lunes, 29 de abril de 2013

Crítica: Carré Blanc


Título: Carré Blanc
Año: 2011
Genero: Drama
Duración: 77 min
Director: Jean Baptiste-Léonetti
Guión: Jean Baptiste-Léonetti
Música: Evgueni Galperine
Interpretes: Sami Bouajila, Julie Gayet, Jean-Pierre Andréani, Carlos Leal, Dominique Paturel, Fejria Deliba
Nota: 8
Sinopsis: Philippe vive en un mundo controlado y deshumanizado. Quien juega bien asciende rápido y consigue reconocimiento, pero su mujer quiere que este vuelva a ser el que era.






Crítica:
Notable distopía de Jean Baptiste-Léonetti sobre la deshumanización de la sociedad. En los escasos 77 minutos que dura la cinta, el director narra el proceso de perdida de la inocencia de Philippe, aprendiendo a fingir para convertirse en la peor persona posible, única manera de ascender y tener éxito. Su madre solo desea lo mejor para el y en una sociedad como la representada en "Carré Blanc" la única manera de no ser devorado por los demás y sobrevivir es ser peor que el resto. La forma que tiene esta para "ayudar" a su hijo en este proceso es la más dura posible, con su suicidio prenderá la llama del odio dentro de el.


Jean Baptiste-Léonetti se muestra frío y distante a la hora de contarnos la historia de Philippe y presentarnos una sociedad con una carencia total de valores, donde las obsesiones parecen ser el criquet y la fecundación. Pero si bien esta distancia y frialdad pueden alejarnos de la propuesta del director, este utiliza estos recursos como un fiel reflejo de la sociedad en la que viven los protagonistas. Jean Baptiste-Léonetti reconoce que en "Carré Blacn" hay un escasez de diálogos, casi como si los personajes no tuvieran nada que decir. El silencio que los envuelve, fruto de la falta de amor y empatía, es rellenado con absurdos mensajes que se repiten constantemente.


Sami Bouajila dota a Philippe de la dureza propia de un personaje que ha sufrido una brutal transformación. Pero si un actor destaca en "Carré Blanc es Julie Gayet que interpreta a la mujer de Philippe, única posibilidad de escape para este. Julie Gayet nos deja una memorable escena en la que queda patente todo el odio que siente hacia su todavía esposo por todo aquello en lo que este se ha convertido. El hecho de encontrarnos ante unos personajes que parece que no se tengan nada que decir y cuando parece que no es asi, las palabras se acaben perdiendo, es un claro ejemplo de la incomunicación de los personajes y de la sociedad en la que viven. El propio director define a su película como una historia de amor en una situación limite. Solo por una escena como la interpretada por Gayet, esta mas que justificado ver una película como "Carré Blanc", pero si además sumamos esos procesos de selección a los que Philippe somete a diversos candidatos estamos ante una película de obligada visión.


La propuesta de Jean Baptiste-Léonetti es radical en forma y fondo. A pesar de los puntos en común que podemos encontrar con "Cuando el destino nos alcance" (Tranquilamente "Carré Blanc" se podía haber titulado así) o de ese grupo de acosadores que parecen sacados directamente de "La naranja mecánica", estamos ante una película con aroma propio. No estamos ante un producto complaciente, apto para todo tipo de paladares. "Carré Blanc" exige un esfuerzo por parte de espectador para poder llegar a disfrutar de la pelicula. El ritmo de "Carré Blanc", su frialdad, su escasez de diálogos y el hecho de que el metraje tenga que ir avanzando para poder entender a los personajes puede hacer desistir a mas de uno, pero "Carre Blanc" es una de las propuestas más interesantes y estimulantes que se han rodado en Europa en los últimos tiempos.Jean Baptiste-Léonetti quiere dejar en nosotros la misma sensación que el tenia al ver ciertas películas cuando era joven: la sensación de no haber entendido todo pero no poderse quitar la película de la cabeza. Jean Beaptiste-Léonetti lo consigue.


Lo mejor: El personaje de Gayet expresando lo que siente por su marido.
Lo peor:  La frialdad de la película puede frenar a mas de uno.


jueves, 25 de abril de 2013

Crítica: Ausente


Título: Ausente
Año: 2011
Genero: Drama
Duración: 90 min
Director: Marco Berguer
Guión: Marco Berguer
Música: Pedro Irusta
Interpretes: Carlos Echevarría, Javier de Pietro, Antonella Costa, Rocío Pavón, Alejandro Barbero
Nota: 4
Sinopsis: Después de llevar al hospital a Martín, Sebastián acogerá en su casa una noche a su alumno. Pero este hecho despertará un cúmulo de sentimientos en Sebastián que le harán replantearse su vida.






Crítica:
Lo peor de una película es que no transmita nada, y por desgracia eso es lo que sentí viendo "Ausente". En ningún momento nada de lo que Berger cuenta consiguió interesarme, haciendo tedioso el visionado de esta película. La historia de Berger tiene un punto de partida muy interesante: la historia de un chico que enamorado de su profesor utiliza la mentira para pasar la noche con el e intentar que pase algo. El conflicto de la historia también es bastante interesante: descubierta la mentira, el trabajo del profesor en la escuela puede correr peligro, además se analiza la ambigüedad en los sentimientos de este hacia su alumno. Pero una primera media hora excesivamente lenta y carente de interés consigue que por desgracia veamos el resto de la película estableciendo una excesiva distancia con ella. Igual que la novia del profesor dice sobre un libro que le ha dejado este, la película no nos cuenta lo que nos gustaría y da la sensación que se han quedado demasiadas páginas en blanco.



Es una lastima que el juego que se establece entre alumno y profesor no se desarrolle de manera más perversa a pesar de, tal y como reconoce el propio Berger, usar la música desde el terror y el suspense para junto con la fotografía dotar a la película de oscuridad y melancolía  La presencia del alumno en casa del profesor no tiene ese poder de seducción que seria necesaria para que el profesor se plantee ciertas preguntas. Tampoco es explotado de la manera que nos gustaria el lado mas oscuro de la historia, hasta que punto el profesor se ha creído la mentira o se la ha querido creer, ni la relación existente entre ambos después de esa noche. Si bien es cierto que Berger apunta maneras parece que se amilana a la hora de enfrentarse al conflicto de forma directa, resultando totalmente desaprovechadas algunas escenas como el encuentro entre ambos en el cine. El director traslada el punto de vista de los los ojos del alumno, desde su pasión, hasta el punto de vista del profesor, de sus miedos y sus dudas para manejar una situación así. Por desgracia las intenciones no están a la altura del resultado y nos encontramos ante una película que desaprovecha una gran idea de una forma excesivamente tediosa




Lo mejor: La novia diciendo su opinión sobre un libro, poniendo en palabras lo que sentimos al ver la película.
Lo peor: No consigue transmitirnos ni la pasión del alumno por el profesor ni las dudas de este.



Crítica: Memorias de un zombie adolescente


Título: Memorias de un Zombie adolescente - Warm Bodies
Año: 2013
Genero: Comedia Romantica
Duración: 98 min
Director: Jonathan Levine
Guión: Jonathan Levine según la novela de Isaac Marion
Música: Marco Beltrami y Buck Sanders
Interpretes: Nicholas Hoult, Teresa Palmer, Analeigh Tipton, Rob Corddry, John Malkovich, Dave Franco
Nota: 4,5
Sinopsis: Después de que un zombie cuyo nombre empieza por R salve a Julie se establecerá entre los dos una relación muy especial.







Crítica:
Jonathan Levine rodó en 2011 una comedia dramática sobre un joven de 27 años al que le diagnostican cáncer. A pesar de ser el cáncer el tema central de la película, Levine consiguió con "50/50" dejar un grato recuerdo narrando la lucha del personaje de Joseph Gordon-Levitt contra la enfermedad. Ahora Levine dirige la adaptación de una novela de Isaac Marion sobre un zombie que tras salvar a una joven de una muerte mas que segura acaba enamorándose de ella. "Memorias de un zombie adolescente" resulta una desigual mezcla entre "Wall.e" de Andrew Stanton, la novela "El coleccionista" de John Fowles y "Zombies Party" ("Shaun of the dead").


R. es un joven zombie que se siente diferente al resto y que como Wall.e colecciona objetos que encuentra, objetos que le gustan y que le hacen añorar algo que no tiene. Al igual que Wall.e tiene una planta, R. tiene una colección de discos de vinilo y la misma sensación que  uno parece tener al ver la planta la tiene el otro al escuchar música. Frederick Clegg, protagonista de "El Coleccionista", secuestra al objeto de su obsesión, la bella Miranda, con la creencia de que ella tras pasar un tiempo con el acabará enamorándose. R, sin dejar de lado a Wall.e (da la sensación de que en algún momento en uno de sus intentos para articular palabra se le va a escapar la palabra Eve) y tras salvar a Julie de morir devorada por otros zombies, actuará del mismo modo que Frederick, llevándose a su particular Miranda a su hogar (en este caso un avión) con la intención de que  pase unos días con el y acabe sintiendo algo por el. Pero R y Julie no son Freddie y Miranda, aquí aunque también hay intentos de fuga no  hay muestras fingidas de simpatía y cariño, los sentimientos serán sinceros y no debidos a una obligada afinidad.


Pero las referencias de "Memorias de un zombie adolescente" no quedan aquí. Es clara la influencia de "Zombies Party" ("Shaun of the dead") tiene en la película de Levine, especialmente en dos escenas. En una de ellas R indica a Juli como debe caminar como un zombie para poder escapar, escena que nos remite a aquella de la película de Edgar Wright en la que la amiga de la novia de Shaun les enseña a actuar como un zombie para poder escapar. Pero si hay una referencia clara a la película de Wright que mas que un homenaje parece un plagio es esa escena inicial donde R recuerda como era todo antes de la epidemia global que transformó a las personas en zombies, donde las personas se comunicaban unas con otras. Este recuerdo nos muestra la deshumanización de la vida de hoy en día donde la gente esta mas pendiente de los móviles que de mantener relaciones reales y tangibles. Solo hay que ver los títulos de crédito de la película de Wright para darnos cuenta que esa idea ya fue explotada por este en su película,  demostrando que hoy en día la mayoría actuamos de forma autómata  como zombies, mas pendientes del móvil que de las personas que tiene alado.


Levine es incapaz de dotar de alma a su película  la historia de amor entre los dos personajes no transmite nada y el tiempo que pasan los dos protagonistas en pantalla se hace largo y pesado resultando un lastre para la película  Un uso abusivo de la voz en off, un desaprovechadisimo John Malkovich y unos zombies hechos por ordenador que parecen descartes de los vampiros de "Soy Legenda" de Will Smith tampoco ayudan a que la película despegue. Igual el problema es que después de "50/50" las expectativas por ver de que era capaz Levine estaban demasiado altas. "Memorias de un zombie adolescente" resulta una película fallida y decepcionante que no funciona ni como película romántica ni como película de zombies. A pesar de todos los elementos interesantes que poseía la idea original y de un brillante arranque la película de Levine acaba por aburrir. Una lastima.



Lo mejor: Los cinco primeros minutos. La banda sonora
Lo peor: La historia no engancha y acaba por aburrir

martes, 23 de abril de 2013

Crítica: Ali


Título: Ali
Año: 2012
Genero: Drama
Duración: 90 min
Director: Paco R. Baños
Guión: Paco R. Baños y Rafael Cobos
Interpretes: Nadia de Santiago, Verónica Forqué, Adrián Lamana,  Lluís Marco, Julián Villagrán
Nota: 7,5
Sinopsis: Ali tiene dos miedos: conducir y enamorarse. Pero ambos miedos en el fondo son el mismo.









Crítica:
Debut en la gran pantalla de Paco Baños dirigiendo un guión escrito por el propio Baños junto con Rafael Cobos, autor de los guiones de "7 Vírgenes , "After" o "Grupo 7". Siguiendo la linea de películas como "Barrio" o "Tapas", Baños nos presenta el día a día de una chica trabajadora que intenta ayudar a su madre a superar sus problemas. Criada en el seno de una familia disfuncional, sin una figura paterna y con una madre con problemas mentales y nerviosos que hacen que fracase en todos sus intentos por establecer una relación sentimental fructífera; Ali se cerrará en bloque ante todo tipo de relaciones afectivas que puedan derivar en compromiso.


La historia que nos presenta Baños no brilla precisamente por su originalidad: la película recorre caminos mil veces vistos y posee una estructura demasiado trillada, pero se beneficia de una Nadia de Santiago en estado de gracia, que compone un personaje con una gran variedad de matices (tras su aparente fortaleza se encuentra una persona frágil capaz de quebrarse en cualquier momento), dando vida a un personaje femenino con carácter y absolutamente arrollador. Nadia de Santiago esta muy bien secundada por Verónica Forqué, Lluís Marco y Adrián Lamana, que dan vida a personajes a los que es muy fácil tenerles cariño, todos ellos resultan naturales y cercanos. Veronica Forqué como esa frágil madre de la protagonista, Lluis Marco luchando por su relación con la madre de Ali ante la mas que evidente desconfianza de su hija y Adrian Lamana como ese entrañable friki al que Ali  vuelve absolutamente loco con sus reacciones. Pero todo en "Ali" gira en torno al personaje interpretado por Nadia de Santiago y el resto de secundarios orbitan a su alrededor. También es de agradecer la pequeña presencia de Julián Villagrán , gran actor que ganó el Goya al mejor actor de reparto por "Grupo 7" y que nos deja un gran protagonista en "Extraterrestre" de Nacho Vigalondo. Villagrán interpreta en "Ali" a un simpático vecino que intenta enseñar a la protagonista a conducir.


Baños usa la metáfora sobre conducir y enamorarse para presentarnos mediante una voz en off e imágenes de coches como se siente Ali. El miedo de Ali a conducir, a enamorarse, a llevar las riendas de su vida, se presenta como un análisis del personaje: la supuesta fortaleza y frialdad que muestra para cerrarse en banda para no establecer una relación queda desmontada al enfrentarse a un coche, sus miedos y su fragilidad quedan patentes. Ali no es tan fuerte como intenta aparentar, es una chica de 18 años con miedo al compromiso. Ali no es Silverter Stallone.


"Ali" es una gran película,  de esas que resultan entrañables y de las que se guarda un grato recuerdo. Con una gran Nadia de Santigo (ha recibido una mención especial en el Atlántida film fest y no creemos que vaya a ser la última) arropada por grandes secundarios. Se agradecen películas como esta, sencillas que no simples, donde se trasmite el cariño de los guionistas por los personajes que han creado. "Ali" es una de esas películas que llegan y se quedan. Muy recomendable.



Lo Mejor: Nadia de Santiago, ella es la película.
Lo Peor: Aunque la historia nos llega, esta se desarrolla por caminos mil veces vistos.

lunes, 22 de abril de 2013

Crítica: La resurrección de los muertos - Les Revenants


Título: La resurrección de los muertos - Les Revenants
Año: 2004
Genero: Drama
Duración: 102 min
Director: Robin Campillo
Guión: Robin Campillo y Brigitte Tijou
Música: Jocelyn Pook y Matin Wheeler
Interpretes: Géralinde Paihlas, Jonathan Zaccaï, Frédéric Pierrot, Victor Garrivier, Djemel Barek
Nota: 6,5
Sinopsis: Los muertos han vuelto a la vida. El reencuentro con sus familias, su vuelta a una sociedad que ha cambiado y los recibe con con todo tipo de sentimientos no será sencillo.




Crítica:
Mario Benedetti escribió un relato corto titulado "Lázaro". En el, un tal Lázaro Vélez se incorporó en su tumba, se despojó de su sudario y caminó hacia casa. La gente que se cruzaba con el por el camino le felicitaba. Pero al llegar a su casa vio que su mujer había ocupado su vacío con otro hombre, cuando fue a recuperar su trabajo descubrió que otra persona había sido contratada para sustituirle y su sobrino le echó en cara que tuviera que devolverle todo lo que este le había dejado en herencia. En esta historia corta de Benedetti podemos encontrar el germen de "La resurrección de los muertos", película que significó del debut como director de Robin Campillo. Tanto en la película de Campillo como en la historia de Benedetti, los muertos vuelven a la vida pero aquí no son zombies como en las películas de Romero, son personas. A algunos de ellos sus familiares les echan de menos, a otros no. A muchos de ellos se les quiere ayudar a reincorporarse a la sociedad. Del mismo modo de Lázaro Vélez no encontraban su sitio en la sociedad, las personas que han revivido en la película de Campillo se encuentran con el mismo problema: habrá que crear nuevos trabajos en las empresas a no ser que se despida a las personas contratadas para sustituirles, los ancianos necesitarán un subsidio.


El director explora la vuelta de los seres queridos al entorno familiar donde los miedos se pueden transformar en rechazo hacia los revividos, analizando las reacciones de la sociedad y de las personas directamente involucradas, aquellas que tienen un familiar cercano que ha revivido. Campillo explora toda una gama de sentimientos: amor, rechazo, miedo, culpa... todos estos sentimientos son un reflejo de los sentimientos que tenían por los fallecidos antes de su muerte, añadiendo el desconcierto ante un hecho que nadie entiende. El problema es que Campillo envuelve su película en una atmósfera demasiado fría. Parece que no solo los muertos tienen una temperatura por debajo de la nuestra, "La resurrección de los muertos" también tiene una temperatura por debajo de lo que cabria esperar para analizar todos estos sentimientos. Y al fin y al cabo no estamos ante una película de zombies al uso, si no ante un análisis de lo que significa la pérdida y el reencuentro por lo que se hubiera agradecido un mayor acercamiento a la hora de contarnos la historia. Esta frialdad de la propuesta me hace recordar la misma sensación que transmite "Carre Blanc", una gran película francesa cuyo mayor lastre es un exceso de frialdad, que hace que parte del público tome distancia con la película de Jean-Baptiste Léonetti.


John Ajvide Lindvist, autor de la novela "Déjame entrar", escribió en 2005 "Descansa en paz" una novela que, dejando de lado el toque tétrico de la historia de Lindqvist, guarda ciertos paralelismos con la película de Campillo. Tanto en la novela  de Lindqvist com en "La resurrección de los muertos" se explora la reacción de las personas ante un hecho tan excepcional. Es curioso que en la película de Campillo no se explore la visión religiosa de suceso. Si un hecho como este sucediera, las creencias personales (las tengamos o no) tendrían mucho que ven en nuestra reacción al ver a los revividos y en en nuestro posicionamiento ante una posible vuelta a la vida diaria de los mismos


A pesar de la frialdad del conjunto, estamos ante un mas que interesante acercamiento al mundo de los muertos vivientes. Un punto de vista diferente, hecho que hace que la propuesta sea mas que estimulante, dejándonos grandes momentos como la relación del matrimonio que se reencuentra con su hijo fallecido de seis años o el proceso de asimilación de los recuerdos de uno de los revividos. Quien quiera ver una propuesta diferente pero un tanto distante y fría, aquí tienen una gran oportunidad.



Lo Mejor: El punto de vista de la película sobre los muertos.
Lo Peor: Es demasiado fría.

domingo, 21 de abril de 2013

Crítica: L'âge atomique

Título: L'âge atomique
Año: 2012
Genero: Drama
Duración: 67 min
Director: Héléna Klotz
Guión: Héléna Klotz
Música: Ulysse Klotz
Interpretes: Eliott Paquet, Dominik Wojcik, Niels Schneider, Mathilde Bisson, Clémence Boisnard
Nota: 6
Sinopsis: Dos jóvenes  Víctor y Reiner. Una noche de marcha por París.  Toda una filosofía de vida, todo un vacío y la necesidad de buscar a alguien que llene dicho vacío.




Crítica:
Extraña fascinación la que produce "L'âge atomique". Durante el visionado de la película de Héléna Klotz viene a la cabeza la palabra 'pretenciosa'. Las aventuras de estos dos jóvenes hastiados de la vida, que sienten un vacío interior que va creciendo y no saben controlar, esta plagada de frases grandilocuentes que nos cuesta creer que sean dichas por ellos o por cualquier otro joven que vaya de marcha por París,  por Madrid, por Viena o por cualquier otro sitio. Klotz pone en boca de los protagonistas frases como: "Estas viviendo un tiempo prestado", "Eres como un escaparate, no se permiten defectos de lo contrario estas acabado", "sin tu perfume hueles a muerte", "mismo coche, mismo reloj, misma cara, mismo hedor" o "sentados en una jaula mirando a un muro".. . La forma es demasiado lírica, el fondo demasiado común para muchos. Klotz ha declarado que conoció a Dominik Wojcik en un bar y este habló con ella de la misma manera que lo hace su personaje, según la directora de manera muy romántica  En su intento por reflejar a la juventud de una forma atemporal, romántica y lírica,  Wojcik fue una gran elección (su personaje es una especie de reminiscencia del romanticismo), del mismo modo que lo fue Paquet (su personaje es actual, mucho mas contemporáneo). Ambos resultan perfectos para transmitir esa sensación de vacío que tienen muchos jóvenes hoy en día. Pero a Klotz se le ha ido la mano con la lírica y el romanticismo, hecho este que puede frenar a mas de uno durante el visionado de "L'âge atomique" y le impida acabar de ver la película. Según la directora el lenguaje usado por los personajes, especialmente en la replica de Reiner (Wojcik) es una forma de resistencia, un arma contra la sociedad, indicando que quería que los personajes de su película tuvieran la libertad de usar el lenguaje como lo hacen ciertos cantantes.


"L'âge atomique" tiene una parte final que flojea (el viaje de lo mundano a lo primitivo según la autora). Pero la pelicula de Héléna Klotz tiene una gran fotografía y una gran banda sonora (no siempre bien empleada como en la escena de la pelea) y posee algo seductor, Klotz reconoce que como directora teje una historia como telón de fondo y a través de los personajes, los sonidos, las imágenes y las emociones llega al espectador. Y lo consigue, a pesar de ciertos elementos que podrían distanciarnos de la película  Klotz consigue atraernos a través de sonidos, imágenes y emociones, haciendo que esos 67 minutos se pasen rápido y estemos esperando ver "L'âge atomique 2" centrado en el personaje de Theo (con el que Víctor tiene una pelea)


Lo Mejor: La atmósfera en la que esta envuelta la película.
Lo Peor:  El exceso en el lenguaje.

sábado, 20 de abril de 2013

Crítica: Like someone in love


Título: Like someone in love
Año: 2012
Genero: Drama
Duración: 109 min
Director: Abbas Kiarostami
Guión: Abbas Kiarostami
Interpretes: Rin Takanashi, Tadashi Okuno,Ryo Kase, Denden
Nota: 6
Sinopsis: En Tokio, un anciano compartirá si visión del mundo con una joven prostituta y su celoso novio.









Crítica:
Para mi en la filmografía de Abbas Kiarostami hay un antes y un después de "Tickets", película codirigida con Ken Loach y Ermanno Olmi. El fragmento de Kiarostami para esta película no es lo mejor de su filmografía ni de la película pero parece que fue el salto del director iraíi para dirigir ficción fuera de su país.  Sus películas dirigidas en Irán demuestran como se pueden hacer grandes películas sin muchos medios y bajo una férrea censura. Si algo hay en estas películas es la naturalidad de los actores ya que muchos de ellos son personas que nunca han actuado delante de una cámara  En la que podríamos definir como su etapa iraní, Kiarostami nos regaló tres obras maestras: "A través de los olivos", "¿donde esta la casa de mi amigo? y "El sabor de las cerezas", película esta última que considero la mejor de su filmografía. Junto con Jafar Panahi ("El esejo"), Bahman Ghobadi ("Nadie sabe nada de gastos persas") y Asghar Farhadi ("Nader y Simin, una separación"), Kiarostami es uno los máximos exponentes del cine irani actual.


Pero Kiarostami dirigió en 2008 "Shirin" película que me aburrió profundamente y me hizo perder el interés en, hasta ese momento, uno de mis directores favoritos. Tal fue el rechazo hacia "Shirin"que ver alguna de sus nuevas películas me produce una enorme pereza. Ahora Kiarostami presenta "Like someone in love" donde el director viaja a Japón para rodar una película que cuenta la relación entre un anciano profesor, una joven prostituta y su celoso novio. Igual que Tran Anh Hung con su adaptación al cine de "Tokio Blues", Kiarostami desconoce el japones, hecho que dificulta la dirección de actores. El propio Kiarostami declaró que al dirigir a los actores buscaba las cualidades universales de sus personajes. Y esto nos lleva a pensar en por que Kiarostami ha realizado este salto sin red, siendo que estamos ante una historia que podía suceder en cualquier lugar, el hecho de rodar en japón resulta cuando menos exótico o un mero intento de aprovechar la fiebre por lo japones producida,fundamentalmente, por Murakami, como ya hizo Isabel Coixet con "Mapa de los sonidos del Tokio". Por mucho que Kiarostami se declare fan de Ozu no es necesario rodar en Japón y mas cuando el propio Kiarostami ha declarado que "Like someone in love" no es un homenaje al cine del director japones. Pero no debemos pensar que por que Kiarostami haya ido a rodar a Japón este haya traicionado su cine, estamos ante una historia marca de la casa, los personajes, los diálogos, las largas escenas y el uso del coche como un elemento narrativo mas (Como ya ocurría en "El sabor de las cerezas" y "Ten"). Kiarostami declara que rodar escenas en un coche sirve no solo para mostrar a los actores sino para mostrar lo que ocurre alrededor de ellos, un elemento para crear atmósfera en lugar de ser un obstáculo para ver sus caras.


"Like someone in love" es una película  hermética, no es una película de fácil visionado para aquellos que no les guste el cine de Kiarostami o no estén habituados a el. Estamos ante una película pausada, donde hay largas escenas que se apoyan en los diálogos de los protagonistas. "Like someone in love" es una película intimista donde el director cuenta la difícil relación de una joven prostituta, no solo con su novio sino también con su familia, siendo un extraño la persona que acabe por entenderla. No estamos ante el mejor Kiarostami pero si ante una interesante muestra de de su cine. A pesar de poseer grandes escenas (ese viaje en taxi escuchando los mensajes dejados por su abuela), Kiarostami se precipita a la hora de acabar la película, dejandonos un sentimiento agridulce.



Lo Mejor: El viaje en taxi y la necesidad de su abuela de hablar con ella
Lo Peor:  Dista de ser el mejor Kiarostami

jueves, 18 de abril de 2013

Crítica: Después de Lucia

Título: Después de Lucia
Año: 2012
Genero: Drama
Duración:  93 min
Director: Michel Franco
Guión: Michel Franco
Interpretes: Tessa Ia, Hernán Mendoza, Tamara Yazbek, Gonzalo Vega Jr.
Nota: 7,5
Sinopsis: Alejandra y su padre se mudan a una nueva ciudad. Dejar el pasado de lado y empezar una nueva vida no será tan sencillo cuando ella empiece a sufrir acoso escolar.








Crítica:
Me cuesta ver películas que hablen sobre el acoso escolar, me frenan por que el cine que he visto sobre este tema, y a excepción de "Déjame entrar" que lo toca de refilón, me han resultado muy decepcionantes, sobre todo ciertos acercamientos al tema como Cobardes" de Corbacho o "Bullying" de San Mateo. "Después de Lucia" parece por momentos dirigida por un alumno aventajado de Haneke y la misma sensación de desasosiego y malestar que sientes al ver una película del director austriaco se siente al ver la propuesta del director Michel Franco, hecho este que la diferencia de otras cintas que tocan el tema de la violencia escolar.


Pero esta película no habla solo del acoso escolar, habla de la incomunicación, del aislamiento que sufrimos ante un determinado hecho que nos afecta profundamente y nos incapacita para percibir que la persona que tenemos a lado esta pidiendo ayuda a gritos. El aislamiento del individuo, rodeado por sus sentimientos sin poder abrirse a los demás. No solo la figura de Haneke viene a la cabeza a la hora de ver esta película,  la forma en la que se muestra la falta de comunicación real que hay entre padre e hija nos remite también a las relaciones existentes entre los personajes de "Whisky" de Rebella y Stoll  (Película esta que no hay que dejar que caiga en el olvido)


Franco aborda "Después de Lucia" de la manera mas arriesgada posible: mediante un largo plano secuencia nos presenta al padre, y de una forma que en ese momento todavía no entendemos, todo su drama. No hay ninguna explicación,  simplemente un recorrido en coche sirve para dejar claras las premisas sobre las que se va a mover "Después de Lucia": para encontrar respuestas tenemos que entender que sienten los protagonistas. De igual manera que en "Whisky", aquí no vamos a encontrar grandes diálogos,  la contención de las palabras y de los sentimientos es mas explicito que la mayoría de diálogos de muchas películas.  De igual manera, la contención en las interpretaciones es un plus añadido a la dureza de lo que Franco nos esta contando. Tessa Ia, en su papel de hija, aborda un papel realmente difícil y sale muy bien parada. Y lo mismo podemos decir del actor que interpreta a su padre, Hernán Fernandez, que nos regala un impresionante plano secuencia difícilmente olvidable. Una grandisima y muy dura película que no dejará indiferente a nadie. Totalmente recomendable.


Lo Mejor: La relacion entre el padre e hija, cada uno librando su propia pelea
Lo Peor:  El trailer es demasiado explicito

martes, 16 de abril de 2013

Crítica: The House I Live In


Título: The house i live in
Año: 2012
Genero: Documental
Duración:  108 min
Director: Eugene Jarecki
Guión: Eugene Jarecki
Música: Robert Miller
Interpretes: Nannie Jeter, David Simon
Nota: 9
Sinopsis: Análisis sobre como afecta de forma individual y colectiva la guerra contra las drogas en Estados Unidos







Crítica:
Gran documental de Eugene Jarecki acerca de la guerra contra las drogas en Estados Unidos. Tomando como punto de partida la experiencia personal de la que fue su niñera, Jarecki explora la complejidad de esta lucha en su país. A pesar de que en su arranque pensamos en que vamos a estar ante una extensión de "End of Watch" o "The Wire", nos encontramos con un documental muy elaborado, dirigido con pulso certero, donde el director analiza como empezó la guerra contra las drogas, como afecta a las personas y si esta guerra y todo el sufrimiento que conlleva esta sirviendo para algo.


La guerra contra la droga en Estados Unidos empezó a finales de los 60 principios de los 70 de la mano de Richard Nixon, considerando la rehabilitación parte de la solución, la fue dejando de lado para endurecer las leyes, tal y como hicieron el resto de presidentes.Un voto vale más que una lucha eficaz contra las drogas. El documental de Jarecki cuenta esta lucha, no solo desde la era Nixon sino desde mucho antes, para que así tengamos una visión lo mas completa posible de las causas y de las consecuencias de la misma. Es obvio que no se puede resumir un problema tan largo y complejo en casi dos horas, pero el esfuerzo del director por hacerlo resulta encomiable. Jarecki no se conforma con la reciente historia de Estados Unidos, si no que profundiza en las raíces del problema: la criminalización del uso de las drogas se usó para alejar a todos aquellos que suponían una amenaza: Los chinos con el opio en el oeste, los negros al principio del siglo veinte con la cocaína  los mejicanos con la marihuana y mas recientemente varones blancos que viven en caravanas con la meta-anfetamina. El problema racial de las drogas esta pasando a un segundo plano y tal y como se comenta en el documental: "El capitalismo es daltónico", en el momento en el que el sistema no te necesita ya no eres útil.

En un país donde poseer crack conlleva penas mas duras que poseer cocaína (El crack no es mas que un derivado de la cocaína que se obtiene de esta mezclando con bicarbonato de sodio), una condena cierra las puertas al presente y al futuro: sin posibilidad de conseguir trabajo, sin posibilidad de conseguir ciertos seguros médicos  sin posibilidad de optar a pisos de protección oficial.. La condena no solo es para el traficante o consumidor sino para toda su familia. Jarecki muestra el sufrimiento de las familias de los que han sido condenados y muestra la situación de aquellos que han sido condenados mediante unas leyes excesivamente duras. A través de las vivencias de su niñera, Nannie Jeter, y del resto de personas entrevistadas, el director muestra que no solo aquellos que consumen son solo los perjudicados por las drogas. El director incide en la idea del entorno familiar como motivo para acabar metido de lleno en el mundo de las drogas. Con solo ver a los recién nacidos ya puedes ver quien acabará mal. La desestructuración de las familias (en muchos casos sin figuras paternas que les guíen , el entorno viciado en el que crecen los chicos donde los traficantes son vistos como héroes son factores de riesgo. La proliferación de guetos consiguió que muchas familias se vieran condenadas a traficar con drogas para salir adelante. Pero no tenemos que ver esos barrios como algo típico americano, en  España se edificaron barrios como La Mina en Barcelona, barrios en los que muchos de los jóvenes que vivían allí también acabaron tomando el camino de la delincuencia y la droga.


Jarecki analiza en profundidad los factores involucrados en la guerra contra las drogas: las familias, los barrios, la policía,  la evolución de la lucha contra las drogas. Estamos ante un gran ejercicio de síntesis  basándose en  las entrevistas y las imágenes de archivo y no en un abuso de estadísticas y gráficos usados para recalcar la idea del director. Jarecki, como otros directores, tiene su propia visión sobre la guerra contra las drogas pero no fuerza que el espectador simpatice con su causa o con su opinión sobre la misma, simplemente va guiando al espectador para que este acabe con simpatizar con su causa. Y esto puede ser considerado una manipulación  como sucede en muchos documentales. Y "The house i live in" no va a ser una excepción  nos encontramos con mas opiniones indicando que la lucha contra las drogas es un fracaso (Incidiendo en la lucha de clases, de razas..) que con gente que opine lo contrario, por lo que si somos objetivos notamos que el resultado no esta lo equilibrado que nos gustaría  Siempre he defendido que como espectador adulto podemos crear una opinión acerca de lo que se nos esta contando si hay un cierto equilibrio entre la gente que opina una cosa u otra, pero por desgracia no suele ser muy habitual.


"The house i live in" es un documental que aborda el problema acerca de que no solo los traficantes se benefician de la droga, también lo hacen los políticos para ganar elecciones o empresas privadas llevando el mantenimiento de las cárceles. La película de Jarecki esta plagada de frases memorables ("Pagan por nuestro miedo no por su delito", la ya citada "el capitalismo es daltónico") y excelentes comparaciones, la mas clara aquella que compara la lucha contra la droga con un enfermo de pulmonía  quitas la tos y ya esta solucionado el problema, pero el pulmón continua enfermo. Personalmente creo que estamos ante un documental de obligatoria visión, que, a pesar de guiarnos, nos hace pensar sobre las drogas y todos aquellos involucrados de manera directa o indirecta. "The house i live in" tiene suficiente elementos para verla y para recomendar a la gente que la vea. Un grandisimo documental


Lo Mejor: Lo impecable de su dirección
Lo Peor:  Nos guia demasiado hacia las tesis del director

lunes, 15 de abril de 2013

Crítica: Los Invisibles


Título: Los Invisibles
Año: 2012
Genero: Documental
Duración:  115 min
Director: Sébastien Lifshitz
Interpretes: Yann y Pierre, Bernard y Jacques, Pierrot, Therese,  Christian, Catherine y Elisabeth, Monique, Jacques
Nota: 8
Sinopsis: Un grupo de personas de avanzada edad cuentan como  se tuvieron que enfrentar a una sociedad que no entendía que fueran homosexuales.








Crítica:
La película de Sébastien Lifshitz, ganadora del Cesar al mejor documental, presenta a un grupo de personas de avanzada edad que cuentan en pantalla como vivieron su homosexualidad en una sociedad donde mantener este tipo de relaciones no estaba bien visto. Las personas que Lifshitz entrevista en "Los invisibles" son de todo tipo de estratos sociales, han crecido en familias con distintas creencias o ideologías (En una de las parejas uno de ellos creció en el seno de una familia muy creyente, el otro dentro de una familia claramente comunista), algunas de estas personas, debido a la opresión social y familiar, vieron coartada su libertad y no pudieron asumir su condición sexual hasta bien entrados en años. A través de las palabra de los entrevistados Lifshitz analiza a la sociedad francesa de aquella época, su posición con respecto a la homosexualidad o ante el aborto. El director no cae en manipulaciones o sentimentalismos, deja que los protagonistas vayan contando sus vivencias con todo lujo de detalles con momentos íntimos o impactantes, demostrándonos la fortaleza de los entrevistados. Si algo tiene el documental de Lifshitz es el enorme interés de todas y cada una de las historias que cuenta. El director se beneficia de la experiencias vitales de un grupo de personas que tienen mucho que contar: desde el despertar sexual  hasta las manifestaciones en la calle para reivindicar sus derechos.


Si algo hay que destacar de una película o de un documental es que ciertas escenas o diálogos pervivan en tu memoria a lo largo de los días  y "Los invisibles" nos regala unos cuantos momentos difícilmente olvidables: el campesino que relata sus experiencias con hombres y mujeres resulta sorprendente a todos los niveles, la mujer que después de tener cuatro hijos se dedica a practicar abortos, la ternura que desprende la pareja de ancianos, la declaraciones de una de las mujeres acerca de porque nunca ha querido que la madre de su pareja la aceptase o la reacción de uno de los protagonistas ante una foto de el en una revista. Sin dejar de menospreciar la lucha, el esfuerzo y lo duro que se les ha hecho a los protagonistas el salir adelante si que se echa en falta la visión de la superación no conseguida. Todas las personas que salen en "Los invisibles" muestran cierta plenitud en sus vidas a día de hoy, pero se echa en falta una visión de aquellas personas homosexuales que vivieron esa misma época y que no han conseguido superar todos aquellos sentimientos e incompresión que se encontraron a lo largo de su vida. Con todo esto "Los Invisibles" es una muy buena película  rodada con mucho cariño, que nos llega y nos emociona. Lifshitz ha hecho un grandisimo trabajo a la hora de elegir a las personas que salen en el documental y sobre todo a la hora de elegir las partes de las conversaciones que mostrar en pantalla. Estamos ante un trabajo sincero y precioso, muy recomendable.



Lo Mejor: La patente sinceridad de todos los personajes
Lo Peor:  Se echa de menos la visión de aquellos que no han superado a lo que se han enfrentado

jueves, 11 de abril de 2013

Crítica : Posesión Infernal


Título: Posesión Infernal - Evil Dead
Año: 2013
Genero: Terror - Gore
Duración:  91 min
Director: Fede Álvarez
Guión: Fede Álvarez y Rodo Sayagues
Música: Roque Baños
Interpretes: Jane Levy, Siloh Fernandez, Jessica Lucas, Lou Taylor Pucci, Jessica Lucas, Elizabeth Blackmore
Nota: 7,5
Sinopsis: Cinco amigos se encuentran en una cabaña en medio del bosque para ayudar a una amiga a que deje las drogas. Pero el hallazgo de un extraño libro despertará una malvada fuerza que se oculta en el bosque y que quiere apropiarse de sus almas.





Crítica:
Cuando leímos que se iba a hacer un remake de "Posesión Infernal" ("Evil Dead") muchos de nosotros nos pusimos a temblar y no por lo que se puede sentir al ver esta película sino por el hecho de que se haga un remake de una película de culto como esta. Exceptuando el remake de "Dawn of the dead" de Zack Snyder, que a pesar de traicionar el espíritu de Romero haciendo que los zombies no avancen lentamente si no que corran, estamos ante una mas que digna versión de la película original (y no nos olvidemos que tiene una de las mejores escenas iniciales que se han rodado en años). Tampoco podemos olvidar el remake de "Dejame entrar". Aunque la película original es soberbia, el remake americano es mas que notable y mas pensando que tiempo transcurrido desde una y otra fue escaso, haciendo que al ver la versión americana todos tuviéramos demasiado presente la sueca. Es difícil destacar algún otro remake reciente y decente ("The thing" de Carpenter es de 1982), otros intentos han resultado fallidos pero interesantes como "Halloween" de Rob Zombie o películas realmente horrorosas como "Terror en la Niebla" ("The Fog") o "Ultimátum a la Tierra" ("The day the earth stood still")


La nueva "Posesión Infernal" viene de la mano de Bruce Campbell y Sam Raimi que ejercen como productores. Aunque ambos coincidieron en la trilogía original (Ojo...se apunta a una cuarta parte), sus carreras han seguido caminos dispares desde la última entrega de la saga "El ejercito de las Tinieblas"  en 1992. Mientras Raimi ha girado hacia el cine mas comercial con la trilogia de Spiderman, sin olvidar el cine de terror plagado de humor marca de la casa como "Arrastrame al infierno" , produciendo diversas cintas de terror  con diferente resultado como "The possesion", "El grito", "The messengers".. Aunque la hasta ahora última pelicula de Raimi es una mas que decepcionante visión del mundo de Oz. Por su parte Campbell ha tenido una carrera muy irregular como actor, hecho por el cual muchos de nosotros le perdimos la pista, aunque siempre se nos ha escapada una sonrisa al verlo haciendo algún pequeño papel en la saga "Spiderman"


El nuevo acercamiento al universo de "Posesión Infernal" corre a cargo del director uruguayo Fede Álvarez, director que se dio a conocer internacionalmente gracias al corto "Ataque de pánico", que con mucho ingenio y pocos medio relataba una supuesta invasión alienigena en Montevideo. Los casi cinco minutos de "Ataque de pánico" demostraban que Álvarez posee una habilidad especial para manejarse con pocos medios y eso, siendo que la película original se rodó con escasos medios, es un gran punto a favor. Y esta "Posesión infernal" no decepciona, queremos terror y queremos sangre y de eso, sobre todo de lo segundo, hay para dar y tomar. Estamos ante un festival de sangre que hará las delicias de los seguidores de este tipo de cine y en especial de los seguidores del "Evil dead" original. Hay algo muy importante a favor de este remake, primero el respeto con el que se trata al original, no trata de distanciarse demasiado de el, en ningún momento percibimos que la sombra de la película original sea una losa para que el director y el guionista se manejen con soltura, llevando la película al lugar que ellos (y nosotros) queremos que esté. Y segundo; aunque esta nueva "Posesión Infernal" se sabe festiva y sangrienta y acepta su condición como tal sin problemas, se toma en serio a si misma, no hay personajes graciosos que rompen el ritmo y la atmósfera con sus chistes, no hay situaciones forzadas que descolocan. El directo maneja la idea original de "Posesión Infernal" y nos presenta a cinco amigos que se van a pasar unos días a una cabaña para ayudar a una de las chicas a desintoxicarse. Álvarez no entra en demasiados detalles a la hora de contar la historia de los chicos, aquí no estamos para ver un profundo análisis psicológico de los personajes, estamos para disfrutar del terror y del gore y eso es algo que el director y los guionistas saben perfectamente. Y lo agradecemos


Este nueva versión de "Posesión Infernal" posee elementos que hacen que los seguidores de la película original disfrutemos de ella: se han respetado escenas que era obligatorio mantener (El ataque del bosque a la chica, el movimiento amenazante entre los arboles, el demonio atrapado en el sótano de la cabaña) y se han añadido ciertos detalles que nos hacen recordar la película original. Uno de esos detalles (junto con la escena final) ha sido muy comentando ya que fuera de la cabaña hay un coche destrozado que se asemeja al coche de la película original, hecho que ha llevado a mas de uno a plantearse si estamos ante un remake, una secuela encubierta o una película que transcurren paralelo al original. Sea lo que sea, esos detalles amenizan el visionado de esta película para todos aquellos que disfrutamos del original




Si hay que poner un pero muy grande al nuevo "Evil Dead" es que por momentos parece estar influenciada por "The Ring". Esa presencia malévola que se presenta en el bosque parece tomada directamente de la Samara de la versión americana de la película de Nakata y eso es algo que nos cuesta aceptar, sobre todo viendo el poder de las imagenes rodadas por Álvarez sentimos que la presencia de Samara sea tan alargada.


No se puede hablar de "Evil Dead" sin hablar de "The cabin in the woods". (Que lastima que no lleguen a estrenarse  películas como esta en los cines, y no es la primera vez, recordemos el caso de "Tucker and Dale Vs Evil")Y es que "Evil dead" influenció a "The cabin in the woods" y "The cabin in the woods" ha influenciado a la nueva "Evil Dead". Tal y como ha reconocido el propio Álvarez en una entrevista, su "Evil Dead" no existiría sin "The cabin in the Woods" y esta no existiría sin el "Evil Dead" del 1981. Y es que la película de Drew Goddard coescrita junto con Joss Whendon (responsable de la adaptación al cine de "Los Vengadores") es un muy irónico resumen del cine donde se relata la historia de un grupo de jóvenes van de viaje a pasar un fin de semana para acabar muriendo uno a uno (No nos olvidemos de "Cabin Fever", "La matanza de Texas", "Wrong Turn", o la antes mencionada "Tucker and Dale Vs Evil" que también aporta con mucho humor una nueva visión de la historia de siempre..) . Goddard firma todo un homenaje al cine de terror, especialmente a "Evil Dead". Es difícil enfrentarse al remake de "Posesión Infernal" cuando la gente recuerda con tanto cariño la película original y doblemente difícil cuando hace nada se rodó "The cabin in the woods". Hoy en día es difícil sorprender al publico y mas cuando una película de temática parecida ya lo hizo hace poco tiempo. Pero aunque la película de Goddard se va desmadrando conforme avanza tiene un gran componente de humor y una gran capacidad de sorpresa, la propuesta de Álvarez se desmadra pronto y no hay señales de humor, el director nos sorprende con una película que no se anda con tonterías... Consiguiendo que los seguidores de este generan y especialmente de estas dos películas disfrutemos de su sangrienta propuesta.


Una película muy disfrutable, un digno remake que gustará a todos aquellos que disfrutamos del terror y el gore, el resto casi mejor abstenerse

Lo Mejor: Da lo que promete
Lo Peor:  La sombra de Samara es larga..

domingo, 7 de abril de 2013

Crítica: Wrong


Título: Wrong
Año: 2012
Genero: Comedia
Duración:  94 min
Director: Quentin Dupieux
Guión: Quentin Dupieux
Música: Tahiti Boy y Quentin Dupieux
Interpretes: Jack Plotnick, Eric Judor, Alexis Dziena, Steve Little, William Fichtner, Mark Burnham
Nota: 6,5
Sinopsis: Una mañana al despertar Dolph descubre que su perro Paul ha desparecido. En su intento por encontrar a su perro Dolph se topará con extraños personajes, descubriendo que su perro ha sido secuestrado. 




Crítica:
Si algo tiene el cine de Quentin Dupieux es que no engaña, con solo un vistazo a un trailer de cualquiera de sus películas sabemos que nos vamos a encontrar un cine surrealista impregnado de un personalisimo sentido del humor. Pero el cine de Quentin Dupieux tiene otro rasgo en común y es que Dupieux es la persona mas vaga para poner títulos a sus películas  ya que estos se componen de una sola palabra: "Nonfilm", "Steak", "Rubber" o "Wrong", aunque para su nuevo proyecto cinematográfico  Dupieux, ha llevado a cabo un ejercicio de alto riesgo al usar dos palabras para el titulo: "Wrong Cops" (Dupieux ha comentado que no es una segunda parte de "Wrong" aunque tome prestado algún personaje de esta como el policía interpretado por Mark Burnham)


A pesar de haber dirigido en el 2002 la película "Nonfilm" y en el 2007 "Steak", donde el director nos muestra ese futuro donde la cirugía sirve para deformarse y si no tienes medios siempre hay una grapadora a mano, Dupieux ganó en el festival de Sitges del 2010 el previo Citizen Kane al mejor director revelación  gracias a "Rubber" (Estos premios siempre me hacen que me replantee donde esta el limite para considerar a un director como revelación  De igual modo pienso cuando veo ciertas nominaciones de mejor actor/actriz revelación en los Goya) En "Rubber", Dupieux realiza todo un ejercicio fílmico acerca del sin sentido. El director lo deja claro desde el primer fotograma y lo reafirma gracias al soberbio monologo inicial de Sthephen Spinella. (Lo siento, pero sigo pensando que lo hace mejor que Patrick Fabian en "El último exorcismo"). En "Rubber" como en todo el cine de Dupiex no hay que esperar ninguna tipo de lógica,  el director juega con nosotros como lo hace con ese publico que esta en el desierto viendo las andanzas de ese neumático con poderes telepáticos enamorado de una atractiva joven.


"Wrong" es un paso mas allá de "Rubber", el exceso por el exceso mismo.  Pero a Dupieux se le ha ido la mano, su sentido del exceso se ha desbordado y esto puede hacer que mucha gente choque frontalmente con la propuesta del director, que por momentos parece mas interesado en llamar la atención,  en superar su propio estilo, que en intentar narrar una historia minimamente enlazada. Si en las anteriores películas de Dupiex ya se tenia la sensación de estar viendo una película creada en base a ciertas escenas y personajes excéntricos  intentando llenar los huecos vacíos entre una y otra (Por ejemplo en "Rubber" hay un exceso de imágenes de las andanzas del neumático por el desierto) en "Wrong" esa sensación esta demasiado presente durante toda la película  El resultado de ello es que "Wrong" es excesivamente desigual, dejando escenas hilarantes con otras que se hacen un tanto pesadas y alargadas.


Como con todo el cine de Dupieux no hay termino medio, o entramos en su juego y disfrutamos de sus películas o rechazamos radicalmente su cine. No hay nada como ver "Rubber" o "Wrong" con público y escuchar los comentarios a la salida del cine, nos encontraremos con apasionadas defensas de las películas o viscerales criticas. Yo disfruto con el cine de Dupiex, y a pesar de la irregularidad de "Wrong", estamos es una película muy interesante, aunque eso si, pierde en un segundo visionado (Obviamente ya no tiene esa capacidad de sorprendernos como la primera vez)  Disfruto con la capacidad que tiene Dupieux para que sus actores interpreten a personajes en situaciones cada vez mas estrambóticas (Me encanta Master Chang interpretado por Fichtner o Victor interpretado por Eric Judor) pero no me atrevo a recomendar "Wrong". Quien quiera descubrir el peculiar sentido del humor de Dupieux, sus excesos (¿era realmente necesario que en la oficina estuviera lloviendo todo el rato?, aunque he de reconocer que esta escena y la del perro en el autobús me hacen pensar en Jonze y Kauffman), sus personajes extraños, tiene una gran oportunidad con esta película. Si disfrutas de ella adéntrate en el universo creado con Dupieux y descubre su filmografia. Si en cambio, piensas que estas ante una obra de un niño excéntrico con mucho tiempo y dinero, te recomiendo que dejes de lado el cine de Dupieux. Aunque sinceramente espero con muchas ganas wrong cops


Lo Mejor: Su excentricidad no deja de sorprendernos
Lo Peor:  Su excentricidad puede hacer que no entres en la película

Crítica: Todas las cosas buenas - All the good things


Título: Todas las cosas buenas - All the good things
Año: 2010
Genero: Drama - Thriller
Duración:  101 min
Director: Andrew Jarecki
Guión: Marcus Hinchey y Marc Smerling
Música: Rob Simonsen
Interpretes: Ryan Gosling, Kirsten Dunst, Frank Langella, Philip Baker Hall, Kirsten Wiig, Lily Rabe
Nota: 6
Sinopsis: David esta traumatizado por la muerte de su madre y la presión que ejerce su padre para que continúe con los negocios familiares. Conocer a Katie puede ser lo que necesita para alejarse de su padre y ser feliz.





Crítica:
Andrew Jarecki se dio a conocer internacionalmente gracias al documental "Capturing the Friedmans", un impresionante documental que analizaba la transformación de la familia Friedman cuando el cabeza de familia y el hijo menor de la misma fueron acusados de abusos a menores. El documental se beneficiaba de numerosisimo material familiar y sirvió para analizar tanto el juicio como el afecto que tuvo la denuncia sobre todos y cada uno de los miembros de la familia. "Capturing the Friedmans" fue un éxito de crítica y tuvo, en el 2004, una nominación al Oscar como mejor documental. Para su siguiente largo Jarecki sigue con su obsesión acerca de narrar hechos reales o inspirados en la realidad sobre una familia y como un hecho en el que se ve involucrado el o la cabeza de familia puede arrastrar al resto de la misma. Si en "Capturing the Friedmans" estábamos ante la denuncia por abusos sexuales del cabeza de familia y uno de sus hijos, en "Todas las cosas buenas" nos encontramos ante el trauma producido por el suicidio de la cabeza de familia. La visión de un hecho tan traumático marcará el desarrollo emocional del protagonista, impidiéndole desarrollarse de forma natural dentro de la pareja y desarrollando una psicopatía que hace que, David Marks, el personaje interpretado por Gosling nos recuerde en ciertos momentos al interpretado por Anthony Perkins en "Psicosis".  Los traumas de ambos personajes están relacionados con sus respectivas madres, aunque ambos personajes tienen distintas maneras de "afrontar" dichos traumas, podemos encontrar ciertos rasgos que nos resultan comunes.


Pero el salto al largo no documental por parte de Jarecki resulta un tanto decepcionante. Y el problema no esta en el reparto escogido: Aunque Ryan Gosling resulta bastante creíble en su papel de persona traumatizada por la muerte de su madre y su opresivo padre, si que se observa que parece dar argumentos a sus detractores, a aquellos que dicen que interpreta sus papeles de la misma manera, Kirsten Dunst demuestra, como ya hizo en "Melancolía" que es una actriz de la que se puede sacar mucho. El problema de "Todas las cosas buenas" es que estamos ante una historia que hemos visto una y mil veces en la sobremesa de un sábado o domingo en cualquier canal de televisión. Y cuando eso ocurre me cierro en banda. Hay que esperar mas de la persona que dirigió "Capturing the Friedmans", excepto en ciertas escenas (como el montaje de la escena donde Gosling mata una mosca, o los saludos a Gosling y Dunst en el Hotel y el hospital respectivamente) estamos ante un producto rodado de una manera impersonal. Si, es cierto que en esta y su anterior película Jarecki explora el trauma de las personas dentro de una familia, pero la forma en la que esta rodada "Todas las cosas buenas" es excesivamente fría, carente de pasión. Por desgracia estamos ente una película de la que cabria esperar mucho mas..



Lo Mejor: El reflejo del trauma de Gossling
Lo Peor:  No aporta nada nuevo

miércoles, 3 de abril de 2013

Crítica: Otel.lo

Título: Otel.lo
Año: 2012
Genero: Drama
Duración:  69 min
Director: Hammudi Al-Rahmoun Font
Guión: Hammudi Al-Rahmoun Font
Interpretes: Ann M. Perelló, Youcef Alloui, Kike Fernández, Hammudi Al-Rahmoun Font
Nota: 6,5
Sinopsis: La adaptación de Otello traspasará la pantalla y los actores serán los protagonistas reales de la tragedia gracias a un director sin escrúpulos








Crítica:
Si en "Les Gouffres" nos mostraban con el proceso de interiorización de un personaje por parte de una actriz, en "Otel.lo" estamos ante la manipulación por parte del director de los actores para que estos saquen a la luz sus sentimientos mas profundos para interpretar a sus personajes. Pero mientras en "Les Gouffres" nos encontrábamos ante una película con un ritmo un tanto pesado, en "Otel.lo" estamos ante una película que va creciendo conforme avanza el metraje, conforme los personajes principales muestran sus sentimientos y asimilan sus personajes. La línea entre realidad y ficción  donde ambas se funden y es complicado discernir donde acaba una y empieza otra, es mostrado de manera notable por Al-Rahmoun, presentado a los actores en un hipotético casting, mostrando sus dudas y miedos a la hora de interpretar a sus personajes, y siendo Iago el director de la película  En "Otel.lo", Iago no muestra su pasión por Desdemona, si no por el material que quiere rodar:  el uso de los celos, de la manipulación de todo tipo de sentimientos para conseguir su fin.  El director de la película no se anda por las ramas, muestra su turbia actitud con los actores en el rodaje de la escena entre Casio y Desdemona, donde este parece un fiel reflejo de Vukmir, el director de la película que se rueda en "A Serbian film", intentando llevar a los actores al borde del abismo, jugando con sus sentimientos y usando el sexo de manera impasible para conseguir sus fines. Pero hay algo que me falla en este "Otel.lo" y es que no siento la pasión del director que interpreta Al-Rahmoun por lo que esta rodando traspase la pantalla. Si la emoción de Iago nos llegase es posible que sintiéramos este "Otel.lo" de manera muy distinta. Pero aun con esto, y con ese momento que parece sacado de Rec, estamos ante una película muy interesante. Al-Rahmoun usa de manera muy inteligente la cámara y la fotografía  usando por momentos la oscuridad que envuelve a los personajes como un elemento seductor. Es la imagen la que nos muestra pasión pero no el personaje de Al-Rahmoun. Un nuevo acercamiento al universo de Shakespeare, del cual ya se ha dicho mucho, bueno y malo.Por lo que si ya es difícil acercarse a una obra así, acercase de una manera distinta es muy difícil. Es imposible que me olvide de "En lo mas crudo del crudo invierno" y "Looking for Richard" viendo "Otel.lo" ambas películas  sobre todo la segunda (aunque hable de otra obra de Shakespeare) pueden ser un complemento perfecto al visionado de "Otel.lo"


 .

Lo Mejor: A partir de la escena entre Desdemona y Casio la película gana muchos enteros
Lo Peor: Ese momento a lo Rec sobra.

lunes, 1 de abril de 2013

Crítica: Stories we tell


Título: Stories We Tell
Año: 2012
Genero: Documental - Drama
Duración:  108 min
Director: Sarah Polley
Guión: Sarah Polleu
Música: Jonathan Goldsmith
Interpretes: Michael Polley, Dianne Polley, Joanna Polley, Harry Gulkin, Mark Polley,  Geoffrey Bowes
Nota: 7
Sinopsis: Una familia, un secreto. Todos tienen su versión de la historia, aunque el núcleo de la misma sea común no todos lo recuerdan de la misma manera ni comparten la idea de hacer un documental.






Crítica:
¿Estamos ante un documental que narra un hecho que puede traumatizar a una familia, contado desde los distintos puntos de vista de las personas que lo vivieron? ¿O estamos ante un intento de explorar los sentimientos mas profundos, aquellos que nos cuesta sacar a la luz para poder seguir adelante con nuestras vidas? ¿O simplemente estamos ante un ejercicio de egocentrismo?


Estas tres preguntas nos vienen a la cabeza durante el visionado de "Stories we tell" de la canadiense Sarah Polley, que tiene a sus espaldas una larga carrera como actriz ("El dulce porvenir", "Mr. Nobody", "Dawn of the dead", "Splice"..) y una mas que prometedora carrera como directora ("Take this Waltz" o "Away from her"). Para su tercera incursión en el largometraje, Polley coge algo que conoce muy bien y lo muestra al publico: su familia y la evolución de su situación dentro de ella a lo largo de los años. Esto nos puede llevar a penas en un supuesto caso de  egocentrismo de la directora, intentando justificar el protagonismo de la misma como un supuesto ejercicio de análisis sobre como un mismo hecho, que pese a tener un núcleo central común  se compone de diferentes versiones, siendo estas producidas bien por haberlas vivido directamente, bien por que, a pesar de haberlas vivido, nuestra memoria las ha modificado haciéndonos olvidar ciertas partes y resaltando otras, o bien porque los sentimientos hacia aquellas personas que compartieron con nosotros esa situación hacen que variemos el recuerdo del hecho en si. Por un momento en el documental, dos de los personajes principales se plantean si todo esto no es mas que un proceso de expiación para la directora, usar este documental como excusa para aceptar su nueva situación en la familia., dejando patente por parte de la directora que no sabe muy bien que tipo de material tiene entre manos.


Es cierto que "Stories we tell" no cuenta nada que no nos hayan contado antes, pero es sorprendente que la protagonista de la historia sea la propia directora. La idea de estar ante un posible ejercicio de egocentrismo no llega a germina en nuestra cabeza ya que la relación entre el padre y la madre de Polley esta representada con absoluta sinceridad, sin dejar ningún tema de lado, hecho que nos sorprende y nos cautiva, llevándonos a la presentación del conflicto de manera clara y concisa. Polley se sirve de su familia para mostrarnos un ejercicio de sinceridad pocas veces visto. Es imposible  no tener en la cabeza durante todo el metraje lo duro que tuvo que ser todo el proceso de creación y rodaje de este documental para Polley, y hasta que punto se ha visto con fuerzas para narrarlo, haciendo que estemos concentrados en que piensa cada persona, como vivieron los hechos y sus reflexiones acerca de lo acertado o no de realizar este documental. Es imposible no sorprenderse con el padre biológico de Polley que, planteándose escribir sus memorias y por tanto abordar lo que cuenta el documental, se plantee lo innecesario del mismo, ya que solo el y la difunta madre de Polley saben lo que vivieron juntos y los demás solo podrán dar una versión alterada de la realidad, ya que su posicionamiento ante ella o el grado de amistad que tuvieron con cada implicado pueden alterar lo que recuerdan y como lo recuerdan. Se podría decir que al padre biológico de Polley le da miedo la frase que Fred Madison dice a un policía en "Carretera Perdida", le gusta recordar las cosas a su manera, no necesariamente en el como en el que ocurrieron. Le da miedo como los demás puedan recordar de manera distinta algo para el que fue tan bonito o simplemente que no va a poder hacer negocio


Es también interesante el análisis que nos plantea uno de los personajes indicando que por mucho que se intente dar una visión objetiva de un hecho entrevistando a todos aquellos que estuvieron presentes, nunca se conseguirá dar esa visión ya que lo que acabamos viendo no deja de ser aquello que la directora ha escogido para mostrarnos y ella, como parte implicada en la historia no es objetiva. (Este planteamiento se puede hacer extensible a todo los documentales). Pero esta visión de como contamos las historias no se materializa de forma clara hasta el tercio final del documental. Para llegar a ello, Polley nos presenta la evolución de la relación entre sus padres: el, amante de la soledad, ella extrovertida, para acabar mostrandonos el conflicto en la familia Polley ¿Es esta, hija de su padre o no? Polley se sirve de unas muy cuidadas recreaciones de las situaciones, de unos personajes que se sinceran en pantalla de una manera que es posible que no seria posible conseguir si la directora no fuese su hija, su hermana, su amiga... "Stories we tell" es también un profundo análisis acerca de la familia y de como este ambiente familiar en el que hemos crecido puede marcar nuestro futuro familiar. Un gran documental



Lo Mejor: El padre de Polley y su monologo final. 
Lo Peor:  En ciertos momentos se nota que Polley no sabe muy bien que tipo de material tiene entre manos