martes, 26 de febrero de 2013

Crítica: Blue Valentine


Título: Blue Valentine
Año: 2010
Genero: Drama
Duración:  112 min
Director: Derek Cianfrance
Guión: Derek Cianfrance, Joey Curtis y Cami Delavinge
Música: Grizzly Bear
Interpretes: Ryan Gosling, Michelle Williams, John Doman, Mike Vogel, Faith Wladyka
Nota: 8
Sinopsis: El matrimonio de Dean y Cindy hace aguas la falta de dialogo entre ellos y el estancamiento de las ambiciones de el harán que entre la pareja surja un muro difícil de romper.






Crítica:
Desde mi punto de vista Ryan Gosling es uno de los mejores actores de su generación:  "Drive", "Los idus de marzo", "Half Nelson", "El creyente", "Lars y una chica de verdad".. incluso en la predecible "Stay" (otro ejemplo de esas lamentables traducciones al español a la altura del spoiler de "La semilla del diablo")  Gosling deja claro su buen hacer como actor. Michelle Williams es conocida tanto por su hacer delante de la cámara ("Dawson Crece", "Brokeback mountain", "Synecdoche Nueva York", película esta última de obligatoria visión) como por su relación con el fallecido Heath Ledger. Y esto último por desgracia es, al igual que lo que les pasa a los personajes de "Blue Valentine" un muro difícil de romper, dando la sensación de que en cada película que estrene se va a recordar de quien fue pareja y parezca que tenga que demostrar lo buena actriz que es.


En "Blue Valentine" nos encontramos ante una película de aroma indie hecha a la medida de Gosling y Williams, de hecho ambos son productores ejecutivos de la misma. Cianfrance nos presenta a una pareja en crisis, tras varios años de matrimonio y una hija en común, la falta de comunicación hace que los problemas parezcan insuperables. Cianfrance no se dedica solo a enseñarnos la situación en la que se encuentra la pareja, si no que mediante el uso de flashbacks nos explica como se conocieron y surgió el amor. Pero "Blue Valentine" se centra en lo que ocurre después del happy end al que nos tienen acostumbradas las películas de amor de Hollywood. Siempre todo es bonito, siempre los amantes superan una gran crisis para acabar juntos, haciéndonos desear ser nosotros los protagonistas de cualquiera de esas historias. Pero siempre queda una sensación extraña, que nos hace pensar: ¿que pasará cuando llegue la monotonía a la pareja? ¿Que pasará cuando cuando el no te vaya a buscar con un ramo de flores en un descapotable blanco? ¿Que pasará cuando alguien se sienta oprimido y quiera huir de la relación? Todas esas preguntas quedan sin respuesta en muchas de las grandes historias de amor que se nos presentan, sobre todo, desde Hollywood. Y "Blue Valentine" intenta, de alguna manera, aportar su granito de arena para rellenar ese hueco que queda, a ese hipotético "5 años después.." que nunca nos cuentan pero del que también queremos saber..


Esos "5 años después ." no pueden ser mas desesperanzadores.. Cianfrance nos muestra que pasa cuando se pierde la pasión y cuando ya no se puede luchar mas para sacar una relación a flote. Y unos de los grandes éxitos de Cianfrance es el uso de los flashbacks para contarnos el inicio de esta historia de amor, de que buscaban cada uno de ellos en una relación y de como esas ideas se pueden venir a bajo por amor y por caprichos del destino. Así y solo así podemos llegar a entender la espiral en la que se encuentra la pareja, a ese inmovilismo de el y a esa necesidad de ella de escapar de la relación en la que se encuentra ya que esta se encamina a reproducir la traumatica relación de sus padres..


"Blue Valentine" se beneficia de dos grandisimos actores que tienen una gran química y a los que no nos cuesta creernos tanto en sus discusiones como en el incio de su relación amorosa. Y de una excelente banda sonora del grupo Grizzly Bear. Resulta realmente sorprendente que ni esta banda sonora estuviera nominada a los Oscars en su momento, ni la de "The proposition" de Nick Cave y Warren Ellis y mas recientemente que la canción "The enemy," compuesta por Mumford & Sons para la pelicula de Andrea Arnold "Cumbres Borrascosas" no estuviera nominada ni para los Oscars ni para los Globos de Oro. Y aquí he de decir que aunque me declaro fan de Arcade Fire me resulta increíble que estuvieran nominados a la mejor canción por la canción que compusieron para la película "Los Juegos del hambre", una de sus peores canciones y con diferencia


Estamos ante una película que igual no es apta para todo tipo de sensibilidades, no estamos ante una historia de amor sino de desamor, no estamos ante una película con ritmo frenético:  el autor se toma su tiempo para presentarnos a los personajes, para contarnos como son, como han evolucionado o se han estancado y como han traicionado sus sueños y esperanzas. Tampoco estamos ante una película donde se vaya a ver a un Ryan Gosling atractivo, la evolución de su personaje y su traición a sus ideales se demuestra no solo en su interior (Reconoce en varios momentos que su idea nunca fue casarse ni ser padre) sino también en su exterior, en su aspecto fisco  No podemos decir lo mismo de la Williams que en todo momento sale tremendamente atractiva y deja patente que es una mujer capaz de hacer que los hombres se fijen en ella.


"Blue Valentine" es una película totalmente recomendable, no apta para ver en un día en el que los ánimos estén bajos. Increíblemente esta película se ha estrenado en España casi 3 años después de haber sido rodada, es una lastima pensar que si no hubiera sido por "Drive", "Los Idus de Marzo", "Mi semana con Marilyn" esta película no hubiera visto la luz. Y hay que plantearse dos cosas. Una: ¿Porque en su momento nadie confió en una película como esta para su explotación comercial? y otra es: Sabiendo la situación actual de la piratería ¿es lógico estrenar esta película casi tres años mas tarde? ¿No es lógico pensar que la gente que haya tenido interés en ver esta pelicular ya se la habrá descargado hace tiempo y por lo tanto no pagará una entrada de cine? Esto por desgracia hará que la taquilla de "Blue Valentine" no sea la que se merece y cuando los distribuidores se encuentren con un producto así  vuelvan a retrasar el estreno o directamente no la estrenen..



Lo Mejor: Williams y Gosling estan perfectos
Lo Peor:  El tiempo que hemos tenido que esperar para verla..lamentable..

domingo, 17 de febrero de 2013

Crítica: La Jungla: Un buen día para morir


Título: La jungla: Un buen día para morir
Año: 2013
Genero: Acción
Duración:  97 min
Director: John Moore
Guión: Skip Woods
Música: Marco Beltrami
Interpretes: Bruce Willis, Jai Courtney, Sebastian Koch, Yuliya Snigir, Radivoje Bukvic
Nota: 4,5
Sinopsis: Otra vez John McClane se verá envuelto en una lucha con un grupo terrorista cuando viaje a Rusia a ayudar a su hijo acusado de un crimen







Crítica:
Vuelve McClain y vuelve de la mano del director que perpetró "Max Payne" y el remake de "La profecía  por lo que por desgracia las expectativas no podían ser peores. Y "La jungla: Un buen día para morir" no es ni "Max Payne" ni "La profecía" pero no es desde luego una gran película  tal vez entretenida pero no buena. Y es que la nueva entrega de las aventuras y desventuras de esta especie de Jessica Fletcher con pistolas  vuelve a estar marcada como en el caso de la anterior entrega por el exceso, el mas grande todavía y la exageración en grado máximo. Aquí no vamos a ver como un coche destroza un caza pero su escena "gemela" no le tiene nada que envidiar. Pero si en la anterior entrega tenia un tono festivo que nos hacia disfrutar del exceso aquí una especie de sopor, de desgana o de rodar con el piloto automático impregna el ambiente y nos cuesta disfrutar del producto tal y como desearíamos


La historia en esta quinta parte no es mas que una mera escusa para justificar de algún modo una secuencia de acción tras otra. Y es que puede estar bien que la acción empiece pronto, estamos ante una película de McClain y lo que queremos es ver tiros, pero esto puede hacer que acabe cansando. Estaría bien que la transición entre estas escenas tuviera un interés pero la conflictiva relación entre padre e hijo no nos interesa para nada, resulta aburrida y cansina. Aunque es muy interesante que la historia de Komarov y su "traición" parece estar tomada libremente de la realidad, de la relación de Jodorowsky y Putin. Como siempre el cine americano mete la puya cada vez que puede y esta vez no iba a ser menos..


Como por desgracia sigue siendo habitual en este tipo de cine no podemos esperar ningún tipo de lógica. Tras una tremenda explosión en el juzgado donde queda todo destrozado los únicos personajes que parecen salir ilesos son McClain hijo y Komarov.  ¿Porque tan pronto en Chernobyl se usan complejos equipos antiradiación pero aparece un tio que parece The Rock sin camiseta disparando como loco?, ¿la radiación se acojona ante los músculos . ¿Porque nos quieren justificar que una piscina que hay dentro de un edificio en Chernobyl tiene agua no contaminada porque es agua de lluvia? ¿Por que se rueda una escena tan patética como la del futuro primer ministro andando con todos los jueces detrás de el cual pandilla chunga de instituto? ¿Porque no se pueden rodar hoy en día escenas de acción que nos remiten directamente a la saga de Bourne? Es triste que las aventuras de McClain tengan una quinta parte tan flojita y donde este deambula por pantalla intentando hacer gala de su socarrona ironía pero que no nos hace gracia como en otras entregas. También en este aspecto el guionista parece haber sufrido de elefantiasis, ha querido hacerlo a lo grande y por momentos parece mas influenciado por el personaje de Willis de "El último boy Scout" que de la saga de la "Jungla de Cristal" , pero eso no basta, no hay que hacer las cosas a lo grande, hay que hacerlo bien.


Aunque Mclain ya nos había presentado a su hija en la cuarta película de la saga, es ahora donde nos presenta a su hijo. Y podemos dar gracias a que McClain hijo no esta interpretado por un actor que parece que tiene horchata en las venas en vez de sangre, como sucede con el hijo de Indiana Jones, si no por un actor cuya experiencia en cine era mas bien escasa (ha salido en "Jack Reacher" o la serie "Espartacus") y al que auguramos un gran futuro como actor de películas de acción  Aunque esperemos que si hay una sexta entrega de "La jungla" no este Moore como director y que las aventuras de McClain sean solo de McClain y deje a sus hijos hacer su vida, queremos volver a ver al Mclain de La jungla de cristal 1 y 2, al único y gran McClain.


A modo informativo hay que recordar que una copia de la anterior película de la saga "Live free or die hard" fue enterrada en publico, en una tumba para malas películas  por el director de cine Emir Kusturica. Con este acto simbólico, que fue llevado a cabo durante la inaguración de un festival de cine (el kustendorf film), Kusturica quería dejar patente la influencia que el mal cine americano tiene en los estudiantes europeos de cine. Con todos mis respetos y descantando que Kusturica me parece uno de los mas grandes directores de la actualidad creo que con su película "Zavet" (Prometeme) podríamos hacer lo mismo y nadie lo sentiría..


Lo Mejor: La escena del helicóptero..
Lo Peor:  La saga parece que empieza a agonizar..

sábado, 16 de febrero de 2013

Crítica: Antiviral


Título: Antiviral
Año: 2012
Genero: Thriller - Ciencia Ficción
Duración:  108 min
Director: Brandon Cronenberg
Guión: Brandon Cronenberg
Música: E.C. Woodley
Interpretes: Caleb Landry Jones, Sarah Gadon, Malcolm McDowell, Douglas Smith,  Joe Pingue
Nota: 8,5
Sinopsis: La obsesión por los famosos ha llegado a niveles insuperables: los fans se inoculan virus que han tenido sus ídolos para así poder estar "conectados" con ellos a nivel celular. El intento de Syd de traficar con un virus de una superestrella hará que se involucre en un mundo todavía mas oscuro.



Crítica:
Podemos estar tranquilos, el apellido Cronenberg esta en buenas manos. Despues del giro a lo comercial de  David Cronenberg con dos grandes películas como son "Una historia de violencia" y "Promesas del Este", su mas que decepcionante visión de la relación de Freud y Jung con "A dangerous method" y su árida "Cosmopolis", necesitábamos que el apellido Cronenberg volviera a estar unido a ese cine enfermizo que tanto disfrutamos, especialmente, durante los años setenta y ochenta con títulos como: "Rabia", "Vinieron de dentro de...", "Videodrome" o "Cromosoma 3" (No.. no es la tercera parte de ninguna película!) entre otras..


En su opera prima, Brandon Cronenberg nos presenta una historia que nos puede resultar exagerada: los fans veneran a sus ídolos de tal manera que desean padecer las mismas enfermedades, compartir algo a un nivel profundo, tener una "conexión especial", llegando a niveles absolutamente enfermizos (si, todavía mas) como nos muestra Cronenberg con la tienda. (Este detalle es mejor descubrirlo). Este punto de partida nos puede excesivo pero tenemos que planteárnoslo como una critica sobre donde estamos y hacia donde vamos. Hace un tiempo se corrió el rumor de que Justin Bieber tenia cáncer y miles de fans se raparon el pelo para apoyarle, luego se descubrió que todo era una broma. Lady Gaga va a actuar a una ciudad y la gente hace cola durante días para tener el mejor sitio y si es posible poder ser el primero de la fila para subir al escenario. Se llegaron a pagar 36.000 euros por tres radiografías del torax de Marilyn Monroe, se subastó un mechón de pelo de Elvis Prestley por 18.3000 euros... Por lo que no es tan descabellado pensar que si a un fan de Bieber, Lady Gaga, Marilyn, Elvis o de muchos mas, se les vendiera una gripe, un herpes que ha tenido su fan y le ha sido extraído directamente, este no solo se lo pensarían si no que es posible que aceptase pagar por ello..


Cronenberg se maneja a la perfección entre blancos y negros, entre virus y enfermedades, pero se pierde cuando se adentra en los tejemanejes de las rivalidades de las distintas empresas o de porque y quien modificó y creó un virus potencialmente mortal. En esta parte de "Antiviral" es donde la película tiene un bajón de ritmo y de interés, a pesar de la presencia de McDowell, de esa Sarah Gadon interpretando a una superestrella en fase terminal y a pesar de notar que las escenas, los encuadres, están perfectamente planificados, parece que la chispa de la historia se perdió por momentos, pero Croneberg logra superar este bajón y consigue recuperar el ritmo y volver a plantearnos una parte final donde vuelve a engancharnos.


Cronenber tiene otros dos fallos aunque esta vez menores. Uno de ellos son los dos personajes que hacen fila con Syd March para salir de Lucas Clinic, se supone que tienen que ser dos personajes simpáticos y/o graciosos pero resultan harto cargantes y deseamos que no vuelvan a aparecer en pantalla. El otro fallo que veo, y aunque es menor tiene mas calado que el anterior, es acerca de Lucas Clinic y sus controles. Aceptamos que estamos viendo una película de ciencia ficción donde una serie de fans se inyectan virus que ha tenido sus ídolos por lo que no podemos esperar ver cine realista ni una especie de documental, pero, aceptando esta premisa y permitiendo al director jugar libremente con la palabra ficción, si que esperamos que el conjunto tenga una lógica  Y esa lógica falla, por ejemplo, en los controles de la Lucas Clinic. Tras la jornada laborar, los trabajadores son sometidos a un "exhaustivo" control mediante un  detector y un par de preguntas para intentar averiguar si los estos están robando los virus. (Ante tal nivel de fanatismo, un virus en el mercado negro se paga muy bien). Pero..¿ a nadie en esa empresa se le ocurre pensar que si un trabajador esta día si día también enfermo, mas cerca del otro mundo que de este, con una apariencia física totalmente deplorable igual esta traficando de alguna manera con sus valiosisimos virus? ¿A nadie se le ha ocurrido hacer controles de temperatura a los trabajadores o de sangre o algo minimamente útil?


Caleb Landry Jones, al que ya vimos en "El ultimo exorcismo" o "X-Men: First Generation" borda el papel de vendedor de enfermedades que acaba enfermando y su físico resulta perfecto para mostrar esa degeneración que va sufriendo el protagonista poco a poco. De hecho se intentó recalcar la diferencia existente entre la blancura de su piel y la cantidad de pecas que tiene el actor, para crear mas énfasis a esa atmósfera enfermiza que hay en la película. Landry Jones es la película y toda gira entorno a el. El resto de los actores que van entrando y saliendo de la película están muy bien y por increíble que parezca Cronenberg consigue controlar el histrionismo con el que aveces nos deleita McDowell.


En diversas entrevistas Brandon Cronenberg ha comentado como se gestó y se desarrolló la idea de "Antiviral". Cronenberg habla de una entrevista que concedió Sarah Michelle Gellar estando enferma, esta comentó que en su estado podría contagiar a todo el publico. Y la respuesta de este dejó perplejo a Cronenberg ya que rieron y aplaudieron. Cronenberg se dio cuenta que su idea para "Antiviral" era muy, demasiado actual y tendría que estrenar la película antes de que pasara de moda. Pero deja claro que la idea de "Antiviral" no surgió de esa entrevista de Sarah Michelle Gellar tal y como se ha publicado en algunos medios de comunicación.


Preguntado por el uso del blanco en su película  especialmente en las escenas iniciales de la Clínica  Cronenberg reconoce que lo quería era de alguna manera controlar la mirada del espectador, impedir que su visión se centrara en cosas superfluas que no aportaban nada a la acción  así de este modo consigue que el espectador se fije en las caras de las celebridades porque básicamente no hay nada mas en lo que fijarse. Y este recurso es usado por Cronenberg con maestría, un simple fondo blanco consigue que nuestra visión se centre tanto en las caras de las celebridades como en el protagonista, vestido con un traje negro o de sus dos pacientes, vestidos también con colores oscuros.


"Antiviral" es un gran ejemplo de cine enfermizo marca de la casa. Por mucho que Cronenberg hijo diga que no vio las películas de su padre cuando era crío o que este no le echó una mano ya que estaba acabando "A dangerous method" y empezando "Cosmopolis" el sello de su padre impregna cada uno de los fotogramas. La obsesión por lo morboso que ya quedó patente en "Videodrome" o "Crash" vuelve a estar presente en la obra de su hijo. En "Crash" ante la fascinación morbosa que producen los accidentes de trafico, Ballard se lo reprocha a Vaughan y este le responde diciendo que cuando vemos un accidente todos miramos, todos reducimos la velocidad para ver que es lo que ha pasado, y eso es tan morboso como lo que hacemos. Y esa frase es la que define tanto a "Crash" como a "Antiviral", todos miramos cuando vemos un accidente, todos queremos saber que pasa, todos idolatramos a alguien y nos gustaría tener una foto, un autógrafo..algo de esa persona..el problema esta donde acaba ese interés y empieza el malsano morbo.. Y de eso habla "Antiviral" y lo hace muy bien.



Lo Mejor: El uso del blanco, Caleb Landry Jones, la idea...
Lo Peor:  El bajón que sufre la película a la hora de metraje

domingo, 10 de febrero de 2013

Crítica: El hipnotista


Título: El hipnotista - Hypnotisören
Año: 2012
Genero: Thriller - Drama
Duración:  122 min
Director: Lasse Hallström
Guión: Paolo Vacirca y Lasse Hallström sobre la novela de Lars Kepler
Música: Oscar Fogelström
Interpretes: Tobias Zilliacus, Mikael Persbrandt, Lena Olin, Jonatan Bökman, Eva Melander
Nota: 5
Sinopsis: Una familia ha sido asesinada en Estocolmo. El único testigo es uno de los hijos que se encuentra en estado grave en el hospital. La policía recurrirá a un psicólogo con la idea de descubrir quién cometió el crimen.




Crítica:
Después de una más que agradable comedia "La pesca del salmón en Yemen", Lasse Hallström vuelve a su país para adaptar la novela de Lars Kepler "El hipnotista". (Esta palabra no existe en la RAE pero el libro en España se titula "El hipnotista") No estoy en la onda de las novelas policíacas del norte de Europa que tan de moda se han puesto desde "El hombre que no amaba a las mujeres", ni me gustó la adaptación de esta ultima novela al cine ya que, con todos sus pros y sus contras, considero que la historia original no pasa de ser una historia que hemos visto mil veces en cualquier telefilm. Y con "El hipnotista" me pasa lo mismo, Hallström intenta darle empaque, un ritmo lento para asi poder presentarnos a los personajes y empatizar con ellos, pero lo que cuenta "El hipnotista" es una historia que no funciona como película de misterio pero que puede llegar a funcionar  como drama.


Y es que en "El hipnotista" se nos presentan dos historias: una la del crimen de la familia y el único testigo, uno de sus hijos gravemente herido. La otra historia es la del drama familiar de ese hipnotista que ha sido llamado por la policía para intentar resolver el crimen. Y es en esta segunda parte donde Hallström pone mayor interés y donde se beneficia de dos grandes actores Persbrandt y Olin pero el conjunto queda deslavazado y cuando confluyen las dos historias (no es spoiler, se sabe que ambas historias van a confluir desde el minuto cero) no puede ser de manera mas decepcionante  Pero esto no es fallo del Hallström director, sino del Hallström guionista y esto mas que nada puede ser debido a la historia en la que se basa.


He leído alguna de estas novelas, no en la que se basa esta película,  y siempre me he encontrado lo mismo, una historia que no me acaba de llegar pero una novela que esta muy bien escrita y engancha, donde el autor es capaz conseguir que quieras seguir leyendo, así que imagino que Kepler consigue esto mismo con la novela "El hipnotista". Pero Hallström no consigue que su película nos enganche, se nos hace excesivamente lenta, cansina por momentos, por desgracia mas que interesarnos consigue aburrirnos.


"El hipnotista" es una película muy influenciada por "El hombre que no amaba a las mujeres". No se si los lectores de la novela estarán satisfechos con esta adaptación pero creo que su ritmo lento puede ser un lastre. Me viene a la cabeza "Déjame entrar" una película que tiene un ritmo lento pero en ningún momento aburre o cansa y eso es porque esta rodada con sensibilidad y donde hay una gran historia que contar (la adaptación de la novela es tremenda ya que quitan todo lo que sobra de la novela de Lindqvist y se centran en lo fundamental de la historia) y eso es lo que le falla a "El hipnotista", Hallström intenta ser demasiado frío y no parece que haya una gran historia que contar.



Lo Mejor: Persbrandt y Olin
Lo Peor:  Con lo chulo que es el trailer...

sábado, 9 de febrero de 2013

Crítica: Mamá


Título: Mamá
Año: 2013
Genero: Terror
Duración:  100 min
Director: Andrés Muschietti
Guión: Neil Cross, Andrés Muschietti y Barbara Muschietti
Música: Fernando Velázquez
Interpretes: Jessica Chastain, Nikolaj Coster-Waldau, Megan Charpentier, Isabelle Nélisse
Nota: 4
Sinopsis: Tras 5 años de larga búsqueda  Victoria y Lilly son encontradas en una cabaña en el bosque. El problema no solo será su aislamiento durante ese tiempo si no también saber si alguien estuvo cuidando de ellas...






Crítica:
Guillermo del Toro sabe vender muy bien una película y este es el mayor ejemplo. Partimos de una historia basada en un corto de un minuto de duración  Con esta premisa es difícil alargar la historia para llegar a los 100 minutos, así que los autores de guión toman como base el cine coreano y japones de terror y en muchos momentos no tenemos la sensación de que sea un corto alargado sino un remake de una película asiática de terror. De hecho si somos habituales a este tipo de cine de terror y hemos visto "Ringu", "La maldición  o la versión original de "Mirrrors", la de "Dark Water" o cualquier otra, "Mamá" no nos sorprenderá en ningún momento, durante todo el metraje tenemos la sensación de haber visto ya esta película pero con actores asiáticos.



Y es que el guion de "Mamá" no es nada del otro mundo (y nunca mejor dicho). Dos niñas que han estado viviendo solas en una cabaña son encontradas gracias a la obstinación de su tío  Pero dos niñas tan pequeñas no pueden vivir solas en un cabaña durante tanto tiempo y la niña Medeiros.. perdón, una presencia las ha cuidado y protegido. El arranque es prometedor (hasta que se mudan a la nueva casa la película promete y mucho, te saben vender una buena idea pero conforme avanza la película esta se va desinflando, la idea como el corto dura poco..), la estética increíble, la música muy buena y la película tiene a dos actores de moda (la presumible ganadora del Oscar 2013 a la mejor actriz, Jessica Chastain y uno de los protagonistas de "Juego de Tronos" y de esa gran película titulada "Headhunters" Nikolaj Coster-Waldau) y se beneficia de dos grandes niñas que por momentos dan mucho miedo. Pero aqui se queda todo, en un gran fuego de artificio. Todo esta mil veces visto, desde los personajes que entran en la película cuyo final sabemos de antemano, los flashbacks donde te cuentan la historia de la Mamá que parecen extraídos directamente de "Ringu" ("The ring"), hasta la casa donde sucede todo nos recuerda (sino es la misma) a la casa del inicio de la versión americana de "The Ring". En este tipo de películas siempre me queda una sensación extraña, siempre tengo la sensación de que no me cuentan lo que mas me podría interesar (cosa que si pasaba en "Ringu") y es ¿como narices explicarán todo lo que ha pasado a la policía   Casi podrían hacer otro corto explicándolo, a mi me gustaría mucho verlo..



No estamos como se ha querido vender ante la gran película de terror del año, estamos ante un pasable intento de llevar el cine de terror asiático a las pantallas americanas. Para mi una gran decepción ya que esperaba mucho mas, esperaba una gran historia de terror y me he encontrado con una sucesión de escenas que intentan dar miedo.. Para mi un producto decepcionante.



Lo Mejor: La estética y la música
Lo Peor:  No es precisamente lo que se dice original..

Crítica: The Abcs of the Death


Título: The Abcs of the death
Año: 2012
Genero: Terror
Duración:  123 min
Director: Ben Wheatley, Ti West, Xavier Gens, Jason Eisener, Jorge Michel Grau...
Guión: Ti West, Nacho Vigalondo, Jon Schnepp, Srdjan Spasojevic...
Música: Phillip Blackford, Kevin Rielp, Johannes Ringen...
Interpretes: Sarah Bonrepaux, Lucy Clements, Eric Aude, Ivan Gonzalez..
Nota: 5
Sinopsis: 26 letras, 26 directores con una unica consigna: hacer un corto sobre la muerte.






Crítica:
Otra de las películas mas esperadas en el festival de Sitges del 2012 gracias a ser una película donde se encuentran grandes directores y donde hay una libertad absoluta para hacer un corto sobre la muerte. Como pasa siempre en las películas que están formadas por diversos cortos nos encontramos con un resultado excesivamente irregular, con cortos realmente geniales y otros muy muy malos. Además esta libertad creativa de la que gozaron los autores hace que nos encontremos con un conjunto de un tono indefinido,tan pronto es comedia, tan pronto es gore, tan pronto es otra ida de la olla típica japonesa... con lo que no acabamos de encontrar el tono de la película y saltamos de un genero a otro, si a esto sumamos la irregularidad de la calidad de los cortos nos encontramos con un producto demasiado desigual.

A is for Apocalypse de Nacho Vigalondo

Posiblemente la mejor manera de empezar la película: violencia y humor. Nos encontramos con un corto muy simpático y muy bien pensado. Muy divertido.



B is for Bigfoot de Adrián García Bogliano

Si el primer corto era una gran forma de empezar la película, este segundo baja el nivel de manera brutal. Y es que con los cortos hay un gran peligro y es su escasa duración, esto puede ser extraño pero cuando se hace un corto aburrido, sin interés, se suele hacer muchisimo mas pesado, ya que el espectador esta esperando que acabe pronto y conforme se va viendo que el final no llega se hace todavía mas pesado, y este es el caso de "B is for Bigfoot" que se hace aburrido y largo.

C is for Cycle de Ernesto Díaz Espinoza

No me gustó el corto de Espinoza y la razón fundamental es que me parece una copia de la película "Die Tür" de Anno Saul. Se podrá tener mayor o menor acierto a la hora de rodar una historia, se podrá hacer un corto aburrido como en el caso anterior, pero cuando se cuenta una historia que recuerda mucho, demasiado a otra hace que pongamos una barrera entre nosotros y el producto que nos ofrecen y en este caso "C is for Cycle" no aguanta la mínima comparación con la película de Saul

D is for Dogfight de Marcel Sarmiento

Grandisimo corto, uno de los mejores. Sin diálogos, apoyado por una gran banda sonora y un uso de la cámara lenta que viene perfecto para la historia. Totalmente disfrutable.



E is for Exterminate de Angela Bettis

Una buena idea desaprovechada, el uso de la visión de la araña rompe el ritmo y cuando la cosa se pone interesante el corto se acaba. Un lastima.

F is for Fart de Noburo Iguchi

Para quien no sepa inglés, Fart significa pedo. Estamos ante un corto del director de "Dead Sushi" y "Toilet of the dead" así que ya sabemos lo que vamos a ver. En primer corto japones nos confirma que estos japoneses viven en una sociedad muy enferma. Es curioso pero se queda en eso, una curiosidad



G is for Gravity de Andrew Traucki

El peor corto y con mucha diferencia. Una solemne tontería. Una cosa es que los autores tuvieran total libertad para rodar y otra es que se le permitiera a alguien rodar una basura como esta. Realmente lamentable.

H is for Hydro-Electric Diffusion de Thomas Cappelen Malling

Primer corto donde "no" hay actores, estos están vestidos de perros y gatos. Los perros son los buenos y los gatos son los nazis.. ¿de que me suena esto? Así  una variante de la novela gráfica "Maus". Poca originalidad en la idea pero este no es el problema de que este corto no nos llegue, le falta ritmo, le falta chispa.



I is for Ingrow de Jorge Michel Grau

Otro de los cortos impactantes de la película. Directo, conciso, agobiante y de una crudeza increíble  Grau no se anda por las ramas, nos incomoda y hace por primera vez en toda la película que el estomago se nos vuelva del revés  El mayor problema de esta historia es la voz en off, lo que cuenta la victima, algo falla, el autor intenta ser demasiado poético en sus palabras. No hace falta, sentimos como propio el sufrimiento de la victima. Impactante.



J is for Jidai-geki de Yudai Yamaguchi

Después de un corto tan impactante como el anterior es difícil mantener el nivel y en este caso nos encontramos con otro corto simpático pero flojito. Simplemente pasable..

K is for Klutz de Anders Morgenthaler

Nos encontramos ante un corto de animación realmente simpático  Después de la crueldad de "I is for Ingrow" y la levedad de "J is for Jidai-geki" se agradece un corto que nos arranca una sonrisa.

L is for Libido de Timo Tjahtanto

El corto enfermizo de la película. Después de la movida que hubo con "A serbian film", cuando todos esperábamos que el propio Spasojevic fuera mas allá  es Tjahtanto el que lanza un ordago. Para definir el corto la palabra es enfermizo, están avisados..



M for Miscarriage de Ti West

El mayor impacto de este corto es su escena final y lo que significa la palabra Miscarriage. Es impactante. Tras un corto enfermizo, Ti West parece que no quiere ser menos y consigue con un corto muy corto una imagen impactante y desagradable. No nos recuperamos del corto anterior.

N is for Nuptials de Banjong Pisanthanakun

Otro corto que nos arranca una sonrisa. Después de "L for Libido" y "M for Miscarriage" agradecemos un corto sin mayor pretensión que la de hacernos reír. Y lo consigue que no es poco.



O is for Orgasm de Bruno Forzani

El director de "Amer" sigue fiel a su estética pero nos regala un corto flojisimo y si no fuera por "G for gravity" podría tranquilamente llevarse el premio al peor corto de la película. Una decepción muy grande.

P is for Pressure de Simon Rumley

O como resumir todo un largo en un corto. Aunque el resultado es interesante, la pretenciosidad del conjunto pesa como una losa.

Q is for Quack de Adam Wingard

Otro corto que nos va a arrancar una sonrisa. Wingard se ha propuesto divertirse y divertirnos y para ello nos transmite la dificultad de hacer un corto con la letra Q. Muy divertido

R is for Removed de Srdjan Spasojevic

Extraño corto el de Spasojevic. Tras "A Serbian Film" su siguiente proyecto, fuera un corto o un largo, iba a estar mirado con lupa. Spasojevic solo tenia dos caminos: seguir por en la linea marcada por su película (con el consiguiente peligro de ser el típico director de una película  o intentar hacer algo nuevo. Y Spasojevic intenta algo nuevo aunque su refencia al cine sigue presente. Un corto que podría haber sido escrito por un Cronenberg con sobredosis de tripis. Muy bueno.

S is for Speed de Jake West

Otro de los cortos flojitos de la película  Otra vez la misma historia, los delirios para escaparse de la muerte por parte de dos heroinomanas. No tienen mayor interés y la acción deja mucho que desear.



T is for Toilet de Lee Hardcastle

Uno de los mejores cortos de la película  Seleccionado en un concurso demuestra que hay mucho talento y ese talento se merece una oportunidad. Mediante plastilina tenemos una historia bastante gore sobre el miedo de un niño a ir al water.



U is for Unearthed de Ben Wheatly

El director de la impactante "Kill List" nos regala un muy interesante corto sobre vampiros. Wheatly sitúa la cámara de manera que vemos lo que ve un vampiro que es perseguido por un grupo de cazadores y un sacerdote. El corto tiene algún momento muy bueno como cuando se le arrancan los colmillos al vampiro. Muy recomendable.



V is for Vagitus de Kaare Andrews

El corto de Andrews inicialmente me pareció muy bueno pero conforme avanzaba el metraje me iba decepcionando. Otra vez se tiene la sensación de tener una gran idea que queda en nada, y en este caso no parece que sea por falta de medios, pero da la sensación que falta chispa, le falta alma a la historia..

W is for Wtf? de Jon Schnepp

Quizá el corto mas casposo y mas original de toda la pelicula. W de WFT? es decir, W de What the fuck? Y realmente esta muy conseguido ya que durante la visión del corto constantemente nos estamos preguntando: What the fuck?. Chapó por el director que consigue transmitir el titulo y el sentido del mismo a la perfección.


X is for XXL de Xavier Gens

Para mi EL corto de la película  El gore no debe hacernos olvidar la tristeza inherente en la historia. Una mujer obesa, en una sociedad donde se valora el físico por encima de todo y donde es constantemente insultada decir adelgazar de manera radical. El corto es muy impactante pero resulta increíble que la gente se ria y aplauda cuando se esta contando una historia tan triste. El personaje transmite su desesperación y su tristeza. Estamos ante un corto que nos invita a reflexionar no a reírnos  el gore y la violencia aveces es una herramienta para un fin y no el fin en si mismo. Después de su malrollera "The Divide" Gens demuestra que se puede convertir en un gran director de cine cargado de mal rollo.



Y is for Youngbuck de Jason Eisener

Eisener, director de "Hobo with a shotgun", presenta una historia dura, con una increíble estética y con una no menos increíble banda sonora. Un personaje principal repulsivo que nos recuerda a Nosferatu nos pone el estomago de revés  con una escena que no es gore, donde no hay sangre pero que a mi personalmente me da muchísimo asco. Eisener es un director a seguir desde ya. A ver que nos ofrece en la secuela de VHS..esperamos lo mejor..



Z is for Zetsumetsu de Yoshihiro Nishimura

El director de "Tokio Gore Police" nos demuestra que desde japón se hace un cine muy enfermizo, obsesionado con el sexo y la violencia. Gustará a los fanáticos de este director y de este tipo de cine, el resto mejor abstenerse. Después del gran nivel de "X is for XXL" y "Y is for Youngbuck" es una lastima que la película acabe, desde mi punto de vista, con un bajón de calidad tan grande.






Lo Mejor: Los cortos de Vigalongo, Gens, Eisener, Grau, Sarmiento, "T is for toilet", "L is for libido".
Lo Peor:  Los cortos malos son muy malos y el resultado es demasiado irregular

viernes, 8 de febrero de 2013

Crítica: Exorcismo en Georgia


Título: Exorcismo en Georgia
Año: 2013
Genero: Terror
Duración:  100 min
Director: Tom Elkins
Guión: David Coggeshall
Música: Michael Wandmacher
Interpretes: Abigail Spencer, Emily Alyn Lind, Grant James, Chad Michael Murray
Nota: 4
Sinopsis: Una familia se traslada a vivir a una casa en Georgia. Pero los acontecimientos que sucedieron en la propiedad y los espíritus que buscan paz no les dejaran tranquilos






Crítica:
Otra película con un equivocado titulo en castellano, haunting significa aparición, fantasma pero no exorcismo, por lo que si esperamos ver una película sobre exorcismos nos llevaremos una gran decepción  En "Exorcismo en Georgia" ("The haunting in Connecticut 2") nos encontramos con una "segunda parte" de una discreta película de terror estrenada en el 2009, y escribo segunda parte entre comillas porque ni los personajes ni la historia tienen nada que ver con la original. Aquí nos encontramos por enésima vez con la familia que tiene un don o una maldición según lo mire cada cual para ver a los espíritus que deambulan entre dos mundos. La historia no puede ser mas típica y tópica  una familia se muda a una nueva casa donde hace años sucedieron hechos terribles y los espíritus que vagan por ella buscaran su ayuda para encontrar consuelo y descansar en paz. Otra vez lo mismo, la persona que ve espíritus tendrá que ayudarles para que estos encuentren la paz y puedan dejar este mundo.


No estamos ante una película que de miedo, y el mayor problema para no dar miedo es su obviedad, su uso de clichés, su uso cansino y obsesivo por el blanco y negro cuando para mostrarnos el otro mundo, no se.. dejemos que los pobres muertos vean en technicolor que ya que han fallecido por lo menos que disfruten de una amplia gama de colores.. Por momentos parece que estemos ante un remake de "Poltergeist II": un terrible anciano acecha a la pequeña niña que ve espíritus y esta avisa a la madre sobre una presencia maligna que va a por ella, pero aunque "Exorcismo en Georgia" se acaba alejando de "Poltergeist II" nos encontramos ante un producto que se mueve por los caminos una y mil veces vistos del cine de terror, no aportando absolutamente nada nuevo ni nada que vaya a perdurar en la memoria mas allá de su primer y único visionado


En resumen, estamos ante una muy discreta película de terror que no será del agrado de los mas fieles seguidores del genero. Por desgracia parece que se esta convirtiendo en una costumbre hacer una mala caracterización de los espíritus  en este caso se salva uno, solo uno que parece influenciado por el Doctor Crane de "Batman Begins". Y sobre todo, aunque este muy bien ver a la familia real en los títulos de crédito finales, estamos ya un poco cansados de ver el "Basado/inspirado en hechos reales" al final es algo que ya ni da miedo ni respeto..



Lo Mejor: La escena en la caravana
Lo Peor:  Que majos son los espíritus que nos ayudan y nos enseñan a ir en bici..

domingo, 3 de febrero de 2013

Crítica: El Último Desafío - The Last Stand



Título: El último desafio - The last Stand
Año: 2013
Genero: Acción
Duración:  107 min
Director: Kim Jee-woon
Guión: Andrew Knauer, Jeffery Nachmanoff
Música: Mogw
Interpretes: Arnold Schwarzenegger, Eduardo Nogiera, Forest Whitaker, Peter Stormare, Jaimie Alexander
Nota: 6
Sinopsis: La tranquila existencia del Sheriff Owens se verá alterada cuando su pueblo entre en la ruta de un peligroso narco en su huida hacia Mexico






Crítica:
Debut americano de uno de los mejores directores asiáticos del momento: Jee-woon kim, autor de  excelentes películas como "I saw the devil", "a bittersweet life" o "el bueno, el feo y el raro". Pero como siempre que hay un debut en hollywood el sello personal del autor queda diluido por las productoras, por un guión que no esta a la altura y por una mega estrella que eclipsa todo lo que hay a su alrededor. Es sabido que Schwarzenegger consiguió que los productores dieran mas manga ancha a Jee-woon kim a la hora de rodar "El último desafío". ¿Que sentido tiene contratar a uno de los autores mas personales y que mejor reflejan la violencia en pantalla si luego le vas a cortar las alas? Supongo que el intentar hacer una película que lleve el sello de autor es algo que se valora mucho pero si se quiere rodar un producto impersonal no hace falta traer a gente desde tan lejos.


Jee-woon Kim esta habituado a la acción y a la violencia, la muestra sin rodeos como en "I saw the devil" y "A bittersweet life" y en "El último desafío" hay violencia y mucha, pero nos cuesta ver el sello Jee-woon Kim. Esto es debido a lo ya antes comentado sobre los productores y también al guión que tiene entre manos, donde por momentos hay un exceso de humor y un par de personajes, el de Johnny Knoxville y el de Luiz Guzman que chirrian, que sobran. Quieren poner el contrapunto humoristico de la película, pero estamos ante una cinta de acción donde uno de los mas peligrosos narcos intenta llegar a Mexico, no es necesario el humor, queremos ver una película típica de Jee-woon Kim, dura, sin concesiones y directa.


Aún así si que vemos algo de Jee-woon Kim en "El útlimo desafío", las escenas donde se enfrentan los narcos con los policías o ese comienzo con el policía comiendo un donut en la carretera o esa persecución entre los campos de maíz que nos remiten directamente a la persecución de "I saw the devil" pero poco mas podemos encontrar del surcoerano.. Estamos ante un producto hecho por y para el lucimiento de Schwarzenegger, su vuelta como protagonista al cine de acción, y aunque esta mas viejo sigue siendo Schwarzenegger.


No podemos olvidar que el guión es flojito, no nos creemos en ningún momento que un peligroso narco quiera llegar a Mexico conduciendo una especie de coche fantástico y que para ello un grupo de asesinos van a construir un puente sobre un barranco. La discreción no parece que entre en los planes del narco y la justificación de que el coche es mas rápido que un helicoptero o que es una persona que tiene que llevar las riendas de lo que pasa y como es un piloto experto prefiere conducir a que lo lleven en avión, no tiene ni pies ni cabeza.. pero claro si no fuera por eso no tendríamos película..


Noriega sigue la tradición de actores españoles haciendo de malo en películas americanas. No puedo valorar si lo hace bien o mal, el tío pone cara de malo y da el pego cuando se pelea con Schwarzenegger pero el doblaje al español es tan rematadamente malo que cada vez que abre la boca chirría tanto que preferimos que la cierre, que ponga cara de malo y conduzca hacia el pueblo para que se encuentre con Schwarzenegger.


En "El último desafío" nos encontramos con una película de acción muy entretenida, aunque en su parte central cuando se espera que el narco llegue al pueblo se hace un poco pesada y donde sobran los personajes que aportan el toque humoristico. Estamos ante una película violenta donde el sello de la casa no se aprecia como a nosotros nos gustaría pero aun así es una película muy disfrutable.


Lo Mejor: La crudeza de ciertas escenas de violencia
Lo Peor:  El persona de Knoxville sobra

Crítica: Siete Psicópatas - Seven Psychopaths


Título: Seven Psychopaths - Siete Psicópatas
Año: 2012
Genero: Thriller - Comedia
Duración:  110 min
Director: Martin McDonagh
Guión: Martin McDonagh
Música: Carter Burwell
Interpretes: Colin Farrell, Sam Rockwell, Woody Harrelson, Christopher Walken, Tom Waits
Nota: 4
Sinopsis: Marty es un guionista incapaz de escribir su proximo guión titulado "7 psicópatas" pero todo dará un vuelto cuando por culpa de su amigo Billy se encuentre en amenazado por un mafioso por haber secuestrado a su perro.






Crítica:
Resulta curiosa la sección oficial del festival de cine de Sitges del 2012. Las limusinas blancas en las que los protagonistas recorrían la ciudad estaban presentes en dos de las películas mas esperadas: "Holy Motors" de Leos Carax y "Cosmopolis" de David Cronenberg. Pero las similitudes entre las películas de la sección oficial no acaban aquí, otras dos películas que igual no dieron tanto que hablar como las anteriores también tenían un punto en común poco habitual en las películas: el secuestro de perros. Estas películas eran "siete psicópatas" de Mcdonagh y "Wrong" de Quentin Dupieux. Además de la anécdota común entre las películas, estas también comparten en común su peculiar sentido del humor, pero mientras McDonagh intenta plantearlos una historia con personajes estrambóticos y surrealistas con una trama que por momentos parece delirante su apuesta se hace larga y por momentos pesada, Dupieux consigue hacer una pirueta en el surrealsimo marca de la casa con escenas realmente sublimes y un sentido del humor que por absurdo engancha.


No acabo de entender el cartel de "7 psicópatas", tal y como le dice el personaje de Walken al de Farrel sobre su guión cinematografico sus personajes femeninos son planos, están poco en pantalla y son incapaces de articular dos frases seguidas. Y como Mcdonagh intenta jugar con el metalenguaje dichos personajes femeninos son el fiel reflejo de lo que ocurre con ellos en "7 psicópatas" donde su presencia en pantalla es mínima y no aportan, salvo el de la mujer de Walken, absolutamente nada. Por lo que no tiene ningún sentido el lugar que Kyrulenko y Cornish ocupan en el y mucho menos que nos hagan pensar que dos ellas son alguno de los siete psicópatas..


Mcdonagh intenta hacer una película donde los personajes hablan mucho y son muy graciosos y por momentos lo consigue aunque sus referencias sean mas que obvias (el arranque con los dos mafiosos hablando de si alguna vez han matado disparando en un ojo podría ser considerado un descarte de un guión de Tarantino) pero cuya película adolece por un metraje muy estriado y donde la parte en la que los tres personajes principales (Walken, Farrel y Rockwell) se van al desierto se hace excesivamente larga


A pesar de los errores, la pelicula de Mcdonagh tiene sus aciertos y uno muy claro son sus actores: Farell puede que sea el que menos brilla de todos ya que su personaje no es para lucirse, Rockwell esta increíble aunque conforme avanza la película tiende a la sobreactuación y acaba cansando, Walken esta a su nivel habitual, Harrelson es un gran ganster y la aparición de Tom Waits, ese asesino que pasea con un conejo, es sublime. Además la composición de ciertas escenas esta muy lograda sobre todo cuando nos cuentan la historia de diferentes psicópatas como la del personaje de Tom Waits, impagable su encuentro con Zodiac, y la historia de venganza por el asesinato de una niña pequeña


"7 Psicópatas" es una película que promete pero que se va apagando con rapidez y acaba haciéndose larga. Es una lastima porque la historia podría haber dado para mas y el resultado es bastante irregular. Es seguro que la película encontrará su publico y probablemente se convierta en una pieza de culto pero a Mcdonagh había que pedirle mas, mucho mas de lo que nos ha ofrecido en "7 psicópatas". Una Lastima.



Lo Mejor: La historia del personaje de Waits.
Lo Peor:  Se hace muy larga

sábado, 2 de febrero de 2013

Crítica: Las ventajas de ser un marginado

Título: The Perks of being a Wallflower - Las ventajas de ser un marginado
Año: 2012
Genero: Drama
Duración:  102 min
Director: Stephen Chbosky
Guión: Sthepen Chbosky según su propia novela
Música: Michael Brook
Interpretes: Logan Lerman,  Emma Watson, Ezra Miller, Johnny Simmons, Nina Dobrev
Nota: 8
Sinopsis: Después de estar ingresado, Charlie llega al instituto, los mas de 1000 días que tiene por delante parecen un calvario hasta que conoce a Sam, Patrick y su grupo de amigos.








Crítica:
¿Cual es la mejor manera que tiene una persona que ha estado internada por problemas mentales para integrarse en el instituto? Conocer a una atractiva chica con fama de fácil porque los chicos la emborrachaban para meterle mano, conocer a su hermanastro gay que tiene una relación de la que no puede decir nada, conocer a una punk budista y conocer a una niña rica cuya afición es robar pantalones vaqueros en los supermercados. Este es el variopinto grupo de amigos que conocerá Charlie en el instituto. El marginado se junta con los marginados. Pero a estos marginados se les coge cariño desde el principio, Charlie parece una especie de Michael Cera (la película esta producida por los mismos que produjeron "Juno") y en cierto modo nos hace recordar a "Donnie Darko". Aquí no hay conejos gigantes que preciden el fin del mundo, pero si un chico con problemas mentales, que ve cosas y cuya relación con sus padres, aquí simplemente perfilada, no parece la mejor de todas. Pero si en "Donnie Darko"  Richard Kelly tiraba mas por la ciencia ficción, en "The perks of being a wallflowers" no hay ciencia ficción, simplemente un joven al que le cuesta encontrar su lugar en el mundo y por ende encontrar un lugar en el instituto. Sam (Emma Watson), Patrick (Enza Miller),  Alice (Erin Wilhelmi) y Mary Elizabeth (Mae Withman) resultan un entrañable grupo que se dedica a hacer proyecciones teatralizadas de "The rocky horror picture show",  a ver películas extranjeras (Tengo que reconocerlo, me ganó el hecho de que Mary Elizabeth le diga a Charlie: "tu primera película extranjera" como algo especial y que encima esa primera pelicula extranjera sea "El Gabinete del Doctor Caligari"), a tener ,como Sam, una foto de "La noche de los muertos vivientes" en su taquilla (De hecho, Tom Savini, director del remake de "La noche de los muertos vivientes" y colaborador de Romero como especialista en efectos especiales y puntualmente como actor sale en "The perks of being a wallflower interpretando a uno de los profesores) y se dedican a escuchar buena música aunque lo de Bowie no tiene nombre.


Estamos ante una comedia romántica de instituto pero que esta por encima de la media, el director trata a sus personajes con cariño y los muestra como personas reales con todos sus fallos y todos sus errores. En ningún momento los vemos como una panda de descerebrados cuya única finalidad en la vida en follarse todo lo que se mueve y en ningún momento los vemos como una burda caricatura de todos aquellos grupos de personas que se pueden encontrar en un instituto. Y este es uno de los grandes puntos a favor de "Las ventajas de ser un marginado", la naturalidad tanto de los personajes como del conjunto, el  respeto y el cariño de Chbosky por sus personajes. Hay que destacar al trio protagonista, Logan Lerman esta perfecto en esta mezcla de Michael Cera y Donnie Darko, sin mucho esfuerzo parece mostrarnos su fragilidad y sus ganas por sentirse aceptado (es realmente entrañable la escena del baile cuando a ritmo del "Come on Eileen" de los Dexy's midnight runners), Emma Watson esta simplemente adorable y nos encantaría que fuera esa chica a la que quisimos conocer en el instituto y por desgracia no lo hicimos. Y Enza Miller merce un capitulo aparte. Este chico me sorprendió en "We need to talk about Kevin" (Tenemos que hablar sobre Kevin), esa durisima película que te dejaba pegado a la butaca por la historia y porque la pelicula se beneficiaba de dos grandes actores, uno: Tilda Swinton y otro: un sorprendente Enza Miller que interpretaba al hijo de esta, mostrando una crueldad sin limites. Y resulta increíble un actor tan joven sea capaz de mostrar esa crueldad y luego mostrarnos una gran ternura como sucede en "The perks of being of Wallflowers"



"The perks of being of Wallflower" es una grandisima película, totalmente recomendable. Si estos fueran otros tiempos podríamos encontrarnos ante un nuevo "Breakfast Club", una de esas películas que  marcó a una generación, pero aquí no hay violencia, ni vampiros de instituto.. estamos ante gente real con la que nos podemos encontrar día a día..



Lo Mejor: La naturalidad del conjunto. La gran banda sonora
Lo Peor:  Cuando la historia toma los caminos de película romántica mas convencional