sábado, 30 de noviembre de 2013

Crítica: Big Ass Spider


Título: Big Ass Spider
Año: 2013
Género: Ciencia Ficción
Duración: 80 min
Director: Mike Mendez
Guión: Gregory Gieras
Música: Ceiri Torjussen
Interpretes: Greg Grunberg, Ray Wise, Clare Kramer, Lin Shaye, Lombardo Boyar, Patrick Bauchau, Jennifer Gonzalez, Adam Gierasch
Nota: 5
Sinopsis: Una araña cuyo adn ha sido mezclado con adn alienigena se escapa de un laboratorio militar. Un exterminador junto con un guardia de seguridad del hospital darán esquinazo a los militares e intentaran atrapar a la araña por su cuenta.




Crítica:
Simpática aunque muy irregular película de serie B con monstruo, una de esas películas que es mas fácil disfrutar en una sala de cine con público entregado. Si "Big Ass Spider" tiene algo a favor es su simplicidad y su falta de pretensiones haciendo de esta cinta un producto de muy fácil visionado y que hace que en algún momento incluso se nos escape una pequeña sonrisa. Un exterminador, interpretado por Greg Grunberg conocido sobre todo por su papel en la serie "Héroes", y un guardia de seguridad mejicano, interpretado por Lombardo Boyar, trataran de atrapar a una araña mutante a pesar de contar con la oposición de los militares. La pareja protagonista intenta poner el punto cómico a la historia y por desgracia no siempre lo consigue, algún par de simpáticos momentos no consiguen hacer que la pareja funcione como realmente seria necesario ya que la acumulación de chistes malos y sin gracia abundan en las escenas en las que estos dos personajes están en pantalla haciendo que haya momentos realmente pesados y que cortan el ritmo de la cinta.. La actuación de Greg Grunberg, excesiva en algún momento, hace pensar que el papel de simpático graciosillo se le queda grande llevándonos a pensar que igual no era el actor mas adecuado para dar vida al exterminador. Su personaje nos trae a la memoria aquel interpretado por John Goodman en "Aracnofobia" ("Arachnophobia") grandisima película de Frank Marshall, pero John Goodman es mucho Goodman como para que alguien le haga sombra con un papel parecido.


"Big Ass Spider" se sabe festiva y con mayor o menor acierto intenta sacar provecho de ello. Con todos sus aciertos y sus fallos, la película de Mike Mendez consigue ganarse nuestra simpatía gracias a unos efectos especiales que por momentos dejan mucho que desear pero resultan entrañables. Y es que estamos ante una película que conoce todos sus defectos y no intenta llegar a donde no puede. La pretenciosidad de muchas cintas que parece que intentan trascender lastran el resultado final,  y desde luego no estamos ante una producción de The Asylum no estamos ante una cinta pretendidamente cutre que intenta aprovechar el éxito de grandes producciones para hacer una pelicula de serie Z que mas que entretener en muchos de los casos produce vergüenza ajena. Por desgracia la fama cada vez mas creciente de esta productora puede eclipsar a cintas como "Big Ass Spider" ya que mucha gente puede pensar que va a ver una película de esta productora y por este motivo no lo hagan. En "Big Ass Spider" encontramos lo que esperamos una película de corta duración (una gran acierto.. la cinta se acaba cuando empezamos a sentirnos cansados) que mezcla humor con ciencia ficción y con una historia mas bien escasa pero ¿quien quiere ver una elaborada historia cuando hablamos de arañas mutantes alienigenas? Cuando el público se acerca a una cinta como esta lo que quiere es diversión, ver al arácnido gigante matando gente y no personajes con una carga dramática que sea necesaria para entender su evolución dentro de la historia. Ademas en "Big Ass Spider" tendremos tres detalles a cada cual mas agradable: la `pequeña presencia de Lloy Kaufman, alma de la Troma, la gran presencia de Leland Palmer (Lo siento pero Ray Wise será siempre Leland Palmer igual que Jack Nance será Henry Spencer el protagonista de "Cabeza Borradora") y sobre todo una grandisima escena incial donde suena "Where is my mind" versionado por Storm Large, no hay mejor manera de empezar una película de serie B que esta.


"Big Ass Spider" es una agradable cinta de serie B totalmente indicada para los seguidores del género, probablemente al resto la poca historia, los efectos especiales y tanto chiste malo acaben por saturales. A pesar de la irregularidad de la misma, el acierto de su escaso metraje hace de esta una entretenida película para todos aquellos que disfrutamos viendo este tipo de cine.




Lo mejor: La escena inicial de la película
Lo peor:  La acumulación de chistes malos de la pareja protagonista.

viernes, 22 de noviembre de 2013

Crítica: Retornados - The Returned


Título: Retornados - The Returned
Año: 2013
Género: Thriller - Drama
Duración: 96 min
Director: Manuel Carballo
Guión: Hatem Khraiche
Música: Jonathan Goldsmith
Interpretes: Emily Hampshire, Kris Holden-Ried, Shawn Doyle, Claudia Bassols, Paulino Nunes, Barry Flatman
Nota: 4
Sinopsis: Las autoridades sanitarias han conseguido controlar un brote zombie gracias a una vacuna que se inyectan los infectados mas conocidos como retornados. Pero cuando el rumor de la escasez de la vacuna coja fuerza la psicosis se desatará..







Crítica:
Julio Férnandez, presidente de Filmax, fundó en el año 2001 junto con Brian Yuzna, director de "La novia de re-animator" o "Mortal Zombie" entre otras, la Fantastic Factory productora de cine de terror con aroma a serie B y por momentos a serie Z con la idea de abrirse al público internacional. Nunca me emocionó ninguna de las cintas que produjo la Fanstastic Factory: "Darkness" me pareció apreciable pero prescindible, una de mas cintas mas flojas de Balagueró, "Dagon, la secta del mar" totalmente olvidable, "Fausto: La venganza esta en la sangre" me decepcionó profundamente y "La Monja", bueno de "La Monja" mejor no hablamos... Nunca sintonice con el tipo de cine que produjo la Fantastic a pesar de mi predisposición y mi amor por el cine de terror de bajo presupuesto rodado con mucho ingenio y talento, siempre imagine que las cintas de la Fantastic iban a acumular polvo en las estanterías de un videoclub de la américa profunda. Aun así creo que este fue un loable intento por producir cine de terror en España, algo que hay que agradecer tanto a Férnandez como a Yuzna. Pero la figura de Férnandez no solo se queda en la Fantastic Factory, Filmax ha producido grandes películas como "El maquinista" de Brad Anderson (Cuando este hacia buenas películas y no bodrios como "Vanishing on the 7th street", aunque hay que reconocer que sus episodios para series como "Fringe" son bastante buenos), el debut en el largo de Jaume Balagueró con "Los sin nombre" y de Paco Plaza con "El segundo nombre" (Si, es cierto... Plaza debutó rodando con Balagueró "OT: el documental" pero mejor me centro en su faceta de director de películas de ficción) y sus posteriores cintas como la saga "Rec" o "Mientras Duermes".... Queda claro que a pesar de los desiguales resultados hay que reivindicar la figura de este productor que tanto ha hecho y tanto se ha movido por el cine fantástico y de terror en España. Aunque tampoco debemos de olvidar que su nombre también esta detrás de cintas que nada tienen que ver con estos géneros como "Tapas", "Manolito Gafotas", "El lobo"...


Tras producir  la anterior película de Manuel Carballo "La posesión de Emma Evans", cinta que tuvo un muy discreto paso por taquilla y unas mas que demoledoras críticas, Férnandez produce la nueva cinta de Carballo "Retornados" ("The Returned") un intento por contar una historia de zombies desde otro punto de vista. Pero el intento de hacer algo nuevo queda un tanto lastrado porque en el 2004 Robin Campillo dirigió "Les Revenants" una historia de ciencia ficción o fantasía (No podemos ni de lejos considerarla una cinta de terror) donde los muertos volvían a la vida, a ocupar su sitio, a vivir con sus familias y a sus puesto de trabajo. Carballo parece hacer suyo el germen de esta historia para intentar fusionarla con el cine zombie de toda la vida, aquí gracias a una vacuna inyectada en los infectados tiempo antes de convertirse en zombies puede llevar una vida normal, estar con sus parejas, ir a sus puestos de trabajo, no hay nada que los diferencie de una persona normal salvo el exquisito cuidado que tienen que tener si alguna vez sangran y tener que inyectarse la vacuna todos los días de su vida, un día sin vacuna significa convertirse en zombie, pasado ese punto ya no hay marcha atrás. El misterio de saber porque en "Les Revenants" los muertos habían vuelto a la vida es sustituido por Carballo por el miedo de la gente ante los infectados y el creciente rumor de una supuesta escasez de la vacuna. Pero una cosa hemos de tener clara, por mucho que Carballo haya intentado acercarse mas al género zombie tal y como lo entendemos alejándose de la sobriedad de la película de Campillo, no estamos ante una cinta donde vayamos a ver gore ni cantidades ingentes de sangre, ni estamos ante una cinta de terror. Estamos ante lo que podríamos definir como un thriller con reminiscencias de "Ghost" que camina entre dos aguas y que hace que por desgracia no funcione ni como thriller, ni como película por momentos romántica, ni como metáfora hacia aquel que es diferente.


Y si es digno de alabar el trabajo de Julio Férnandez como productor también hemos de ser un tanto críticos con el ya que muchas de sus cintas de terror parecen estar cortada por el mismo patrón. Hay algo demasiado común a muchas de sus cintas ("Los sin nombre", "El segundo nombre", "El maquinista", "Darkness"..), algo en como están rodadas, en los medios de los que disponen los directores, en las historias que se cuentan, escenas demasiado comunes que si no fuera por los actores bien podrían saltar de una cinta a otra casi sin que lo notáramos y que hace que sus cintas estén demasiado hermanadas. Reconozco que tanto "Los sin nombre" como "El maquinista" me parecen dos grandes películas, pero la decepción que sentí al ver "El segundo nombre" es bastante parecida a lo que sentí viendo "The Returned" ("Retornados") (O incluso a lo que sentí viendo "11-11-11" de Darren Lynn Bousman que pese a no llevar el sello de Férnandez como productor bien parece una de sus cintas mas flojas). Y es que por momentos parece que estemos viendo una película sin alma, que no consigue transmitirnos ni el miedo de la protagonista por lo que le vaya a pasar a su pareja, ni el miedo de este por convertirse en un zombie y perder todo lo que ha luchado, ni el miedo de la gente ante aquel que es diferente. George A. Romero ha criticado duramente la serie "The Walking Dead" porque considera que no es mas que un serial que usa a los zombies como excusa para justificar la violencia mientras que el en su cine usa al zombie como metáfora. Queda claro que Carballo ha intentado usar a sus retornados como una metáfora del miedo y de la psicosis que cada día abunda mas en la sociedad, algo parecido a lo que hizo John Carpenter con el sida en "The Thing" ("La cosa"). Pero la metáfora o el intento de crear una metáfora se queda solo en eso, en una buena idea que no acaba de despuntar porque cuando el director tiene que lanzarse ha rodar una cinta sobre el miedo este decide irse por el camino mas trillado, por el camino del thriller puro y duro haciendo que aquel que pensaba que iba a ver algo diferente (y que no haya visto "Les Revenants") se sienta bastante decepcionado. Otra vez estamos ante un típico y tópico thriller con zombies al fondo.


Carballo  es capaz de dejarnos momentos notables como la historia del protagonista cuando fue infectado junto con otros realmente flojos como el asalto al hospital por un grupo de radicales y alguno incluso mal resuelto o directamente incompresible. Personalmente este "The Returned" me decepcionó bastante, probablemente esperaba mucho y probablemente esperaba algo que hiciera que esta cinta tuviera algo que la diferenciara del resto y me encontré con un thriller un tanto apático y previsible. Me hubiera gustado que esta cinta ocupara un lugar privilegiado en mi videoteca particular pero por desgracia solo cogerá polvo en algún lugar perdido en mi memoria. Una lastima.

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Lo mejor: La historia del protagonista cuando fue infectado
Lo peor:  No acaba de funcionar ni como thriller ni como drama

domingo, 17 de noviembre de 2013

Crítica: Insidious 2 - Insidious: Chapter 2


Título: Insidious: Chapter 2 - Insidious 2
Año: 2013
Género: Terror
Duración: 106 min
Director: James Wan
Guión: James Wan y Leigh Whannell
Música: Joshep Bishara
Interpretes: Patrick Wilson, Rose Byrne, Ty Simpkins, Lin Shaye, Barbara Hershey, Steve Coulter, Leigh Whannell, Agnus Sampson, Jocelin Donahue
Nota: 4,5
Sinopsis: Acabados todos los acontecimientos que sucedieron en la primera parte, la familia Lambert intenta seguir con el ritmo normal de sus vidas. Pero una extraña presencia que volvió con Josh del mas allá volverá a amenazar su aparentemente tranquila existencia..




Crítica:
¿Era realmente necesaria una secuela de "Insidious"?En el 2010 James Wan rompió taquillas con una muy irregular película de terror, su propuesta resultaba muy descompensada debido a una primera parte muy sobria y clásica que dejaba paso al descontrol donde primaba sobre todo el efectismo y una pésima caracterización de los espíritus, dejando mucho que desear la visión del mas allá, del limbo, que tenían Wan y Whannell y que levantó todo tipo de críticas. Ahora nos llega esta segunda parte que parece más pensada en la taquilla que en contar una historia con peso. "Insidious: Chapter 2" arranca justo cuando acaba la primera parte, hecho este que a todos los que hallamos visto "Insidious" nos podrá resultar cuanto menos llamativo. ¿No es mejor dejar un final mas o menos impactante donde sea la imaginación del espectador la que vuele intentando dar forma a lo que ocurrió con los protagonistas a que tengamos un exceso de respuestas a cada cual mas decepcionante? ¿Es necesario explicar quienes son los espíritus que atormentan a la familia Lambert o que, por ejemplo, Stephen King retome a Danny Torrance para contarnos que ocurrió después del Overlook en "Doctor Sleep"? Muchas veces la culpa es del propio espectador que exige demasiadas respuesta  ya que parece que nos hemos vuelto excesivamente cómodos a la hora de pensar y queremos que nos den todo mascado sumado con el interés de alguien por seguir vendiendo un producto de éxito, pero a veces las cosas es mejor dejarlas como están y no tocarlas. En la mayoría de ocasiones cuando el cine o la literatura intentan dar demasiadas respuestas estas suelen resultar decepcionantes y es que la imaginación vuela libre y no es cuestión de ponerle freno...


Wan y Whannell parece que se han prepuesto romper la magia que supuso la escena final de "Insidious" dando respuesta no solo a que ha sido de la familia protagonista si no también a que eran esas presencias malignas que los acosaban. Igual que ocurrió con la primera parte, este "Insidious: Chapter 2" posee un prometedor arranque donde el director consigue captar nuestra atención... Y es que cuando Wan se contiene es capaz de hacer grandes cosas como en esa parte inicial de "Insidious" o "The Conjuring". Pero el problema es que aquí no hay una gran historia que contar, nada que no pase de ser un cuento para asustar a los niños antes de irse a la cama, no hay grandes escenas ni sustos que vayamos a recordar largo tiempo. La decepción al avanzar la historia y dar respuestas a ciertas preguntas es patente y el espectador minimamente exigente tendrá la sensación de que el fenómeno "Insidious" ha sido alargado solo con la intención de hacer taquilla. Tal vez lo único realmente destacable del guión sea el notable intento por parte de Wan y Whannel para mezclar el pasado, el presente y el futuro, haciendo que esta segunda parte forme parte viva (o no muerta) de la primera. El intento de unir ambas cintas es y con mucho lo mejor de esa película.


Pero este "Insidious: Chapter 2"  bien se podría haber titulado "Insidious 2: De repente un extraño" ya que conforme avanza el metraje lo que pensábamos que era una película de terror paranormal parece tornar en una película con psicópata o también podía haberse titulado"Insidious 2: The Shinning". En "El resplandor" ("The shinning") Stephen King como autor de la novela y Kubrick como director consiguieron una de las grandes obras de terror tanto del cine como de la literatura. Los parecidos entre "Insidious: Chapter 2" y "The Shinning" son notables: un crío con un extraño don (El resplandor o la capacidad para viajar al mas allá mientras duerme), un padre influenciado o poseído por ciertos espíritus malignos que recorre el camino de la locura llevándolo a querer matar a su familia (Si... aquí también hay una escena donde el cabeza de familia rompe una puerta mientras su mujer e hijos están al otro lado totalmente asustados) y donde también Dick Halloran ayudará en todo lo que pueda. Pero "Insidious: Chapter 2" no es "The Shinning" y por mucha simpatía que le tengamos a James Wan, este no es Kubrick y esta cinta queda muy lejos de aquella, dejándonos la sensación de estar ante un producto prefabricado y falto de personalidad propia cosa que tanto en sus aciertos como en sus fallos si tenia la primera parte.


Me declaro fan de los dos parapsicólogos interpretados por Whannel y Sampson, reconozco que me sobraban en la primera parte ya que daban un toque demasiado cómico que rompía por completo el tono clásico de la primera hora. Pero en esta segunda parte el contrapunto cómico resulta perfecto ante la decepción que supone la historia. Una siempre notable Rose Byrne y un gran Patrick Wilson (desde su papel en "Hard Candy" me tiene ganado) intentan sacar adelante con bastante esfuerzo y acierto sus respectivos papeles. Pero es inevitable pensar en Jack y Wendy Torrance, su sombra es alargada y demasiado pesada para que unos personajes desarrollados de manera tan topica puedan ofrecer algo nuevo. "Insidious: Chapter 2" cae en el fallo de intentar dar demasiadas respuestas, de transformarse en una copia de "The Shinning" pero sin su maestría, sin su magia. Con todo esta es una película que se puede ver y cuyo mayor problema  puede que sea que este mismo año Wan rodó "The conjuring" donde este dejo el nivel muy alto. Esperar una nueva "The conjuring" solo hará que la decepción sea mayor.



Lo mejor:  El notable intento de fusionar la primera y la segunda parte 
Lo peor:  Tanta respuesta fácil acaba por decepcionar.

lunes, 11 de noviembre de 2013

Crítica: Sólo Dios perdona - Only God forgives


Título: Sólo Dios perdona - Only God forgives
Año: 2013
Género: Thriller
Duración: 90 min
Director: Nicolas Winding Refn
Guión: Nicolas Winding Refn
Música: Cliff Martinez
Interpretes: Ryan Gosling, Kirstin Scott Thomas, Vithaya Pansringarm, Tom Burke, Byron Gibson, Yayaying Rhatha Phongam, Sahajak Boonthanakit
Nota: 7
Sinopsis: Julian, traficante de drogas afincado en Bangkok, se verá en medio de una espiral de violencia cuando su madre le pida que vengue la muerte de su hermano





Crítica:
Nicolas Winding Refn el esteta. Por momentos durante el visionado de "Sólo Dios perdona" el espectador tiene la sensación de que el director y guionista ha sacrificado la historia para centrarse en la exaltación de la belleza cinematográfica, el uso de la notable banda sonora de Cliff Martinez junto con los estudiadísimos encuadres y colores que componen todos y cada uno de los planos de la película hacen de esta un hipnótico viaje por lo peor del ser humano, un viaje excesivamente violento que frenará a mas de uno y un viaje moralmente reprobable que hará que mas de uno no pueda conectar con ninguno de los personajes que Winding Refn nos presenta haciendo que veamos la película con demasiada distancia.


Tras violar y matar a una joven de 16 años, Billy un traficante de drogas que vive en Bangkok es asesinado por el padre de su victima con el beneplácito de la policía. Julian, hermano de Billy, se verá obligado a tomar venganza cuando su madre, Crystal, viaje a Bangkok a recuperar el cuerpo de su hijo. Impactante punto de partida que nos hace plantearnos nuestra posición ante la venganza planeada por la madre, al igual que Julian, nuestras dudas morales harán que nos alejemos de lo que la madre de este ha planteado y repudiemos su sentido de la justicia o mejor dicho de la venganza. Pero el personaje interpretado por Ryan Gosling resulta demasiado esquemático pareciendo que nos encontramos ante una extensión autista del personaje que ya hizo en "Drive". Por muchos que ciertos actos o alguna de las pocas frases que dice parezcan preparadas para que por lo menos este personaje se gane en algún momento nuestra simpatía, la frialdad de la interpretación nos hace imposible acercarnos al personaje, resultando algo extraño y ajeno a nosotros. Tampoco ayuda que Gosling parezca encasillado en este papel, es una lastima que ni Winding Refn ni Gosling hayan sido capaces de escapar de la alargada sombra de "Drive" y crear un personaje principal que con todos los matices que aparecen apuntados en "Sólo Dios perdona" no aporte nada que no viéramos en su anterior película juntos.


Pero el mayor problema de "Sólo Dios perdona" no es el exceso de esteticismo por parte de Winding Refn, ni la supuesta dejadez del guión (de lo que habría que hablar y mucho), el mayor problema es nuestra imposibilidad como espectadores para empatizar con alguno de los personajes. Todos resultan excesivamente esquemáticos y fríos, ni si quiera ese policía tailandés que considera que para defender la dignidad de los niños y adolescentes ("no hago esto por tu hija muerta sino por las otras tres que siguen vivas") todo esta permitido consigue transmitirnos cierta simpatía. Winding Refn es incapaz de jugar con nuestros sentimientos como ya hizo de manera notable Park Chan-Wook con su "Sympathy for Mr. Vengance" pero aún así no estamos ante una cinta complaciente ni de fácil visionados. Tal y como dice Billy "es hora de ver al diablo" y eso es lo que Winding Refn nos ofrece: una cita durante hora y media con el diablo. El aroma de pesadilla queda patente durante toda la cinta, especialmente en las escenas de alucinaciones que sufre Gosling en el burdel, propias del mejor David Lynch de "Lost highway" o que parecen sacadas de las páginas de "La crónica del pájaro que da cuerda al mundo", aquí no es Tooru Okada quien camina por extraños pasillos sino Julian para encontrarse con su presente y futuro. Es curiosa la fascinación que muestra Winding Refn por el uso del pasillo como elemento narrativo, no solo en muchas escenas de "Sólo Dios perdona" si no tambien en "Drive" donde algunas de las escenas ocurren en el descansillo del edificio o donde podemos recordar al conductor martillo en mano caminando por uno. (Aunque tampoco debemos olvidarnos que dos de las mejores películas rodadas en los últimos años, "Old Boy" y "The raid" tienen escenas cumbres en pasillos)



Por encima de la historia de venganza, Nicolas Winding Refn intenta apuntar la historia de Julian que ha crecido a la sombra de su hermano y que es constantemente humillado por su madre. Impagable la escena entre Julian, su madre y la prostituta que se hace pasar por su novia, escena donde el director danés muestra toda la brutalidad de la que hace gala la madre del protagonista y donde este vuelve a mostrar que saber dirigir actores o mejor dicho sabe dirigir la mirada de los actores haciendo que estas tengan un potencial enorme en la escena (Recordemos en "Drive" el momento en el que Gosling, Mulligan e Isaac están comiendo juntos en el apartamento de los dos últimos, la conversación va por un lado pero las miradas demuestran los verdaderos sentimientos de los protagonistas, escena sublime que demuestra que de algo mil veces visto todavía se puede sacar petróleo). Es una lastima que Winding Refn deje ciertos retales acerca de la relación entre Julian y su madre sin profundizar en ella de la manera que nos gustaría, pero el director se ha propuesto rodar un viaje hipnótico que insinúa mas que lo que cuenta y donde el espectador ha de poner de su parte para poder disfrutar de la película.


Aunque es inevitable hablar de "Drive" la anterior película de Winding Refn y Gosling juntos y con la que hay mas de una escena en común (Otra vez aqui hay una tortura enfrente de prostitutas o de strippers) no hay que perder de vista "Valhalla Rising", película que no esta tan alejada de "Sólo Dios perdona". Tanto por el ritmo de ambas cintas (hemos de pensar que "Drive" o incluso "Bronson" son mucho mas asequibles para el espectador) como por un personaje principal parco en palabras o como por alguna escena violenta hace que tengamos la sensación de que por momentos "Valhalla Rising" y "Sólo Dios perdona"  estén hermanadas, en ambas los protagonistas realizan un viaje a los desconocido enfrentándose a sus miedos. Si algo deja claro Winding Refn es que en sus películas hay una carga de violencia que puede ser rechazada por más de uno. "Sólo dios perdona" ha sido calificada de festival de violencia gratuita y sin sentido (Igual si se hubiera profundizado en el guión y los personajes estas críticas no hubieran sido tan virulentas) que nos deja una de las escenas más brutales que se han visto recientemente en la pantalla grande. Un viaje hipnótico con el diablo, duro y sin concesiones. Quien decida caminar por sus pasillos ha de ser consciente que va a transitar por el lado mas oscuro de las personas. Estáis avisados.



Lo mejor:  El poderío visual y musical del que hace gala Winding Refn durante toda la cinta
Lo peor:  Que la gente crea que va a ver un "Drive 2" y nada mas parecido con la realidad

viernes, 8 de noviembre de 2013

Crítica: Haunter


Título: Haunter
Año: 2013
Género: Terror
Duración: 97 min
Director: Vincenzo Natali
Guión: Brian King
Interpretes: Abigail Breslin, Stephen McHattie, Peter DaCunha, David Hewlett, Peter Outerbridge, Michelle Nolden, Samantha Weinstein
Nota: 4
Sinopsis: Obligada a estar en casa con su familia y repetir una y otra vez el mismo día, la existencia de Lisa cambiará cuando esta empiece a escuchar extrañas voces.





Crítica:
Decepcionante acercamiento de Vinzcenzo Natali a la temática sobrenatural. El director de las más que notables "Cube", "Cypher" o de la muy interesante "Splice", película impregnada del espíritu del primer Cronenberg, nos sorprende en el peor de los sentidos con una cinta que a pesar de poseer elementos de interés no consigue captar nuestra atención en ningún momento y acaba por convertirse en una típica película de fantasmas que parece más pensada para la televisión que para la pantalla grande. Un guión demasiado deudor de varias cintas de terror (Sin entrar en mucho detalle simplemente decir que tiene una escena calcada de "La Niebla " de Frank Darabont, aunque hay referencias aun mas claras) que solo consigue que el espectador se plantee dos preguntas: ¿Vamos a ver otra vez lo mismo? y ¿Va a ser capaz Natali de llevar esta historia a su terreno?


Por desgracia la respuesta que mas nos puede interesar, la segunda (la primera queda respondida a los 5 minutos de metraje) es que no. Natali consigue dejar un par de grandes momentos pero el resultado global resulta demasiado impersonal y esta cinta bien podría haber sido rodada por el o por cualquier otro. Probablemente un guión demasiado típico, con poca posibilidad de sorprender a un espectador aficionado al género haya impedido al director canadiense mostrase en todo su esplendor, resultando una perfecta metáfora de aquello que nos esta contando: al igual que la protagonista esta atrapada en casa, Natali esta atrapado en por un guión lleno de tópicos. En estas condiciones a aquellos que hemos visto otros largos de Natali nos surge otra duda: ¿Estamos ante una película de encargo como hace John Sayles que escribe y corrige guiones para Hollywood para así poder rodar las películas que realmente le interesan o estamos ante el inicio del declive del otrora gran promesa del cine fantástico? Solo el tiempo lo dirá pero ver a Natali como productor ejecutivo de esta cinta nos hace temer lo peor...


Natali al igual que ya hizo en "Nothing" (Para mi y hasta que vi "Haunter" su película mas floja) encierra a sus personajes en una casa para mostrarnos a una adolescente hastiada de su día a día. Lo que podría haber sido una gran historia que mezclara fenómenos paranormales con el vacío propio de la adolescencia por falta de una comunicación fluida en un entorno que no la entiende hasta que esta empieza a escuchar voces ajenas a su familia acaba derivando en una típica historia de fantasmas sin ningún tipo de sorpresa. Las pistas son tan claras, las referencias tan obvias que dudo que ningún espectador no sepa a los 5 minutos de película que es lo que ocurre y que es lo que va a pasar. Otra cosa es como el director pueda manejar los hilos para intentar desarrollar la historia, por muy grande que sea la sensación de déjà vu siempre hemos de otorgar el beneficio de la duda y como ocurre en esta cinta ciertas escenas pueden llegar a gustarnos mucho aunque por desgracia esas escenas se puedan contar con los dedos de una mano y nos sobrarían dedos..


Una entregada Abigail Breslin saca adelante su personaje con mas acierto en la primera parte que en la segunda y sobre la que posiblemente se ha puesto demasiado peso para que la película funcione acabando por saturarnos. Stephen McHattie consigue un personaje totalmente perturbador, capaz de robar todo el protagonismo de la cinta haciendo que el tiempo que pasa en pantalla resulte terrorífico a la par que escaso. Pero por desgracia poco mas hay en este "Haunter", esperemos que esta película solo haya sido un fallo en la filmografía de Natali y que vuelva a rodar cintas tan interesantes como "Splice" o sorprendentes como "Cube". Que alguien capaz de rodar cintas así haga una película como "Haunter" es cuando menos decepcionante. Sin interés, sin sorpresa, estamos ante una sucesión de tópicos de historias de fantasmas que pueden acabar con la paciencia de más de uno. En lo único que ha sido fiel es en que el titulo de sus largos de ficción para el cine consta de una palabra: "Cube", "Cypher", "Nothing", "Splice". Una verdadera lastima


Lo mejor:  Sin duda alguna Stephen McHattie
Lo peor:  La sensación de que Natali ha perdido el norte.

domingo, 3 de noviembre de 2013

Crítica: Polytechnique


Título: Polytechnique
Año: 2009
Género: Drama
Duración: 77 min
Director: Denis Villeneuve
Guión: Jacques Davidts, Eric Leca y Denis Villeneuve
Música: Benoit Charest
Interpretes: Maxim Gaudette, Sébastien Huberdeau, Evelyne Brochu, Karine Vanasse, Pierre-Yves Cardinal, Johanne-Marie Tremblay, Natalie Hamel-Roy
Nota: 8,5
Sinopsis: El 6 de diciembre de 1989, Marc Lépine motivado por su odio hacia el feminismo mató en la escuela politécnica de Montreal a 14 mujeres. La película intenta recrear el ataque y las secuelas que Lépine causó en algunas de sus victimas.




Crítica:
Tras estrenar la más que notable "Prisioneros" en los cines este sería un buen momento para recuperar las obras anteriores de Villenueve como la soberbia "Incendies", la más que notable "Maesltröm" o esta impactante "Polytechnique". Si algo tienen estas cuatro obras es el análisis que se hace de la reacción de las personas ante situaciones extremas y ante la violencia que se deriva de ellas. Ese padre que intentará recuperar a su hija por cualquier medio en "Prisioneros", esa madre que pide a sus hijos que encuentren a su hermano perdido tras la guerra de Libia en "Incendies", esa chica que ve como su mundo se desmorona tras un aborto y matar accidentalmente a una persona con el coche o el brutal odio de Lépine hacia el feminismo que le llevó a matar a 14 personas y herir a otras 28. Sería un error pensar que Villenueve se ha traicionado en su última película, que se ha vendido al cine comercial americano, pero el director canadiense ha sido capaz de tomar un guión de Aaron Guzikowski que nos evoca constantemente a "Zodiac", y plasmar todas aquellas obsesiones que ya mostró en sus obras anteriores. Si en "Una historia verdadera" Lynch cogió a sus oscuros personajes y los sacó a la luz sin perder la esencia a pesar de resultar sorprendente en el tono, en "Prisioneros" Villenueve coge a sus personajes y los lleva a un entorno donde es mas fácil llegar al público pero sin traicionar su esencia: la dureza de sus imágenes y el conflicto moral que nos propone hace de esta película una cinta que no es de fácil visionado.


La adaptación de la obra de Wajdi Mouawad y su consiguiente nominación a los Oscars como mejor película extranjera supuso que el nombre de Villeneuve dejara de ser un desconocido para mucha gente. La durísima adaptación de la obra dejó a mas de uno pegado a la butaca, a pesar de ser en cierto modo deudor del cine de Atom Egoyan: Una estructura fragmentada y la imposibilidad de cerrar la historia hasta el final (esto puede sonar extraño pero quien haya visto las primeras obras de Egoyan lo entenderá perfectamente) dejó un excelente sabor de boca, haciendo de esta película una de esas cintas de obligada visión, una de esas cintas para recomendar a todo el mundo que quiera que el cine le ofrezca algo mas que acción y violencia sin sentido, un cine diferente que trata al espectador de manera inteligente. No debemos olvidar la impactante "Maelström", soberbia muestra de cine que recuerda igual mucho, demasiado a "21 gramos" pero pasado por el filtro de Jean-Claude Lauzón, con una gran interpretación de Marie-Josée Croze, y donde Villeneuve dejaba patentes todas sus obsesiones de manera notable.



Seis años después del "Elephant" de Gus Van Sant, Villeneuve recreó la matanza que Marc Lépine llevo a cabo en la Escuela politécnica de Montreal. Villeneuve no tenia fácil alejarse de la obra de Gus Van Sant ya que por desgracia los hechos que cuentan ambas películas son similares: la matanza llevada a cabo por una o varias personas en un instituto o en la universidad. Además ambas cintas poseen ciertos paralelismos a la hora de narrar la historia y la forma de mover la cámara. Sin llegar a la maestría que mostró Van Sant al situar la cámara en ciertas escenas de "Elephant", Villeneve juega con las escenas y la cámara para mostrarnos de manera breve pero clara los diversos puntos de vista, un pequeño detalle, una cámara situada en dos lugares distintos en la misma escena que nos remite claramente a la película de Gus Van Sant.


El director canadiense aborda la recreación de los hechos con el máximo respeto pero mostrándose tremendamente crítico tanto con la violencia física como con la violencia psicológica. Este hecho supone un posicionamiento por parte del director (que no de la cámara), no solo ante los hechos si no también ante la sociedad que nos rodea. La violencia sobre las mujeres puede ser física como la que Lépine llevó a cabo el 6 de Diciembre del 1989, pero también psicológica como muestra el director usando para ello una entrevista de trabajo en la que la protagonista es discriminada a la hora de poder acceder al puesto: no queremos personas que vayan a dejar este trabajo para sacar adelante a una familia. La exploración de la violencia que hace Villeneuve en su película y del trauma que presentan las personas que se vieron involucradas en la matanza (algunas de ellas sigue sufriendo de estrés postraumatico y otras se suicidaron) demuestra que el director no se ha querido quedar en una simple presentación de los hechos, no ha querido humanizar al asesino, Villeneuve ha pretendido recrear los hecho de la manera mas respetuosa posible y hacernos pensar acerca de todo tipo de violencia (Por si teníamos alguna duda sobre sus intenciones, el test de embarazo muestra todos los miedos provocados por Lépine y por la sociedad machista en la que vivimos)


Usando a tres personajes principales (el asesino y dos de sus victimas) y sin realizar un trabajo previo para presentárnoslos en profundidad, el director consigue que empaticemos completamente con las victimas y no solo por su carácter de victimas en un hecho tan brutal e inexplicable, si no también porque Villeneuve consigue sacar el máximo provecho del minimalismo del que hace gala. El director se muestra claro y directo, no se anda con rodeos, no necesita llenar metraje para mostrarnos a las personas como victimas, el hecho en si y su reacción ante el consiguen ponernos el corazón en un puño y emocionarnos ante sus consecuencias. Usando como base una carta que el asesino escribe a su madre, el directo muestra las motivaciones de este para cometer la matanza, el posicionamiento de la cámara es objetivo, no juzga, somos nosotros los espectadores tratados de forma adulta los que nos posicionamos, no existe un juego de manipulación de los sentimientos, simplemente el asesino es el asesino y las victimas son las victimas.. Estamos ante una de esas películas que hay que ver, totalmente recomendable.



Lo mejor: El buen hacer de Villenueve durante toda la película.
Lo peor:  Lo que muestra es realmente aterrador.