lunes, 31 de marzo de 2014

Crítica: Homefront - El protector

Título: El protector - Homefront
Año: 2013
Genero: Acción - Thriller
Duración: 100  min
Director: Gary Fleder
Guión: Sylvester Stallone según la novela de Chuck Logan
Música: Mark Isham
Interpretes: Jason Statham, James Franco, Winona Ryder, Kate Bosworth, Izabela Vidovic, Clancy Brown, Rachelle Lefevre, Marcus Hester
Nota: 6
Sinopsis:  Tras la muerte de su mujer, un ex-agente de la DEA se mudará con su hija a un pequeño pueblo en busca de la tranquilidad necesaria para empezar una nueva vida. Pero un pequeño incidente hará que se tope con el traficante de drogas local...




Crítica:
"El protector" ("Homefront") tiene elementos suficientes para llamar nuestra atención: Dirigida por un director, Gary Fleder, que sorprendió con mas que interesante debut en el largo con "Cosas que hacer en Denver cuando estas muerto" ("Things to do in Denver when you're dead") y que ha acabado rodando solventes y entretenidas cintas demasiado impersonales pero que suelen funcionar bien en taquilla como "El coleccionista de amantes" ("Kiss the girls") o "Ni una palabra" ("Don´t say a word"). Un guión escrito por Sylverster Stallone que adapta una novela de Chuck Logan (Tras el éxito de las dos partes de "Los Mercenarios", Stallone vive una segunda juventud y a estas alturas no debería sorprenderle a nadie que Sly escriba o adapte guiones y lo haga con oficio, recordemos que estuvo nominado pero no ganó el Oscar al mejor guión original por "Rocky" y que además ha escrito guiones como los de "Máximo Riesgo" ("Cliffhanger") o "Acorralado" ("Frist Blood")). Pero sobre todo los dos grandes elementos que tiene "Homefront" para llamar nuestra atención son sus dos protagonistas: Jason Statham y sorprendentemente James Franco. A pesar de la extraña presencia de Franco en esta cinta no hace falta ser muy inteligente para darnos cuenta de que estamos ante una película hecha por y para el lucimiento de Statham, un regalo de su amigo Silverster Stallone para uno de los actores mas carismáticos que nos podemos encontrar actualmente en  el cine de acción y con el que el actor y director italoamericano ha coincidido en las tres partes de "Los Mercenarios".


Argumentalmente estamos ante una historia sólida pero nada sorprendente, seguimos estando ante una variación de la típica historia de "el pasado siempre vuelve, no importa cuanto corras el siempre te alcanzará". Es una lastima que tanto por parte de Silverster Stallone como por parte de Fleder no se desarrolle mas la idea de como un castillo de naipes puede caerse con solo que una carta se mueva un poco, de como aquello que intentamos construir sobre cimientos supuestamente sólidos acaban teniendo una base demasiado frágil. El intento de hacer una película de acción (Ojo... no hay tanta como pueda parecer por el trailer, un trailer que por cierto vuelve a contar toda, absolutamente toda la película) deja de lado ese análisis, esa línea argumental que aunque apuntada en "Homefront" queda demasiado diluida en la trama. Pero al fin y al cabo estamos ante una película donde sale Jason Statham y lo que queremos es ver al actor inglés dando mamporros y no soltando frases filosóficas acerca del devenir de las cosas y del peso del pasado.


Pero lo que mas sorprendente en una cinta como esta es ver a un actor como James Franco interpretando al tío malo que quiere acabar con el héroe. Franco es director (Ha sido lo suficientemente valiente para adaptar a Faulkner en "As i dying" o de imaginar junto con Travis Mathews el metraje censurado de "A la caza" ("Cruising") de William Friedkin en "Interior. Leather Bar"), productor (No se anda con tonterías, hecho que ha dejado patente al producir una cinta como "Kink" que habla sobre una famosa página web sobre el bondage mas extremo) y actor de extraordinaria personalidad (Capaz de llevar todo el peso de una cinta como "127 horas", de hacer grandes papeles como el de mafioso en "Spring Breakers" o de ser lo mejor en cintas tan comerciales como la saga de Spiderman de Sam Raimi). Franco es uno de esos actores capaces de llenar la pantalla por si solo y si además esta acompañado por Winona Ryder el placer es doble. Pero por desgracia en "Homefront" el peor enemigo de James Franco es un personaje Gator Bodine. Su arrolladora personalidad nos lleva a pensar que vamos a estar ante un malo de altura, ante uno de esos psicópatas capaces de poner en un aprieto a Statham. Y la decepción es grande porque tras una gran escena de presentación del personaje no dejamos de estar ante un traficante de medio pelo en un pueblecito pequeño y al que todo le viene demasiado grande.


El trabajo de Franco dando vida a ese traficante de drogas que quiere ir a mas resulta perfecto (Otra cosa es la decepción que puede suponer su rol dentro de la historia) y en muchos momentos su trabajo es muy superior al del resto de sus compañeros especialmente al de Statham. Como en muchas películas de acción los personajes femeninos aún siendo parte importante para el desarrollo de la cinta no dejan de ser meras comparsas que destacan solamente en momentos concretos de la trama. Por mucho que Winona Ryder tenga mas papel que sus compañeras, que Bosworth sea parte fundamental para que la historia arranque no podemos perder la perspectiva y pensar en lo planos y esquemáticos que son sus personajes, especialmente y de forma mas llamativa el  interpretado por Rachelle Lefevre totalmente prescindible en la trama ya que no aporta absolutamente nada.


"Homefront"  es una muy entretenida película de acción que apunta ideas y maneras pero que deja todo esto de lado para convertirse en un producto hecho a la medida de Statham y desde ese punto de vista la cinta de Gary Fleder da lo que promete, un poco de thriller, un poco de acción y a Statham repartiendo sopapos y disparando. No deja de ser decepcionante el poco juego del personaje interpretado por James Franco, se ha perdido una gran oportunidad de tener un malo de altura, uno de esos que son difíciles de olvidar, pero con todo esto Fleder ha conseguido otra vez rodar una película que se pasa volando y se disfruta mucho. Altamente recomendable para los fans del cine de acción y de obligada visión para los seguidores de Statham, a estos últimos entre los que me encuentro seguro que "Homefront" no les decepcionará.



Lo Mejor: A pesar de la poca entidad de su personaje, James Franco llena la pantalla con su presencia.
Lo Peor:  El personaje de Rachelle Lefevre.

domingo, 30 de marzo de 2014

Crítica: Moebius

Título: Moebius
Año: 2013
Genero: Drama
Duración: 89 min
Director:  Kim Ki-Duk
Guión: Kim Ki-Duk
Interpretes: Jae-Hyeon Jo, Eun-woo Lee, Young-Ju Seo, Kim Jae Hong,  Kim Min-Seok
Nota: 6
Sinopsis: Debido a la infidelidad de su padre, la vida del protagonista de "Moebius" se tornara en una autentica tragedia y su relación con las mujeres y el sexo se volverá enfermiza...





Crítica:
Kim Ki-Duk nos ha dejado el chiste demasiado fácil podríamos decir que "Moebius" se le ha ido definitivamente la (p)olla.. El otrora muy interesante director surcoreano fue muy bien  tratado (a lo que hay que añadir que justamente) durante una época por las distribuidoras españolas llegando a estrenarse comercialmente parte de sus mejores cintas como "Samaritan Girl", "Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera" o "Hierro 3" la para muchos su obra maestra aunque personalmente prefiero su "Samaritan girl" con todos sus defectos y sus virtudes que son muchos. Ahora el cine del director surcoreano parece que vive un destierro y sus cintas están condenadas a verse en ciertos festivales, en algunas ciudades o directamente en las filmotecas, da la sensación que el ejercicio de egocentrismo que llevó a cabo Kim Ki-Duk con "Arirang" donde el era el director, guionista, protagonista, productor, editor, técnico de sonido.... y que hablaba sobre su propia carrera artística hizo que muchos que seguíamos su cine nos planteáramos si a Kim Ki-Duk no se le había subido el éxito a la cabeza.


Ahora nos llega "Moebius" una cinta dura, muy dura tanto por lo que cuenta como por como lo cuenta. Las películas del director surcoreano no son condescendientes con el espectador y tampoco son ejemplos de locuacidad o de grandes diálogos, sus cintas suelen tener un toque intimista donde los torturados protagonistas expresan sus sentimientos mas con gestos que con palabras. "Moebius" es una cinta donde no hay ni un solo dialogo, todo se basa en la forma que tiene Kim Ki-Duk de contarnos la historia usando la expresividad de los actores. Pero si en ciertas cintas como "Hierro 3" podía estar mas que justificado el hecho de que los personajes no hablaran, en "Moebius" este hecho parece algo impuesto, una forma de querer hacer un cine radical y diferente, de hacer algo que llame la atención simplemente por el hecho de hacerlo ya que no hay ningún tipo de justificación para la forma elegida por el director de contarnos la cinta. No era necesario para el desarrollo de "Moebius" que no hubiera diálogos, como espectador tenemos en todo momento el sentimiento de que falta algo, de que falta oír las palabras de los protagonistas, la sensación de que hay escenas demasiado preparadas que hacen que el conjunto pierda fuerza, frescura y naturalidad esta demasiado presente durante todo el metraje y el hecho de pensar que las palabras también les han sido arrancadas a los protagonistas no deja de ser un intento de buscar sentido a la falta de dialogo.


Pero "Moebius" es mucho mas que eso y como sucedía con el "Antichrist" de Lars Von Trier o la cinta del propio director "La isla" ("Seom"), la polémica puede hacer que no veamos lo que el director nos quiere contar. Igual que sucede con la forma elegida por Kim Ki-Duk para contarnos la historia con esta total falta de diálogos, el exceso de truculencia a la hora de afrontar la historia de las más bajas pasiones y obsesiones parece mas una idea para llamar la atención que la mejor forma de contar la historia. La más que enfermiza relación entre padre e hijo y como abordan ambos el sexo se queda en muchos momentos en lo llamativo y no en la profundidad dramática que nos gustaría.  Y es que es al espectador le es inevitable no centrase en lo morboso y en el sexo del que hace gala "Moebius", por un momento y tras un largo arranque en el que Kim Ki-Duk deja claro cuales son sus ideas para desarrollar esta película parece que nos vayamos a encontrar ante una variante de "The Stroller in the Attic" de Noburu Tanaka donde una pareja de amantes se excitan sexualmente con el dolor viendo como el otro se acuesta y asesina a alguien y que nos deja una increíble escena final digan de alabar. La forma que tienen los amantes de excitarse y de tener sexo especialmente con la llegada del tercer elemento en cuestión hace inevitable pensar en la obra de Tanaka, pero si algo deja claro Kim Ki-Duk es que su cine es suyo y solamente suyo así que tras este breve momento de conexión entre ambas cintas el director surcoreano sigue desarrollando todas sus obsesiones haciendo de "Moebius" una cinta que resulta excesiva. Por mucho que esta tenga algo que nos consigue cautivar, algo que nos impide dejar de ver la película durante la poco menos de hora y media que dura siempre tenemos la sensación de que Kim Ki-Duk ha querido jugar a ser provocador algo que parece un remanente de alguna de sus antiguas obras (Aunque en estas no teníamos la percepción de que el director había querido provocar si no que le salia digamos que de forma natural). De igual manera parece que el surcoreano sigue cayendo en alguno de los fallos en los que ya caía en sus antiguas cintas como el uso de un falso sueño para narrar la historia (Ya visto por desgracia en "Samaritan girl" y que sigue siendo uno de sus lastres). "Moebius" es una cinta realmente difícil de recomendar, que cada uno decida si quiere dejarse perturbar por la provocadora cinta del director surcoreano. Hace un tiempo con el estreno de "Kaboom" de Gregg Araki un crítico comentó que es mas fácil de disfrutar ahora del cine de Araki  que cuando se puso de moda en los noventa, esa frase me marcó porque estoy cien por cien de acuerdo con ella y que por desgracia no puedo hacer extensible al cine de Kim Ki-Duk.



Lo Mejor:  La escena de sexo cuchillo en mano
Lo Peor:  Resultará demasiado excesiva y hermética para muchos

domingo, 23 de marzo de 2014

Crítica: Non-Stop (Sin Escalas)

Título: Non-Stop (Sin Escalas)
Año: 2014
Genero: Thriller
Duración: 106 min
Director:  Jaume Collet-Serra
Guión: John W. Richardson, Christopher Roach y Ryan Engle
Música: John Ottman
Interpretes: Liam Neeson, Julianne Moore, Scoot McNairy, Michelle Dockery, Linus Roache, Nate Parker, Corey Stoll, Lupita Nyong'o, Omar Metwally
Nota: 4,5
Sinopsis: En un vuelo sin escalas a Londres, el agente Bill Marks tendrá que enfrentarse a un chantajista que pide que le ingresen 150 millones de dólares en una cuenta bancaria o matara a un pasajero cada 20 minutos.




Crítica:
El catalán afincado en Hollywood, Jaume Collet-Serra esta especializando en un cine tremendamente efectivo que funciona muy bien en taquilla especialmente en la americana (Sin ir mas lejos "Non-stop" ha sido número uno en Estados Unidos). Sus películas cuentan con una gran calidad técnica y con un uso de la imagen que dejan claro que Collet-Serra ha trabajado en publicidad pero que por lo general poseen un gran lastre en el que a guiones se refiere donde el efectismo esta por encima de cualquier tipo de lógica. (Siempre recuerdo que en una entrevista Collet-Serra comentó que le hubiera gustado rodar un sin sentido tan entretenido como "Whiteout" con Kate Beckinsale y lo que mas me llamó la atención fue que usara las palabras 'sin sentido' para definir a esta cinta ya que creo que es un concepto que se puede hacer extensible a todo su cine). Su debut en la gran pantalla con "La casa de cera" ("House of Wax") resultó un splatter muy al gusto del cine de terror adolescente de principios de siglo, un producto francamente olvidable con alguna escena que se podía salvar de la quema (y nunca mejor dicho) que no hacia honor a sus referentes cinematográficos y que en términos artísticos fue lamentablemente eclipsada por la presencia de Paris Hilton en su capricho por intentar ser actriz. (Y digo lamentablemente en términos artísticos ya que estoy seguro de que al menos en Estados Unidos ver a la Hilton actuando pudo resultar un reclamo demasiado atractivo para muchos cosa que obviamente pudo beneficiar a la recaudación final de la cinta)


Su  cinta "La Huérfana"  se benefició de un gran reparto (Vera Farmiga, Peter Sarsgaard y sobre todo de Isabelle Furhman) siendo una clara muestra de como el buen hacer de su director y de sus protagonistas se puede echar por tierra debido a uno de los giros mas inverosímiles que hemos visto en el cine reciente. Para su nueva película, Collet-Serra vuelve a contar con el protagonista de su anterior cinta "Sin Identidad" ("Unknow") Liam Neeson, un trabajo que fue considerado por algunos como un ejercicio de intriga al estilo de Alfred Hitchcock (Comparación que desde mi punto de vista le queda muy muy grande tanto al director catalán como a "Sin Identidad"). En "Non-Stop" no vamos a encontrar nada nuevo, no estamos ante una cinta que nadie vaya a comparar con el trabajo de Hitchcock pero si con "Plan de vuelo: Desaparecida" ("Flightplan") de Robert Schwentke con Jodie Foster de protagonista. En ambas cintas nos encontramos ante un espacio único del que es imposible huir y donde puede resultar muy difícil esconderse: un avión en pleno vuelo, pero sobre todo nos encontramos ante unos protagonistas que se tendrán que enfrentar no solo a la tripulación si no también a parte de los pasajeros en su intento por demostrar que son ellos quienes tienen la razón acerca de lo que realmente esta pasando y que es el resto del mundo el que se equivoca. En ambos casos los traumas de los personajes interpretados por Jodie Foster y Liam Neeson servirán como base para plantear el conflicto acerca de si realmente están diciendo la verdad o si simplemente el estrés que sufren  ha derivado en una irreal percepción de lo que esta pasando, aunque este punto queda reflejado  bastante mejor "Plan de vuelo: Desparecida" que en "Non-stop". Y en ambos casos por muy loable que sea el intento de Schwentke como de Collet-Serra por mantener la tensión durante todo el metraje acaban fracasando llevando a ambas cintas a momentos y a giros ciertamente ridículos.


Lo mejor de la cinta de Collet-Serra es ver a un siempre grande Liam Neeson que se ha convertido en un mas que solvente héroe de acción y cuyo aspecto físico viene perfecto para dar vida al típico héroe traumatizado por una terrible historia personal y ver a Julianne Moore capaz de salvar cualquier tipo de papel aunque resulte excesivamente plano y totalmente desaprovechado como en este caso. Pero sobre todo lo mejor de la cinta es el buen hacer del director para sacar adelante una historia sin pies ni cabeza e intentar dar ritmo a algo que posiblemente no lo tenga y es que es muy difícil hacer que una cinta que dura hora y cuarenta minutos que sucede en un espacio único no acabe por momentos aburriendo (Es de agradecer y mucho la forma que tiene el director de mostrar los mensajes que el protagonista intercambia con el chantajista y que hacen de estos momentos algo realmente entretenido. Estos momentos que en otras cintas afectan al ritmo de la película negativamente, en "Non-stop" son capaces de revitalizar a la cinta.)


"Non-Stop" es una película ideal para verla un sábado o un domingo por la tarde con amigos y luego destrozarla hablando de su trama, de sus giros y de todas esas escenas sin ningún tipo de sentido que hacen que el mejor título para esta cinta hubiera sido "Non-sense". Pero no debemos perder de vista que estamos ante una cinta espectáculo y hemos de verla como tal ya que todas esas situaciones inverosímiles solo sirven para intentar hacer de esta película un producto totalmente festivo para ver, disfrutar y olvidar. Hubiera sido de agradecer que se hubiera obviado el personaje de la niña y la cinta que lleva el protagonista, momentos y situaciones tan empalagosos como estos realmente sobran ya que no aportan absolutamente nada (No es necesario algo así para demostrar que el protagonista es buena persona, eso es algo que nos queda claro casi desde el principio). Recomendable para aquellos que quieran ver una película de usar y tirar.



Lo Mejor: Siempre es un placer ver a Liam Neeson en la gran pantalla.
Lo Peor:  Estamos ante otra de esas películas que nos la sabemos del principio al final

sábado, 22 de marzo de 2014

Crítica: Only lovers left alive - Solo los amantes sobreviven

Título: Only lovers left alive - Solo los amantes sobreviven
Año: 2013
Genero: Drama - Fanstasia
Duración: 123 min
Director: Jim Jarmusch
Guión: Jim Jarmusch
Música: Josef van Wissem y Sqürl
Interpretes: Tom Hiddleston, Tilda Swinton, Mia Wasikowska,  John Hurt, Anton Yelchin, Jeffrey Wright, Slimane Dazi, Carter Logan
Nota: 7,5
Sinopsis:  Dos vampiros enamorados desde hace años. El, Adam cansado de los humanos y su forma de ver la vida vive en una constante agonía. Ella, Eve, intenta sacarlo de su vacío existencial pero la hermana de esta pondrá en peligro la armonía entre ambos.



Crítica:
En 1995 el por entonces enfant terrible Abel Ferrara que venia de haber sorprendido a medio mundo con su "Teniente Corrupto" ("Bad Lieutenant") y de decepcionar al otro medio con su adaptación de la novela de Jack Finney "The Body Snatchers", nos ofreció su propia versión acerca del vampirismo con "The Addiction". Como era de esperar la visión que tenía Ferrara se distanciaba y mucho del tratamiento que dieron a este tema Anne Rice como escritora y Neil Jordan como director en "Entrevista con el vampiro" ("Interview with the vampire") estrenada un año antes. Ferrara consiguió con su película una muy interesante cinta rodada en blanco y negro con un exceso de filosofía que podía frenar a más de uno pero que resultaba un acercamiento al mito del vampirismo tan seductor como extraño no apto para todo tipo de públicos.


Hoy Jim Jarmusch uno de los para mi directores mas personales que podemos encontrarnos actualmente, capaz de regalarnos grandes obras como "Dead man", "Ghost Dog" o "Nigth on Earth" entre otras pero que también nos ha dejado cintas tan imperfectas como "Coffe and Cigarretes" debido a la gran desigualdad existente entre sus fragmentos, hace de Ferrara y nos muestra su propia visión sobre el vampirismo y el amor. Jarmusch no es Ferrara pero en "Only lovers left alive" nos vamos a encontrar otra vez con vampiros con dudas existenciales y como ocurría en la cinta de Ferrara con momentos en los que hay un exceso de trascendentalismo. El cine del director americano no esta hecho a gusto de todos, por mucho que "Broken Flowers" funcionara muy bien en taquilla (Todavía recuerdo cuando la vi en una sala llena de gente que no acabó de disfrutarla) su cine sigue teniendo la marca de cine de autor personal y minoritario al que por momentos es difícil acercarse.


"Only lovers left alive" es Jarmusch por Jarmusch. No hay nada que nos vaya a sorprender en la forma que tiene este de contar la historia de Adam y Eve, desde el uso de la música que recuerda por momentos a como usó la de Neil Young en "Dead Man" (Grandisima la banda sonora de Josef van Wissem y totalmente recomendable el disco que ha grabado este con el propio director) , pasando por el ritmo pausado que utiliza para narrar la historia o la vuelta a temas que parecen recurrentes en su filmografía como hablar de científicos y tocar aunque solo sea nombrándolo a Nikola Tesla (De hecho y como curiosidad Jack White hablaba del científico en su fragmento de "Coffe and Cigarretes". En "Only lovers left alive" no solo el personaje de Tom Hiddleson vuelve a hablar brevemente del científico de origen serbio si no que además en su ruta turística por Detroit enseña a su mujer la casa donde creció White en lo que mas parece un guiño privado entre el director y el  músico que algo que tenga consistencia dentro de la trama de la película). Pero el mayor problema de "Only lovers left alive" dejando de lado lo minoritaria que pueda resultar su propuesta, es que el año pasado se rodó "Kiss of the damned" una irregular pero hipnótica cinta acerca del amor entre un joven recién convertido en vampiro y su amada. La cinta de Xan Casavettes poseía un tremendo arranque con unos muy cuidados planos y un excelente uso de la música que nos recuerda a como Jarmusch hace lo propio en su cinta. Pero Casavettes se mostraba incapaz de llevar a buen puerto a su película y una vez desarrollado el conflicto entre los personajes, su película se desinflaba rápidamente. No ocurre lo mismo con "Only lovers left alive", a pesar de que parte del conflicto entre los personajes es exactamente igual que en la cinta de Casavettes, Jarmusch no deja de considerarlo no como una parte fundamental de su historia si no como un elemento meramente catártico para los protagonistas y nunca como el núcleo central de la segunda parte de la historia. Por mucho que el conflicto entre el bien y el mal siempre casi siempre este representado de alguna manera en las cintas que tratan el vampirismo, la forma que tienen Casavettes y Jarmusch de representar dicho conflicto usando en ambos casos a la hermana de la protagonista resulta demasiado manida y un punto donde de no ser por los protagonistas de ambas cintas serian bastante difíciles de distinguir.


Es inevitable no pensar en Neil Gaiman y su famosa obra "Sandman" a la hora de ver "Only lovers left alive". No solo por la estética de su protagonista que recuerda en muchos momentos al Sueño de la obra de Gaiman si no también por la forma tienen ambos para mezclar los personajes con la historia. Si en, por ejemplo, "Sueño de una noche de verano" el propio Gaiman mezclaba a Shakespeare con Morfeo siendo este último quien le otorgó al primero la inspiración para sus creaciones, en la cinta de Jarmusch son nuestros protagonistas quienes legaron sus obras ya sean musicales como escritas a los mortales para que fueran ellos quienes las hicieran públicas. Desde este punto de vista "Only lovers left alive" bien podría ser considerada como una de las muchas y grandes historias que nos regaló Gaiman durante el tiempo que se publicó "Sandman". Esa fascinación y sobre todo ese gusto y notable clase a la hora de mezclar personajes históricos con la fantasía mas pura hacen que las obras de Gaimna y de Jarmusch tengan puntos en común, puntos que dan un toque de calidad a ambas obras y que hacen que aunque resulte una opinión suicida y excesivamente personal me encantaría ver a Jarmusch adaptando a Gaiman...


A pesar de que Jarmusch se tome ciertas licencias para hacer mas atractiva su historia como hacer que nadie sospeche de un extraño doctor llamado Fausto que entra de forma habitual en un hospital con un estetoscopio de los años setenta o que haya elementos que no estén explicados de forma satisfactoria como por que los protagonistas solo pueden tomar cierta sangre y si no enferman o momentos que directamente sobra como la forma que tiene Eve de leer, "Only lovers left alive" se beneficia de un grandisimo elenco. Un Tom Hiddleston que después de haber sido otra vez lo mejor en la segunda parte de "Thor" vuelve a demostrar que es una estrella emergente, una gran Tilda Swinton a la que  últimamente es muy difícil encontrárnosla haciendo mal su trabajo, y las sorprendentes actuaciones de Mia Wasikowska y Anton Yelchin, que por motivos mas que obvios tendrían que dejar de sorprendernos pero lo siguen haciendo. En resumidas cuentas, "Only lovers left alive" es un hipnótico viaje totalmente seductor que narra la historia de amor de los dos protagonistas y de hastío de uno de ellos. Una de esas cintas que hay que ver y disfrutar en pantalla grande y a ser posible con el volumen muy muy alto. Totalmente recomendable. 


Lo Mejor: El uso de la música y de las imágenes por parte de Jarmusch
Lo Peor:  El conflicto con la hermana de la protagonista esta muy visto

viernes, 14 de marzo de 2014

Crítica: Her

Título: Her
Año: 2013
Genero: Drama
Duración: 126  min
Director: Spike Jonze
Guión: Spike Jonze
Música: Arcade Fire
Interpretes: Joaquin Phoenix, Scarlett Johansson, Amy Adams, Chris Pratt, Rooney Mara, Matt Letscher, Olivia Wilde
Nota: 7
Sinopsis:  La solitaria y apática vida de Theodore incapaz de superar su divorcio dará un giro de 180 grados cuando conozca a Samantha un sistema operativo mas sensible y cercano que muchas personas.




Crítica:
Puede resultar fácil quedarse con la anécdota de "Her" la historia de un retraído chico que se acaba enamorando de un sistema operativo que tiene la sensual voz de Scarlett Johansson. Pero las películas de Jonze no se quedan en la superficie o en lo extravagante que pueden resultar sus propuestas, sus cintas van mucho más allá en su análisis de personajes, situaciones y sentimientos. El miedo a expresarnos, a abrirnos a la persona con la que compartimos la vida, el miedo a como el otro evoluciona dentro de la pareja y de como esta persona puede ver nuestros cambios, todos esos sentimientos comunes que todos hemos tenido en algún momento y que en algunos casos hemos sido capaces de enfrentarnos a ellos pero que en otros momentos hemos actuado como Theodore huyendo y simplemente poniendo excusas para avanzar, para arriesgar, para salir de nuestra ficticia sensación de seguridad: si no estoy con nadie, nadie me puede herir. De todo esto es lo que realmente habla la última película de Spike Jonze.


"Her" no es tan sorprendente, tan rompedora como podemos creer en un principio. El tratamiento acerca de la imposibilidad de hablar con el otro, de expresar nuestros sentimientos queda reflejada en la cinta de Jonze de una manera que recuerda a "Olvídate de mi" ("The Eternal sunshine of the spotless mind"). Mientras Theodore solo es capaz de decir todo lo que sentía y que siente con respecto a su pareja a un sistema operativo, en "Olvídate de mi" Gondry y el que fuera guionista de las dos primeras cintas de Jonze y autor de la excelente "Synecdoche, New York" Charlie Kaufman usan casetes para expresar todo aquello que los protagonistas se ocultan el uno al otro, todos esos detalles, grandes o pequeños que ponen distancia dentro de una pareja, todas esas cosas que guardamos y que muchas veces son usadas como armas arrojadizas para hacer daño. Ambas películas usan diversos medios externos a los protagonistas para expresar o para forzar que estos expresen lo que realmente sienten. Tampoco la forma en la que Theodore recuerda la relación con su pareja se aleja de la manera en la que Joel Barish recuerda a Clementine Kruczynski. Por momentos tenemos la sensación  no ya de que Theodore no pueda superar la ruptura si no de que este intenta al igual que Barish conservar ciertos recuerdos porque le es mas fácil vivir en el pasado que avanzar hacia adelante.


"Lost in Translation"  también esta presente durante gran parte del metraje de "Her", curiosamente tanto la cinta de Jonze como la película dirigida por su ex narran la historia de un insomne que se encuentra solo en medio de una gran urbe y que se topa con una chica, en este caso un sistema operativo con voz de mujer, y que en ambos casos esta interpretada por Scarlett Johansson. La soledad que retrataba Sofia Coppola en su segunda película impregna todos y cada uno de los fotogramas de "Her". No solo esas vistas de la habitación con la ciudad a oscuras de fondo o esa forma de representar a esta en la gran pantalla haciendo de ella una presencia que nos rodea pero que a la vez resulta extraña y distante si no también el fondo de la historia en la que dos personas que se sienten incompletas (a el le cuesta enfrentarse a sus sentimientos para continuar con su vida, a ella le falta un cuerpo) se encuentran y se establece entre ellos una relación que llenará el vacío que los consume.


Pero la referencia mas clara de todas es a "Lars y una chica de verdad" ("Lars and the real girl") de Craig Gillespie donde Ryan Gosling interpreta a un chico con claras carencias emocionales que se enamora de una muñeca hinchable. Y es que hay ciertos paralelismos a la hora de tratar la relación entre los protagonistas con sus novias y la reacción de la gente al enterarse que se encuentra en un terreno demasiado común a ambas cintas. Por momentos parece que "Her" sea la versión 2.0 de "Lars y una chica de verdad", pero mientras Gillespie trata a Lars como un tío raro, un tanto limitado intelectualmente pero realmente entrañable, Spike Jonze intenta normalizar a su protagonista haciendo que las acciones de este sean comunes a mucha gente, la rareza de Theodore se hace extensible a gran parte de la sociedad, la perdida del sentimiento de estar haciendo algo raro porque lo hace mucha gente normaliza y justifica algo que no lo es. La crítica al individuo, a la perdida de la personalidad propia al estar dentro de un grupo que se comporta de forma enfermiza es otra de las ideas que desarrolla Jonze en su cinta. El aislamiento al que estamos llegando esta dejando de ser visto como algo raro ya que son muchos los que actúan de la misma manera pero no por ello deja de ser menos enfermizo.


No todo es bueno en "Her", por mucho que la historia sea notable que la banda sonora de Arcade Fire sea excelente no debemos perder de vista que otra vez estamos ante uno de los grandes lastres del cine actual: el exceso de metraje. Spike Jonze se muestra incapaz de mantener el ritmo durante las poco mas de dos horas que dura la cinta. La sorpresa inicial que puede suponer la historia para todos aquellos que no hayan visto cintas como "Lars y una chica de verdad" acaba derivando en una típica historia de amor y soledad que va perdiendo la originalidad y la radicalidad de su propuesta conforme avanza. Mientras durante su primera parte Jonze se muestra lucido para desarrollar las situaciones, personajes y conseguir hacernos reír con ciertas situaciones, hacia el final se nota a un Jonze cansado sin esa chispa para sacarnos una sonrisa y que acaba llevándonos por un camino demasiado trillado que no esta a la altura de lo esperado. Ni tampoco ese aroma de "soy moderno y estoy orgulloso de ello" que emana de la película ayuda a que todos aquellos que no comparten  esta visión de la vida se acerquen de manera cómoda a esta cinta y muchos de ellos salen de la sala saturados de tanta modernidad. Aún así "Her" es una de las propuestas mas interesantes y estimulantes que podemos ver en cines hoy en día, una de esas películas por la que merece la pena pagar el precio de una entrada y que hay que ver a ser posible en versión original para poder escuchar la voz de Scarlett Johansson (que por desgracia vuelve a cantar.. por si no tuvimos suficiente con su primer disco donde destrozaba canciones de Tom Waits) y disfrutar de Joaquin Phoenix uno de los mejores actores de su generación. Muy Recomendable.


Lo Mejor: Theodore contándole a Samantha sus sentimientos.
Lo Peor:  Tiene un bajón de ritmo del que le cuesta recuperarse.

miércoles, 5 de marzo de 2014

Crítica - The Philosophers - After the Dark

Título: The Philosophers - After the Dark
Año: 2013
Genero: Drama - Fantasia
Duración:  107  min
Director: John Huddles
Guión: John Huddles
Música: Jonathan Davis y Nicholas O'Toole
Interpretes: James D'Arcy, Sophie Lowe, Daryl Sabara, Freddie Stroma, Rhys Wakefield, Bonnie Wright, Jacob Artist, George Blagden, Katie Findlay
Nota: 4
Sinopsis:  Unos estudiantes de filosofía serán sometidos por parte de su profesor a un curioso reto: ¿Si por culpa de una guerra nuclear solo se pudieran salvar 10 de ellos..quienes serian los elegidos y por qué?





Crítica:
"The Philosophers - After the Dark" es una de esas cintas que a priori tienen todos los elementos necesarios para llamar la atención del espectador que busca algo mas en una película, algo diferente que le suponga un reto y que lo estimule intelectualmente. La premisa de la cinta de John Huddles es bastante interesante: Ver, analizar y estudiar como un grupo de estudiantes tomarían ciertas decisiones si ante un cataclismo nuclear el único lugar donde refugiarse tuviera capacidad para solo 10 personas. Siendo un grupo de 21, incluyendo el profesor, y según las capacidades personales y los trabajos que han sido asignados a cada uno de ellos por azar, ¿a quién habría que dejar fuera del refugio y por qué?


Una cinta como esta puede correr el riesgo de caer en lo denso, de llenarla de palabras y conceptos que a muchos que no estamos acostumbrados a leer filosofía nos haga desistir de su visionado debido a la distancia que se establece entre nuestra capacidad para entender ciertos conceptos y aquello de lo que se nos esta hablando. John Huddles intenta dotar a su cinta de ligereza, de levedad para que cualquier espectador pueda acercarse a su propuesta sin ningún tipo de miedo o sin sentirse coaccionado. Pero intentar rodar una película a gusto de todos, una película que intente agradar a demasiada gente puede hacer que esta no llegue a nadie o que no llegue a sus espectadores potenciales, y es que el director y guionista ha cogido a un grupo de estudiantes demasiado elitista (Estamos en una escuela de lujo en Yakarta.. pero ¿Por qué Yakarta? ¿Hay algún motivo oculto que a mi se me escapa o simplemente es por darle un toque exótico a la cinta?) que nos hace pensar mas en "Sensación de Vivir" ("Beverly Hills 90210") que en los chicos que están internados en "El club de los poetas muertos" ("Dead poets society") y que en muchos momentos nos hacen dudar no ya de que sean estudiantes de filosofía si no de que ni siquiera de que hayan leído un libro como "El mundo de Sofía" de Gaarder. (Dos aclaraciones. La primera: aunque los chicos del "El club de los poetas muertos" son hijos de familias pudientes, estos resultan mas cercanos e intelectualmente interesantes que los personajes de "The Philosophers" y la segunda: por mucho que pongamos en boca de los protagonistas argumentos filosóficos estos no consiguen hacernos creer que realmente saben de lo que están hablado, por momentos parece mas un discurso memorizado y repetido)


Pero lo que mas nos sorprende es la capacidad que tiene el director de seducirnos como de provocar en nosotros el mas absoluto de los rechazos durante el desarrollo del juego que plantea el profesor. Apoyándose en una muy cuidada estética, una grandísima banda sonora y dotando a estos juegos de ritmo, Huddle consigue captar nuestra atención, hace de su película una entretenida cinta pero que no acaba ofreciendo lo que prometía. No estamos ante un juego filosófico de nivel, no estamos ante un estudio en profundidad de situaciones extremas, estamos ante un superficial análisis acerca de quien y de por qué debe entrar en el bunker. Nos quedamos estupefactos ante ciertas decisiones que merecería un profundo análisis: ¿Por que una senadora de EEUU puede entrar porque se le presupone la capacidad de negociar pero no una chica que sabe 7 idiomas y en 3 años perderá la voz? ¿Por qué a nadie le importa el descrédito de los políticos y a nadie se le ocurre pensar que si vas a estar un año encerrado en un bunker sin nada que hacer la chica que sabe 7 idiomas te puede enseñar alguno? Tampoco se acaba de entender la superficialidad con la que se toca el tema del chico homosexual, tal vez el hecho de decidir si debe entrar o no porque hay que reproducirse para preservar a la humanidad requería otro tipo de análisis y usando argumentos de peso. Al escuchar ciertas ideas el espectador no puede si no pensar que estamos ante ideas mil veces desarrolladas y que se quedan en lo ya visto sin intentar ir mas allá (Y es en estas "discusiones" donde volvemos a tener presente que el director ha intentado hacer una cinta para gustar a demasiada gente, que ha tocado ciertos temas mostrando ciertas dualidades pero sin profundizar). La excusa de la presión del tiempo para justificar la falta de análisis al tomar ciertas decisiones no sirve, los protagonistas no dejan de estar jugando en un entorno controlado.


 Las ideas son interesantes pero sus análisis y la forma de discutirlos por parte de los estudiantes y el profesor carecen de la enjundia necesaria. No solo no hay profundidad en las decisiones tampoco la hay a la hora de analizar lo que supondría estar un año encerrado con otras 9 personas en un espacio amplio pero único. Por desgracia los momentos en los que los jóvenes están dentro del bunker nos hacen acordarnos de eso del experimento sociológico y "Big Brother" y esto a "The Philosophers" precisamente no le ayuda. Tampoco la interrelación entre los juegos esta desarrollada de manera adecuada, el hecho de que la experiencia vivida en un juego pueda servir para el siguiente no es usada con la inteligencia o maldad necesaria por parte de los alumnos para sacar el reto adelante. Solo en un momento la experiencia y los recuerdos son usados pero ante una forma tan simple de usar la interconexión entre los juegos, este hecho parece mas una justificación por parte del director para justificar algo que por otra parte no tendría sentido que por el hecho en si de usar la experiencia ya vivida (Este concepto, esta idea hubiera dado muchísimo juego, la conexión entre todos los juegos podría haber hecho de "The philosophers" una historia tan compleja como estimulante pero para ello habría que haber trabajo mas la historia y el guión). El uso de los distintos puntos de vista para justificar las acciones de los protagonistas y que estarían relacionados con la experiencia de otros juegos no queda correctamente justificado, parece que el Huddles fuerza engaños o giros sin mucha coherencia dejándonos una extraña sensación en el cuerpo. A todo esto hay que sumar un desarrollo bastante convencional (¿Acaso no es obvio desde el principio cual es la mejor elección de todas?) y lo que es peor: un epílogo que intenta dar forma y consistencia a la película, que intenta explicar algo que no era necesario y que acaba relegando a la película de Huddles a la mas absoluta de las medianías. Esta parte final muestra como se puede desperdiciar una interesante premisa por culpa de no saber como llevar a buen puerto a tu idea. No acabo de ver a James D'Arcy como profesor de filosofía y eso me supuso una barrera difícil de franquear, los alumnos intentan sacar con mayor o menor acierto a sus personajes adelante pero alguno de ellos consigue sacarnos de nuestras casillas...


"The philosophers" es una película francamente decepcionante, excesivamente superficial. Esperamos estar ante un juego filosófico inteligente y nos encontramos con argumentos manidos y carentes de fuerza, argumentos mil veces vistos y mal rebatidos. Esta no es la película que nos gustaría que intelectualmente nos pusiera en dificultades, simplemente es una película que se ve y se olvida.




Lo Mejor: La banda sonora
Lo Peor:  El epílogo de la historia.

domingo, 2 de marzo de 2014

Crítica: Philomena

Título: Philomena
Año: 2013
Genero: Drama
Duración:  98  min
Director: Stephen Frears
Guión: Steve Coogan y Jeff Pope según el libro de Martin Sixsmith
Música: Alexandre Desplat
Interpretes: Judi Dench, Steve Coogan, Sophie Kennedy Clark, Barbara Jefford, Mare Winningham, Michele Fairley, Peter Hermann,
Nota: 8
Sinopsis:  Basada en hechos reales, "Philomena" cuenta la terrible historia de una madre cuyo hijo le fue arrebatado en un convento y la búsqueda que inicio esta para dar con su paradero durante mas de media vida.




Crítica:
Para acercarse a una película como "Philomena" hay que tener en cuenta varias consideraciones, la primera de ellas es que hay que ir al cine sin haber visto antes el trailer. Y es que como va siendo costumbre últimamente los trailers de las películas cuentan no ya demasiados detalles si no toda la película, lo que tendrían que ser una serie de imágenes que despertaran en el espectador la curiosidad por ver la película se están convirtiendo en pequeños resúmenes de todo lo que va a suceder en pantalla. Por desgracia ver el trailer de "Philomena" antes de la película conlleva que sepamos de antemano ciertas ideas o situaciones que es mejor descubrir y vivir con los protagonistas conforme avanza el metraje para así poder compartir sus sentimientos, sus emociones y sus momentos de ira.


La segunda consideración que tenemos que tener en cuenta es que a pesar del tema que trata la película (El hecho real de una madre cuyo hijo fue dado en adopción o mejor dicho fue vendido por unas monjas al mejor postor y que fue buscado y reclamado por esta durante muchos años) puede llevarnos a pensar que estamos ante una película antirreligiosa. El hecho de que por momentos nos enfade, nos irrite la reacción de las monjas ante la búsqueda de respuestas por parte de la protagonista no nos debe llevar a creer que estamos ante un ataque a la religión si no ante una crítica ante ciertas actitudes personales y que en muchos de los casos fueron justificadas por ciertas entidades. En ningún momento los guionistas tuvieron en mente realizar una película que supusiera un ataque frontal contra todo lo que la religión abarca, según el propio Coogan quería dignificar a todas aquellas personas que creen y que obviamente no son culpables de los hechos cometidos por unos pocos. Tanto el propio Coogan como Jeff Pope saben el tipo de historia que tienen entre manos y tratan el tema de manera muy inteligente enfrentando a los dos personajes principales por sus creencias religiosas intentando dar diversos puntos de vista para que cada uno decida si esta mas de lado de Philomena o de Martin Sixsmith.


"Philomena" no deja de evocarnos a todas esas road movies donde un par de personas totalmente antagónicas se ven obligadas, por un motivo u otro, a viajar juntas dejando patente en todo momento sus diferencias culturales y como en este caso sus diferencias religiosas que les hacen tener diferentes perspectivas de lo que es la vida y lo que esperan de ella. La evolución de los personajes dentro de esta historia es del todo previsible y el espectador es capaz de adivinar cuando se van a reír, cuando se van a enfadar o cuando se van a reencontrar (Coogan reconoce que este nexo común entre "Philomena" y "The trip" es meramente casual). Desde este punto de vista "Philomena" no deja de ser una cinta que se desarrolla por caminos una y mil veces vistos con una dirección por parte de Frears que saca el máximo partido de los actores pero cuyo uso de elementos narrativos no deja de ser demasiado típica (El uso reiterativo de flahsbacks para contar la juventud de la protagonista, necesarios para entenderla pero que si viéramos de manera aislada podríamos dudar de a que película pertenecen) y donde lo importante es el desarrollo que se ha hecho de los personajes y las situaciones en las que se encuentran. Steve Coogan y Jeff Pope han conseguido hacer de los dos personajes principales unos personajes con los que es realmente fácil empatizar y que hacen de "Philomena" una película cercana que no busca la confrontación (Esto ya lo hacen los protagonistas por nosotros durante algunos momentos de la cinta) sino la reflexión. Tanto Philomena como Martin Sixsmith son un fiel reflejo de nuestra posible posición ante los hechos que narra la película: El, no creyente y bastante cínico (El propio Coogan reconoce que tuvo una educación religiosa y que ahora no cree en Dios. Esa dualidad quería que tuviera reflejo en su personaje por lo que aunque esta interpretando a Martin Sixsmith este no deja de tener rasgos del propio actor por lo que nos es difícil saber donde acaba Sixsmith y empieza Coogan) y ella creyente e incapaz como el de comprender ciertos hechos pero con la capacidad de perdonar y recalcar que no todas las personas involucradas eran malas. El uso que hacen de las creencias de ambos personajes para intentar abarcar toda una gama de sentimientos y definir el posicionamiento de cada uno de ellos ante los hechos marcan no solo la relación entre los protagonistas si no su evolución dentro de la historia. La forma que tienen de juzgarse, en el caso de Martin a Philomena de manera mucho mas dura y rigurosa que al revés, nos hace posicionarnos sutilmente según nuestras propias creencias de un lado o del otro pero nunca con la sensación de haber sido manipulados.


"Philomena" es una película de actores y de guión. Una grandisima Judi Dench, cuyo personaje ha sido exagerado para remarcar los toques cómicos, devora por momentos a su compañero que realizando también una gran interpretación abusa de las caras de bobo ante las extrañas reacciones de la protagonista, pero ambos actores demuestran tener una química perfecta en pantalla. Si algo tienen este tipo de películas es la enorme capacidad para hacernos salta de la emoción a la risa y en este caso sobre todo gracias a un mas que acertado uso de la música de Desplant en ciertos momentos de la misma. Si algo tenemos claro es que los ingleses son unos auténticos genios usando la ironía y el humor para hacer digerible una historia tan dura como esta sin caer en el histrionismo o el chiste fácil y haciendo de ello un perfecto contrapunto para los momentos más dramáticos. "Philomena" a pesar de resultar por momentos demasiado típica y tópica es una grandísima película con dos grandes actores cuyo trabajo se complementa perfectamente. Esta es una de esas películas que nos va ganando poco a poco, que nos deja un regusto amargo pero que hemos sido capaces de disfrutar durante la poco más de hora y media que dura.  Una de esas películas que invitan a hablar después de verla. Muy Recomendable.



Lo Mejor: Los dos actores principales.
Lo Peor: No dejamos de estar ante un desarrollo demasiado tipico.