domingo, 31 de marzo de 2013

Crítica: Compliance


Título: Compliance
Año: 2012
Genero: Drama - Thriller
Duración:  90 min
Director: Craig Zobel
Guión: Craig Zobel
Música: Heather McIntosh
Interpretes: Dreama Walker, Ann Dowd, Pat Healy, Philip Ettinger, Ashlie Atkinson
Nota: 4
Sinopsis: Viernes noche en un restaurante de comida rápida. Falta personal y falta comida. Lo que parecía que iba a ser una noche de mucho trabajo se acabará complicando mas cuando un policía llame acusando a una de las empleadas de robar.





Crítica:
Basada en hechos reales, así se nos presenta "Compliance" una película donde una llamada telefónica desencadenará una dramática situación. El director, Craig Zobel, utiliza un espacio casi único para presentarnos el drama de una cajera acusada de haber robado dinero a un cliente. Nos encontramos ante un punto de partida estimulante: un espacio que puede resultar agobiante (una cajera retenida en un cuarto una de las noches de mas trabajo de la semana y sin suficiente personal y casi sin comida que ofrecer) y personajes que ante la presión de una situación excepcional no saben como actuar.  Pero Zobel no explora de manera satisfactoria la reacción de los personajes ante una situación así, simplemente cuenta lo que sucedió.  Estamos ante una historia basada en hechos reales y por lo que sabemos de la historia real lo que ocurrió entre la cajera, la encargada y su prometido esta reflejado de manera bastante fiel. Desde ese punto nada que objetar.


Pero creo que hay que ser críticos con una película que muestra un hecho tan insólito como este: alguien que dice ser policía acusa a una empleada de haber robado y esta es sometida a humillaciones por parte de la encargada y su prometido. Y es que Zobel ha perdido una gran oportunidad para realizar un análisis en profundidad de los personajes involucrados en tan critica situación, todo queda en la superficie, no hay un análisis de porque la encargada cree al policía que llama o porque su prometido hace lo que hace. Si, Zobel apunta que hay mucho trabajo, también que el prometido ha bebido pero pasa sobre estos hechos de manera muy rápida, sobre todo sobre el segundo. Tampoco hay una exploración en profundidad del conflicto fuera de la habitación donde se encuentra retenida la cajera. Las dudas el empleado o el posicionamiento de la segunda encargada parece mas bien un relleno de metraje que un intento de análisis de  como reaccionó la gente ante una situación como esta. Mas que narrar el hecho en si nos hubiera gustado que el director y guionista hubiera profundizado en les hizo actuar a las personas de la manera que lo hicieron.


También es posible que el problema de esta película sea que cuando llegamos al punto central del conflicto lo hacemos un tanto cansados, tenemos una sobresaturación de conversaciones telefónicas, nos hemos enfrentado a una primera parte de la película excesivamente lenta, donde Zobel no es capaz de transmitirnos empatía con los personajes, hecho que hace que veamos esta película con el piloto automático puesto. Por desgracia cuando la película se pone realmente interesante esta se acaba, dejándonos la sensación de que el autor no ha sabido muy bien medir que contar y como contar la historia en 90 minutos, profundizando demasiado en partes de la llamada telefónica que no eran necesarias. Una película prescindible



Lo Mejor: El tramo final de la película
Lo Peor: Tanta conversación telefónica acaba por cansarnos

viernes, 29 de marzo de 2013

Crítica: Los Increíbles


Título: Los increíbles
Año: 2012
Genero: Documental - Drama
Duración:  85 min
Director: David Valero
Guión: David Valero
Música: Vincent Barrière
Interpretes: Juan Eulalio López, Joana Martín Savall, Maria Moreno
Nota: 8
Sinopsis: La vida de  tres personas: ala rota, la mujer de hierro y la mujer radioactiva en su lucha contra las adversidades y su intento de salir adelante por muchas dificultades que encuentren..






Crítica:
Excelente documental de David Valero donde se muestra que los superhéroes, los increíbles, no son aquellos personajes con superpoderes que salen en los comics o en las películas, si no que están a nuestro alrededor, muchas veces pasando totalmente desapercibidos en su lucha diaria por salir adelante, superando las dificultades. Son necesarias películas así, muchas veces las personas no acaban de comprender lo duro que es luchar, hay que reivindicar la figura del héroe anónimo que no lucha contra un científico loco o contra pacientes fugados del Arkham si no que luchan contra la soledad, la enfermedad, la muerte...


Pocos documentales emocionan tanto. A pesar del desigual interés con el que podemos seguir las tres historias, es muy fácil empatizar con los protagonistas y eso en parte es gracias a ellos pero también al director que consigue mostrarnos, con mucho respeto, el día a día en la lucha de estas tres personas.  Para ello Valero usa una estructura fragmentada para narrarnos las historias, es probable que el uso de la fragmentación de las historias  haga que pueda costar centrarse en la historia, pero desde mi punto de vista es un gran acierto, Valero consigue gracias a esto que el interés no decaiga durante toda la película, compensando momentos de gran interés con otros que no lo son tanto.


Juan Eulalio Lopéz (Ala rota) a los 36 años perdió el control de su motocicleta debido a esto perdió la movilidad del brazo y esta situación le hizo sumirse en una depresión que acabo con su matrimonio y perdió su trabajo. Como muchos, Ala rota, esta solo y su discapacidad es para el, un handicap difícil de superar a la hora de conocer a alguien. La baza fundamental de esta historia son los vídeos que graba Ala rota como parte de su terapia, totalmente sinceros y totalmente desagarradores. Estos videos son un acercamiento a los sentimientos de Juan, a su intento por asimilar su discapacidad, a su intento por comprender los fallos que cometió en el pasado para no volver a repetirlos. Valero no nos cuenta la vida de Juan antes del accidente, simplemente usando una serie de fotografías muestra todo lo que Juan tuvo y perdió. Esto demuestra que si se sabe que contar, el como puede ser sencillo y conciso, no hace falta malgastar metraje dando vueltas al pasado si se puede mostrar directamente. La historia de Juan Eulalio López sirvió para que Valero realizara un corto que sirvió de germen para acabar rodando esta película.


Joana Martín (La mujer radioactiva), casada y con dos hijas se le detectó un tumor el pómulo de la cara. Valero muestra su lucha por salir adelante, la quimio, la radio, las operaciones... . En las tres historias Valero demuestra que sabe donde poner la cámara, pero es en esta historia donde Valero regala planos realmente increíbles como el de la hija de Joana esperándola en el hospital. Junto con los vídeos de Juan Eulalio, algunas frases de María Moreno, este plano se nos queda grabado en la retina y va a ser muy difícil que nos olvidemos de el. Y eso en un gran acierto de Valero, es capaz de crear imagenes basadas en lo cotidiano que se quedan grabadas a fuego.


La tercera historia es la de María Moreno, una anciana que ha firmado un pacto con Jesús para llegar a los 95 años y quiere renovarlo hasta los 100, escapando varias veces de la muerte. Quizás de las tres historias sea, desde mi punto de vista, la menos interesante, pero conforme avanza ese interés va creciendo. Igual que en las historias anteriores Valero vuele a dejarnos grandes escenas como la obsesión de esta por ir bien vestida cuando la entierren.


Estamos ante un grandisimo documental, que nos ofrece momentos difíciles de olvidar y que cuenta con una ultima escena, antes de que salga en pantalla el nombre del director, absolutamente perfecta. No había mejor manera de acabar un documental así. Totalmente recomendable.



Lo Mejor: La escena final. Las confesiones de Juan Eulalio a la cámara.
Lo Peor: Cuesta entrar en la historia de María Moreno.

miércoles, 27 de marzo de 2013

Crítica: Boy Eating the Bird's Food


Título: Boy eating the bird`s food
Año: 2012
Genero: Drama
Duración:  80 min
Director: Ektoras Lygizos
Guión: Ektoras Lygizos
Interpretes: Yiannis Papadopoulos, Lila Mpaklesi, Vangelis Kommatas, Kharálampos Goyós
Nota: 7
Sinopsis: Un joven sin trabajo vive en una situación precaria. Sin dinero  sus opciones para salir adelante son cada vez mas escasas.








Crítica:
El comienzo del aislamiento de un sin techo en la Grecia actual. Lygizos sigue la estela del cine de Lanthinos y  presenta una historia dura y sin concesiones al espectador. Lygizos no usa la narración para contarnos como el protagonista ha llegado a una situación tan critica, simplemente coloca la cámara y nos hace participes de su vida. No justifica lo que sucede en pantalla, tampoco muestra compasión, simplemente Lygizos se sitúa igual manera que lo hacen los Dardenne o Rebella y Stoll en "Whisky". No esperemos ver una película de acción o de diálogos, estamos ante una película pausada, que se toma su tiempo para contarnos como es el día a día del protagonista, hecho que nos puede llevar a pensar en algún momento que Lygizos no tenga mucho que contar. Pero pensar eso es un error, Lygizos nos presenta a un joven en una situación critica, no sabemos si esta situación ha hecho que el protagonista muestre signos de inestabilidad mental (por ejemplo persigue a una chica por la cuidad o para coger la comida del pájaro no va a la galería sino que se asoma por la ventana de la cocina) o si esta inestabilidad ha hecho que llegue a la situación en la que se encuentra. No vamos a encontrar explicaciones a las preguntas que nos vengan a la cabeza. Estamos ante una ventana abierta que nos muestra su desesperación, magníficamente plasmada durante la película, especialmente en ciertas escenas como con el uso de una única bombilla  para la cocina o el baño,  la persecución de esa chica que acaba por dejarnos una gran escena donde este explica exactamente como se siente, sus continuos abusos de la comida de su canario y alguna que otra cosa que haría las delicias del Pasolini de "Saló o los 120 días de Sodoma". Este es el mayor problema de escenas tan impactantes, son capaces de eclipsar a toda una película, y aflora el problema de quedarnos en la superficie y no profundizar en el porque ha llegado el protagonista a hacer lo que hace. Un director arriesga mucho cuando rueda algo así, caminar por el filo de una navaja puede hacer que te cortes y  hacer que la película quede relegada a ser recordada como "aquella en la que había una escena que..." tal y como le pasó al "The Brown Bunny" de Vincent Gallo


Lygizos usa la cámara de manera sencilla pero eficaz, durante parte del metraje vemos la espalda del protagonista (aunque no llega a estar tan presente como sucedía con la espalda del protagonista de la soberbia "Enter the Void" de Gaspar Noé) haciéndonos cómplices de sus acciones. El uso reiterado del silencio y del sonido, pasando de una escena donde se oyen ruidos a otra donde no se oye nada o más bien poco, hace que la sensación de realismo este presente durante toda la película y que el sentimiento de incomodidad vaya aumentando conforme avanza el metraje. Obviamente la situación del protagonista no solo refleja la situación de muchas personas en la Grecia de hoy en día, también refleja la situación de un país. Cuando vemos películas como esta nos queda claro que, aunque el actor pueda tener cierta libertad a la hora de actuar, los detalles están muy cuidados. No es una coincidencia que para proteger al canario de los gatos, el protagonista lo envuelva en una bandera griega. La metáfora esta ahí, es clara y directa.


En "Boy eating the bird's food" encontramos una gran película detrás de su envoltorio de aparente simplicidad. A pesar que a veces no acabamos de ver al protagonista como una persona que malvive (Que se desmaye o mostrar una reiterada caída de pelo debido a la malnutrición no hace que nos olvidemos que no se le ve excesivamente delgado u ojeroso..no se ven excesivos signos físicos de la malnutrición) si que vemos que la película es sincera tanto en el planteamiento de la historia como en el desarrollo de la misma.Una gran película.


Lo Mejor: La escena con la bombilla, como dejar claro todo en una sola escena.
Lo Peor: Que peliculas asi pasen completamente desapercibidas..

Crítica: Les Gouffres - The Sinkholes

Título: Les Gouffres - The Sinkholes
Año: 2012
Genero: Drama
Duración:  64 min
Director: Antoine Barraud
Guión: Antoine Barraud
Interpretes: Nathalie Boutefeu, Mathieu Almaric, Mario Dragunsky, Marta Hoskins
Nota: 5
Sinopsis: Mientras George va a explorar un sumidero, su mujer se quedará preparando el papel de esclava de Turandot. Pero la larga espera y el acercamiento a un personaje que no comprende hará de su espera una pesadilla.





Crítica:
Lo peor que podemos hacer al acercarnos al mundo que nos propone "Les gouffres" es pensar que estamos ante la típica película donde un grupo de gente se enfrenta a la exploración de una cueva. No nos encontramos ante ese tipo de película, debemos olvidar grandes películas como "The Descent". En "Les gouffres" Barraud sitúa la cámara en el otro lado, en el lado de aquellos que se quedan a esperar. Nno nos cuenta el descenso de Georges (Almaric) si no la tensa espera de su mujer France (Boutefeu)  y esto puede hacer que parte del publico sienta una ligera decepción. 


Y es que la mejor manera de acercase a esta película es contemplarla como el proceso de creación de un personaje (el proceso que recorren los actores para entender a sus personajes y ser capaces de interpretarlos) y la influencia de estos procesos en la vida de los mismos. Durante la larga espera de France esta prepara el papel de Liu, la esclava de Turandot, siendo incapaz de entender las motivación de esta para suicidarse en la obra de Puccini. Al igual que France con Liu, nosotros como espectadores tampoco entendemos las motivaciones de France, no comprendemos que pueda entrar a explorar una cueva solo con la ayuda de una linterna. Gracias a este hecho Barraud intenta que empaticemos con el personaje de France ante su incompresión con los sentimientos de Liu. Pero para llegar a poder entender hay que encontrar un sentido, hay que profundizar, hay que cruzar el lago. 


El conflicto y el acercamiento hacia su personaje se hace a través de un largo camino interior, "Les gouffres" no solo son sumideros físicos, también están dentro de nosotros y los sentimos. Ante la preocupación de France por su marido, la sirvienta que no sabe español dice: "siento preocupación pero no amor". Al contrario que el personaje de Turandot cuando este pregunta a la esclava como aguanta, ella responde que es por amor y se suicida. Cruzar el lago para encontrarse con Georges no solo es la herramienta para saber que siente por el y llegar hasta Liu, es un enfrentamiento con sus propios sentimientos. No cruzar significa no encontrar y por tanto su visión del mundo cambiará por completo. La persona amada no es como la vemos si no como queremos verla.


Y de esto nos habla "Les Gouffres", de como muchas veces hay que profundizar en los propios sentimientos que todos tenemos escondidos en cuevas dentro de nosotros para enfrentarnos a ellos, alterando nuestra visión del mundo y comprendiendo a los demás. Es probable que a "Les gouffres" se le pueda acusar de pretenciosa, su ritmo excesivamente lento y la forma tan escénica de mostrar a la gente en el sumidero ayuda a pensar en la pretenciosidad del conjunto. Tal vez a Barraud se le ha ido la mano a la hora de enfrentar a este personaje con sus temores de forma que el resultado final no es apto para todo tipo de publico, hehco que nos lleva a pensar que la vida comercial de esta película va a ser bastante corto por no decir practicamente nulo.
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Hay que acercarse a "Les gouffres" con tranquilidad, dejar que esta vaya evolucionando y vaya mostrando el proceso de enfrentamiento con sus sentimientos. El ritmo de "Les gouffres" puede hacer que cueste entrar en ella, es probable que algún personaje este fuera de lugar (como la sirvienta que no sabe castellano) y es probable que sobren algunas escenas: no es necesario mostrar el pantalón roto y no es necesario mostrar tanto paisaje cuando el conflicto ya ha tomado vuelo y esta presente en la película. Aún asi estamos ante una pelicula interesante, lastrada por su ritmo y sobre todo porque muchos de nosotros empezamos a verla pensando en que vamos a ver otro tipo de pelicula. Es una lastima que Almaric salga tan poquito pero compensa con una gran Boutefeu.


Lo Mejor: La actuación de Boutefeu en los cinco últimos minutos de la película.
Lo Peor: Su ritmo puede cansar a mas de uno.

miércoles, 20 de marzo de 2013

Crítica: Dust - Cenizas y Pólvora


Título: Dust - Cenizas y Pólvora
Año: 2001
Genero: Drama - Western
Duración:  127 min
Director: Milcho Manchevski
Guión: Milcho Manchevski
Música: Kiril Dzajkovski
Interpretes: David Wenham, Nikola Kujaca, Rosmary Murphy, Adrian Lester, Joseph Finnes
Nota: 6,5
Sinopsis: Un atraco frustrado por parte de Edge hará que Ángela le cuente la historia del enfrentamiento de dos hermanos por una mujer que los llevó hasta  Macedonia.  Edge escuchara la historia con el único propósito de averiguar donde nació Ángela para poder enterrarla allí y encontrar un  valiosisimo tesoro.






Crítica:
Milcho Manchevski es un director de cine originario de Macedonia que se dio a conocer internacionalmente gracias a la excelente "Before the Rain", película dividida en tres episodios donde se analiza el efecto de la guerra sobre las personas. En la primera de ellas, Manchevski profundiza en los efectos de la guerra entre países implicados en el conflicto: Un monje que vive en Macedonia acoge a una joven albanesa acusada de un crimen. En la segunda historia Manchevski analiza como un conflicto que nos parece lejano puede llegar a afectarnos de forma directa situando la acción en Londres y en la última de como el confito afecta a las propias familias. Durante toda la película Manchevski recalca una frase: "El circulo no se cierra", esta frase es una puerta a la esperanza, no vamos a repetir la historia, podemos seguir adelante sin cometer los mismos errores. Pero Manchevski le dio a "Before the rain" una estructura circular por lo que echa por tierra la mas mínima esperanza, estamos abocados a repetir la historia, no hay esperanza. "Before the rain" daría para hacer una análisis del conflicto en los Balcanes pero no es el momento ni el lugar. Debido al éxito de su primera película las expectativas por ver de que era capaz Manchevsky en su segundo largo estaban muy altas.


Macedonia y su historia están presentes en todas y cada una de las películas de Manchevski y "Cenizas y pólvora" ("Dust") no iba a ser menos. Partiendo de un fallido robo, Ángela tomará como rehén al desafortunado ladrón para contarle la historia de dos hermanos separados por el amor de una mujer, emigrados de América y que lucharon en Macedonia; uno de ellos (Elijah) con los turcos y el otro (Luke), después de ser cuidado por aquellos a los que quería matar, intentando salvar a la mujer que le cuidó (Aquí Manchevski utiliza una frase que da mucho que pensar:, donde básicamente nos dice que Luke dio un poco de armonía a la historia de Macedonia abandonado la casa de aquel a quien quiso matar y le cuidó). No podemos considerar que Luke luche a lado de los Macedonios simplemente por el hecho de que, tras ver la barbarie que estos han llevado a cabo en el pueblo de la mujer que le salvó la vida este intente ayudarla. Queda claro durante todo del metraje que Luke es un mercenario cuya única motivación es el dinero. De hecho ella en un momento le dice: "no luches por el oro, lucha por las personas".


Manchevski nos plantea dos historias: una en el presente situada en Nueva York y otra en Macedonia, lugar donde los tiempos coexisten,  a finales de 1800.(Atentos al uso de la música en la pelicula, donde no solo se funden los tiempos en Macedonia si no también la musica a lo largo de la pelicula)  Manchevski no consigue que el interés de las historias este a la par, la historia de nuestra narradora y su relación con el ladrón nos llega y nos conmueve. No deja de ser la típica historia una y mil veces vista de una persona que se ve obligada a escuchar a una persona moribunda, donde la evolución del oyente pasa de un sentimiento de profundo rechazo no solo hacia lo que escucha sino  también hacia la persona que se lo cuenta, a un tremendo cariño por ella.


La historia de los dos hermanos no nos acaba de conmover como debiera. Dos hermanos enfrentados por el amor de una mujer se vuelven a encontrar en medio de un conflicto en Macedonia. Uno de ellos solo piensa en el dinero y el otro, del lado de los turcos, hará lo posible por dar con su hermano y vengar la afrenta sucedida con su mujer. Tan brillante premisa acaba por no evolucionar de la manera deseada y el conflicto entre los hermanos no nos llega ni nos emociona y eso puede ser debido al esquemático personaje de Eliah (Joseph Fiennes) lo que implica que la relación entre ambos hermanos también este narrada de forma esquemática haciendo que lo que pase entre ellos dos no nos interese tanto como lo que sucede entre la narradora de la historia y su, al principio, forzado oyente.



Manchevski dota a la historia de los dos hermanos una estructura de western. ¿Un western en Macedonia? Si hacemos caso a la definición de la palabra western de la r.a.e tenemos que western es un "género de películas del lejano oeste" o "películas del lejano oeste", por lo que ante tal definición no podemos calificar esta película como western. Pero en género western hoy en día no se centra solo en el lejano oeste, películas que poseen ciertos rasgos en común con este género también son definidas como western a pesar de estar situadas en Macedonia como "Dust" o en Australia como la soberbia "The proposition". Desde ese punto de vista donde se trabaja sobre la misma premisa: personas luchando contra las tribus locales, en ambientes inhóspitos y muchas veces con cierta ambiguedad moral se puede considerar como western.



Pero Manchevski usa la historia de los dos hermanos no solo para contarnos la de la narradora, si no también para demostrarnos que la historia no tiene un punto de vista, la historia tiene el punto de vista de la persona que la cuenta y esto nos hace ver que lo que nos cuentan no tiene por que ser exactamente lo que sucedió, puede ser una exageración (muy bien explicado cuando entre Edge se queja de que primero eran 20 soldados turcos y poco después 200) o simplemente la versión que mas se ajuste a nuestro interés (sin saber Edge el final real de la historia el cuenta uno, dejándolo claro: "Es MI historia"). Otra vez se puede extrapolar este hecho a la historia, no solo de Macedonia si no a la historia en general, esta está contada desde el punto de vista del que la cuenta.



No estamos ni mucho menos ante el mejor Manchevsi pero no podemos decir que "Dust" no tenga elementos que no justifiquen su visionado. En muchas de las escenas se nota que Manchevski también es fotógrafo y la composición de las escenas esta muy estudiada: una de las que mas me impactó fue aquella en la que la anciana aparece en medio de la historia que esta contando. Es una lastima el desigual interés de las historias y esto hace que al final de "Cenizas y Pólvora" se nos quede una amarga sensación que nos lleva a pensar que esta película hubiera sido mucho mas grande si se hubiera afiando mas con la historia de los dos hermanos. La experiencia internacional de Manchevski



Lo Mejor:  El sueño de Luke
Lo Peor:  Otra vez nos encontramos con el mismo fallo: las historias no se siguen con el mismo interés

domingo, 17 de marzo de 2013

Crítica : Spring Breakers


Título: Spring Breakers
Año: 2012
Genero: Drama - Thriller
Duración:  94 min
Director: Harmony Korine
Guión: Harmony Korine
Música: Cliff Martinez y Skrillez
Interpretes: Selena Gomez, Vanessa Hudgens, James Franco, Ashley Benson, Rachel Korine, Heather Morris
Nota: 7
Sinopsis: Cuatro amigas quieren disfrutar de sus vacaciones y poder asi escapar de su monotona existencia. Robar una cafeteria para poder costearse las vacaciones solo será el principio de un viaje que las cambiará para siempre..






Crítica:
Harmony Korine es el escritor del guión de "Kids" dirigida por Larry Clark. Todavía recuerdo la sensación con la que salí del cine al ver esta película y no es precisamente un recuerdo agradable. "Kids" me parece una grandisima película pero las aventuras de ese grupo de chicos me dejo trastocado, sobre todo la historia de los personajes de Leo Fritzpatrick y Chloë Sevigny, por lo que cuando me acerco de nuevo al universo Korine lo hago con mucha cautela, sabiendo que me puedo encontrar con otra película que me deje una sensación un tanto incomoda..



Es inevitable hablar de Disney en la nueva película de Korine y es que "Spring Breakers" tiene un elemento publicitario enorme: la presencia de dos de las chicas Disney (Hudgens y  Gomez) desmelándose de la mano de Korine y dejando de lado todo aquellos valores que defiende Disney. Korine sabe jugar con este hecho y no solo hace que Hudgens y Gomez protagonicen la historia si no que también usa una canción de Brittney Spears (otra ex-chica Disney) en un grandisimo montaje lleno de violencia. Korine sabe usar y mostrar el lado oscuro de Disney en todo su esplendor. 



Korine no tiene entre manos una historia novedosa: cuatro chicas hastiadas de la vida se van de vacaciones donde conoceran todo tipo de excesos y acabaran conociendo a un ganster local que les abrirá las puertas a un mundo para ellas desconocido, tan seductor como peligroso. Pero donde Korine marca la diferencia es en el montaje de la pelicula: escenas fragmentadas, escenas contadas desde dos puntos de vista (soberbia la escena del robo visto desde el coche y luego desde la misma cafeteria), frases que se repiten (como cuando las chicas hacen referencia al miedo de Alien para enfrentarse a su enemigo) y un uso de la imagen y de la musica realmente increible. Todo ello nos sirve para entrar en ese mundo de desfase en el que se adentran las chicas tanto por su propia iniciativa como por la influencia del personaje de James Franco


Por encima de su montaje, de su música o del hecho de que las cuatro protagonistas vayan en bikini durante gran parte del metraje nos encontramos ante una película que habla del vacío y del abismo al que parecen abocadas nuestras vidas. Las cuatro protagonistas desean huir de su día a día y su vía de escape es mediante el uso de todo tipo de drogas y alcohol durante la fiesta de la primavera. Tras una redada policial las cuatro chicas son detenidas y un extraño personaje local les paga la fianza. Es curioso el efecto que este personaje tiene sobre ellas, excepto sobre el personaje de Selena Gomez (Faith, la mas espiritual de las cuatro, la que comenta a su abuela que se encuentra en el lugar mas espiritual del mundo y que desea que el tiempo se congele para así poder disfrutar de esos momentos de diversión eternamente), abduciendolas, haciendo de su nombre algo mas que un mero pseudonimo, se hace llamar Alien (tal y como el dice se llama así porque no es de este mundo, aunque esto podría llevarnos incluso a pensar en una especie de nuevo mesías cuyo mensaje es ser malo y divertirse) , llevándolas a su terreno, donde el dinero fluye y la diversión y el sexo están a la orden del día  Por supuesto mucha gente se va a quedar en el envoltorio y no va a profundizar en ese hastío cada vez mas generalizado en la sociedad y las diversas vías de escape cada uno puede encontrar para huir de el.


No estamos ante una película para todo tipo de públicos  tanto por su temática como por su montaje (siendo este excelente es fácil que pueda disgustar a todos aquellos a los que les gusta ver películas lineales, donde todo lo que sucede entre el principio y el final de la misma esta contado sin salto y de manera sencilla y ordenada). Es posible que a Korine se le haya ido la mano a la hora de meter imágenes de la fiesta, cosa que nos hace pensar por momentos en la ausencia total de algo que contar pero justo en ese momento el personaje de James Franco para volver a enfilar la historia. El quinteto protagonista esta perfecto, tanto James Franco en su papel de ganster como las cuatro chicas. Hay que recalcar los momentos que nos regalan Franco con Hudgens y Benson así como las conversaciones de las chicas con sus familias donde expresan como se sienten. Es probable que mucha gente acuse a la película de nihilista, de ser un alegato a favor de las drogas o de la violencia gratuita, cada uno somos libres de ver y juzgar como creamos, para mi "Spring Breakers" habla sobre todo de una parte de la juventud que se encuentra perdida y que se aferra a cualquier vía de escape con tal de no tener que volver a enfrentarse con su día a día  Quizá haya otras maneras para mostrar este sentimiento, la de Korine es una mas, aunque quizás excesiva..



Lo Mejor:  Los cinco protagonistas. El montaje. La música
Lo Peor:  Un exceso de imágenes de la fiesta

viernes, 15 de marzo de 2013

Crítica: El país del silencio y la oscuridad - Land of Silence And Darkness


Título: Land of Silence and Darkness - Land des Schweigens und Dunkelheit
Año: 1971
Genero: Documental
Duración:  85 min
Director: Werner Herzog
Guión: Werner Herzog
Interpretes: Fini Straubinger, Vladimir Kokol, M. Baaske, Elsa Fehrer, Resi Mittermier
Nota: 8
Sinopsis: Usando la figura de Fini Straubinger, sordo-ciega desde su adolescencia, Herzog nos cuenta las dificultades de varios sordo-ciegos para poder adaptarse al mundo que les rodea.






Crítica:
Personalmente creo que Herzog es un personaje fascinante  Alguien capaz de crear películas como "Fritzcarraldo", "Aguirre, la cólera de Dios", capaz de llevar a su terreno adaptaciones como la de "Nosferatu" o el remake de "Teniente Corrupto" del no menos singular Abel Ferrara, capaz de rodar documentales que no solo se dedican a narrar ciertos hechos sino que también son un profundo análisis de la naturaleza humana, presentando muchas veces personajes tan extraños y fascinantes como el propio Herzog (Podemos tomar como ejemplo al protagonista de "Grizzly Man", a ese hombre que toca el himno americano con una flauta copia de la que se usaba en la prehistoria o sin ir mas lejos su relación de amor-odio con Klaus Kinski en el documental "Mi querido Enemigo". Herzog es capaz de sorprendernos, tanto en sus películas como fuera de ellas. Es obligatorio recordar el corto en el que Herzog cocina y se come un zapato para cumplir una promesa.


En "Land of Silence and Darkness" Herzog nos muestra a través de Fini Straubinger el aislamiento de varias personas sordo-ciegas. Este aislamiento es debido tanto a su discapacidad como a la incapacidad de los familiares para enfrentarse a ella y, no solo no saber como ayudar sino también no saber como estimularles para afrontar su discapacidad y  enfrentarse a la sociedad. Herzog no cae en el sentimentalismo, no intenta forzar nuestra empatía con los protagonistas del documental. La cámara no es mas que un espectador objetivo y se presenta como una ventana abierta para mostrarnos su día a día: Kokol jugando con la pelota sentado a lado de la cama, el miedo ante el agua de uno de los hermanos sordo-ciegos de nacimiento o el encuentro entre el hombre y el árbol en el jardín de la casa.. El uso de la voz en off es escaso, no interfiere en las imágenes y sirve, sobre todo, para apuntar ciertas ideas o conceptos que de otra forma seria imposible: Ante sordo-ciegos de nacimiento, la voz en off nos recalca que podemos enséñales conceptos abstractos pero puede ser difícil si no imposible saber que significan exactamente esos mismos conceptos para ellos.



Fini Straubinger sirve de nexo de unión entre las historias. Herzog nos presenta la de Straubinger, como perdió la vista y poco a poco se fue quedando sorda para llegar a uno de los grandes momentos de documental es cuando la propia Straubinger explica como se siente al estar ciega y estar sorda. Herzog viaja con Straubinger al encuentro de otras personas sordo-ciegas: una mujer que lleva desde que falleció su madre sin hablar con nadie porque esta era la única con la que se podía comunicar, los dos hermanos (ella sorda y parcialmente ciega y el sordo-ciego) esos otros dos hermanos sordo-ciegos de nacimiento, el caso de Kokol,  sordo-ciego de nacimiento cuyo padre no supo o no pudo ayudarle y estimularle, haciendo que con 22 años sea incapaz de andar o hablar y parece que no va a ser posible que lo haga nunca. Tampoco Kokol es capaz de comer alimentos sólidos ya que no ha aprendido como masticar y empujar el bolo alimenticio con la lengua. Straubinger no es solo el nexo en común de las diversas historias que se presentan en el documental, si no que además es un personaje activo dentro de el, intentando ayudar a comunicarse a la mujer que no habla con nadie desde que su madre falleció o haciendo las preguntas que a nosotros como espectadores nos vienen a la cabeza y obviamente no podemos realizar; en la historia de Kokol, Straubinger hace esto cuando pregunta como Kokol es capaz de distinguir entre el día de la noche.


Finalmente  Straubingen nos presenta la historia de un hombre que fue descuidado por su familia y abandonado por la sociedad y vivió aislado durante una temporada con las vacas de un establo. Esta ultima historia nos regala uno de esos momentos que parecen sacados de la imaginería de Herzog, tanto en la forma: ese momento del encuentro entre el hombre con el árbol  como en el fondo una persona aislada de la sociedad, del mundo que le rodea.


Uno de los grandes aciertos del documental es su concisión, su corta duración esta aprovechada al máximo  Si que es una lastima que no se haga mas énfasis no ya en la comunicación de los sordo-ciegos (tienen que ir acompañados de alguien que les traduzca lo que dice la gente) si no en el complicado (por lo menos para mi) lenguaje táctil que usan para comunicarse. Y como en todas las películas o documentales donde se nos presentan diversas historias, es difícil que el espectador siga todas las historias con el mismo interés  y en este caso no iba a ser menos, no todas las historias nos llegan de igual manera y eso puede hacer que el resultado final pueda resultar desigual. Pero por encima de todo "Land of Silence and Darkness" es un grandisimo documental que merece ser descubierto. 



Lo Mejor:  La explicación de Straubinger explicando que es para ella estar ciega y sorda
Lo Peor:  No todas las historias nos despiertan el mismo interés

lunes, 11 de marzo de 2013

Crítica: Hisss


Título: Hisss
Año: 2010
Genero: Drama - Fantasia
Duración:  98 min
Director: Jennifer Chambers Lynch
Guión: Jennifer Chambers Lynch
Música: Alexander Bubenheim
Interpretes: Irraf Khan, Mallika Sherawat, Jeff Doucette, Divya Dutta, Raman Trikha
Nota: 3
Sinopsis: Debido a un tumor cerebral, Georges se aferra a su creencia en una antigua leyenda en la que una serpiente convertida en mujer convertirá en inmortal a aquel a quien le entregue una piedra preciosa conocida como Nagmani






Crítica:
Tercer largo de la hija de David Lynch, tras su decepcionante debut "Mi Obsesión por Helena" ("Boxing Helena") y su irregular pero interesante "Surveillance". Y es que ser hija de Lynch debe de abrir muchas puertas en la industria pero a la vez hace que los seguidores de su padre miren su trabajo con lupa. ¿Estará en buenas manos el apellido? ¿Será una digna sucesora? Si hubiera visto esta película en el año en que se rodó habría dicho sin duda alguna que no, que toda la grandeza del padre no ha pasado a su hija. Si lo tengo que decir hoy diría eso de quizás.. y quizás porque en el 2012 rodó "Chained" una muy interesante película con un gran Vincent D'Onofiro (Premio al mejor actor en el festival de cine fantástico y de terror de Sitges en el 2012) y un no menos excelente Eamon Farren. Y a pesar de las presiones por parte de los productores sobre el producto final (Si yo fuera productor de "Chained" y hubiera visto "Hisss" también quería controlar el montaje final de la película..) Lynch demuestra que sabe manejarse en un espacio casi único y con un numero muy reducido de actores sin aburrir, cosa que no es precisamente fácil.


"Hissss" es una película realmente decepcionante. La aventura india de Lynch no podía ser peor, algunas de sus escenas son sonrojantes: la mujer serpiente trepando por un poste de la luz, la persecución por las calles tras el encantador de serpientes, ese baile tipo bollywood en medio de una fiesta que no acabamos de entender.... Y de los efectos especiales mejor no hablar. Antes de la película se nos informa que las serpientes no son reales, no hacia falta que lo dijeran. Resulta sorprendente que alguien como Robert Kurtzman este detrás del diseño de la criatura.. Lynch quería que los efectos especiales parecieran sacados de una película de Bollywood pero la transformación de la mujer en serpiente parece sacada de la saga "Anaconda". Cuanto se tiene que aprender de Rick Baker y su excelente trasnformación de hombre en lobo en "Hombre lobo americano en Londres" ("An american werewolf in London"). Si observamos la fotografía de abajo podemos observar que la mujer serpiente lleva en la mano un simple guante..


Pero los efectos especiales no dejan de ser algo anecdótico, hay muchas películas que tienen efectos especiales muy poco logrados y tienen mucho encanto, y esto se consigue porque hay algo que contar y porque se hace con gracia.  En "Hisss" si que hay algo que contar pero no pasa de ser una anécdota para un capitulo de "Masters of horror" pero sin chispa, sin conseguir captar el interseres del espectador. Todo en "Hisss" parece un quiero y no puedo..Lynch intenta dar una profundidad a la historia contando la relación entre el protagonista, que interpreta al policía encargado del caso, con su mujer y su intento de tener hijos pero parece que llega un momento en el que a Lynch ya no le interesa contar esta historia y prefiere centrarse en la relación del policía con su nuevo compañero, dejandonos las dos historias deslavazadas y todo queda apuntado pero nada contado con profundidad.


Supongo que la única manera de disfrutar de una película así es tomársela con humor, pero debe ser que mi concepto de lo gracioso dista mucho de el de Lynch y la única escena que consiguió arrancarme una sonrisa (por ridícula) es en la que la mujer se lo monta con la serpiente.. Pero desde cuando las serpientes rugen?. Tampoco podemos ver "Hisss" como un homenaje a las peliculas fantasticas hechas en la India, hay muchos homenajes a peliculas de series B o Z hechos por fanaticos de este tipo de generos hechos desde el respeto y la admiración  y eso se nota en el producto final, aqui no sentimos en ningun momento esa pasión de la directora por el cine hecho de Bollywood, si no mas bien como un capricho personal. Si alguien quiere ver como se las gasta la Jennifer Lynch mejor que vea "Chained" o "Surveillance" y no pierda el tiempo con un producto como este. Y en caso de quere ver el trabajo de un digno sucesor de su padre, recomiendo "Antiviral" de Brandon Cronenberg.


Lo Mejor:  Su breve duración.
Lo Peor:  Estamos ante un producto mediocre sin la minima gracia, una lastima.

domingo, 10 de marzo de 2013

Crítica: Manhattan Sur - Year of the Dragon

Título: Manhattan Sur - The year of the Dragon
Año: 1985
Genero: Thriller - Drama
Duración:  134  min
Director: Michael Cimino
Guión: Oliver Stone y Michael Cimino según la novela de Robert Daley
Música: David Mansfield
Interpretes: Mickey Rourke, John Lone, Ariane, Victor Wong, Eddie Jones, Caroline Kava
Nota: 7,5
Sinopsis: Stanley White el más condecorado policía de la ciudad pide su traslado al distrito de Manhattan para intentar luchar contra las triadas y contra el joven Joey Tai que se ha convertido en el nuevo jefe de la mafia china.





Crítica:
La figura de Cimino va a estar siempre ligada a dos películas: "El Cazador" ("The Deer Hunter") y "La puerta del cielo" ("Heaven's gate"). Con la primera hizo un durisimo relato de la guerra de Vietnam y las consecuencias que tuvo para todos los implicados de manera directa porque fueron a Vietman a luchar o de manera  indirecta porque se quedaron en América esperando a sus parejas o a sus amigos. Cimino impactó y con esta soberbia película  ganó 5 Oscars entre ellos los de mejor película  mejor director y mejor actor secundario (Christopher Walken). Aunque hay que reconocer que "El Cazador" esta afectada por lo que podríamos llamar efecto Cimino: hacer todo a lo grande, sobre todo en lo que se refiere a metraje pero que aun así  nos ofreció sus mejores películas : "El Cazador", "La puerta del cielo" y "Manhhatan Sur". De hecho cuando Cimino se ha mostrado mas comedido es cuando nos ha ofrecido sus obras mas flojas como "37 horas desesperadas" o "Sunchaser"


Pero sobre todo el nombre de Cimino va unido para bien y para mal a "La puerta del Cielo". Y es que hubo un antes y un después de esta película. Después de triunfar con "El Cazador", Cimino se convirtió el niño mimado de la industria y  tuvo libertad absoluta para rodar su siguiente film, una enorme (en todos los aspectos) película del oeste cuyo primer montaje rondaba las cinco horas y media. La película fue cercenada para su estreno comercial quedándose en 149 minutos, haciendo difícil la compresión de lo que sucedía en pantalla. Esto hizo que el público y la crítica dieran la espalda a la película, convirtiéndose en un fracaso comercial y haciendo que Ciminio ganara, en 1982, el razzie al peor director. Según se comenta, el carácter tiránico de Cimino, el presupuesto que se vio incrementado de forma desmesurada (Se cuenta que Cimino se obsesionó  del tal manera con su intento de reflejar fielmente la época que hizo que se buscara una locomotora que fuera una replica exacta de las de entonces) e incluso que parte del presupuesto se dedicó a la compra de cocaína hicieron del rodaje una autentica tortura que se vio reflejada en el producto final . Pero con todos sus excesos (Volvemos a encontrarnos con un prologo excesivamente largo como ya sucedía con la boda de "El cazador") "La Puerta del cielo" en su versión de 219 minutos es una obra maestra, una de esas películas que son de visión obligada:  Por desgracia, su duración y el aura de película maldita hacen que la gente no se adentre en la visión que Cimino nos ofrece de la América de 1890.


Después del batacazo tanto comercial como critico de "Heaven's gate", Cimino volvió a rodar una película con, curiosamente Dino de Laurentis en tareas de productor, justo un año después del fracaso de este con la película "Dune" (Otra película de esas que hay que recuperar) y coescribiendo el guión con Oliver Stone que todavía no había brillado como director, aunque ya había rodado la muy apreciable "La mano" ("The hand"), pero venia de firmar el guión de la excelente "El precio del poder" ("Scarface").


En "Manhattan Sur" el tandem Cimino-Stone, basándose en la novela de Robert Daley,  nos cuentan la historia de  Stanley White, uno de los policías mas condecorados de la ciudad, que pide el traslado al distrito de Manhattan para luchar contra las triadas que se han hecho con el control de esa parte de la ciudad gracias a los "acuerdos" a los que han llegado con la policía. Como siempre ocurre en este tipo de películas  el policía insobornable que lucha para que la justicia brille en su ciudad deja de lado a su familia en este caso a su mujer, olvidándose de ella y de sus necesidades. Es una constante en este tipo de películas donde se nos presenta una persona que quiere imponer justicia y tener bajo control una ciudad o una parte de ella pero que es incapaz de llevar las riendas de su vida y sacar adelante una familia. Por lo que para todos aquellos que estemos habituados a ver este tipo de cine no nos vamos a encontrar con una historia excesivamente novedosa.


Cimino vuelve a mostrarnos una de sus obsesiones que ya se vieron reflejadas en, por ejemplo: "El Cazador" y "La puerta del cielo"; los inmigrantes formando parte de la historia de los estados unidos. En "El Cazador" Cimino nos cuenta la historia de tres americanos de origen ruso que luchan por su país en la guerra de Vietnam sufriendo devastadoras consecuencias. En "La puerta del cielo" tenemos la lucha entre los grandes terratenientes de Wyoming contra los inmigrantes europeos. Y en "Manhattan sur" esta Stanley White, un polaco que ha crecido dentro de su comunidad acaba convirtiéndose en policía para enfrentándose con las mafias chinas. Aquí tenemos otro punto en común con "El Cazador",  los tres amigos de origen ruso de esta, como los amigos polacos de "Manhattan sur" han crecido en Estados Unidos, pero siempre dentro de su comunidad sin olvidar su raíces,   y eso a pesar de que  White  ha cambiado su nombre, pero recuerda constantemente su origen polaco. Este policía de origen polaco se va a enfrentar a las mafias chinas.  Y esto nos sirve para enlazar con "Heaven's Gate", la historia de los primeros chinos llegados a Estados Unidos que ayudaron a construir el ferrocarril y parece que han sido olvidados, igual que aquellos inmigrantes europeos de "Heaven's gate". Enlazando "El cazador", "Heave's gate" y "Manhattan Sur" Ciminio parece querer recordarnos lo importantes que fueron los inmigrantes en la historia americana.



A Mickey Rourke por desgracia la gente lo recuerda por haber sido el protagonista de "9 semanas y media" ("Nine 1/2 weeks"), por los destrozos que se ha hecho en la cara con la cirugía estética y por su resurgimiento de la mano de Aronosky con "El luchador" ("The Wrestler"). Pero no debemos olvidar que Rourke fue un actor con un grandisimo potencial como ya demostró en "El corazón del Ángel" (Angel heart"), "La ley de la Calle" ("Rumble Fish"), "Manhattan Sur", llegando a interpretar al alter ego de Bukowski, Henrry Chinasky en "El borracho" ("Barfly"). Así que en en "Manhattan Sur" tenemos al mejor Rourke, Cimino lo sabe y se aprovecha de esto, haciendo que Rourke sea el centro de la película y como tal todo gire en torno a el. Y no podemos quejarnos ya que Rourke esta perfecto como duro policía cuya familia se desmorona.


Durante la película se nota que se ha vuelto a meter la tijera ya que nos queda la sensación de que ciertas escenas se han apresurado demasiado, ciertos cortes en la película hacen pensar que se han dejado partes importantes fuera de la película como en la relación entre White y su amigo de la infancia que ahora es su superior o en la relación entre White y Ariane. Esta sensación de que algo se ha quedado en la mesa de montaje o de que ha llegado un punto en el que han querido acabar la película con celeridad se observa claramente en otras obras de Cimino como en la parte final "37 horas desesperadas" ("Desperate hours") donde la presencia de la policía en la persecución del personaje de David Morse y el hallazgo del cuerpo de una de las victimas no se acaban de entender siguiendo la narración llevada por Cimino hasta entonces.



Otro rasgo común que podemos encontrar entre "El cazador", "La puerta del cielo" y "Manhattan sur" es la banda sonora. Si bien la primera fue compuesta por Stanley Mayers y las dos siguientes por David Mansfield, encontramos que algunos de los temas podrían estar en cualquiera de las otras películas y nadie notaria la diferencia.



Con todos sus aciertos y fallos, "Manhattan Sur" es una gran película  un thriller donde podemos encontrar el sello Ciminio y Stone, cosa que siempre es de agradecer. Aunque se mueve por caminos una y mil veces vistos, sabemos quien va a morir y como, pero se que se beneficia de un gran Rourke perfectamente acompañado por todos los secundarios. Es una lastima que nos quede esa sensación de que nos querían contar mas pero es de agradecer que después de "La puerta del Cielo" alguien volviera a contar con Ciminio (y no lo despidiera como pasó con "Footloose") y nos regalase una película como esta.


Lo Mejor: Mickey Rourke. La escena de la pelea con su mujer.
Lo Peor:  Cierta sensación de que hay partes que se han quedado en la mesa de montaje

martes, 5 de marzo de 2013

Crítica: Deranged



Título: Deranged - Yeon-ga-si
Año: 2012
Genero: Thriller
Duración:  109 min
Director: Jeon-woo Park
Guión: Jeon-woo Park
Interpretes: Dong-wan Kim, Ha-nui Lee, Jung-hee Moon, Kim Myeong-min
Nota: 6
Sinopsis: Un extraño parásito hace que la gente infectada después de unos días de voraz apetito, estén tan sedientos que hace que se suiciden lanzándose a los ríos. Debido a esto el parásito se transmitirá con mayor rapidez..




Crítica:
Cogemos "Contagio" de Soderbergh y "The bay" de Levinson, lo pasamos por el filtro del cine surcoreano y obtenemos "Deranged". Y es que si hemos visto las películas de Soderbergh y Levinson, la historia de Jeon-woo Park no va a sorprendernos. Nos encontramos con una variante de "The Bay" (No se que película fue antes, si la de Levinson o la de Jeon-woo Park, pero yo vi antes la de Levinson cosa que al visionar "Deranged" se nota y mucho) un parásito que solo afecta a animales sufre una mutación y empieza a afectar a humanos con mortales consecuencias. En "The Bay" el parásito devora a las personas desde dentro y Levinson rueda la película como un found footage, es decir mediante el uso de cintas grabadas por los protagonistas y por cámaras de seguridad que han sido recuperadas después de que pasará, en este caso, la propagación del parásito por todo un pueblo. La película de Jeon-woo Park se aleja del found footage para presentarnos una narración clásica y en "Deranged" nos encontramos con otro parásito que crece dentro de las personas y que no las devora desde dentro si no que se adhiere al tracto intestinal para alimentarse y crecer y una vez se ha desarrollado lo suficiente hacer todo lo posible por salir de huésped  bien sea haciendo que este se lance al agua, bien intentándolo de cualquier otra manera, lease por cualquiera de los orificios corporales. Pero tranquilos, no estamos ante una película de género gore y esta última posibilidad para que los parásitos salgan del huésped esta solo perfilada en "Deranged". Una lástima porque este hecho haría que la película alcanzase un punto terrorífico y desagradable que le haría ganar muchos enteros.


La otra referencia clara es "Contagio" de Soderbergh. En ambas películas encontramos como seria la psicosis colectiva provocada por un agente (virus o parásito  mortal) para el cual no hay una cura realmente efectiva. Tanto en la cinta de Soderbergh como en la de Jeon-woo Park se explora este ambiente de miedo y de histeria y en ambas esa aroma de miedo esta muy conseguido. Es fácil pensar que si nosotros o cualquiera de nuestros familiares estuviera infectado por un virus o por un parásito  en el momento en el que hubiera alguna cura nos lanzaríamos como locos a las farmacias o asaltaríamos a quién fuera con tal de conseguirla. Pero mientras en la película de Soderbergh (definida por muchos como una nueva visión de "La amenaza de Andromeda" influenciada por la psicosis del N1H1) se centra en la investigación de una cura, en "Deranged" el director se centra, tanto en el drama familiar del protagonista como en las perversas maquinaciones de las farmacéuticas para soltar un parásito mortal y así hacer que las acciones suban de precio. Obviamente la película de Jeon-woo Park esta también claramente influenciada por los hechos que se produjeron hace pocos años con el N1H1, donde gracias a la difusión de medios de comunicación y la ayuda de muchos gobiernos, se vendieron miles de vacunas para frenar esta nueva cepa del virus de la gripe, haciendo que muchas farmacéuticas subieran en bolsa, ganando millones de dolares. Nunca sabremos si alguna de estas teorías son ciertas o no,  pero lo que esta claro es que mucha gente se hizo muy rica gracias a la difusión de ese miedo. Todo tipo de teorías conspiratorias surgieron con este tema y "Deranged" bebe directamente de ellas y las plasma en pantalla.


"Deranged" nos muestra a dos hermanos enfrentados por una mala inversión económica. Uno de ellos trabaja en una farmacéutica y el otro es un simple policía que esta investigando lo sucedido. La infección de la mujer e hijos del primero harán que ambos hermanos acaben por hablarse y trabajen juntos. Como se ve el hilo argumental de la película no brilla precisamente por su originalidad. Tampoco su desarrollo, que sigue las lineas del cine de o sobre infectados en cualquiera de sus variantes. Aún así Jeon-woo Park  consigue mantener el ritmo y hace que sigamos la película con interés tras un arranque un tanto dubitativo donde se nos presentan a los personajes principales. Si que hubiéramos deseado que la película fuera un poquito mas corta, ya que los trozos del gimnasio donde se hayan confinados los infectados se hace un tanto pesado, asi como alguna de las peripecias del protagonista para conseguir una dosis del medicamento. Tampoco acabamos de entender porque después de que un señor mayor que trabaja en un parque nacional le diga al hermano policía que antes de que empezara la temporada turística vio a unos hombres tirar a unos perros enfermos al río,  no se explota mas esa linea de investigación. Pero esto no deja de ser un asunto menor, es mas fácil resolver el misterio gracias a que el amigo que hizo que tu hermano se arruinara averigüe quien se esta enriqueciendo con la venta de acciones


"Deranged" es una película que se sigue con interés  a pesar de sus imperfecciones y de ser un producto que no es precisamente novedoso, pero aun así entretiene y eso hoy en día es algo que no es tan fácil de conseguir.



Lo Mejor: Resulta entretenida
Lo Peor:  La hemos visto una y mil veces

lunes, 4 de marzo de 2013

Crítica: Searching for sugar man


Título: Searching for Sugar Man
Año: 2012
Genero: Documental
Duración:  86  min
Director: Malik Bendjelloul
Guión: Malik Bendjelloul
Música: Rodriguez
Interpretes: Stephen "Sugar" Segerman, Dennis Coffey, Mike Theodore, Dan DiMaggio, Williem Möller..
Nota: 8
Sinopsis: Rodríguez fue un canta-autor sin éxito en Estados Unidos pero que triunfó en Sudáfrica  Dos de sus seguidores quisieron indagar en quien era Rodríguez y averiguar como murió: si se suicidó pegándose un tiro en la cabeza en el escenario o prendiendo se fuego.





Crítica:
La realidad supera a la ficción y quien no se lo crea que se adentre en la excelente propuesta de Bendjelloul: la investigación acerca de quien fue y que fue de Sixto Rodríguez, un cantante que sacó dos discos en Estados Unidos y que fueron un fracaso de ventas allí pero increíblemente se convirtió en un ídolo en Sudáfrica. Bendjelloul toma como base la investigación llevada a cabo por dos de sus seguidores para intentar averiguar que fue de Rodríguez. Como suele ser habitual, todo tipo de leyendas urbanas sobre la muerte de Rodríguez fueron creciendo: en un concierto en el que había sido abucheado cogió una pistola y se voló  la cabeza, se prendió fuego en el escenario, murió de sobredosis en la cárcel...


"Searching for sugar man" cuenta la búsqueda del ídolo por parte de dos seguidores sudafricanos. Solo tomando este punto de partida se puede justificar que Bendjelloul deje fuera datos vitales en la historia que nos esta contando. Se centra en el éxito que tuvo Rodriquez en Sudafrica pero se omite todo lo relacionado con el éxito de este en Australia y de como en el 79, Rodríguez hizo una gira en este país donde se jugaba con las diferentes leyendas que hacían referencia a su muerte y sacó un disco en directo "Rodríguez Alive" que se publicó en el 81, para después retirarse. Pero ocultar este hecho y nuestro desconocimiento sobre Rodríguez,  hace que Bendjelloul juegue con ventaja y nos haga creer durante gran parte del metraje que Rodríguez realmente se suicidó. Resulta harto extraño que durante la investigación de que fue del cantante no se haga referencia a esta gira que hizo. Sobre todo porque después de esta gira desapareció, por lo que por un momento efímero obtuvo cierto reconocimiento y por que un hecho así no hace sino agrandar el aura de leyenda.


Este hecho que se oculta  no merma el creciente interés durante el visionado del documental, es mas le favorece. Le da una profundidad y una emoción pocas veces vista. La reacción de su familia, de sus amigos al descubrir quien fue Rodríguez y lo que significó para muchos de los jóvenes que vivieron el apartheid en Sudafrica. Estos momentos justifican todo el visionado de "Searching for the sugar man". Imaginaros que de repente descubrís que vuestro padre o uno de tus compañeros de trabajo sacó hace años un par de discos que no se vendieron en tu país pero que significaron mucho para un gran numero de jóvenes en Sudafrica, que en este país se escuchaba mas que a The Doors o The Rolling stones.. Nos parecería un sueño o que alguien nos esta tomando el pelo.. Ver como sus hijas y sus amigos hablan de este hecho es un momento único y bonito. Tampoco debemos olvidar la reacción de estupor de sus seguidores al descubrir que Rodríguez estaba vivo y que la persona que estaba ante ellos era realmente el y no un imitador.


Por encima de la muerte y resurrección de un músico que en su momento no tuvo su merecido reconocimiento, nos encontramos con una persona realmente interesante. Un músico que en sus primeras actuaciones tocaba de espaldas por miedo al publico pero que al enfrentarse a 5000 fans que lo vitoreaban y lo aclamaban se sentía de lo mas cómodo (este hecho igual se entendería mejor si se nos hubiera contado lo de la gira australiana, como pudo el evolucionar de su timidez que le hacia tocar de espaldas a sentirse cómodo ante tanta gente.. Lo que en la película de Bendjelloul parece poco menos que algo asombroso podría tener su explicación en esa serie de conciertos en Australia) . Una persona que es definida por la gente que le conoce casi como un sin techo, se preocupa por que sus hijas aprendan a descubrir todo lo bonito que hay en los libros, la música, el arte.. Una persona que después de volver a renacer como artista sigue viviendo de manera humilde.



En la visión familiar de Rodríguez se echa en falta el análisis de la figura desaparecida de la madre de sus hijas. Personalmente es algo que me gustaría conocer, ¿como fue la persona que estuvo a lado de Rodríguez? ¿Le ocultó al igual que hizo con sus hijas y amigos su frustrada carrera musical? Obviamente estamos ante un relato que se centra en las andanzas musicales de Rodriguez pero para conocer la música también tenemos que conocer a la persona y para conocer a la persona necesitariamos saber de aquellos que estuvieron a su lado en los buenos y en los malos momentos. Y por eso hecho en falta que no se hable de la persona con la que compartió parte de su vida o igual lo que ocurre es que queremos saber mas de Rodriguez y tenemos la sensación de que estos 86 minutos se quedan cortos..


"Searching for Sugar Man" es un grandisimo documental, una de esas películas que hay que ver, que nos hace plantearnos por que unos músicos triunfan y otros no, hasta donde están prefabricados los éxitos y por que hay gente que de verdad vale y se queda por el camino. ¿Cuantos Rodríguez hay? ¿Cuantos de ellos serán redescubiertos y de cuantos nunca sabremos absolutamente nada?. En "Searching for the sugar man" sobre todo descubrimos a un personaje fascinante del que nos gustaría saber mas. Hay que plantearse porque el genero documental es tan minoritario (Por lo menos en las salas españolas) siendo que muchas veces nos presentan sugerentes acercamientos a la realidad, habria que recordar muchos de los grandes documentales que se han hecho "Paradise Lost", "Project Nim", "Mi querido Enemigo", "Man on Wire", "La cueva de los sueños olvidados", "La pesadilla de Darwin", "Workingman's death".. son solo una muestra de grandes documentales que habría que ver y que por desgracia su distribución es minoritaria, haciendo que en pequeñas ciudades nunca lleguen a estrenarse comercialmente. Es una lastima que cada día ver cine "diferente" en una sala de cine sea mas difícil por eso cuando se estrena una película como esta hay que correr a las salas a verla, disfrutar de una película así en un cine es un pequeño placer del que podemos disfrutar muy de vez en cuando..


Lo Mejor: Las canciones. Conforme avanza la película va ganando enteros.
Lo Peor:  Se hace corta..