscuro y la recién llegada se conocen en el instituto. Y digo el chico oscuro porque es demasiado obvio que este personaje nos lo están metiendo en la historia de una manera muy tosca, por lo que solo es cuestión de tiempo el poder encajar en su correcto lugar al personaje. Y como la pobre Heather es un imán para las desgracias la posibilidad de que Vicent aporte algo bueno a su vida es practicamente nula.


Es increíble el reparto de esta película: Sean Bean, Radha Mitchell, Carrie-Ann Moss, Malcom McDowell, Martin Donovan..y es una pena el poco provecho que se ha sacado de estos actores. Si es cierto que las apariciones de Carrie-Ann Moss y Malcom McDowell son lo mejor de la película pero también es cierto que no están mucho tiempo en pantalla. Radha Mitchell no pasa de hacer un breve cameo, Sean Bean tiene un papel que no da para mas y Martin Donovan hace un personaje que podría haber dado mucho juego pero que esta completamente desdibujado.


A nivel visual "Silent Hilll: Revelation" tampoco es nada del otro mundo. A estas alturas ya estamos habituados a ver 3D realmente espectaculares y falsos 3D. Aquí no estamos ante un falso 3D pero tampoco estamos ante un 3D que vaya a pasar a la historia. Como siempre las escenas mas espectaculares y terroríficas son aquellas que nos remiten a "La escalera de Jacob" ("Jacob's Ladder") por lo que todos aquellos que hayan visto "La escalera de Jacob" antes de "Silent Hill" tendrán la sensación de que ciertas escenas ya las habían visto antes. Recordemos que los creadores de la saga Silent Hill se declaran seguidores de la película de Adrian Lyne. En el siguiente vídeo podemos ver una escena de "La escalera de Jacob" donde Jacob es llevado en camilla por unos tétricos pasillos. Además de la ambientación ,en el minuto 3:20 podemos ver el "rostro" del doctor que claramente nos lleva a recordar a las enfermeras de "Silent Hill"




En definitiva estamos ante una muy decepcionante segunda parte, en la que parece que ha pesado mucho el recuerdo de la gran primera parte y donde da la sensación de que había que hacer una secuela a cualquier precio, independiendo de si había algo que contar o no. En este caso no había nada que contar y lo peor de todo es que ni siquiera no nos saben deslumbrar con grandes escenas de terror o visualmente impactantes, lo siento pero la pelea final es de lo mas cutre que he visto en mucho tiempo. No se si gustará a los seguidores de la saga pero el resto mejor abstenerse.


Lo Mejor: La aparición de Malcom McDowell, su exceso va perfecto para la película
Lo Peor:  Una mera anécdota no justifica una película. 

viernes, 18 de enero de 2013

Crítica: Upside Down - Un amor entre dos mundos


Título: Upside Down - Un amor entre dos mundos
Año: 2012
Genero: Romantica - Ciencia Ficcion
Duración:  107 min
Director: Juan Diego Solanas
Guión: Juan Diego Solanas y  Santiago Amigonera
Música: Benoit Charest
Interpretes: Jim Sturgess, Kirsten Dunst, Timothy Spall, Frank M. Ahearn
Nota: 3

Sinopsis: En un universo donde se encuentran dos mundos, Adam conocerá al amor de su vida, pero las leyes entre ambos mundos y la gravedad harán de su amor un reto.






Crítica:
Una película tan bonita como vacía. Tan cuidada estéticamente pero sin alma, que no nos transmite nada, que no nos hace sentir que la búsqueda de su gran amorpor parte de Adam nos conmueva... Es una lastima, cuando se plantea una historia de amor lo que deseas es verte identificado con alguno de los personajes, sentir sus ansias por encontrar a esa persona especial o llorar su perdida, pero cuando una historia de amor te deslumbra y no te transmite nada es como ver fuegos artificiales, muy bonitos pero el recuerdo dura lo que dura la explosión, hasta que aparece otro fuego artificial. Y esto es lo que ocurre con la película de Solanas, es un fuego artificial, te deleita la vista pero no hay nada mas allá de ese deleite visual.


"Upside down" nos presenta una realidad alternativa donde hay dos mundos uno arriba y otro abajo, cada uno con su propia gravedad y cada uno con sus reglas. Ante esta premisa tan diferente, Solanas utiliza los títulos de crédito para explicarlos las reglas físicas en las que se basan dichos mundos, por ejemplo, las cosas y personas de un mundo están regidos por la gravedad de ese mundo y no por la del otro.. Realmente es necesario que nos expliquen brevemente este tipo de cosas porque si no luego no entenderíamos ciertas situaciones que se dan en la película, y no es necesario que durante la película se nos reiteren estas reglas mediante vacíos y forzados diálogos. Esto es un acierto por parte del director, de hecho puede que el único.


Visualmente la película es apabullante, increíble, pero la historia esta hueca, no hay nada, no hay fondo y lo que es peor hace aguas por todas partes. Al incorporarse a su nuevo trabajo al protagonista le dejan muy claro que no se puede comunicar con la gente del otro mundo, que es algo que esta muy controlado. Entonces ¿Como es posible que pueda hablar con el personaje que interpreta Timothy Spall sin ningún problema y que no haya ningún tipo de represalias? ¿ Como es posible que si esta todo tan controlado o eso nos quieren hacer ver, no haya cámaras de seguridad que vigilen esos cuartos donde no va nadie mas excepto el protagonista? ¿Porque esta prohibido ir a la montaña donde casi se tocan los dos mundos, si luego hay un café llamado "Dos mundos" donde la gente de ambos mundos baila tango y casi se pueden tocar? ¿Por que no controlan que Adam le da una caja con sellos al personaje de Spall? La verdad es que mientras ves la película surgen mil cosas que te llaman la atención y no acabas de entender..Cuando el protagonista pasa al otro mundo, la corbata sufre el efecto de la gravedad de su mundo, ¿porque no pasa con el resto de su ropa cuando, por ejemplo, tiene que huir corriendo?


Hay que pensar en "Upside down" y en la nueva versión de "Total Recall" ("Desafio Totla"). En esta nueva versión de "Total Recall" la historia sucedía en la Tierra, había dos mundos, un mundo rico donde brillaba el Sol, Inglaterra, y un mundo pobre en Australia donde todo era oscuro y sucio y por supuesto no salia el sol. Inglaterra era el país rico que se aprovechaba de los trabajadores del pobre. La única forma de pasar de uno a otro era mediante un túnel que conectaba ambos países por dentro de la tierra y donde se invertía la gravedad. En "Upside Down" nos encontramos con dos mundos, el de arriba es el rico, el poderoso y donde por supuesto  brilla el sol, el de abajo el pobre es sucio y oscuro y por supuesto el sol brilla por su ausencia. Además en "Upside Down" hay un edificio que conecta ambos mundos, no es un túnel pero es una edificación hecha por el hombre para facilitar la comunicación entre ambos mudos o mejor dicho para facilitar la explotación de la mano de obra por parte del país rico al igual que sucedía en "Total Recall". No se, creo que Solanas ha leído la historia de Phillip k. Dick o ha visto la nueva versión de "Total Recall" y ha hecho una mezcla, esto de aquí, esto de allá, un poquito de amor a lo "Romeo y Julieta", lo paso por la batidora y tengo mi película.


Una de las cosas que mas raras me resultaron de "Upside down" son las ganas que parece que tenia el autor por acabarla, eso o los productores le dijeron: "La película tiene que durar 107 minutos ni uno mas ni uno menos" Y cuando iba por el minuto 105 el director se dio cuenta y se dijo: "Joder si no la acabo ya no vuelvo a dirigir" Venga rápido, esto aquí, esto otro allá, esto..ummm.. no pega mucho pero con que diga el protagonista eso de "eso es otra historia" ya esta así que fiesta... Creo que desde hace mucho mucho tiempo no he visto un final tan precipitado. En "The Bay" creo que tenían ganas de acabarla, se dan prisa por hacerlo, pero lo de "Upside down" no tienen nombre, no se si se puede definir como final precoz o final interruptus


"Upside Down" es una película francamente decepcionante. Un bonito envoltorio para un regalo del que si conserváramos el ticket lo iríamos a cambiar a la tienda rapidamente. No creo que pueda gustar ni a los mas fanáticos del cine romántico. Una pena porque la idea prometía y mucho.


Lo Mejor: Visualmente apabullante
Lo Peor:  Es una película vacia

Crítica: Poltergeist III


Título: Poltergeis III
Año: 1988
Genero:  Terror
Duración:  98 min
Director: Gerry Sherman
Guión: Gerry Sherman y Brian Taggert
Música: Joe Renzetti
Interpretes: Tom Skerritt, Nancy Allen, Heather O'Rourke, Zelda Rubinstein, Lara Flynn Boyle
Nota: 4,5

Sinopsis: Tras los sucesos acaecidos en la segunda parte Carol Anne se va a vivir con la familia de su tía a un moderno rascacielos recién inaugurado. Pero Kane no ha perdido la pista de Carol Anne y volverá a intentar arrastrarla a su mundo




Crítica:
Tercera parte de la famosa saga de terror de los años ochenta. Si en la segunda parte nos encontrábamos con una floja película de terror con algún punto en común con "El resplandor", aquí nos encontramos con una mezcla entre "El Coloso en llamas" ("The towering inferno") y "Reflejos" ("Mirrors"). Si, se que "Reflejos" es una película muy posterior a "Poltergeist III", tanto la película dirigida por Aja como la versión original de la misma, la coreana "Geoul Sokeuro" pero si hemos visto tanto la versión de Aja como la original no encontraremos en "Poltergeist III" ningún atisbo de sorpresa. El uso de espejos y sus reflejos son una constante en el cine de terror con fantasmas y es bastante claro que "Poltergeist III" influyó en "Geoul Sokeuro" y en este caso estamos de enhorabuena porque ese uso de los reflejos en los espejos para mejor tanto en la película coreana como en su remake.


La acción de esta tercera parte sucede en un edificio recién inaugurado (El personaje de Skerritt dice en un momento de la película que todos los edificios nuevos tienen problemas que hay que solucionar). Este hecho nos lleva ineludiblemente a pensar en "El Coloso en llamas". En ambas películas nos encontramos con edificios nuevos con la más alta tecnología que desde el primer día va a dar problemas (De hecho la escena de "Poltergeist III" donde se nos muestra como se rompen los espejos de los ascensores y como afrontan el problema los encargados de mantenimiento y el jefe de edificio podría formar parte de "El Coloso en llamas" y no nos habríamos dado cuenta). Es claro que los motivos que desencadenan el drama en "El Coloso en llamas" y "Poltergeist III" son totalmente distintos, pero en ambas películas el edificio no deja de ser un personaje mas. También durante el visionado de "Poltergeist III" viene a la cabeza "Dawn of the dead". En "Poltergeist III" los personajes viven en un osais de felicidad ideal: un edificio donde hay de todo, es como una ciudad, hay apartamentos, tiendas, oficinas..de todo, no es necesario salir de este edificio para vivir. Al igual que lo que sucedía en "Dawn of the dead" donde los personajes están en un centro comercial en el que puedes encontrar todo lo que se puede necesitar hoy en día para vivir: comida, diversión, ropa... Pero en ambas películas un elemento externo al edificio o al centro comercial, un elemento externo sobrenatural ya sea el espíritu de un reverendo muerto o una horda de zombies pueden poner fin a este oasis artificial de felicidad.


El hecho de que la acción suceda en un edificio tuvo en su momento su aliciente. Cuando era pequeño y estrenaron esta película en los cines mucha gente decía que había que verla porque ocurría en un edificio y daba mas miedo. El hecho de trasladar la acción de una típica casa unifamiliar americana a un edificio hacía que mucha gente viéramos esta película con mas miedo debido a que muchos de nosotros vivíamos en edificios por lo que era fácil pensar que al coger el ascensor ibas a ver el reflejo de Kane o no ibas a ser capaz de ir solo por un garaje.Pero pasado el tiempo nos damos cuenta de lo inocentes que eramos, de como una película como esta nos podía dar miedo y de lo sobrevalorada que estaba esta saga en los ochenta. Excepto la primera parte las otras dos son totalmente prescindibles, aunque hay que reconocer que la tercera parte es mejor y mas entretenida que la segunda (Cosa fácil por otro lado, "Poltergeist II" no llega a ser un desastre como "El exorcista II" pero es muy flojita)


Casi lo mas interesante de esta película es ver a una jovencisima Lara Flynn Boyle   en su primer papel en el cine. Y aunque apuntaba maneras y ha rodado películas y series de gran calidad como "Happiness" o "Twin Peaks" donde su personaje se llama Donna igual que en "Poltergeist III" se le acabó por perder de vista y hace ya tiempo que no la vemos en ningún papel de calado. En "Poltergeist III" Boyle nos regala la mejor escena de toda la película cuando vuelve del otro lado a través del cuerpo de Tangina. El resto de los actores están correctos dentro de la mediocridad general del producto. Resulta un tanto cargante el personaje del Dr. Seaton empeñado en justificar los sucesos como el poder que tiene Carol Anne para demostrar a los demás que lo que ella imagina sucede en realidad. La idea de crear un personaje así esta bien como contrapunto a Tangina pero el Dr. Seaton no deja de ser un personaje mal desarrollado, sin profundidad, que nos lo sitúan en edificio y va a ver que pasa con Carol Anne de manera muy tosca y que se lo quitan de en medio cuando mas juego podría dar.


En resumidas cuentas nos encontramos ante un producto flojo pero que tiene su encanto. Se puede ver facilmente y olvidar con la misma facilidad. Por desgracia las secuelas de "Poltergeist" no estuvieron a la altura de la original y no acaba por convencernos con el final que le dan a la saga, pero ya se sabe para gustos los colores..




Lo Mejor:  La escena en la que el personaje de Lara Flynn Boyle vuelve del otro lado.
Lo Peor:  Aunque es mejor de la segunda parte no deja de ser flojita.

domingo, 13 de enero de 2013

Crítica: Bestias del sur salvaje - Beast of Southern Wild


Título: Bestias del sur salvaje - Beasts of southern wild
Año: 2012
Genero:  Drama
Duración:  93 min
Director: Behn Zeitlin
Guión: Behn Zeitlin y Lucy Alibar según el relato "Juicy and delicious" de la segunda.
Música: Behn Zeitlin y Dan Romer
Interpretes: Qvenzhané Wallis, Dwight Henry, Levy Easterly, Lowell Landes, Gina Montana
Nota: 8

Sinopsis: La pequeña Hushpuppy se enfrenta no solo a la enfermedad de su padre si no a unas insalubres condiciones para vivir, pero su sueño es que en el futuro la gente sepa que ella vivió allí queriendo a su padre y superando todos los problemas.




Crítica:
Nos encontramos ante la sorpresa de los Oscars del 2013, nadie esperaba que esta película tuviera cuatro nominaciones, todas ellas de las consideradas importantes: Película  director, actriz principal (que ademas supone un record ya que es la chica mas joven en obtener dicha nominación, la actriz de nombre impronunciable tiene solo 9 años) y mejor guión adaptado. No sabemos si esto puede ser bueno o no para la película que no para los nominados. Es obvio que todo reconocimiento (y mas a nivel personal), sea nominación o la consecución del premio, es un éxito y mas para una película que se puede considerar fuera del circuito comercial, en esto no hay ninguna duda. Lo que no se sabe es hasta donde puede ser bueno para la película  ya que estamos ante una película muy diferente de lo que estamos acostumbrados. No quiero que se malentienda, "Bestias del sur salvaje" es una grandisima película  de lo mejor que he visto últimamente   pero no es para nada comercial y es probable que mucha gente vaya a ver esta película simplemente por estar nominada. Y toda esta gente se encontrara con una película diferente  y es probable que parte de esa gente la rechace por esperar otra cosa, por esperar un producto comercial, un producto complaciente. Y esta película no lo es, no es un producto para ver comiendo palomitas, no es una película donde hay acción y sobre todo es una película con niño pero no es la típica película con niño. Y eso es algo que tenemos que tener en cuenta a la hora de ver "Bestias del salvaje sur"


Estamos ante la obra de Behn Zeitlin, y digo la obra de Zeitlin porque aunque ha co-escrito el guión con la autora de la obra Lucy Alibar, Zeitlin se ha ocupado del guion, de la música y de la dirección de la película. Zeitlin nos ofrece como compositor junto con Dan Romer una grandisima banda sonora, donde algunos temas como "Mother Nature" "Strong Animals" o "The thing that made you" que parecen sacadas del disco "White lunar" de Nick Cave y Warren Ellis, digo esto por las influencias Cave y Ellis parecen haber tenido en ciertos temas de la banda sonora de "Beasts of the Southern wild". Y también nos encontramos con una canción "Once there was a husppupy" que tiene ecos de la música del grupo Beirut aunque el espíritu del grupo Beirut esta muy presente durante todo el score. Estamos ante una grandisima banda sonora y puestos a nominar resulta extraño que no la hayan nominado.


Como director y guionista Zeitlin esta a la altura de lo que nos ofrece como compositor y es desde ya un director al que seguirle la pista. Esperemos que no pase lo mismo que pasó con "Whale rider" que impactó al mundo, se llevó una nominación al Oscar a mejor actriz principal (en este caso Keisha Castle-Hughes siendo cambien muy joven) y después su directora dirigió "En tierra de hombres" y aunque ha dirigido un par de películas mas, no hemos vuelto a saber de ella. Esperemos que con Zeitlin no pase lo mismo, esperemos que con su primera película no llegue a ofrecernos todo lo que nos puede llegar a ofrecer. Zeitlin dirige con pulso, sabe donde poner la cámara y consigue hacernos llegar todos y cada uno de los personajes de la película, empatizamos con hushpuppy, con su padre y con sus vecinos..


En "Beasts of the southern wild" nos encontramos con hushpuppy, una niña huérfana de madre y con un padre enfermo, que vive en un entorno de extrema pobreza pero en un entorno donde parece que la gente siempre esta contenta. Un dique que hay cerca de donde vive hace que cada vez que llueve se inunde su casa y la de los vecino. Y esta vez será distinto, ya que una terrible tormenta caerá sobre su casa y desencadenara el drama, su drama y el de los vecinos que han decidido quedarse. Donde antes parecía haber siempre fiesta, ahora hay tristeza y deseperación por la situación del padre de hushpuppy, pero aunque la trama es triste nos encontramos ante una película que es un canto a la amistad (La comunidad donde vive Hushpuppy y su padre se vuelcan unos con otros para salir adelante) y donde se demuestra que un crió puede ser mucho mas fuerte de lo que podemos creer.


Hushpuppy se enfrentará a todos sus miedos, a su difícil relación con su padre para superalos y salir adelante. Qvenzhané Wallis esta perfecta en el papel. Cuando un menor de edad siempre nos encontramos el mismo debate: es justo o no. Esto es algo que cada uno debe valorar. Personalmente la interpretación de Qvenzhané Wallis esta muy muy bien pero, y dejando de lado la edad que tiene, creo que es una nominación que le viene muy grande. Si, hace un gran papel, hace un papel con mucha fuerza y si es una interpretación que nos gana desde el minuto uno, pero no creo que pueda estar entre las cinco mejores interpretaciones femeninas del año.. Con todo nos encontramos a una grandisima Wallis, con una gran expresividad y con la que simpatizamos ante la gran cantidad de problemas que tiene, por como añora a su madre y por como evoluciona en la relación con su padre..



"Bestias del salvaje sur" es una grandisima película  estamos ante una dramática no ante una película fantástica  el hecho de que la protagonista presente a sus miedos como terribles bestias no es para calificar esta película dentro del genero fantástico,  mas bien se podría considerar de terror ante el hecho de que una niña pequeña identifique sus miedos con terribles bestias. "Bestias del salvaje sur" es una película altamente recomendable, no apta para todo tipo de espectador pero totalmente disfrutable en todos sus aspectos: una historia que llega muy hondo, con una banda sonora muy buena y donde el director demuestra que sabe donde y como poner la cámara en cada momento.



Lo Mejor:  El gran oficio de Zeitlin como director, guionista y compositor.
Lo Peor:  No es un producto que pueda llegar a todo tipo de espectadores.

Crítica: Death Race Inferno


Título: Death Race Inferno
Año: 2012
Genero:  Acción
Duración:  97 min
Director: Roel Reiné
Guión: Tony Giglio
Música: Trevor Morris
Interpretes: Luke Gross, Danny Trejo, Dougray Scott, Ving Rhames, Tanit Phoenix
Nota: 3

Sinopsis: El lucrativo espectáculo "Death Race" quiere ser expandido a cárceles de todo el mundo, pero los deseos del nuevo dueño de la franquicia se toparan con los de su máxima estrella, Carl Lucas mas conocido como Frankestein




Crítica:
Segunda secuela de la saga lanzada por Paul W. Anderson que hizo un remake de la película "Death Race 2000" producida por Roger Corman con Silvester Stallone como protagonista. En este caso nos encontramos con una segunda parte de la precuela que fue la segunda parte de "Death race" y nos volvemos a encontrar con Carl Lucas (Interprtado por Luke Goss, excomponente del grupo musical Bros) que una vez mas tiene que ponerse en la piel de esa especie de Mighty Duck llamado Frankestein para poder lograr su libertad ganando una carrera mas. Pero como siempre los intereses del nuevo jefe de la franquicia "Death Race" se interpondrán con sus deseos.


En "Death Race Inferno" nos encontramos con una película aburrida por previsible, donde vuelve a haber carreras a vida o muerte. Esta vez los guionistas han intentado ser originales y la carrera no se disputa entre los muros de una cárcel sino al aire libre, en el desierto y por en medio de alguna ciudad, pero ni con estas consiguen que las carreras tengan un mínimo interés y solo consiguen que se hagan un pelín largas. Ademas de con estas carreras, la película nos regala un par de peleas rodadas de manera un tanto tosca, con algún guiño gore que se agradece bastante pero que no consigue elevar el tono medio de las peleas, y con una persecución al estilo Bourne por tejados y por medio de diversas casuchas.. pero Reiné no es Greengrass, ni se le parece.
El guión brilla por su ausencia  la historia solo es una mera escusa para ver carreras de coches y peleas, pero cuando al final nos hacen un pequeño resumen de todo lo que ha pasado para justificarnos lo injustificable nos quedamos atónitos pensado que alguien ideó una historia o algo parecido para este despropósito.


Disfrute bastante con el "Death Race" de Anderson y con la segunda parte, pero reconozco que esta tercera parte es muy, demasiado floja y creo que incluso a los mas fieles seguidores de la saga les va a resultar decepcionante. Solo nos podemos quitar el sombrero porque a los guionistas se les ha ocurrido hacer una referencia al gran cantante Elliot Smith al incluirlo entre los famosos importantes que sufrieron una puñalada y eso es algo a tener en cuenta.



Lo Mejor: Se pasa muy rapido
Lo Peor:  No esta a la altura de las otras dos películas de la saga

sábado, 12 de enero de 2013

Crítica: Django Desencadenado


Título: Django Desencadenado
Año: 2012
Genero:  Western - Oeste
Duración:  165 min
Director: Quentin Tarantino
Guión: Quentin Tarantino
Interpretes: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Kerry Washington, Samuel L. Jackson
Nota: 8

Sinopsis: Tras ser liberado y formar pareja con un cazarecompensas, Django intentará liberar a su mujer que fue vendida cuando intentaron escaparse de su antiguo amo






Crítica:
Aunque no disfruté de "Malditos Bastardos" (Me sobra toda la parte de la historia de Daniel Brühl) ni de "Death Proof" tengo que reconocer que Tarantino es muy grande (No va con segundas..) pero este es el mayor problema de Tarantino, se sabe grande y quiere hacer todo a lo grande y eso se puede comprobar en "Django Desencadenado" donde nos encontramos con una película de casi tres horas (Se ve que por presiones de los productores porque el montaje inicial era mas largo) donde, aunque resulta muy entretenida sobran unos cuantos minutos.


En "Django desencadenado" Tarantino nos sitúa dos años antes de la guerra civil americana. Un cazarecompensas interpretado por Christoph Waltz necesita de la ayuda de Django para dar con tres criminales a los que persigue, por lo que comprará su libertad y formará equipo con el para trabajar como recompensas y liberar a la mujer de Django. Spike Lee ha vuelto a poner el grito en el cielo con el trato que da Tarantino a los afroamericanos en sus películas y por el reiterativo uso de la palabra "nigger" (forma despectiva usada en Estados Unidos para referirse a los afroamericanos) por lo que Lee ha dicho que no verá "Django Desencadenado" porque sus antepasados se merecen un respeto. En su defensa Tarantino ha comentado que estamos ante una historia que sucede antes de la guerra civil americana donde los afroamericanos eran esclavos y el uso de la palabra "nigger" era de lo mas habitual por lo que si no se usará se estaría dando una imagen irreal de lo que sucedió. Preguntado por esto, Antonie Fuqua, uno de los directores afroamericanos mas importantes de la actualidad, comentó que no cree que el cine de Tarantino haya un trato despectivo hacia los negros ya que si eso fuera así  Jamie Foxx, actor de color y defensor de los derechos de los afroamericanos, no hubiera participado en la película  Estas polémicas acerca del reiterado uso de la palabra "nigger" por parte de Tarantino llevó a Denzel Washintong en el rodaje de "Marea Roja" a reprocharselo al propio Tarantino (Recordemos que Tarantino colaboró en la correción del guion de "Marea Roja" aunque no este acreditado en dicho film). Resulta muy curioso todo lo que ha pasado entre Lee y Tarantino que han pasado del odio al amor y del amor otra vez al odio. Y si, tuvieron su pequeño "romance" cinematografico en "Girl 6" película dirigida por Spike Lee donde Tarantino hacia un cameo como un director de cine que quiere rodar la próxima gran película afroamericana y que será dirigida por el director que mas sabe sobre los negros: El. Pero a partir de este momento donde Lee y Tarantino eran o parecía que eran amigos, sus caminos se volvieron a alejar. Hay quien dice que Lee tiene razón, hay quien dice que Lee tiene celos de Tarantino ya que el segundo sigue haciendo grandes películas y el primero hace tiempo que no estrena ninguna gran película.


Dejando polemicas aparte en "Django Desencadenado" nos volvemos a encontrar al mejor Tarantino sobre todo en la primera parte de la película, donde un Christoph Watlz en estado de gracia realiza una grandisima interpretación y devora a todo aquel con el que comparte plano.(Esta mas que jusficada su nominación y no seria de extrañar que se llevara su segundo Oscar)  El arranque de la película  hasta que se plantea la liberación de la mujer de Django y van a la plantación de la que DiCaprio es el dueño,  es lo mejor de la cinta, llena de humor (geniales los momentos en los que se discute si hay que llevar una bolsa en la cabeza o no) y con un gran ritmo. Pero como Tarantino quiere ser grande hace una película excesivamente larga y es imposible mantener un ritmo así durante casi tres horas por lo que en la parte central de la misma, justo coincidiendo con la aparición del personaje de DiCaprio y a pesar de la gran interpretación que hace este, la película baja el nivel y le cuesta volver a tomar vuelo. Y toma vuelo gracias a otro actor que parece estar en estado de gracia y del que no se ha comentado gran cosa, Samuel L. Jackson, que borda el papel de esclavo negro con privilegios.


"Django desencadenado" es excesiva, como muchas de las películas de Tarantino. Llena del humor marca de la casa y llena de un exceso de sangre y violencia que harán disfrutar a los fans de su cine, aunque personalmente esperaba mas escenas de acción o un uso mas "surcoreano" del martillo por parte del personaje interpretado por Leonardo DiCaprio. Hay quien esta ya cansado de el uso que hace Tarantino del cine de los 60 y 70, de esa fusión pasada por su peculiar batidora de géneros, pero hay que reconocer que hace una mezcla con mucho encanto y simpatía y a pesar de algún resbalón en su filmografia estamos a un grandismo director cuya fama y grandeza puede acabar por devorarlo..


Y para acabar otra señal mas marca de la casa, en "Django desencadenado" nos encontramos con varios de los amigos de Tarantino haciendo cameos: Zoe Bell, Tom Savini, Michael Parks, James Parks, el propio Tarantino y Samuel L. Jackson y Waltz haciendo papeles de peso, gente que parece que puede ser muy bien recibida en el clan como DiCaprio o Jonah Hill, junto el cameo de Don Johnson y el de el Django de 1966, Franco Nero. Si algo queda claro en el cine de Tarantino es que se sabe rodear de gente y crear un gran ambiente de trabajo que se refleja dentro y fuera de la pantalla.



Lo Mejor: Waltz, Samuel L. Jackson y la sangre de mentira..
Lo Peor:  La imposibilidad de mantener el ritmo inicial durante las tres horas de metraje

Crítica: The Master


Título: The Master
Año: 2012
Genero:  Drama
Duración:  137 min
Director: Paul Thomas Anderson
Guión: Paul Thomas Anderson
Música: Jonny Greenwood
Interpretes: Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman, Amy Admas, Rami Maleck, Laura Dern
Nota: 7,5

Sinopsis: Después de salir de una institución mental, un excombatiente de la segunda guerra mundial entrará en contacto con el carismático líder de un secta que esta empezando a desarrollarse.






Crítica:
No se si estaba viendo a Joaquin Phoenix interpretando a un veterano de la segunda guerra mundial con trastornos nerviosos, obsesionado por el sexo y alcohólico o a Joaquin Phoenix interpretando a Daniel Day-Lewis que hace de veterano de la segunda guerra mundial con trastornos nerviosos, obsesionado por el sexo y alcohólico. Y es que la caracterización de Phoenix en la película y la posición en la que Anderson sitúa la cámara no lleva a recordar en muchos momentos al actor principal de la anterior película de este: "Pozos de Ambición"


Anderson ha dirigido una película árida, de esas que es difícil que conecte con una parte de publico. Y lo ha hecho con una narración que no es cómoda para muchos espectadores. Cuesta situarse en la película, el principio es errático, mostrando diversas escenas Phoenix en una playa durante la segunda guerra mundial, para pasar a mostrarnos imágenes de Phoenix en el barco que lo llevara de vuelta, a el y a los otros combatientes, a Estados Unidos. No es hasta que vemos a Phoenix en el sanatorio cuando  conseguimos entrar en la película y lo conseguimos gracias a una gran escena donde Phoenix hace el test de Rorschach. Pero después de esto la narración vuelve a ser igual de árida, Anderson nos cuenta los diversos intentos por parte del personaje interpretado por Phoenix para encontar trabajo y encontrar un lugar en el mundo.


Esta claro que lo que ha intentado buscar Anderson con este tipo de narración es mostrarnos la dificultad de Freddie (Joaquin Phoenix) tiene para echar raíces en algún sitio. Y como he dicho antes, es una apuesta muy arriesgada porque  una gran parte del publico no esta preparada para este tipo de narraciones, se puede cansar y no entrar en la película. Pero a partir del momento en el que Phoenix se encuentra con Hoffman la narración se va volviendo menos árida, al igual que lo que parece que va pasando con la vida de Phoenix, parece que se va encontrando cierta estabilidad y un lugar donde se encuentra bien y es apreciado.


Estamos ante todo ante una película donde el trío protagonista (Phoenix, Hoffman y Adams) brilla por encima de todo, por encima de la historia que nos están contando, por encima de la extraordinaria recreación de la época (Véase por ejemplo los retratos fotográficos que hace Phoenix al principio de la película), por encima de la música (Lo siento pero esperaba mas de la música de Greenwood ,componente del grupo Radiohead, después de las bandas sonoras de "Tenemos que hablar de Kevin" y sobre todo "Tokio Blues". Greenwood también compuso la banda sonora para la anterior película de Anderson "Pozos de Ambición"). Los tres actores principales están perfectos, es difícil destacar a uno por encima de otro, todos los momentos en los que coinciden al menos dos de ellos en pantalla es donde la película gana enteros, donde descubrimos que Freddie (Joaquin Phoenix) no es la única persona que tiene problemas, donde descubrimos el enorme carisma de Lancaster Dodd y donde descubrimos que toda la gente que hay a su alrededor, que después de una gran guerra, están perdidos, desolados y necesitan aferrarse a algo en que creer, a algo en que depositar su fe y su esperanza al igual que el personaje de Phoenix. Visto esto es también claro que Anderson nos ha querido presentar al personaje de Phoenix como una metáfora de la situación del pueblo americano después de la segunda guerra mundial, ya que en muchos casos estaban tan perdidos como el.


Cinematograficamente hablando Anderson ha arriesgado y ganado, ha hecho una gran película y ha sacado el máximo provecho de los actores. Pero su apuesta ha ido mas allá, Lancaster Dodd no deja de ser L. Ron. Hubbard fundador de la cienciologia, y esta película no ha gustado mucho a sus seguidores, ya que Anderson deja claro que Lancaster Dodd no es mas que un fraude cuestionado hasta por sus propios seguidores (Véase la conversión entre el y el personaje interpretado por Laura Dernn, una de sus mas fieles seguidoras, en la primera convención mundial de La Causa) pero dotado de un tremendo carisma y de un gran don de palabra que hace que su mensaje cale en una sociedad herida) por lo que es posible que las posibilidad de que alguno de los tres actores protagonistas ganen un Oscar puede quedar reducida al mínimo, a eso hay que sumar que Phoenix compite con Daniel Day-Lewis  (que interpreta a Lincoln) como mejor actor, que Hoffman compite con Christpoh Waltz y Alan Arkin (ambos lo bordan en "Django desencadenado" y "Argo" respectivamente) como mejor actor secundario y Amy Adams con Helen Hunt o Jackie Weaver como mejor actriz secundaria.


"The master" es una gran película  árida y que puede resultar hermética  con tres actores excepcionales que dan lo mejor de si. Estamos ante una de esas películas que hay que ver y dejar reposar.




Lo Mejor: Los tres actores principales
Lo Peor:  La, en algunos momentos, aridez de la propuesta puede restar publico