domingo, 28 de diciembre de 2014

Crítica: 20,000 Days on Earth - 20.000 Días en la Tierra

Título: 20,000 Days on Earth
Año: 2014
Género:  Documental - Musical
Duración: 97 min
Director: Iain Forsyth y Jane Pollard
Guión: Iain Forsyth, Jane Pollard y Nick Cave
Música: Nick Cave y Warren Ellis
Interpretes: Nick Cave, Warren Ellis, Ray Winstone, Blixa Bargeld, Kyle Minogue, Susie Bick, Martyn Casey, Jim Sclavunos, Kirk Lake, Lizzie Philips, Arthur Cave, Earl Cave
Nota: 9,5
Sinopsis:  El documental intenta reflejar los 20.000 días en la tierra de Nick Cave para ello a lo acompañaremos al cantante que nos enseñará que significa para el componer una canción y ser una estrella de fama mundial.




Crítica:
Alguien como Nick Cave se merecía un documental que mostrara a la persona detrás de la estrella y a la propia estrella sin caer en los tópicos, un documental que no idealizara al cantante y que no mostrara a la persona como lo que no es. Cave posee una arrolladora personalidad capaz de devorar todo aquello que se aproxima a el como si de un agujero negro se tratara. Esta idea queda perfectamente reflejada al principio de "20,000 Days on Earth" cuando el propio Cave reconoce que todo aquel que se acerca a el sufre un proceso de canibalización especialmente su mujer Susie Bick,. Aunque es una verdadera lastima que esta quede en un segundo plano a pesar de que Cave cuenta como se conocieron y lo que sintió nada mas verla, su figura adquiere una significación especial y profunda tras escuchar estas palabras y ver el dormitorio que comparten Cave y Bick lo que hace que veamos la portada del último disco de estudio del cantante australiano con otros ojos.


Iain Forsyth y Jane Pollard consiguen domesticar a la bestia y acercarse a el de manera soberbia, aunque habría que analizar hasta que punto es el propio Cave el que se ha dejado domesticar ya que la idea de invitar a Forsyth y Pollard a grabar mientras este se encontraba en el estudio dando forma a su último disco "Push the sky Away" fue del propio cantante lo que no deja de sorprender ya que Cave se muestra excesivamente celoso de su trabajo cuando se encuentra en el estudio de grabación. Pero Cave no solo es el protagonista y compositor de la banda sonora junto con Warren Ellis si no que ademas aparece como coguionista de su propio documental y se encarga entre otras cosas de escribir la voz en off que se oye durante gran parte del metraje. El cantante ha dejado patente su maestría a la hora de escribir cualquier tipo de historia y/o relato, bien sean las canciones de sus discos, sus libros "Cuando el burro vio al Ángel" ("When the ass saw the angel") o "La muerte de Benny Munro" ("The death of Benny Munro" - la portada del libro en España que tanto impactó en su momento, seguimos siendo un país excesivamente puritano, con una reproducción de "El origen del mundo" de Gustave Courbet queda como la mejor portada posible que aúna todo aquello que el cantante en su faceta de escritor quiere enseñarnos y muestra parte de su propia personalidad. Los espectadores mas atentos podrán ver en "20,000 days on Earth" una reproducción de la obra de Courbet) o los guiones que ha escrito para el cine como el de la soberbia "The Propositon" (Junto a su no menos notable banda sonora) o el de la muy notable "Lawless" por lo que un espectador mínimamente avispado se podrá preguntar eso de si Cave ha sometido a ese proceso de canibalización a Forsysth o Pollard.


"20,000 days on Earth" se mueve a varios niveles: Uno, el artístico y el otro el personal. En el plano artístico al que los directores dan bastante importancia aunque dejan de lado ciertos aspectos que muchos seguidores de Cave consideramos importantes sobre todo viendo el desarrollo de ciertas escenas y de ciertos diálogos del documental por ejemplo el trabajo del cantante con otra de sus bandas "Grinderman". Tras ver la aparición de Blixa Bargeld donde este habla con Cave acerca de los motivos por los que este dejó la banda haciendo hincapié en que mantener dos grupos y un matrimonio le exigía un esfuerzo para el que no se veía capacitado resulta extraño que los directores no profundicen en porque para Cave si que parece ser viable mantener dos bandas y un matrimonio de una manera mas profunda (Aunque siendo sinceros hay tantas cosas que nos gustaría saber que en lugar de hora y media de metraje Forstyh y Pollard se tendrían que haber ido hasta las tres o cuatro horas como mínimo. Según los directores solo de grabación con el psicoanalista hay unas 10 horas de metraje y estos comentan la alegría que les supuso no tener que grabar en 35 mm)


En el plano artístico, la figura de Cave se ve reforzada por ciertas conversaciones con personas que han colaborado con el durante su larga carrera. Desde el polifacético Warren Ellis que nos deja dos de los grandes momentos del documental: Uno, verlo hacer ejercicio mientras Cave toca al piano una canción y otro, conocer que guarda un chicle que Nina Simone pegó en el piano antes de una actuación (Desde estas líneas reivindicamos un documental propio para Ellis, por su enorme trabajo con Nick Cave and the Bad Seed siendo este capaz de eclipsar en directo al propio Cave, por sus colaboraciones con este a la hora de componer bandas sonoras para el cine y que tanto han influido si no basta con escuchar la música que estos compusieron para "El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford" - "The assassination of Jesse James by the coward Robert Ford" y la de "Stake Land" compuesta por Jeff Grace, sin olvidarnos del gran trabajo que hace con su banda "The Dirty Three"), pasando por Ray Winstone (Protagonista de "The Proposition" que como ya hemos comentado se basa en un guión del propio Cave y que también protagoniza el videoclip "Jubilee Street" en un papel que parece ser una extensión del Bunny Munro que finalmente se quedó en las páginas de un libro y no fue adaptado a la gran pantalla por John Hillcoat tal y como parecía que apuntaban los rumores) o Blixa Bargeld (Ex-componente de "Nick Cave and the Bad Seeds" y cantante de "Einstuerzende Neubauten", grupo del que también forma parte Alexander Hacke conocido por muchos por colaborar con Fatih Akin en el documental "Crossing the Bridge: The sound of Istanbul" donde nos descubrían toda una gama de grupos y composiciones de Estambul, idea que surgió a partir de la colaboración de ambos en la banda sonora de "Contra la pared" - "Gegen die Wand") llegando a una Kyle Minogue que a pesar de lo interesante y breve de su presencia lo que mas llama la atención es ese extraño silencio que se produce entre ella y Cave.


Tanto Forsyth y Pollard reconocen que no tenían una estructura prefijada para su película por lo que resulta  tremendamente sorprendente como han editado el documental dotándole de una personalidad propia (A la altura de la persona a la que quieren retratar) siendo bastante efectivo el modo en que Winstone, Bargeld y Minogue aparecen en el coche de Cave. (Parece que Minogue le ha cogido el gusto a eso de que la lleven en coche y se reencuentre con antiguos amigos, ahí está si no "Holy Motors").  Aunque los directores han intentado rodar un documental que acerque la figura de Cave a todo tipo de público dejando según ellos un par de guiños que solo entenderán los fans mas acérrimos del cantante, cualquiera que no este familiarizado con las letras de Cave o con por ejemplo su libro "Cuando el burro vio al Ángel" ("When the ass saw the angel") podrá sentirse un tanto fuera de lugar o ver como un mero chiste o una simple ida de la olla de un ex-drogadicto la relación entre sexo y religión (Y entre religión y drogas) de la que habla el cantante durante gran parte del metraje y que es necesario para entender quien o que ese ente superior que lo domina todo en sus composiciones y que es necesario para acceder a una parte fundamental del cantante. Pero si algo llama la atención sobre el proceso creativo y artístico de este es la forma que tiene de definir que significa para el componer una canción, algo que por mucho que seamos seguidores de Cave no deja de llamarnos la atención.


A nivel personal, Forsyth y Pollard intentan mostrar a la persona que hay detrás de la estrella, a la persona que hay detrás de aquel que finge ser otra persona encima de un escenario para ello los directores nos presentan una charla con un psicoanalista muy al principio del documental. Según Forsyth y Pollard la idea de mostrar esta conversación tan pronto donde Cave habla de aspectos tan personales como la relación con su padre o las cosas que echa en falta en la educación de sus hijos sirve para mostrar a la persona que hay detrás del cantante y así poder acceder a el conforme avanza el documental de una manera mas sencilla. Ese momento necesario para poder hacer evolucionar a la persona dentro del documental no deja de sorprendernos debido a la falta de originalidad del mismo hecho que no nos hace presagiar, a pesar de haber visto ya ciertas ideas y escenas que apuntan que estamos ante algo diferente, la originalidad de la propuesta de Forsyth y Pollard,


A pesar de tocar temas importante en la vida de Cave, otros un tanto desconocidos como la influencia del tiempo inglés en la obra del artista, a pesar de ver a este con sus hijos comiendo una pizza y disfrutando de "Scarface", ver el lugar donde escribió "Cuando el burro vio al Ángel" o conocer anécdotas de "The boys next door" o "The Birthday party" nos quedamos, al menos los mas fans del cantante, con ganas de saber mas (Echo de menos que por ejemplo no se profundice en la relación de este con Anita Lane y su famosa pelea ya que viendo la maestría de los directores podrían haber tratado el tema sin caer en el morbo barato). Aún así este "20,000 days on Earth" es una soberbia muestra de lo que tiene que ser un documental sobre un cantante y sobre la persona que hay detrás del mito. Forsyth y Pollard nos dejan sin lugar a dudas uno de los mejores documentales del año, uno de esos documentales que te hacen desear llegar a casa y ponerte a escuchar varios discos de Nick Cave, coger uno de sus libros, unas cervezas y pasarte toda la noche disfrutando de su trabajo. De obligada visión.




Lo mejor: Las apariciones de Winstone, Bargeld y Minogue en el coche de Cave
Lo peor: Para los mas fans hay demasiadas cosas que se quedan en el tintero.



sábado, 27 de diciembre de 2014

Las Cinco Mayores Decepciones del 2014

1 - Así en la Tierra como en el Infierno - As above so below


Dirigida por John Erick Dowdle el mismo que perpetró "Quarentine" el remake americano de "REC" una película que aún siendo una copia de la cinta original de Paco Plaza y Jaume Balagueró resultaba del todo insulsa y aburrida hasta decir basta, y que además es la misma persona que también nos dejó la muy decepcionante "La trampa del Mal" ("Devil") basada en un guión del otrora niño mimado de Hollywood: M. Night Shyamalan en lo que parecía ser un descarte de "Tales From the Crypt" nos trajo este año "Así en la Tierra como en el Infierno" una cinta inscrita dentro de lo que podríamos definir como found footage (Aunque este punto admitiría una y mil discusiones) que transcurre en las catacumbas que hay por debajo de las calles de París y donde un grupo de incautos encontraran las puertas del mismísimo infierno. Tan interesante punto de partida y sobre todo tan interesante lugar para ambientar la película es desaprovechado del todo por parte de Erick Dowdle que acaba dejándonos una aburrida cinta totalmente prescindible aderezada con momentos de lo mas ridículo vistos en mucho tiempo en una pantalla grande (Ese teléfono sonando en medio de las catacumbas y la reacción de los protagonistas es digna de estudio). Por desgracia este "Así en la Tierra como en el Infierno" no funciona ni como película de terror ni como película de aventuras y solo nos dejó la sensación de haber malgastado el dinero de una entrada gracias a, eso si, un grandioso trailer que nos vendió esta película de manera muy inteligente.



2 - Norway



La historia de Zano ese vampiro cuya vida se mueve entorno a la música y el día que esta deje de sonar morirá resultó un insufrible experimento fílmico imposible de digerir a las ocho y media de la mañana en el pasado festival de cine de Sitges. Yannis Veslemes se mostraba incapaz de hacer evolucionar a su historia dentro de una lógica o mejor dicho se mostraba incapaz de hacer que su historia desarrollara correctamente una metáfora acerca de la situación de Grecia y el auge de los totalitarismos (Aunque mantengo la esperanza de que hay que saber un poco mas de la historia reciente del país heleno para poder disfrutar un poco mas de esta película). Una delirante parte final no justifica todo lo que ha tenido que tragarse el espectador hasta llegar a ese punto. Totalmente prescindible.



3 - Lucy



Dejemos de lado el hecho de si la idea en la que se basa "Lucy" (Solo usamos una parte muy reducida de nuestro cerebro y a al empezar a desarrollar toda nuestra capacidad cerebral seremos capaces de cualquier cosa) tiene base científica o no... dejemos esa discusión para otro momento ya que "Lucy" es ante todo una cinta de ciencia ficción con toques de acción que lo que intenta sobre todo es entretener al espectador. Pero esta vez el ego de Luc Besson juega en su contra y el que parece creer que es el renovador del cine de acción nos deja una cinta del todo pretenciosa que intenta mezclar millones de ideas de varias películas: Desde "Matrix" pasando por "Transcendence" llegando a resultar casi una precuela de "Her" en lo que parece que fue el intento de rodar su propio "El árbol de la vida" por parte de Besson, acaba por naufragar estrepitosamente debido sobre todo a ese intento por parte del director y guionista por querer abarcar tanto y no llegar absolutamente a nada. "Lucy" al menos nos deja una gran lección cinematográfica: Como no hay que utilizar a un actor de la talla de Min-Sik Choi conocido por muchos por sus trabajos en las míticas "Old Boy" y "I saw the Devil" entre otras y que prometía que iba a ser uno de los grandes villanos de la historia del cine y que quedó en un gangster de medio pelo.



4 - Yo, Frankenstein


Si en el caso de "Lucy" nos encontrábamos ante un empacho de referencias de diversas películas mezcladas sin gracia con "Yo, Frankenstein" sucede algo parecido. La película de Stuard Beattie basada en el comic de Kevin Grevious resultaba una indigesta mezcla entre la saga "Underworld" (Cambiando aquí a los vampiros y hombres lobo por las gárgolas y los demonios), la muy decepcionante "Van Helsing" de Stephen Sommers y como no de la siempre presente "Matrix". A favor de "Yo, Frankenstein" su escasa duración que hacia que el espectador no tuviera la sensación de haber perdido media vida en una sala de cine, en contra todo lo demás: Desde una historia que no había por donde cogerla pasando por la sensación de refrito que dejaba en el espectador y sobre todo porque sus efectos digitales mataban la magia del cine y las escenas de acción resultaban aburridas y carentes de eso necesario para hacer que el espectador disfrute en la butaca.



5 - Asmodexia



Es una lastima tener que incluir una cinta de la tierra entre las cinco películas mas decepcionantes del año pero es que por desgracia lo de "Asmodexia" no tiene nombre. El debut en el largo de Marc Carreté resulta una insufrible road movie donde un exorcista acompañado de su nieta se dirigen a Barcelona a... bueno a algo que sinceramente conforme avanza la película nos va interesando cada vez menos. Presentada en el pasado festival de cine de Sitges, "Asmodexia" supuso una grandisima decepción no solo por lo floja que resultaba la historia y la ambientación de la misma (Y eso que en muchos momentos de la película la sombra de la atmósfera de "Los sin nombre" se hacía mas que patente) si no también y muy especialmente por unas terribles interpretaciones que sacaban al espectador de la película y le imposibilitaban volver a entrar en ella. Realmente floja.






domingo, 21 de diciembre de 2014

El cine inspira a Grupos Musicales


Muchas películas y muchos géneros cinematográficos traspasan la pantalla llegando a convertirse en fenómenos de culto y resultando obras de gran influencia en otros campos culturales. Desde este blog se ha hablado varias veces de la importancia de la música en el cine, de que seria de ciertas películas sin la música compuesta por Bernard Herrmann, Popol Vuh o Ennio Morricone entre otros. Pero la música de las películas ha servido de inspiración para que muchos grupos musicales la utilicen como base para sus composiciones. Aquí hablamos brevemente de dos de los grupos actuales mas estimulantes que existen: Federale y Calibro 35. Este articulo no es un profundo análisis de la discográfica de ambos grupos si no un pequeño resumen donde lo mas importante es la música y no las palabras. Esperemos que disfrutéis de ella como lo hacemos nosotros.


Calibro 35


La banda milanesa formada originalmente por Massimo Martellotta (Guitarra), Enrico Gabrielli (Teclado e Instrumentos de viento), Fabio Rondanini (Bateria), Luca Cavina (Bajo) y Thomas Colliva se define su estilo como una mezcla de funk y jazz que se inspira en las bandas sonoras de las películas policíacas de los años setenta. Calibro 35 es actualmente uno de esos grupos que consiguen algo que por desgracia se esta perdiendo: Que el directo suene infinitamente mejor que sus discos. Sus actuaciones en directo son un espectáculo increíble basado fundamentalmente en la maestría de los cuatro músicos que hay en el escenario y unas canciones llenas de ritmo. Las composiciones de Calibro 35 nos transportan sin lugar a duda al cine del que se inspiran y tras verlos en directo uno solo puede pensar eso de: ¿Cuando podré volver a disfrutar de ellos?


Su primer disco "Calibro 35" contenía versiones de compositores como Morricone, Luis Bacalov  o Armando Trovajoli sin olvidarse de componer un par de temas propios y supuso todo un soplo de aire fresco en lo que al panorama musical se refiere.


Su siguiente álbum "Ritornnano quelli di..Calibro 35." fue la banda sonora para el documental "Eurocrime! The italian cop and ganster films that ruled the '70s" de Mike Malloy y volvía a contener versiones de grandes compositores como Morricone o Piero Umiliani junto con otras que según el propio grupo definen como oscuras composiciones musicales de aquella época



Su tercer álbum "Ogni riferimento a persone esistenti o a fatti realmente accaduti è puramente casuale" se grabó en Estados Unidos con motivo de la gira que dio Calibro 35 por aquel pais. Como ellos mismos dicen este disco fue el resultado de las influencias de la ciudad de New York sobre un grupo de músicos italianos que hacen funk.


"Traditori di tutti" es el cuarto álbum de estudio de la banda inspirado en la novela homónima escrita por Giorgio Scerbanenco dentro de su tretalogía que tenía a Duca Lambertti como protagonista.


Hollywood ya ha puesto el ojo en este grupo y su tema "Calling All units to Broccolino" fue usado en la banda sonora de la película "Red" de Robert Schwentke con Bruce Willis, Mary-Louise Parker y John Malcovich en los papeles principales. "Calibro 35" es una de esas bandas que hay que ver en concierto, sus impresionantes directos no dejaran indiferente a nadie.


Federale


Esperemos que dentro de poco este excelente grupo sea merecidamente reconocido y es que tras la inclusión de uno de sus temas "War Cry" en "La Lego película" ("The Lego Movie") y tras contribuir con varios de sus temas para la banda sonora de "A girl walks home alone at night" de Ana Lily Amirpour y dotar así de ese aroma a western que destila esa extraña e hipnótica cinta de vampiros sirva para que mucha gente empiece a conocer a "Federale" y la posibilidad de que estos hagan una gira fuera de Estados Unidos gane peso. El grupo de Portland formado en el 2004 consta de los siguientes miembros: Collin Hegna, Carl Werner, Dasa Kalstrom, Sebastian Bibb-Barrett, Colin Sheridan, Brian Gardiner, Maria Karlin y Dusty Dybvig sus composiciones musicales se inspiran en los spaghetti western especialmente en "Por un puñado de dolares" ("A Fistful of Dollars") y "Hasta que llegó su hora" ("C'era una volta il West") aunque cualquiera de sus canciones podría formar parte de estas dos películas o de cualquiera inscrita dentro de este género y nadie notaria la diferencia.


Su primer disco "Music from la Rayar" es según la banda una historia en si misma que narra las aventuras de Santiago cuya vida se ve destrozada por una espiral de violencia, los temas que forman parte del disco son un fiel reflejo de la personalidad de todos aquellos personajes que se ven envueltos en la historia y que sirven para narrar la odisea de Santiago.


Su segundo trabajo "Devil  in a Boot" que salió a la luz en el 2009 supone la representación del conflicto entre el salvaje oeste y el proceso de industrialización que sufrió este desde la llegada del ferrocarril.


Su último disco, el mas ambicioso hasta la fecha "The blood flowed like wine" supone un intento por hacer evolucionar el concepto musical de la banda abriéndose a nuevos instrumentos musicales pero sin traicionar la esencia de la banda.


"Federale" es una banda que hará las delicias de todos los seguidores del los seguidores del cine de Sergio Leone y que nos obligará a que después de escuchar uno de sus discos vayamos directos a nuestra videoteca a recuperar todos esos clásicos en los que se inspiran.




sábado, 20 de diciembre de 2014

Lo Mejor del 2014

1 - El Gran Hotel Budapest 


El cine de Wes Anderson no es apto para todo tipo de público, la especial sensibilidad del director unida a su peculiar sentido del humor puede hacernos disfrutar pero también puede resultar demasiado hermético para que llegue a todo el mundo, aunque uno de los ejemplos mas claros es la magnifica "The Life Aquatic with Steve Zissou" el resto de la filmografía de Anderson refuerza esta idea. Pero en el 2014 el director americano nos dejó esta deliciosa película, probablemente su cinta más comercial y accesible haciendo de esta un producto fácilmente digerible que supuso lo que parecía imposible: Conseguir una película que nos hiciera olvidar, al menos de forma momentánea, su anterior cinta: "Moonrise Kingdom". "El Gran Hotel Budapest" ("The Grand Budapest Hotel") mezcla de manera soberbia la comedia y la intriga y como suele ser habitual Anderson saca el máximo provecho de todos sus actores especialmente de un enorme Ralph Fiennes y de un joven Tony Revolori. "El Gran Hotel Budapest" es una cinta de obligada visión que gustará y mucho.








2 - 20,000 days on Earth



Alguien como Nick Cave se merecía un documental que mostrara a la persona detrás de la estrella y a la propia estrella sin caer en los tópicos, un documental que no idealizara al cantante y que no mostrara a la persona como lo que no es. Cave posee una arrolladora personalidad capaz de devorar todo aquello que se aproxima a el como si de un agujero negro se tratara (No hay mas que ver lo que este comenta acerca del proceso de canibalización que sufre su mujer) pero Iain Forsyth y Jane Pollard consiguen domesticar a la bestia y acercarse a el de manera soberbia. "20,000 days on Earth" no solo habla del Cave fuera del escenario (Aunque su mujer queda en un segundo plano podemos ver el apartamento que es portada del último disco de estudio del australiano "Push the sky away", portada que tras ver este documental adquiere otro significado y acabamos conociendo a sus hijos mientras los tres disfrutan de una pizza viendo "Scarface") si no también del proceso de creación del proceso de las canciones (A la altura de lo que esperamos de Cave) y de lo que supone enfrentarse a un escenario. No estamos ante un rockumentary típico, las apariciones de Ray Winstone, Blixa Bargeld y Kylie Minogue (Parece que esta última le ha cogido el gusto a eso de que la lleven en coche y si no ahí esta también "Holy Motors") suponen una grata sorpresa y a pesar de su escasa duración resultan del todo interesantes. Si a todo esto sumamos el acercamiento a Cave mediante el uso de ese archivo que guarda recuerdos, fotografías y escritos nos encontramos ante uno de los documentales mejor planteados que hemos visto últimamente. Como curiosidad "20,000 days on Earth" nos deja dos momentos impagables: Ver a Cave apagar la radio cuando suena "Can't get you out of my head" de la Minogue y ver a Warren Ellis hacer ejercicio mientras Cave toca el piano. Sin duda alguna el mejor documental del año.








3 - BoyHood


Richard Linklater nos deja uno de esos experimentos fílmicos que juegan en el borde de una navaja. Y es que es correcto usar las palabras "Experimento fílmico" a la hora de hablar de "Boyhood" porque la idea de rodar una película durante doce años mostrando como los protagonistas van creciendo delante de las cámaras es cuanto menos arriesgada y también es correcto decir que juega en el borde de la navaja porque es muy fácil atacar a esta película y acusarla de ser una cinta pretenciosa, a todo esto hay que sumar las críticas de los detractores de "Boyhood" por considerar que esta es una película donde no pasa nada, donde lo mas emocionante es ver como los actores van envejeciendo, pero es que la última cinta de Linklater es como dice el título en España "Momentos de una vida" y es que "Boyhood" es una película que muestra retazos de la vida del protagonista para dar forma a una historia que intenta el mas difícil: Reflejar la vida misma en pantalla grande.






4 - Relatos Salvajes


Siempre he sido muy crítico con las películas construidas alrededor de distintas historias y cortometrajes ya que a pesar de todas ellas pueden estar conectadas mediante una idea común (En el caso de "Relatos Salvajes" ese momento en el que ya no podemos aguantar mas y estallamos algo que nos puede remitir de alguna manera a "Un día de furia" - "Falling Donw" de Joel Schumacher) el conjunto suele resultar interesante pero tremendamente desigual. Damián Szifrón consigue que su última película resulte sorprendentemente compacta,  consigue además que las diversas historias que forman parte de "Relatos Salvajes" tengan entidad propia y ninguna suponga un frenazo en el ritmo de aquello que el director argentino nos esta contando. Humor, violencia y drama es mezclado por Szifrón de manera tremendamente inteligente para dejarnos toda una lección de como hay que construir y manejar una cinta basada en diversas historias.




5 - Only lovers left alive



Antes de acercarse a una cinta como "Only lovers left Alive" tenemos que tener una idea clara: Por mucho que estemos ante una película protagonizada por vampiros no estamos ante una cinta de terror y mucho menos si detrás de las cámaras esta Jim Jarmusch. Por desgracia la idea de considerar a esta película como cine de terror ha hecho que sorprendentemente mucha prensa especializada la incluya en las listas de las mejores cintas de terror del año. Jarmusch habla del hastío, del vacío interior, de la monotonía de la no-vida del protagonista interpretado por un Tom Hiddleston que en algunas tomas parece la perfecta personificación del personaje de Sueño del "Sandman" de Neil Gaiman. Pero no solo esta idea nos remitió a la obra cumbre de Gaiman, el hecho de mezclar ciertos personajes relacionados con Shakespeare o la influencia de estos vampiros con la cultura nos hacen acordarnos de ciertas historias de "Sandman". Ambientada con la música de Sqürl grupo del que también forma parte Jarmusch, "Only lovers left alive" es definida por muchos como una película de vampiros para hipsters pero si ser hipster significa disfrutar de una cinta como esta.. pues bienvenido sea...




6- Enemy



Denis Villeneuve rodó dos películas con Jake Gyllenhaal el mismo año: "Prisioneros" ("Prisioners") donde el actor compartía protagonismo con Hugh Jackman y esta "Enemy". Si "Prisioneros" resultaba una gran cinta en la que el director exploraba claramente y sin tapujos varias de sus obsesiones como por ejemplo como afecta la violencia a las personas, ideas que ya mostró en sus cintas anteriores pero que en este caso quedaba un tanto diluida ante un claro componente comercial de la película (Lo que llevó a mas de uno a cerrarse ante la propuesta del director), "Enemy" resultaba una película en apariencia pequeña, una cinta que nos traía a la memoria el cine de David Lynch por la composición de ciertas escenas y ciertas metáforas que desconciertan completamente al espectador y que nos remite al "Carre Blanc" de Jean-Baptiste Léonetti por su atmósfera enfermiza y por el uso de esas imágenes de los edificios ciertamente descorazonadores. "Enemy" explota el concepto del doble de una manera que haría las delicias de Nabokov, Lyncho o el propio Saramago pero es sobretodo un profundo análisis de la depresión.



7 - Starred up



David Mckenzie nos deja este soberbio drama carcelario, por mucho que el espectador crea al ver las primeras imágenes de la película que se va a encontrar ante la típica cinta que se desarrolla en una cárcel, Mckenzie presenta un profundo análisis de la familia usando a la prisión como metáfora, un análisis acerca de como ciertas condenas se producen antes de cometer actos delictivos. Dos actores en estado de gracia Jack O'Connell y Ben Mendelsohn dan vida a ese hijo y a ese padre que se reencuentran en la cárcel, sería imposible pensar que sería de esta película sin estos dos actores ya que gran parte del peso de la misma recae sobre sus hombros. Es inevitable acordarse de todo ese cine social inglés que llega a nuestras pantallas, es inevitable no pensar en Ken Loach al ver como ciertos personajes están desarrollados. "Starred up" es otra gran muestra de cine llegado desde Inglaterra.




8 - Capa Caida


Imagina  que los superhéroes existen. Imagina que un equipo de filmación quiere documentar la vida del primer superhéroe español que se vio obligado a retirarse después de verse involucrado en un oscuro escándalo sexual. Rodada como un falso documental, la cinta de Santiago Alvarado podría definirse como un "Dai-Nihonjin" ("Big Man Japan" de Hitoshi Matsumoto) patrio y que consigue superar a su referente gracias a una mejor dosificación de los tiempos y por una perfecta mezcla del humor, el drama y la acción. Sin duda alguna "Capa Caída" es una cinta que hará las delicias de los aficionados al género y se beneficia del trabajo de un sorprendente Juanjo Pardo (Premiado como mejor actor en el Festival de Cine Fantástico de Murcia al igual que la película). "Capa Caída" es un soplo de aire fresco que se aleja del cine grandilocuente de la Marvel y que demuestra que con ingenio y talento se pueden rodar cintas tan entretenidas y sorprendentes como esta.



9 - Snowpiercer



El surcoreano Bong Joon-ho ha dejado a lo largo de su filmografía patentes muestras de su enorme talento. 4 años después de su última obra "Mother" ("Madeo") nos llega la adaptación de la novela grafica de Jaques Lob, Benjamin Legrand y Jean-Marc Rochette "Le Transperceniege". Por desgracia y como viene siendo habitual últimamente las películas que se encuentran fuera del circuito de las majors se ven relegadas a lamentables estrenos en unos pocos cines españoles o saliendo directamente en dvd. Bong Joon-ho combina perfectamente la acción con la crítica social y este "Snowpiercer" consigue que el espectador se lo pase realmente bien pero que hace que este se quede pensando acerca del verdadero y por desgracia muy actual mensaje de la película.



10 - Casting


"Casting" es una de las películas mas simpáticas y frescas que he visto en mucho tiempo. Las aventuras y desventuras de ese grupo de aspirantes a actores que esperan para hacer un casting y conseguir un papel mantiene una sonrisa en la cara del espectador durante todo el metraje dejándole un excelente sabor de boca. Jorge Naranjo sabe exprimir al máximo a todos y cada uno de los actores y a pesar de un exceso de cameos estamos ante una película altamente recomendable que no defraudará.




Mención Especial




Sin duda alguna la mejor que película que un servidor ha podido ver en el 2014. No la incluyo en la lista de lo mejor de año por ser una producción del 2012 a pesar de haber sido estrenada en España en el Atlantida Fest de Filmin este año. Anders Ronnow Klarlund arriesga con su extrema propuesta y sale ganador sin ningún tipo de duda. "The Secret Society of Fine Arts" es un placer para los sentidos, dotada de una estética cuidadísima estamos ante una de esas cintas que si se empiezan a ver es imposible apartar la vista de ella. Deudora de "La Jeteé" por el uso de las fotografías para narrar la historia (En algunos países la cinta de Anders Ronnow Klarlund se ha editado junto con corto de Chris Marker), "The Secret Society of Fine Arts" es una absoluta obra maestra, una de esas películas imprescindibles, de obligada visión.



miércoles, 10 de diciembre de 2014

Sección de Cortometrajes

A continuación os dejamos una serie de cortos que consideramos que bien sea por su calidad o por la fama que han ido adquiriendo gracias a la cantidad de premios que han ido ganando merece la pena verlos y disfrutarlos. Esperemos que os lo paséis tan bien como nosotros viéndolos...



Dientes de otro de Manuel Ortega


Brutal cortometraje de Manuel Ortega Lasaga cuya propuesta puede hacer que mas de un espectador se cierre en banda ante la historia que este nos esta contando. Y es que el director no se anda con rodeos al hablarnos de ese vagabundo psicótico que se obsesiona con la idea de que si arranca los dientes a un compañero y se los pone al ratoncito Pérez este le traerá mucho dinero. La violencia sucia y directa que hará que muchos aparten la mirada de la pantalla en mas de un momento ya que estamos ante un cortometraje nada complaciente con el espectador.




Cargo de Ben Howling y Yolanda Ramke


Precioso cortometraje ambientado en un apocalipsis zombie donde un padre hará todo lo que pueda por defender lo que mas quiere. Acusado por muchos de caer en la sensiblería mas barata, la obra de Howling y Ramke demuestra que a día de hoy todavía se puede acercarse al tema de los zombies desde una perspectiva alejada del gore y la violencia. Probablemente no guste a todos pero merece la pena verlo.

                                 
                                             

Only Solomon Lee de Alex Lora


Soberbio cortometraje de Alex Lora tan extraño, hipnótico como enfermizo. La sombra de Lynch es alargada y claramente perceptible en algunas de las escenas grabadas por el director catalán. Lora se toma su tiempo para introducirnos en la obsesión del protagonista lo que puede hacer que mas de uno se pueda cansar pero esta forma de contarnos la historia es necesaria para ir envolviendo al cortometraje en esa atmósfera mal sana. El voyerurismo, el sexo y la incapacidad para relacionarse de una forma normal con el resto del mundo son retratados por porte de Lora de manera notable dejándonos un corto tan incomodo como hipnótico

                        


I'm Here de Spike Jonze


Otra gran muestra del talento de Spike Jonze director de obras tan notables como "Cómo ser John Malkovich" ("Being John Malkovich"), "Adaptation: El ladrón de orquideas" ("Adaptation"), su soberbio acercamiento al mundo de Maurice Sendak con "Donde viven los monstruos" ("Where the wild things are" o su última película "Her" que acusada por muchos de querer ser excesivamente moderna y por momentos pedante. Pero "Her" es una gran película que a pesar de su excesiva duración desarrolla ideas realmente interesantes. "I'm Here" es sobre todo una muy bonita historia de amor y nos obliga a pensar de algún modo en la última obra de Jonze al mezclar tecnología y romance. Muy recomendable.

             

martes, 9 de diciembre de 2014

Crítica: The Babadook

Título: The Babadook
Año: 2014
Género:  Drama - Terror - Thriller
Duración: 93 min
Director: Jennifer Kent
Guión: Jennifer Kent
Música: Jed Kurzel
Interpretes: Essie Davis, Daniel Henshall, Noah Wiseman, Tim Purcell, Hayley McElhinney, Cathy Adamek, Adam Morgan, Barbara West, Carmel Johnson, Jacquy Phillips
Nota: 7
Sinopsis: Amelia es una mujer incapaz de cuidar de su hijo debido a su dificultad para superar la muerte de su marido en un accidente de tráfico. Pronto descubrirá que en su casa hay un presencia maléfica que les acecha.




Crítica: 
Hay que tener cuidado con "The Babadook" o por lo menos con todo lo que nos están diciendo acerca de esta película: Desde las declaraciones de William Friedkin reconociendo que esta es la película que mas miedo le ha dado (Y claro siendo que quién ha pronunciando estas palabras ha sido el director de "El Exorcista" - "The Exorcist" hay que tenerlas en cuenta sobre todo por que son una gran publicidad para la cinta de Jennifer Kent) a eso hay que sumar todas las reseñas y comentarios tanto en páginas especializadas, blogs y twitter que parecen querer reforzar esta idea.  Y si, siendo honrado hay que decir que "The Babadook" inquieta, nos pone por momentos los pelos de punta pero quedarnos con que la cinta de Jennifer Kent es meramente una película de terror implica dejar de lado el verdadero sentido acerca de lo que Kent quiere hablarnos.


Y es que "The Babadook" esta más cerca del drama que del terror, la propuesta cinematográfica Kent no habla de amenazantes presencias venidas del más allá que amenazan a una familia monoparental (Aunque en un principio la historia parezca reforzar esa idea), no, la película de Kent habla de la depresión y de la imposibilidad de superar la pérdida. Los fantasmas no surgen de una dimensión desconocida que hay entre el mundo de los vivos y los muertos, no, esa amenaza, ese miedo nace dentro de los propios protagonistas y eso es lo que hace de "The Babadook" algo terrorífico: La imposibilidad de enfrentarse a los propios sentimientos, condena de la que uno no puede escapar. Si nuestra aproximación a esta cinta no es desde el drama es posible que dejemos muchas ideas en el tintero y es probable que muchos no lleguen a entender la verdadera importancia de la película en su conjunto y por tanto se puedan sentir parcialmente decepcionados.


La fuerza de la película de Kent radica principalmente en el gran trabajo de sus dos protagonistas: Una soberbia Essie Davis ganadora muy merecidamente del premio a la mejor actriz en el pasado Festival Internacional de Sitges y que da vida a una madre desesperada, incapaz de superar la muerte de su marido el día que dio a luz a su hijo, y un notable Noah Wiseman que interpreta al hijo de esta en un rol que pondrá de los nervios a más de uno llegando a sacarnos de quicio y desesperarnos de una manera difícilmente imaginable. Kent nos deja una primera media hora realmente arriesgada donde desarrolla el conflicto entre la madre e hijo dando una gran importancia a este último hecho este que puede llegar a saturarnos pero esta idea, esta forma de rodar la parte inicial de la película donde se recalcan los problemas de comportamiento y conducta de Samuel (Noah Wiseman) es usado con maestría por parte de Kent para hacer avanzar a la historia de forma que el desarrollo del conflicto adquiera una dimensión dramática y sobre todo quede justificada de forma lógica dentro de la evolución de los personajes especialmente en el de la madre. La directora nos pone en la posición de esta y aunque no consigue que sintamos la perdida de su marido como nuestra si que logra que sintamos esa sensación de agobio, de miedo, de verse desbordada al intentar criar un hijo al que no solo no entiende si no que además considera poco menos que culpable de su situación actual vertiendo sobre el toda su frustración.


Hay una referencia claramente reconocible al ver "The Babadook" y esa no es otra que "El Resplandor" ("The Shining") de Stanley Kubrick ya que ambas películas cuentan el proceso de locura de los personajes principales y la relación que estos establecen con los miembros de su familia, si bien es cierto que la cinta de Kubrick se basa en la novela homónima de Stephen King y esta explota el lado sobrenatural de todo aquello que le ocurre al protagonista mediante la justificación de que el hotel donde suceden los hechos, el Overlook, esta construido sobre un antiguo cementerio indio  y aunque se apuntan los problemas con el alcohol y los maltratos que el protagonista infringió a su hijo estas ideas quedan un tanto diluidas ante las fantasmagóricas presencias que habitan en el hotel y el extraño poder que comparte el hijo del protagonista con Dick Halloran (Scatman Crothers). En "The Babadook" Kent también se intenta explotar el componente paranormal gracias a un misterioso libro que parece invitar al mal a entrar en casa este recurso es usado por momentos de manera un tanto engañosa por parte de la directora para jugar con el espectador hecho que no era para nada necesario y que parece justificar que mucha gente considere esta película una cinta meramente de terror. (Volvemos a enconarnos con una representación física de la locura si en "Carretera Perdida" - "Lost Highway" el protagonista Fred Madison se encontraba con un extraño hombre que le reconocía a este en una de las mas perturbadoras escenas jamas vistas que solo entraba allá donde era invitado, en "The Babadook" es ese extraño libro quien ejerce ese papel y tal como reza el libro: mientras mas me niegues mas fuerte me haré)


Jennifer Kent consigue dotar a su película de una atmósfera enfermiza, sin llegar a lo que hizo Marina de Van en su apreciable pero bastante irregular "Dark Touch" esta consigue dejarnos momentos que generan en el espectador sensaciones bastante incomodas: Esa fiesta de cumpleaños a la que asisten madre e hijo, esa conversación que mantiene esta con el resto de las madres consigue perturbarnos completamente. Si bien los niños protagonistas de "Dark Touch" están mas cerca de los de "El pueblo de los malditos" ("Village of the Damned"), Samuel en este preciso momento parece sacado directamente de la notable "The Children" y consigue dejarnos una de esas escenas aparentemente simples pero del todo perturbadora.  Para conseguir la atmósfera malsana que destilan muchos fotogramas de "The Babadook", Kent saca el máximo provecho a la casa de los protagonistas, lugar que nos hace acordarnos de la reciente "The Canal" cinta con la que "The Babadook" comparte ciertos aspectos como la idea de encontrarse ante un padre que ha de cuidar de su hijo tras la violenta muerte del otro miembro de la pareja y donde este sufre un proceso imparable de psicosis. Dejando de lado que estas películas poseen desarrollos e ideas diferentes, Kent muestra con maestría la amenazadora presencia que acosa a los protagonistas dentro de su casa, hecho que en manos de Ivan Kavanag director de "The Canal" le hace irse por el terreno de las presencias paranormales estilo asiático para ni siguiera conseguir acercarse a lo que ha logrado la directora australiana.


Pero no todo es bueno en "The Babadook", no todo se reduce a un análisis acerca de si estamos ante una cinta de terror o un drama con tintes terroríficos, por desgracia a Kent se le ha ido un tanto la mano a la hora de plantear ciertas situaciones y la sensación de ver ciertas escenas que parecen extraídas de "Solo en Casa" ("Home Alone") puede hacer las delicias de los seguidores mas fanáticos de la acción y la violencia pero para el resto pueden estar un tanto fuera de lugar haciendo que por momentos estas escenas nos saquen de la película, por suerte estas escenas son escasas y la directora consigue redirigir la historia rápidamente. Con todo "The Babadook" es una de las propuestas cinematográficas mas estimulantes del año a la que tenemos que acércanos desde su perspectiva dramática ya que si lo hacemos solo desde el punto de vista del terror la interpretación de los protagonistas especialmente la del niño nos puede poner de los nervios e impedir que acabemos viendo la notable cinta de Jennifer Kent. Muy Recomendable.



Lo mejor: Los dos actores principales soberbios cada uno en su papel.
Lo peor: La escenas a lo "Solo en Casa" ("Home Alone").Que nos la vendan como una película de terror dejando de lado toda la parte dramática.

domingo, 7 de diciembre de 2014

Crítica: Predestination

Título: Predestination
Año: 2014
Género:  Ciencia Ficción - Thriller
Duración: 97 min
Director: The Spierig Brothers (Michael y Peter Spierig)
Guión: The Spierig Brothers según la historia "All you Zombies" de Robert A.Heinlein
Música: Peter Spierig
Interpretes: Ethan Hawke, Sarah Snook, Noah Taylor, Freya Stafford, Elise Jansen, Alexis Fernandez, Rob Jenkins, Olvia Sprague, Jim Knbeloch
Nota: 8
Sinopsis: Todos los intentos por detener a un peligroso criminal que en marzo del 1975 mató a más de 11.000 personas en Nueva York haciendo explotar una bomba han fracasado pero otro salto en el tiempo será la última oportunidad para detenerlo.




Crítica:
Tras un interesante debut en el 2003 que pasó desapercibido para muchos con "Los no muertos" ("The Undead") los hermanos Michael y Peter Spierig sorprendieron a medio mundo con su siguiente película "Daybreakers" una particular revisitación del mito del vampirismo que aunque un tanto irregular y que se tomaba alguna que otra licencia que molestó a mas de un purista de este tipo de género resultó una cinta realmente entretenida muy a reivindicar. Ahora The Spierig Brothers como se conoce al dúo formado por Michael y Peter Spierig (Mas cercanos en lo que a su concepción cinematográfica de los hermanos Wachowski pero sin la pretenciosidad de estos que de la brutalidad de la que hacen gala The Mo Brothers) nos presentan su nueva cinta "Predestination" dejando gran peso de la misma en el que parece ser su actor fetiche Ethan Hawke que ya protagonizó la anterior cinta de los directores "Daybreakers" (Hawke demuestra su absoluta versatilidad ya que es capaz de saltar de grandes y elefantiasicas películas como "Boyhood", soberbios dramas intimistas donde la improvisación es parte fundamental como en la trilogía de "Antes del amanecer", "Antes del atardecer" y "Antes del anochecer" todas como la anterior dirigidas por Richard Linklater y sorprendernos con bodrios infumables como "Gateway" donde comparte protagonismos con una Selena Gomez que tras intentar romper su imagen de chica Disney con la soberbia "Spring Breakers" o la bruta pero decepcionante "Aftershock" no acaba de encontrar su camino)


"Predestination" parte de una premisa muy sencilla: ¿Y si pudieras encontrarte cara a cara con la persona que destrozó tu vida?, ¿Y si pudieras matarlo y salir impune del asesinato? ¿Lo harías?. Michael y Peter Spierig llevan a la pantalla grande la historia corta "All you Zombies" de Robert A. Heinlein (Autor de las novelas en las que se basaron por ejemplo "Starship Troopers" de Paul Verhoeven película totalmente incomprendida en su momento pero que parece que hoy en día empieza a ser reivindicada en su justa medida, o de "Alguien mueve los hilos" - "The puppet masters". A pesar de ser considerado como uno de los grandes escritores de ciencia ficción su nombre es por desgracia desconocido para muchos). Como viene siendo habitual y aunque los Spierig Brothers intenten llevar a la película a su terreno es inevitable recordar ciertas películas de las que "Predestination" es claramente deudora sobre todo en su parte inicial (También hay otras referencias bastante claras muy avanzado el metraje pero eso mejor dejarlo para otro día...). Michael y Peter Spierig nos dejan un gran prólogo antes de los títulos de crédito iniciales claramente deudor de "Sospechosos Habituales" ("The usual suspects") y la serie "Fringe". Especialmente clara es la comparación con la, al menos para mi, obra maestra de Bryan Singer escrita por Christopher McQuarrie: La composición de la escena inicial de "Predestination" con explosión de fondo y una extraña presencia que se acerca al protagonista es exactamente al misma que la de la obra de Singer lo que nos puede llevar a pensar que estamos ante el mismo tipo de película y si bien es cierto que Michael y Peter Spierig consiguen que su cinta con ese aroma a lo "Fringe" se aleje de "Sospechosos habituales" (Nadie puede dejar de pensar que al ver las fotografías del atentado en Nueva York en 1975 va a ver a Septiembre en alguna de ellas) cierta esencia Singer sigue presente a lo largo de gran parte del metraje.


Pero los directores y guionistas no solo consiguen que nos olvidemos de ese inicio a lo "Sospechosos Habituales" gracias al toque "Fringe" si no que además lo rematan de la manera mas arriesgada posible en este tipo de películas: Mediante una larga conversación entre dos de los protagonistas que sentados en un bar se apuestan una botella de Whisky a que uno de ellos es capaz de contar la historia mas extraña que el otro haya podido oír jamás. Esta parte de la historia sorprende por la aparente falta de acción de la misma (Hemos de desterrar la idea de que estamos ante una película que mezcla la ciencia ficción con la acción ya que de lo primero hay mucho y de lo segundo mas bien poco) y sorprende sobre todo porque el espectador no acaba de entender que tiene que ver todo esto con lo que los hermanos Spierig nos han planteado en el inicio de la película. Salpicada de flashbacks que sirven para apuntalar todo aquello que nos están contando esta parte de la película es manejada con maestría por Michael y Peter Spierig para jugar con la sensación de desasosiego que tiene el espectador por no saber situarse ante aquello que esta viendo.


Lo peor que le puede pasar a "Predestination" es que alguien nos haga pensar que estamos ante una cinta laberíntica o retorcida argumentalmente hablando, por desgracia cualquier espectador que haya visto muchas películas de ciencia ficción no considerará que lo que le están contando es excesivamente sorprendente, confuso o extraño ya que pasada la sensación inicial de no saber bien como ubicar a los personajes dentro de la historia sabemos perfectamente quién es quién y cual es su papel dentro de la misma. Es inevitable cierta decepción al ver ciertos planos conforme se acerca el final de la misma ya que no sabemos si estos han sido puestos para recalcar lo obvio o si simplemente los directores menosprecian la capacidad del espectador para resolver el supuesto puzzle que nos han planteado, pero con todo esto Michael y Peter Spierig consiguen que su película nos atrape y enganche hasta el final porque si algo tiene este "Predestination" es que como su anterior cinta "Daybreakers" resulta una película realmente entretenida que aprovecha la todos los recursos de los viajes en el tiempo para que al espectador le sea imposible dejar de ver la película antes de que acabe.


"Predestination" es para muchos lo que podría hacer Pedro Almodovar si este decidiese rodar una película de ciencia ficción, ya que algunas escenas o diálogos podrían salir del imaginario del director manchego sin ningún tipo de problema y a nadie nos resultaría extraño. La última cinta de los hermanos Spierig nos deja el gran trabajo de Ethan Hawke uno de los mejores actores de su generación y el de una sorprendente Sarah Snook capaz de enfrentarse a un tour de force y salir sin problemas del envite, la Snook es una de esas actrices a las que no hay que perder de vista porque tras verla en esta película promete y mucho. "Predestination" se presentó en el pasado festival de cine de Sitges y sorprendió bastante consiguiendo que la gente disfrutara mucho de la propuesta cinematográfica de Michael y Peter Spierig. Esta es una película que hará las delicias de todos aquellos aficionados al cine de ciencia ficción que quieran ver una historia por encima de elaboradas escenas de acción. Realmente recomendable y de lo mejorcito del año en lo que a ciencia ficción se refiere. Y aunque cinematograficamente este muy alejada de la película de los Spierig brothers por el tono y las pretensiones aprovecho para recomendar esa joya titulada "Frequently asked questions about time travel" de Gareth Carrivick con un Chris O'Dowd en estado de gracia.




Lo mejor: Los flasbacks que complementan a la historia que va contando el cliente en el bar.
Lo peor: El trailer, mejor no verlo antes de la película