sábado, 28 de diciembre de 2013

Crítica: Nymphomaniac Parte 1


TítuloNymphomaniac  Parte 1
Año: 2013
Genero: Drama
Duración:  122 min
Director: Lars Von Trier
Guión: Lars Von Trier
Interpretes: Charlotte Gainsbourg, Stellan Skarsgard, Stacy Martin, Shia LaBeouf, Christian Slater, Uma Thurman,Connie Nielsen, Nicolas Bro, Felicity Gilbert, Hugo Speer
Nota: 7
Sinopsis: Tras salir de hacer la compra Seligman se topa con una chica herida en medio de la calle. Ante la negativa de esta de ir al hospital, este la llevará a su casa. Intentando entender que le ha ocurrido, la chica le contará la terrible historia de su vida.






Crítica:
Lars Von Trier y polémica van unidos de la mano. Tanto por sus declaraciones ("Comprendo a Hitler" dijo en la presentación de "Melancholia" en Cannes, polémicas declaraciones por las que acabo pidiendo perdón y que eclipsaron la soberbia obra maestra que es esta película y por la que creo que injustamente solo se premió a Kirsten Dunst cuando el peso de la película era compartido con Charlotte Gainsbourg y cuya interpretación no tenia nada que envidiar a la de Dunst), por la violencia en sus imágenes (Como ya se ha dicho muchas veces otra vez nos encontramos ante escenas que hacen que el espectador aparte la vista de lo que le están contando para centrarse o simplemente recordar aquello que le ha producido un tremendo asco y repulsa como sucede con dos escenas de "Anticristo") por su misoginia (Creo que el cine de Lars Von Trier esta lleno de ejemplos por los que podríamos considerar a su autor como misógino pero creo que "Melancholia" es una durísima historia acerca de la depresión y como enfrentarse a ella, el planeta no hemos de interpretarlo como un mero cuerpo celeste que choca contra la Tierra si no como ese sentimiento de tristeza y melancolía que cada vez es mas grande y brutal en la sociedad de hoy en día. Las mujeres y también el niño son los únicos personajes que sufren depresión y tristeza de una manera activa y visible, y son los únicos personajes que son capaces de aceptarla y enfrentarse directamente a ella. Los personajes masculinos son débiles y cobardes, incapaces de enfrentarse a los problemas y cuya única salida es escapar o directamente el suicidio. Del mismo modo el hombre queda representado como un pelele en manos de las mujeres en "Nymphomaniac", ante una chica joven, atractiva y con ganas de sexo somos capaces de traicionar cualquier tipo de creencia o promesa con tal de tener sexo fácil. El hombre no es mas que un individuo totalmente manipulable a través de sus mas bajos instintos)  o por sus escenas de sexo explicito (Aunque ahora esta de moda esta película no podemos perder de vista el escándalo que supuso el estreno de "Los idiotas", inscrita dentro del movimiento dogma donde también se inscribía la película por excelencia del director danés "Rompiendo las olas", la cinta de Lars Von Trier llamó mas la atención por su por momentos alto contenido sexual que por su calidad y su historia. No he leído muchas criticas ni impresiones acerca de esta película pero he tenido muchas y acaloradas discusiones acerca de la misma con amigos delante de una cerveza a altas horas de la madrugada intentando explicar que "Los idiotas" me parece una de las películas mas políticas del director, una crítica y un intento de ridiculizar por parte de Lars Von Trier a ciertos movimientos políticos. Personalmente no comparto la visión que el director creo que quiso transmitir, pero la idea de un grupo de gente que comparte ideales y una forma de organizarse dentro de una casa y fracasa al hacerlo público me resulta una crítica demoledora. Pero claro el sexo nos cegó a todos. Los árboles no dejaron ver el bosque. O igual simplemente intenté encontrar un significado a algo que igual no lo tenia..)


Ahora llega a las pantallas "Nymphomaniac Parte 1" película que según un cartel al inicio de la misma nos advierte que no ha sido montada por Lars Von Trier pero para la que si que ha dado su consentimiento. El director danés quería que se estrenase en cines la versión completa de su historia de unas cinco horas de duración y con abundante sexo explicito, pero por temas comerciales se ha decidido dividir la cinta en dos partes y cortar las escenas mas escabrosas. A todo esto hemos de sumar que igual todo lo que se ha hablado acerca de los dos montajes, acerca de la negativa de Lars Von Trier para que se corte en dos su cinta y se censure, puede no ser más que una estudiadísima campaña publicitaria. "Hay solamente una cosa en el mundo peor que hablen de ti y es que no hablen de ti" dijo Oscar Wilde, Lars Von Trier puede hacer suya esta frase sin ningún problema.


"Nymphomaniac Parte 1" cuenta la historia de Joe que tras ser encontrada malherida en medio de la calle por parte de Seligman, será llevada a casa de este para que se recupere mientras esta le cuenta la historia de su vida. Dividida en diversos capítulos unidos por el nexo común del dialogo entre Joe y Seligman (Nexo con un tremendo componente teatral, bien podríamos adaptar la película a obra de teatro donde los dos personajes dialogan en una habitación acerca del sexo, del amor y de la soledad), la obra de Lars Von Trier se mueve en diversos niveles. Si bien estamos ante una historia de un gran componente dramático (No dejamos de estar ante un tema recurrente en la filmografia de Lars Von Trier, la tristeza, la melancolía, la depresión por parte del personaje principal y su intento por superar todos esos sentimientos) estamos ante una cinta con un componente cómico que esperemos que haya sido buscado deliberadamente. A todo esto hemos de sumar una pedantería y una pretenciosidad que son el mayor lastre de esta cinta. La relación que hace Seligman entre el las veces que le dan por delante y por detrás a Joe con los números de Fibonnaci, las referencias a la razón áurea o la polifonía en la música como metáfora sobre las relaciones de Joe no quedan justificadas de manera satisfactoria en la historia, no hay un análisis en profundidad de estos conceptos, especialmente del último el de la polifonía, que hacen que el espectador tenga la sensación de que Lars Von Trier se ha dejado llevar por una grandiosidad que no aporta nada a la cinta o al menos no en el sentido que hubiera sido necesario.


Los capítulos que componen ""Nymphomaniac Parte 1" resultan excesivamente desiguales. Un primer capitulo donde acabamos saturados con la idea de relacionar la búsqueda de sexo con la pesca y que acaba resultando un tanto aburrido. La idea de relacionar ambos conceptos es interesante pero cuando una idea, un concepto es repetido hasta la saciedad acabamos llenos de hastío deseando que el director no vuelva a remarcar la metáfora repetidas veces, ya que como público inteligente que somos el concepto nos ha quedado claro desde el primer momento. Es una lastima que donde Lars Von Trier nos presenta al personaje principal el espectador pueda llegar a desconectar por esta reiteración en las ideas y las metáforas. Superado este escollo la película empieza a alzar el vuelo y a tomar conciencia de si misma como tal. Si algo bueno tiene Von Trier es la capacidad de sacar lo mejor y exprimir al máximo a cada uno de sus actores, una esplendida Uma Thurman, un increíble Christian Slater (Esperemos que este sea el empujón que necesita para volver a ser el que fue), una novel Stacy Martin cuya forma de desvirgarse cinematográficamente hablando no puede ser mas difícil, o incluso un Shia LaBeouf bastante acertado en su papel (Lo siento pero que sea el hijo de Indiana Jones es algo que todavía no he superado ni perdonado) hacen de esta cinta una película donde por muchos momentos los actores están por encima de la historia. Y es que junto a grandes y dramáticos momentos, a destellos de calidad del mejor Lars Von Trier, la sensación de estar ante una cinta en la que por momentos el director ha intentado crear polémica, llamar la atención, usar la historia como mera excusa para grabar escenas de sexo es algo que esta presente en la cabeza del espectador. ¿Ha intentado Von Trier generar también otro tipo de polémica con ese grupo de mujeres que protestan usando su cuerpo, su sexo para criticar el amor? ¿Es simplemente una coincidencia que el director parezca que hable de un tema que vemos todos los días en el telediario o es simplemente una coincidencia? (Obviamente, el uso del cuerpo femenino es radicalmente diferente)


Aun así y con todo, "Nymphomaniac Parte 1" es una cinta en la que si se entra engancha y es una cinta en la que si te pusieran las cinco horas seguidas en el cine las verías seguidas de un tirón. No hay mayor decepción que el que se acabe esta cinta y ver mientras se proyectan los títulos finales escenas de "Nymphomaniac Parte 2" a ritmo de la música de Rammstein.  Lars Von Trier ha conseguido que no solo no disfrute de las dos horas que dura esta cinta sino que anhele ver la segunda parte. El uso del sexo obviamente es necesario para contar la historia de una ninfomana pero si algo queda claro tras ver esta cinta es que si se han cortado escenas de sexo para estar versión cinematográfica es probable que sea un acierto y no un error, un exceso de este tipo de escenas, puede llenar a la cinta de demasiados tiempos muertos que pueden hacer que la historia haga aguas por todas partes (Siendo una comparación un tanto injusta, si se ha visto "La vida de Adèle" en cine, las escenas de sexo son muy largas pero tremendamente bellas y naturales, pero esa larga duración hace que parte del público considere que es excesivo y por un momento desconecte de lo que le están contado). "Nymphomaniac Pate 1" es una cinta que gustará a los seguidores del director danés, la gente que se acerque a ver esta película por la polémica causada (igual que nos advierten que esta es una versión montada sin la ayuda de Lars von Trier pero que si que cuenta con su apoyo,vemos al final de la cinta otro cartel en el que se nos indica que ningún actor profesional ha mantenido sexo real) con la idea de ver sexo se llevará una decepción, no por que no lo haya que lo hay si no porque no dejamos de estar ante la historia de una chica que aunque esta rodeada de hombres se siente sola y aunque por momentos se nos escape una risa, el fondo de la historia es tremendamente dramático. Recomendable para seguidores del director, el resto mejor abstenerse.



Lo Mejor: Cuando acaba solo deseas ver la segunda parte.
Lo Peor: Cierta pretenciosidad a la hora de contar la historia y recalcar las metáforas.

martes, 24 de diciembre de 2013

Lo mejor del 2013

1 - Después de Lucía

Pese a ser una película rodada en el 2012 en España se vio  en el 2013 en el Atlántida Film Fest haciéndose con el triunfo. Por desgracia tal y como esta el panorama cinematografico español no espero que se estrene y  si lo hace lo hará de forma limitada. La cinta de Michel Franco es una durisima historia de violencia juvenil a medio camino entre el cine de Haneke y el "Whisky" de Rebella y Stoll. La historia de Lucía no solo no deja indiferente a nadie si no que  consigue remover la conciencia de los espectadores, Franco no rueda una simple historia sobre bullying, rueda una historia sobre incomunicación y desesperanza. Dura pero totalmente recomendable.


2 - 12 años de esclavitud - 12 years a slave



Hemos de ser honrados, "12 años de esclavitud" es de lo mejor que se ha podido ver en las pantallas este año pero no es la mejor película del director con el nombre mas guay del cine actual. Las soberbias "Shame" y "Hunger" dejaron el listón muy alto. "12 años de esclavitud" consigue dejar escenas impactantes y realmente emocionantes gracias a la historia real de Solomon Northup y a las grandes interpretaciones de todos los actores que participan en ella. Un tema central compuesto por Hans Zimmer que bien podría formar parte de la anterior película de Steve McQueen consigue emocionar y demostrar que actualmente el director ingles afincado en Holanda sabe como exprimir a sus actores, las imágenes y la música para ponernos el corazón en un puño.


3 - La vida de Adèle - La vie d'Adèle - Blue is the warmest color


La visión de Abdellatif Kechiche sobre la obra de Julie Maroh consiguió poner de acuerdo a todo el mundo en el festival de Cannes haciéndose con la Palma de Oro. Y es que manejar un material tan bueno como la novela gráfica de Maroh y trabajar con dos actrices en estado de gracia facilitan mucho el trabajo. Las casi tres horas de película y unas escenas de sexo muy explicitas y un tanto largas no consiguen que el espectador pierda de vista la preciosa historia de amor entre Adèle y Emma. Kechiche saca provecho a la química entre las dos actrices y situando la cámara muy cerca del rostro de las protagonistas  es capaz de transmitir el amor que sienten la una por la otra, haciendo que solo deseemos que alguien nos mire así..



4 - Antes del Anochecer - Before midnight


Fin de la trilogía escrita a seis manos entre Julie Delpy, Richard Linklater y Ethan Hawke. Y es que las aventuras a lo largo del tiempo y de los diversos encuentros entre Celine y Jesse han conseguido una legión de fieles seguidores. Su increíble naturalidad y unos diálogos en los que muchos nos podemos ver reflejados hacen de las tres películas un placer fácilmente disfrutable. "Antes del anochecer" cuyo titulo original es "Berfore midnight" (Antes de medianoche) consigue cerrar la historia de manera soberbia. Con algún momento que nos evoca a "Las invasiones barbaras" (esa comida entre amigos hablando de temas culturales), Linklater rueda una de las cintas mas bonitas que se han podido ver este año y cuyo mayor problema es que no haya una cuarta parte... Esperemos que algún día volvamos a ver a Celine y Jesse en pantalla.




5 - Stoker



El surcoreano Park Chan-wook autor de parte de las mejores películas que se han rodado en su país en los últimos años ("Old Boy", "JSA joint security area", "Thrist", "I'm a cyborg"...) inicia su aventura americana con una historia que a priori podría parecer preparada para el lucimiento de Nicole Kidman. Una excelente Mia Wasikowska y el buen hacer de un director capaz de llevar a su terreno una historia tan típica como esta hacen de "Stoker" una muestra enfermiza de cine negro capaz de llegar a gran cantidad de publico sin traicionarse a si misma.






6- Ali

Una película pequeñita capaz de conseguir no solo que se vea con cariño si no que ese cariño perdure en el tiempo. La cinta de Paco Baños es una muy agradable comedia dramática acerca de una chica (interpretada de manera soberbia por Nadia de Santiago) con miedo al compromiso, a conducir y con una madre cuyos problemas emocionales son la causa de todos sus miedos. "Ali" es una pequeña joya maltratada por los distribuidores que probablemente no creyeron en ella como realmente se merecía.






7 - Solo Dios Perdona - Only God forgives



Tras "Drive" Nicolas Winding Refn lo tenía muy difícil para repetir el éxito de crítica y público y si algo ha demostrado el director danes a lo largo de su carrera es que sabe que es el riesgo y no se amilana ante el. "Solo Dios perdona" es una durisima película que no hace concesiones al espectador, no es fácil posicionarse con un personaje, todos son oscuros y violentos. La historia que Winding Refn nos cuenta recorriendo pasillos de pesadilla que parecen sacados de lo mas oscuro de la mente de David Lynch nos incomodará de manera notable. Una cuidada fotografía, planos medidos y la excelente banda sonora consiguen hacer de esta cita con el diablo una película realmente hipnótica.




8 - La herida


Dura película de Fernando Franco acerca de una joven que sufre un trastorno limite de la personalidad. La espiral autodestructiva de la protagonista tanto física (constantes heridas con cuchillas y cigarrillos) como psicológica que no solo le afecta a ella si no a todo aquel que le rodea hacen de esta cinta una realista visión de que supone sufrir un trastorno mental y lo difícil que es salir del pozo. Franco no se anda con tonterías, no entra en el uso del efectismo para mostrar como se siente la protagonista, la dureza de su cinta reside en su realismo y en el excelente trabajo de su protagonista Marian Álvarez. "La herida" es una de esas cintas de las que no es fácil recuperarse...







9 - Las ventajas de ser un marginado - The perks of being a wallflower


¿Quien puede resistirse a ver a Logan Lerman yendo hacia su querida Emma Watson a ritmo del "Come on Eileen" de los Dexy's midnight runners? Nadie mejor que el propio autor de la novela Stephen Chbosky para ser fiel a su espíritu y a sus personajes a la hora de llevarla a la gran pantalla. Las aventuras de un tímido chico en el instituto, su amistad con compañeros mayores que el que le abrirán los ojos y lo sacarán de su jaula supone una de las mayores muestras de optimismo y ternura que se han visto este año. Con una gran banda sonora y con Tom Savini en el reparto, "Las ventajas de ser un marginado" es una muestra de como el cine que habla sobre la adolescencia puede ser cine de calidad.





10 - Turning


El artista Charles Atlas y el cantante Antony Hegarty se unen en este documental que habla sobre el lesbianismo y la transexualidad. Mezclando entrevistas con las preciosas canciones de Antony, Atlas nos descubre el sufrimiento y la capacidad de superación de estas mujeres para aceptarse y ser aceptadas.  Testimonios sinceros, desgarradores hacen de "Turning" un documental que emociona. Su corta duración y la tremenda personalidad de las mujeres entrevistas hace que nos quedemos con ganas de saber mas... Muy notable y recomendable.












domingo, 22 de diciembre de 2013

Crítica: The truth about Emanuel


Título: The Truth about Emanuel
Año: 2013
Género: Drama
Duración: 96 min
Director: Francesca Gregorini
Guión: Francesca Gregorini
Música: Nathan Larson
Interpretes: Kaya Scodelario, Jessica Biel, Alfred Molina, Frances O'Connor, Aneurin Barnand, Jimmi Simpsons, Sam Jaeger, Gabriela Dias
Nota: 6
Sinopsis: Emanuel vive atormentada debido a la muerte de su madre en el parto, la llegada de una vecina que guarda cierto parecido con su madre  y el bebe de esta  harán que Emanuel se obsesione con ella.



Crítica:
Es difícil describir el argumento de "The truth about Emanuel" sin que parezca que estamos ante una especie de "Mujer blanca soltera busca" ("Single White Female") o algo parecido... tanto el cartel de la película como la mayoría de las sinopsis que podemos leer sobre la cinta de Gregorini (y esta no es una excepción) dejan entrever que vamos a encontrarnos ante la típica película donde uno de los personajes se obsesiona con otro y cuya historia acaba derivando  en una película de psicópatas. Supongo que por temas comerciales se habrá cambiado el título original de la cinta de "Emanuel and the truth of the fishes" por "The truth about Emanuel", parece que es mas fácil llegar a la gente vendiendo una película sin hacer demasiadas referencias poéticas en el título, sin hacer pensar al espectador que ha de esforzarse para llegar a disfrutar y entender la película pero en este caso el primer título casa mejor con las intenciones, las ideas y las imágenes que usa Gregorini para contarnos la historia, mientras que el segundo enfatiza la errónea sensación causada al leer la sinopsis y ver el cartel de la película. Hemos de alejar esta idea de nuestras cabezas y acercarnos a la película de Francesca Gregorini con la idea pensando que nos vamos a encontrar con un gran personaje femenino, con una chica joven que vive atormentada por la muerte de su madre, que no encuentra su lugar en el mundo y que vive rodada de una familia, especialmente de una madrastra con la que no encaja, que no la entiende. Gregorini reconoce que esta película nació de su subconsciente y de sus demonios, esta película es una historia acerca de los secretos que nos ocultamos a nosotros mismos y a los demás. Para ella el cine es una metáfora con la capacidad de tener un gran significado y explorar a las personas. Si existía alguna duda acerca de las intenciones de la directora y guionista acerca de lo que quería contar, sus palabras y sus imágenes lo dejan claro: estamos ante una cinta que habla de todo aquello que guardarnos y ocultamos, de todo aquello que nos traumatiza y de cómo podemos decidir enfrentarnos a todo esto o no...esa batalla esta en nuestras manos... Y todo esto es un motivo mas para lamentar también como se ha vendido esta cinta...


Una gran Kaya Scodelario, protagonista de la excelente visión de Andrea Arnold de la novela de Emily Brönte "Cumbres Borrascosas" ("Wuthering Heights") da vida con notable acierto a la traumatizada protagonista (Papel pensado inicialmente para Rooney Mara). Su excelente monologo inicial nos deja claro que estamos ante una persona totalmente traumatizada  pero con una personalidad desbordante y desasosegante a partes iguales, que nos atrapa y nos manipula de la misma forma que ocurre con Claude personaje interpretado por Aneurin Barnard. Es imposible no pensar en "Código 46" ("Code 46") a la hora de ver y analizar la relación de estos personajes y en especial a la hora de hablar de los sentimientos de las protagonistas En ambas cintas los cumpleaños de los personajes interpretados por Kaya Scodelario y por Samantha Morthon sirven para mostrar los miedos y las dudas de estas, ambas asediadas por la soledad se aferran a la necesidad de que algo cambie. Si María Gonzales (Samantha Morthon), desea estar dormida pero quiere encontrar a alguien antes de que el tren se detenga pero cada cumpleaños que pasa hay una estación menos, Emanuel busca en Claude es vía de escape que necesita, recorriendo todos y cada uno de los vagones del tren en su desesperada búsqueda del chico. El agua presente durante la película, durante las muestras de desesperación de la protagonista... esos peces que la envuelven por momentos y que por desgracia se han perdido en el título...



Es una lastima que las dos historia de los personajes principales resulten tan desiguales. Mientras para narrar la historia de Emanuel, Gregorini usa la poesía para mostrar los sentimientos de esta (Vease las ya comentadas constantes referencias al agua que hay en la historia), en la de Linda el aroma de misterio con la que la directora envuelve a esta historia hace que nos cueste acercarnos al personaje tomando demasiadas distancias con el. Mientras Emanuel se siente atraída por ella y por la necesidad de protegerla, nosotros como espectadores estamos demasiado distanciados de estos sentimientos como para compartirlos y ser participes de ellos. La directora reconoce que no ha intentado ser pomposa, solo ha intentado contar la historia de dos personas que tienen que seguir con sus vidas sin forzar ningún mensaje ya que este viene dado por si solo, alejándose del melodrama para contar una historia de personas y que hace que las cosas funcionen. Es de agradecer el intento por parte de esta de alejarse de la pomposidad y de la pretenciosidad que por desgracia son grandes males que afectan a muchas películas que tratan sobre personas que intentan superar sus traumas. Aún así las intenciones de Gregonini no acaban de encajar con lo que nos cuenta por lo menos de la manera que nos gustaría. Con todo estamos ante una muy interesante película que se ve con interés y donde una gran Kaya Scodelario es capaz de sostener toda la película sobre sus hombros.



Lo mejor: Kaya Scodelario y el gran monologo inicial.
Lo peor:  Ese aroma a thriller con psicópata que no ayuda para nada a la historia.

lunes, 16 de diciembre de 2013

Crítica: Contracted

Título: Contracted
Año: 2013
Genero: Terror
Duración: 78 min
Director: Eric England
Guión:  Eric England
Música: Kevin Rielp
Interpretes: Najarra Townsend, Alice MacDonald, Katie Stegeman, Caroline Williams, Matt Mercer, Charley Koontz, Simon Barret, Ruben Pla
Nota: 6
Sinopsis: Una joven que acude a una fiesta mantendrá relaciones sexuales con un joven que no conoce. Cuando al día siguiente se despierte enferma y el chico sea buscado por la policía su existencia se convertirá en una autentica pesadilla...




Crítica:
La visión acerca de un virus que se transmite por vía sexual que nos propone Eric England ha sido comparada con el primer cine de David Cronenberg especialmente con "Rabia"("Rabid") y "Vinieron de dentro de" ("Shivers") pero sorprendentemente el director reconoce que aunque le encanta el trabajo del director canadiense especialmente en "La mosca" no se siente influenciado por su cine pero si reconoce las influencias de "Cisne Negro" ("Black Swan") de Darren Aronofsky. "Contracted" es una agradable muestra de cine de terror rodada con pocos medios y mucho ingenio en  solo 15 días. Con tan solo 78 minutos de duración England no consigue mantener un nivel constante durante toda la cinta dejando una serie de momentos en los que no se sabe muy bien hacia donde va la película, momentos un tanto vacíos en los que el director y guionista no sabe como desarrollar satisfactoriamente una idea tan prometedora como la que tiene entre manos.


Pero las comparaciones no han de quedarse solo con el cine del primer Cronenberg o con "Cisne Negro", durante el visionado de "Contracted" es inevitable no pensar en "Thanatomorphose" de Eric Falardeau, cinta con la que la película de England comparte, no solo el nombre de sus directores sino también una idea común: mostrar la degradación física y emocional del personaje femenino. (Aunque England reconoce no haber visto la cinta de Falardeau hasta tiempo después de haber rodado "Contracted" y que además ambas cintas se rodaron mas o menos al mismo tiempo). Pero mientras en "Thanatomorphose" una joven descubre un día cualquiera que su cuerpo se esta descomponiendo en vida, en "Contracted" una chica cuya relación con su novia esta agonizando se contagiará con una terrible enfermedad de transmisión sexual al acostarse con un desconocido (Interpretado por Simon Barret, guionista de "You're the next" y amigo del director de "Contracted") sin usar ningún tipo de protección. (El cine de terror sigue usando el sexo como elemento punible a pesar del intento de England por reformular el subgénero de virus e infecciones ya que según palabras del propio director "muchas de las relaciones sexuales sin protección acaban en sarpullidos... siempre me han fascinado las películas de infecciones pero no he visto nada revolucionario... quería rodar algo de alguna manera que no se hubiera visto antes". A través del cine de terror se ha impuesto la moda de castigar a todos aquello que no cumplan con las normas más puritanas, y "Contracted" no va ser diferente y usa el sexo, al alcance de todos, como elemento para mostrar el horror.)


La representación de la degradación física y psicológica de las protagonistas de ambas películas comparte rasgos idénticos, en ambas el personaje principal se encuentra en medio de una relación sin mucho futuro y deseada por un/a amigo/a. Al igual que en la propuesta de Falardeau, England usa la enfermedad que sufre Samantha como "una extraña forma de mostrar su conflicto interno y externo, de como se mezclan ambos para crear una espiral hacia lo mas profundo". Ambas películas no solo coinciden en el fondo sino, por momentos, también el la forma, escenas comunes como puntos de tangencia entre ambas: uñas que se caen de los dedos y gusanos en los cuerpos de las chicas, por momentos ambas historias se fusionan solo en una...



...pero aunque las ideas y ciertos momentos se mezclen y fusionen, la forma que tienen England y Falardeau de mostrar la degradación de sus protagonistas en muchos puntos también difiere radicalmente. Mientras Falardeau encierra a su personaje principal en un espacio único como si fuera una especie de cárcel tanto emocional como física, England da libertad absoluta a Samantha para escapar del encierro físico (que no del emocional) y relacionarse con otros personajes fuera de ese entorno. Pero haciendo esto se pierde la capacidad de sentir el agobio que teníamos viendo la propuesta de Falardeau, dando la sensación de que por momentos England no sabe como explorar correctamente las ideas que tienen en la cabeza por mucho que intente desarrollar la relación traumática entre madre e hija apuntalada con los supuestos intentos de suicidio de esta, la fracasada relación de la protagonista y su novia y las obsesiones de un amigo y de una amiga hacia esta. Pero ninguna de estas historias acaba por cuajar de la manera deseada, dejando algún momento que nos hubiera gustado que hubiera sido desarrollado de otra manera como la relación entre la amiga y Samantha o esas visitas al médico no tan escabrosas como el momento requería.


Con todo, ese aroma de cine independiente, esa comparación inevitable con la primera época de Cronenberg (por mucho que el director reconozca otras influencias no va a poder dejar de escuchar lo mucho que su cinta se parece a las del director canadiense) y una protagonista que sabe mantenerse dentro de un difícil papel (Aunque la forma de sujetarse las gafas de sol pone bastante nervioso) hacen de "Contracted" una muy interesante muestra de cine de terror enfermizo que gustará a los amantes del género y que nos regala una grandisima escena final.


Lo mejor: La escena final
Lo peor:  Las historias que rodean a la protagonista no acaban por cuajar.

domingo, 15 de diciembre de 2013

Crítica: Open Grave

Título: Open Grave
Año: 2013
Género: Thriller - Terror
Duración: 102 min
Director: Gonzalo Lopéz-Gallego
Guión: Chris Borey y Eddie Borey
Música: Juan Navazo
Interpretes: Sharlto Copley, Joseph Morgan, Thomas Krestchmann, Erin Richards, Josie Ho, Max Wrottesley, Balázs Szitás, Éva Botos, Tofi Seffer
Nota: 6,5
Sinopsis: Un hombre despierta en una tumba llena de cadáveres, sin memoria incapaz de recordar que ha pasado y como ha llegado allí. Con 5 personas más en su misma situación intentara encontrar respuestas a todas las preguntas.




Crítica:
Tras la floja "Apollo 18" película con una gran premisa pero totalmente decepcionante en su desarrollo y mucho mas en su acabado final, López-Gallego prosigue con su carrera americana con "Open Grave". Película con una gran escena inicial realmente impactante y que deja el listón alto, muy alto, tan alto que una vez puesto el cimiento de lo que va a ser el misterio que intentarán resolver los protagonistas, esta es incapaz de mantener el nivel y durante un rato la cinta baja en interés de forma notable, por momentos el espectador piensa  que va a ocurrir lo mismo que con la anterior película de López-Gallego que una gran idea se va a quedar en nada. La sombra de "Lost" es larga como ya vimos en el "Predators" de Nimród Antal, otra vez nos encontramos con un grupo de gente (Por supuesto con algún asiático en el grupo) que se encuentra en un ambiente extraño en el que no saben que pasa y deberán luchar por sobrevivir. Una isla tras un accidente de avión donde ocurren extraños fenómenos, despertarse sin saber que ha ocurrido en un planeta aparentemente deshabitado o simplemente despertarse en una extraña casa en medio del bosque rodeada de cadáveres... Por si esto no fuera suficiente para tener la sensación de estar ante una película eclipsada por el fenómeno "Lost" los guionistas nos regalan un mensaje escrito de forma compulsiva por uno de los personajes, pero mientras en "Lost" la serie de números era bastante compleja en "Open Grave" unos mínimos conocimientos de chino dan con la respuesta, excesivamente simple hecho del que son conscientes tanto los guionistas como el director para dejarlo apartado y resolver la duda lo antes posible para centrarse en temas mas interesantes.


Es cuando "Open Grave" deja todos los elementos que no son, digamos, suyos y empieza a contar su propia historia cuando la película consigue levantar el vuelo, cuando ciertas escenas y personajes consiguen ponernos los pelos de punta creando momentos difíciles de olvidar y cuando realmente el motivo de porque los personajes están en la situación en la que están nos empieza a interesar de verdad. Hemos de ser honrados y reconocer que López-Gallego nos lleva de la mano por el camino que quiere mostrándonos aquello que le interesa y como le interesa siendo no siempre justo con el espectador,  haciéndonos sentir que somos claramente manipulados pero la historia acaba yendo por un camino que a muchos de los seguidores del cine de terror nos gustará y perdonamos este juego poco limpio por parte del director (Podría poner algún ejemplo de esto pero mejor descubrirlo poco a poco al ir viendo la película). El planteamiento acerca de lo que esta pasando es del todo satisfactorio y la cinta consigue que la veamos de manera grata y acabemos disfrutando de ella. "Open Grave" es una cinta que tendrá su público, una cinta que esperemos que llegue a los cines españoles y que quite el mal sabor de boca que dejó su proyección en el pasado festival de Sitges donde los diversos cortes que se produjeron durante toda la mañana impidieron ver a los espectadores el final de la cinta lo que enfadó y con razón a muchos de ellos.



Shartlo Copley, actor fetiche de Neil Blomkamp que aparece en sus dos largos "District 9" y "Elysium"  y al que próximamente veremos  en la versión de Spike Lee de "Old Boy" da vida con notable acierto al protagonista  de la cinta bien secundado por todos sus compañeros si bien un Thomas Krestchmann que en menos de dos años ha pasado de interpretar a Drácula en la particular visión del otrora grande del cine Dario Argento a ser Abraham Van Helsing en la serie "Drácula", tiene en esta cinta un papel demasiado típico que no deja mucho a la improvisación o la sorpresa, pero esto no es un problema en la interpretación del actor si no de como ha sido desarrollado el personaje en el guión, estamos no solo ante este caso (aunque si que puede ser el ejemplo mas marcado) todos los personajes de "Open Grave" resultan demasiado arquetípicos. No estamos pues ante una película en la que vayamos a encontrarnos con grandes personajes pero los actores consiguen sacarles mucho juego haciéndolos por momentos bastante creíbles.

Reconozco  mi debilidad por esta película, me acerqué a ella sin saber más que la sinopsis, venciendo mi reticencia a ver otra cinta de este director tras la decepcionante "Apollo 18" y venciendo la pereza que me dio el bajón que sufre "Open Grave" tras el gran arranque pero reconozco que disfruté mucho de esta cinta conforme avanzaba el metraje. "Open Grave" es una agradable cinta que mezcla el terror y el thriller que gustará a los amantes de ambos géneros. Una gran muestra de cine, se agradece que de vez en cuando nos sorprendan con cintas así. Muy recomendable.



Lo mejor: El despertar entre cadáveres. Con forme avanza la película esta mejora y mucho...
Lo peor:  Tras el prometedor arranque la película sufre un gran bajón

jueves, 12 de diciembre de 2013

Crítica: Encontrados en NYC


Título: Encontrados en NYC
Año: 2013
Género: Comedia Romantica
Duración: 104 min
Director: Daniel Zarandieta
Guión: Daniel Zarandieta
Música: Sergio Pena
Interpretes: Héctor Gónzalez, Tappy, Óscar Ibáñez, Sally Greenland, Andrea Dueso, Pep Muñoz, Teresa Arbolí, Mel Ortiz, Patrick Shane
Nota: 5,5
Sinopsis: 3 amigos que rondan la treintena, sus vidas no les llenan y sienten que se encuentran en un callejón sin salida. Cuando uno de ellos vea una carta en la que se indica que le han quitado la beca a su hermana los tres irán a Nueva York a buscarla.




Crítica:
La mayor baza de esta película  es su simpatía aunque por desgracia no llega a lo que consiguió "Ali" una de las mejores películas españolas de este año y vilipendiada en taquilla. Desde el principio las aventuras de Rai y sus dos amigos consiguen ganarnos y eso hoy en día en el cine es realmente difícil. Tres jóvenes que rondan la treintena, de la generación perdida aquella que nació en los ochenta, celebran un muy triste cumpleaños donde se ve reflejado el asqueo y la falta de no ya un futuro sino un presente digno para muchos jóvenes. Zarandieta no entra en un análisis de porque se ha llegado a esta situación, no estamos ante una película de denuncia social ni ante una cinta que en su planteamiento busque culpables pero si lo hace en su desarrollo: la comodidad que supone vivir en casa de los padres donde no eres tu quien tiene que lavar tu ropa interior y si algo va mal siempre hay alguien a quien culpar.


Pero si "Encontrados en NYC" tiene la simpatía como mayor baza su por momentos excesiva simplicidad a la hora de desarrollar ciertas escenas es su mayor handicap. Es una lastima que ideas que parecen brillantes y que tienen un gran potencial cómico que queden solo apuntadas sin profundizar demasiado en ellas especialmente el tema de las pastillas y sus efectos secundarios que queda relegado a un segundo plano. Tampoco un exceso de trascendentalismo en ciertas frases dichas por los protagonistas, especialmente por la hermana de Rai, ayudan a situarse a la película. Son estas frases, estos pequeños momentos donde "Encontrados en NYC" pierde toda la frescura, frases encorsetadas (Como la pregunta de esta a los amigos de su hermano acerca de quien es este ya que para saber quien es alguien hay que preguntárselo a otras personas) que resultan demasiado forzadas y eso es algo que una película tan fresca y optimista como esta no necesitaba. Por mucho que los personajes principales no tengan trabajo, vivan en casa de sus padres, Pebbles haya perdido la beca y su novio sea un imbécil profundo estamos ante una cinta que demuestra que si se quieren cambiar las cosas, si se quiere encontrar el camino somos nosotros quienes tenemos que movernos y luchar por ello, nadie lo va a hacer por nosotros y salir del circulo de comodidad puede suponer riesgos (te vas a sentir muy solo) pero los beneficios merecen la pena.


Es de agradecer el punto cómico que ponen los amigos del protagonista y que en ningún momento resulta pesado (Me declaro fan de ellos desde ya...) que hace que las dos historias que nos cuenta Zarandieta resulten excesivamente desiguales, personalmente me interesaron mas las aventuras de ellos dos que la de Rai persiguiendo obsesivamente a una chica que va haciendo fotos por Nueva York. Igual mi problema es que  no pensé en esta película como un por momentos cuento de hadas y no como una comedia romántica realista ya que si cualquiera de nosotros nos comportáramos como el protagonista acabaríamos siendo arrestados por un simpático policía neoyorkino. Con todo "Encontrados en NYC" es una película fácilmente disfrutable, fresca y simpática a la que se le perdonan todos los posibles fallos que pueda tener durante su desarrollo. Se agradece que haya cintas como estas que a pesar de mostrar a una juventud sin presente ni futuro resultan altamente optimistas y que te hacen estar durante hora y cuarenta minutos con la sonrisa en la cara...



Lo mejor: Resulta fresca y entretenida
Lo peor:  Ciertas frases demasiado encorsetadas.

martes, 10 de diciembre de 2013

Crítica: Dark Touch


Título: Dark Touch
Año: 2013
Género: Terror - Drama
Duración: 90 min
Director: Marina de Van
Guión: Marina de Van
Música: Christophe Chassol
Interpretes: Missy Keating, Marcella Plunkett, Padraic Delaney, Charlotte Flyvholm, Art Parkinson, Clare Barret, Olga Wehrly, Mark Huberman
Nota: 6
Sinopsis: Tras sobrevivir a la violenta muerte de su familia, Niamh será acogida por unos amigos de sus padres para ayudarla a superar el trauma. Pero el que ella diga que la casa mató a su familia no pondrá las cosas fáciles...





Crítica:
Marina de Van directora de la impactante "Dans ma peau" ("In my skin") se adentra de otra historia malsana y enfermiza en la que nos narra la historia de Niamh que tras haber visto la muerte de sus padres y de su hermano pequeño será acogida por unos amigos de  estos para intentar superar su trauma. De Van no realiza una película complaciente con el espectador tanto por su temática como por la forma elegida para narrarla, el desconcierto del espectador acerca de lo que esta pasando se hace patente durante la hora y media que dura "Dark Touch".


Es de agradecer la atmósfera gótica, opresiva y enfermiza con la que de Van envuelve a su cinta pero las constantes referencias a otras cintas hacen que lo que la directora parece que nos esta vendiendo como novedoso no deja de ser lo mismo que hemos visto una y mil veces envuelto con distinto papel de regalo, no dejamos de estar ante su propia versión de "El flautista de Hamelin", "El pueblo de los malditos" y de alguna otra cinta de la que es mejor no hablar para que el espectador que quiera entrar (y pueda) en el juego que nos propone de Van lo pueda hacer tranquilamente. Preguntada por la directora sobre la influencia de otras cintas en "Dark Touch", la directora reconoce "que no tengo ni idea porque esa no es mi manera de trabajar pensando en el cine de otras personas, no pienso en referencias externas pero posiblemente haya influencias de  "El pueblo de los malditos", película que me gusta mucho".


El mayor problema de "Dark Touch" es que nos acercamos a ella pensando en que es una película de terror cien por cien, por desgracia esto es debido a que de Van ha metido a su película, a su idea dentro de este género y probablemente haya un problema entre las intenciones de la directora y la forma escogida para desarrollar la historia ya que por desgracia en este caso los arboles nos impiden ver el bosque, el aparente efectismo, la truculenta atmósfera y una gran escena inicial nos impiden centrarnos completamente en lo que ha querido mostrar la directora que según sus propias palabras: "Espero que la película emocione mostrando a una niña que no puede recuperarse y derrotar a su trauma, que falla a la hora de conectar con otra gente ya que ella ya no puede identificar y apreciar cualquier muestra de amor o contacto físico y como se da por vencida. Es la triste historia, la historia de una victima y espero que mas que asustar o impactar cree empatia" Por desgracia por mucho que la historia de de Van tenga elementos para empatizar la forma en la que esta ha desarrollado el personaje principal no deja demasiadas puertas abiertas a la empatia (La directora ha reconocido que la protagonista nace "de la idea de que clase de niña seria si yo hubiera sido una victima de mi propio carácter y naturaleza"), por mucho que entendamos las motivaciones ciertos actos se nos escapan al conocimiento y la distancia es tan grande que no es posible empatizar.


"Dark touch" es una película difícil donde hay un problema entre lo que cuenta y la forma escogida por la directora para contarlo. No estamos ante una cinta complaciente con el espectador, de Van no va a ponernos las cosas fáciles y para ver "Dark Touch" es necesario que el espectador ponga de su parte. Cierta tosquedad de la directora a la hora de desarrollar ciertas ideas y una oscuridad en la película que por momentos parece forzada y no natural (vease la fiesta de cumpleaños o la imagen de los niños en el colegio) puede acabar por saturar a mas de uno.  Aun así la mejor forma de acercase a esta cinta es hacerlo sin prejuicios y estar preparado para todo. De Van nos ofrece un tortuoso y enfermizo camino con unos niños que si bien no hacen que nos olvidemos de los protagonistas de la soberbia "The Children" si que nos ponen los pelos de punta en mas de una ocasión. Extraña y diferente.




Lo mejor: La escena inicial de la película
Lo peor:  El mayor sentimiento que se tiene al ver la cinta es el de desconcierto.

domingo, 8 de diciembre de 2013

Crítica: Thanatomorphose


Título: Thanatomorphose
Año: 2012
Género: Terror - Drama
Duración: 96 min
Director: Éric Falardeau
Guión: Éric Falardeau
Interpretes: Émile Beaudry, Eryka Cantieri, Roch-Denis Gagnon, Simon Laperrière, Pat Lemaire, Karin Picard, Kayde Rose, David Tousignant
Nota: 7
Sinopsis: Un día como otro cualquiera una joven se despertará y descubrirá que cuerpo se esta descomponiendo en vida.







Crítica:
En 1988 un joven alemán llamado Jörg Buttgereit y que contaba por entonces 25 años impactó a medio mundo con su primer largo de ficción titulado "Nekromantik" (Antes Buttgereit había dirigido un film de episodios titulado "Jesus - Der Film" junto con varios directores mas) en la que narraba las aventuras de una joven pareja aficionada a la necrofilia, es decir que los protagonistas se sentían atraídos sexualmente por los cadáveres. Siendo mínimamente objetivos a la hora de analizar la cinta de Buttgereit no podemos dejar de lado que excepto un par de escenas realmente escabrosas la cinta resultaba bastante limitada en todo los aspectos especialmente en el del guión: poca historia y escenas que no aportaban nada alargadas hasta la saciedad como la visita del protagonista al cine. Tres años después Buttegereit dirigió la segunda parte de su cinta esta vez con mas medios y con mucha mas duración, si la primera cinta duraba 78 minutos para desarrollar la segunda parte el director alemán se fue hasta los 108 minutos, pero por desgracia "Nekromantik 2" tenia el mismo fallo que la primera: un escaso guión que dejaba demasiadas escenas vacías y que rompían el ritmo de la historia.


En 2012 el canadiense Éric Falardeau dirigió "Thanatomorphose"  una morbosa cinta no apta para todo tipo de público donde una joven descubre como su cuerpo se esta descomponiendo en vida. Falardeau encierra a su protagonista en un espacio único, su apartamento y dota a su cinta de un aire underground que puede frenar a mas de uno (si la sinopsis de la historia no lo había hecho antes... pero claro, el hombre es curioso y morboso por naturaleza y este tipo de cine tiene en ese morbo su principal baza... siempre recuerdo la escena  de "Crash" en la que Vaughan le comenta a Ballard eso de que todos somos morbosos ya que cuando vemos que se ha producido un accidente todos aminoramos la marcha y no podemos evitar mirar a ver que ha pasado) Rodada con pocos actores y mucho talento a la hora de saber donde colocar la cámara para sacar el máximo partido del espacio y los efectos especiales, alejándose del mainstream ya que según palabras del propio director "el horror no puede ser mainstream ya que este (el horror) debe lidiar con situaciones que son desagradables o tabú por lo tanto no comerciales y lo hace de una forma poco convencional: extrema violencia, estética experimental..."


No hemos de quedarnos con la mera excusa argumental de "Thanatomorphose", su director ha intentado usar la necrosis que sufre la protagonista como metáfora acerca de como se siente esta, su descomposición es tanto física como psicológica y por si había algún tipo de duda el autor divide a su película en tres capítulos (Despair, Another, Oneself) que muestran los sucesivos pasos en la degradación de esta y por si esto fuera poco, por si el juicio del espectador estuviera nublado con la impactante idea en la que se basa la película de Falardeau, este lo recalca en el final del capítulo uno donde los amantes de la protagonista cual salvajes encerrados en una jaula se reparten trozos del cadáver de ella. Y es que aquí esta el quid de la cinta, el proceso de descomposición que sufre la protagonista deriva de ser el objeto de deseo de su novio y de uno de sus amigos donde parece que lo importante son los sentimientos de ellos y lo el de ella. Falardeau lejos de querer hacer solo una película impactante ha intentado dotarla de un mensaje y reconoce que su obra esta "directamente inspirada en la teoría de la desesperación desarrollada por Soren Kierkegaard en su "Tratado de la desesperación", la desesperación es una enfermedad mortal, no es solo la peor de nuestras miserias si no también nuestra perdición...


Es probable que "Thanatomorphose" pueda ser considerada como el "Nekromantik" del siglo 21 debido al impacto que produce su visionado. Ambas dos películas comparten la idea de la muerte como núcleo común aunque abordada de muy distinta manera y ambas cintas poseen también una temática sexual innegable y como ocurría con la muerte abordada de distinta manera en ambas películas pero mientras en "Nekromantik" estamos ante una cinta que intenta provocar pero sin ir mas allá de lo que sería una degeneración de una historia de amor, en "Thanatomorphose" el director intenta también provocar pero con la intención de usar esa provocación y ese mal rollo para justificar los sentimientos de la protagonista. Lógicamente mucha gente podrá encontrar esto como un tremendo acto de pedantería pero tambien muchos encontraremos este hecho como la forma de usar una idea impactante para contar algo mas. Cada uno debe de ser  quien decida y juzgue acerca de la forma que el director ha escogido para narrar el proceso de desesperación que sufre la protagonista, tanto físico como psicológico. Ambos estados no solo quedan recogidos gracias a un por momentos impactante maquillaje y a las reacciones de la protagonista sino que también quedan reflejados en las escenas de los sueños "que compensan la lentitud y la  estética excesivamente estática del resto de la película mientras estas escenas ponen énfasis en el estado físico y psicológico de la protagonista".


"Thanatomorphose" es una cinta con la que no hay termino medio, o gusta o se rechaza sin contemplaciones. Su radical propuesta para acercarse a la desesperación de la protagonista no esta hecha para todo tipo de públicos a lo que hay que sumar su ritmo lento y  la escasez de diálogos. Falardeau  ha rodado una cinta que va mas allá de las imágenes intentando dotarla de un mensaje, el problema que es la forma elegida para contar su historia puede hacer que mas de uno no se quede con la idea de lo que Falardeau quería contar, la forma puede matar el contenido. Interesante muestra de cine extremo.



Lo mejor: El proceso de descomposición que sufre la protagonista
Lo peor:  La radicalidad de su propuesta puede jugar en su contra.

jueves, 5 de diciembre de 2013

Crítica: Hours


Título: Hours
Año: 2013
Género: Drama
Duración: 97 min
Director: Eric Heisserer
Guión: Eric Heisserer
Música: Benjamin Wallfisch
Interpretes: Paul Walker, Genesis Rodriguez, Nick Gomez, Judd Lormand, Kerry Cahill, Renell Gibbs, Lena Clark
Nota: 4,5
Sinopsis: Un padre tendrá que hacer lo imposible por mantener con vida a su hija recién nacida en un hospital abandonado debido al huracán Katrina.






Crítica:
Los antecedentes de Eric Heisserer como guionista no hacían presagiar lo mejor, suyos son los guiones de la precuela de "The Thing" (Rodada en el 2011 por Matthijs Van Heijningen Jr. cinta que aunque intentaba enlazar con la película de John Carpenter decepcionó profundamente a los más fieles seguidores de la cinta original  y eso que todos agradecimos el interés por los pequeños detalles por parte del guionista y del director como por ejemplo la justificación del hacha que MacReady encuentra en la base de los noruegos..,pero ¿Era realmente necesaria esta precuela? ¿No era mejor dejar el clásico tal y como estaba e intentar hacer algo nuevo? ¿Realmente alguien consideraba que los fans de la cinta querían saber que ocurrió con los noruegos?), del reboot de "Pesadilla en Elm Street" (Dos años antes Heisserer junto con Wesley Strick escribió el guión de esta cinta que tampoco consiguió ganarse la simpatía de los seguidores de la saga original) y de "Destino Final 5" (Por mucho que podamos disfrutar con las imaginativas muertes que ofrece esta saga, los guiones de todos los destinos finales no dejan de ser una mera excusa para hilar una muerte tras otra a cada cual mas espectacular y gore. Lo que empezó como una refrescante película de verano dirigida por James Wong ha acabado por ser un producto cuyos excesos son lo único remarcable. Igual que ocurre son la saga "Saw" tras una impactante primera parte nacida bajo el influjo de "Seven" el resto de las cintas se han convertido en un exceso por el exceso mismo hasta llegar al esperpento de relegar en España "Saw VI" a cines porno debido a su calificación X)


Ahora el guionista da el salto a la dirección dirigiendo un guión que el mismo ha escrito: Un hombre cuya mujer acaba de fallecer tendrá que luchar para que su hija recién nacida sobreviva en medio del huracán Katrina. Heisserer deja todo el peso de la película a un casi único protagonista Paul Walker, y digo casi único porque aunque durante el metraje aparecen y desaparecen distintos personajes el tiempo que estos están en pantalla es prácticamente inapreciable en comparación con el de Walker, se podría decir que el director ha hecho una película por y para su estrella. Al acercarnos a "Hours" lo hemos de hacer pensando que estamos ante un drama y no ante una película de acción, cualquiera que lo haga así se llevará una enorme decepción. Durante la primera hora de la cinta, Heisserer nos ofrece todo un recital intimo y melodramático plagado de flashbacks que cuentan como se conoció la pareja protagonista pero que realmente no aportan absolutamente nada, dando la sensación que han sido rodados para llenar metraje y no porque tengan un mínimo interés que por desgracia no tienen y que solo consiguen apartarnos de  lo que realmente nos interesa: el esfuerzo de ese padre por sacar adelante a su hija recién nacida. Tampoco la excusa de presentar estos flashback como elemento para conocer al personaje y potenciar el elemento dramático sirve ya que la historia desde un principio es lo suficientemente dramática como para empatizar con el padre que lucha por la vida de su hija.


Un mas que voluntarioso Paul Walker intenta sacar a su personaje adelante con bastante acierto e igual que lucha por su hija parece hacerlo tambien por la película pero ha de enfrentarse a un guión un tanto simplón y el cansancio que puede producir en el espectador encontrarse ante una cinta con un protagonista casi único. No es fallo suyo que durante la primera hora de película el director y guionista nos deje escenas que no acaben de funcionar y es una lastima que un elemento dramático como puede ser que un padre hable con su hija recién nacida no acabe por cuajar, tal vez sea por que resulta plano y por momentos carente de la emoción necesaria o por ser un recurso una y mil veces visto pero este no acaba por emocionarnos como seria realmente necesario. Tampoco Heisserer consigue transmitirnos el estrés debido al poco tiempo que dura la batería de la incubadora en la que se encuentra la hija del protagonista, tiempo que por momentos parece dilatarse y otras acortarse en exceso dando la sensación  de que el director esta jugando con nosotros con este elemento dramático que acaba por saturarnos pero no como a el realmente le hubiera gustado, es más, parece que este se da cuenta de esto para acabar relegándolo esto a un lamentable segundo plano. Pero el mayor problema de Heisserer aparte de los excesivos flashbacks es la incapacidad de decisión que muestra ante cual es la verdadera amenaza para el personaje interpretado por Walker y su hija dejando de lado alguna de esas amenazas en pos de la acción (la poca que hay), del dramatismo o simplemente cuando no sabe sacar mas provecho de ella.


"Hours" es una película decepcionante en la que el espectador al igual que el protagonista llega realmente cansado a su parte final haciéndonos pensar en la idea de que no había historia para llenar poco mas de hora y media. Sin dejar de lado que la idea original de "Hours" apuntaba maneras se tiene la sensación de que el director y guionista se ha ido por el camino mas trillado, se ha decidido por la solución fácil sin arriesgar mas que lo justo. Esa azotea que parece sacada de "Dawn of the dead" o ese manido recurso del perro a lo "Soy Leyenda" con Will Smith pueden sacar del tedio a mas de uno pero por desgracia esta cinta promete más de lo que da con una primera hora realmente aburrida. Solo para los más fans del género.



Lo mejor: La parte final de la película.
Lo peor:  Los flashbacks.

lunes, 2 de diciembre de 2013

Crítica: Night of the comet - La noche del cometa


Título: La noche del cometa - Night of the comet
Año: 1984
Género: Ciencia Ficción
Duración: 95 min
Director: Thom Eberhardt
Guión: Thom Eberhardt
Música: David Richard Campbell
Interpretes: Catherine Mary Stewart, Kelli Maroney, Robert Beltran, Mary Woronov, Geoffrey Lewis, Sharon Farrell, Peter Fox
Nota: 5
Sinopsis: La llegada de un cometa acabará con la vida en la Tierra tal y como la conocemos. Los pocos supervivientes tendrán que luchar contra aquellos a los que el cometa ha convertido en zombies





Crítica:
Un año antes de que Tobe Hooper dirigiera la esplendida pero menospreciada "Lifeforce: Fuerza Vital" donde mezclaba u y vampiros, Thom Eberhardt rodó una cinta donde la llegada de un cometa a la Tierra convertiría a parte de la humanidad en zombies. Pero mientras "Lifeforce: Fuerza Vital" tenia una personalidad propia, la cinta de Eberhardt parece una simpática pero desigual mezcla de "El último hombre vivo" ("The Omega man"), de "La amenaza de Andromeda" ("The Andromeda Strain") y de "Dawn of the Dead" de George A. Romero. (Por muy extraño que pueda resultar, "Night of the comet" esta más cerca de la visión que Boris Sagal nos ofreció del "Soy Legenda" de Richard Matheson que de la novela original). Esta mezcla de ideas tomadas de otros junto con un guión no demasiado elaborado dejan escenas mal desarrolladas o diálogos demasiado forzados: Mientras Romero en su "Dawn of the dead" dejaba claro con sus imágenes que estábamos ante una crítica del consumismo, en "Night of the comet", Eberhardt recalca que los personajes están en el centro de la ciudad donde hay muchos centros comerciales. Esta idea quedaba clara ya que la las chicas se están probando ropa en unos grandes almacenes desiertos pero ante la poca coherencia de la historia Eberhardt debe remarcar lo obvio para que aunque nos chirríe la frase no ocurra lo mismo con la reacción de los personajes. En ese momento es inevitable no pensar en "Somos la noche" ("Wird sind die nacht") de Denis Gansel donde sus protagonistas al igual que hacen las de "Night of the comet" se dan el lujo de ir a comprar a un centro comercial vacío, espacio que cinematograficamente da mucho juego ya sea como metáfora o como mero divertimento como ocurre en la obra de Gansel.


El mayor problema de esta película no son los pocos efectos especiales que hay, ni la caracterización de los zombies, ni lo mal que ha envejecido la cinta (A día de hoy la sobre saturación de estética de los años ochenta que ofrece la cinta puede resultar un tanto excesiva, por momentos parece que las terroríficas hombreras vayan a estar de moda otra vez...) si no un guión tan inocente como los efectos especiales de la cinta, plagada de situaciones inverosímiles y de diálogos en algunos momentos sonrojantes (Aunque hay que reconocer que la escena de las chicas disparando la ametralladora tiene bastante encanto y no nos es difícil pensar que alguien como Tarantino pueda disfrutar de un momento como este). Es una lastima que las buenas intenciones queden mermadas en su resultado final por una historia que no acaba de cuajar, los referentes de Eberhardt son demasiado obvios para que esta cinta tenga su espacio propio y estos referentes son demasiado grandes para que no eclipsen a su película. A todo esto hay que sumar que "Night of the comet" no consigue distanciarse de otras cintas de ciencia ficción rodadas durante esta década, no consigue que a pesar de su simpatía esta no deje de ser una de esas cintas de vídeo vhs que veíamos en el videoclub y que nunca acabábamos por alquilar.


Con todo es de agradecer la inclusión de más personajes en la historia además de las dos protagonistas. Dependiendo del lugar donde se lea la sinopsis de la película podremos pensar que estamos solo ante la historia de un par de chicas que se encuentran solas amenazadas por zombies. Eberhardt demuestra que esta idea no le daba para hacer una película e intenta crear historias paralelas como la de Hector, el camionero superviviente, o la de ese grupo de científicos y militares, pero desgraciadamente ninguna de estas historias consigue captar nuestra atención. Hay que reconocer que es digno de alabanza que el director consiga rodar una cinta que no se haga pesada y aburrida durante la poco más de hora y media de duración. Probablemente esta sea una cinta que a día de hoy solo pueda ser disfrutada por los amantes de la ciencia ficción de los ochenta hecha con muy pocos medios. Hoy en día el público esta acostumbrado a que nos espectaculares efectos especiales, acción trepidante o una mega estrella de Hollywood puedan eclipsar casi cualquier fallo de guión, por desgracia en "Night of the comet" no hay grandes efectos especiales, ni acción trepidante y por supuesto ninguna estrella de Hollywood por lo que sus fallos pueden hacerse mas visibles a los ojos de la gente. A esta película hay que acercarse pensado que es un producto simpático y sencillo, muy sencillo...


Con todos sus fallos y con el paso del tiempo que ha hecho bastante mella en su capacidad para sorprender a un espectador curtido en el género no hemos de perder de vista que estamos ante un sencillo producto marcado por las claras referencias a otras cintas. Su falta de pretensiones y su simpatía permiten que hagamos por momentos caso omiso a sus fallos y que veamos "Night of the comet" de manera agradable. Eso si, nadie tiene que sentirse engañado, esta cinta hoy en día esta solamente indicada para fanáticos de la ciencia ficción de los profundos años ochenta, el resto mejor abstenerse...



Lo mejor: La candidez de la cinta
Lo peor:  La sombra de Matheson es demasiado grande y larga.