lunes, 28 de abril de 2014

Crítica: The Kings of the Summer

Título: The Kings of Summer
Año: 2013
Género:  Comedia - Drama
Duración: 95 min
Director: Jordan Vogt-Roberts
Guión: Chris Galletta
Música: Ryan Miller
Interpretes: Nick Robinson, Gabriel Basso, Moises Arias, Nick Offerman, Erin Moriarty, Craig Cackowski, Megan Mullaly
Nota: 7
Sinopsis:  El difícil momento que atraviesa la relación entre Joe y su padre hará que el primero se junte con su mejor amigo Patrick y un extraño compañero de instituto para construir una casa en medio del bosque y poder disfrutar de libertad.




Crítica:
"The kings of the summer" se presenta como una historia mil veces vista, la historia de unos chicos que en plena adolescencia se sienten totalmente incomprendidos por sus padres y deciden huir para poder disfrutar de la libertad y de la independencia que de otro modo no tienen. La estructura de la película es del todo conocida (planteamiento con toques de comedia que deriva en diversos conflictos mientras los toques dramáticos se van haciendo cada vez mas presentes) por lo que desde este punto de vista no vamos a encontrar nada nuevo ya que la cinta se mueve mediante el uso de todos los tópicos que hay alrededor de las historias de adolescentes: El conflicto paterno, el primer amor, la importancia de la amistad...


A pesar la falta de originalidad de la historia, Jordan Vogt-Roberts consigue una película totalmente entretenida y sobre todo muy entrañable que a muchos de nosotros puede traernos de vuelta las sensaciones que tuvimos durante los años ochenta al ver algunas películas cuyos protagonistas eran niños o adolescentes y que trataban sobre todo de la amistad como "Cuenta Conmigo" o "El Club de los cinco". (La notable banda sonora de Ryan Miller que parece utilizar sonidos sacados directamente de juegos de ordenadores tipo Spectrum o Amstrad hace que la sensación de ver una película de aquella época se haga todavía mas patente). Un absoluto respeto y cariño por los personajes por parte de Chris Galletta como guionista y Vogt-Roberts como director consigue que en todo momento sintamos a los protagonistas de esta película como personajes cercanos, para nada extraños y cuyos sentimientos se pueden considerar como universales. Tanto Vogt-Roberts como Galletta no tratan a los tres protagonistas como los típicos adolescentes hormonados y descerebrados en busca de una oportunidad para perder la virginidad si no que se acercan a ellos, sobre todo a Joe y a Patrick, para expresar el desconcierto que puede suponer la adolescencia y no sentirse comprendido por tu familia (Bien sea por la perdida de la madre, por la sobreprotección paterna o por cualquier otro motivo) lo que les hace sentirse desplazados en un mundo que no les entiende y al que no comprenden.


Dos películas relativamente recientes como son "Supersalidos" ("Superbad") de Greg Mottola o "Super 8" del maestro de los destellos en pantalla J.J Abrams nos vienen a la cabeza al ver "The kings of the summer". La primera por centrarse en la historia de amistad de tres jóvenes amigos y por que tanto en la cinta de Mottola como en la de Vogt-Roberts nos encontramos con que uno de los protagonistas pone el punto cómico de la historia dejando lo que podríamos definir como el peso 'dramático' de la historia a los otros dos. Si "Supersalidos" ("Superbad") cuenta con un esplendido Christopher Mintz-Plasse que por mucho que haga grandes papeles como el de Red Mist en "Kick-Ass" siempre será McLovin, en "The Kings of Summer" es Moisés Arias como Biaggio sobre el que recae gran parte de la comicidad de la cinta pero que a diferencia de lo que ocurría con McLovin, Biaggio acaba por saturarnos ya que no dejamos de tener la sensación de que se ha forzado alguna escena llegando a pensar que se ha querido abusar de este personaje.


La cinta de J.J.Abrams para mi una de las mejores cintas del 2011 y que como la cinta de Vogt-Roberts también nos hace recordar todo el cine de los ochenta con el que muchos de nosotros crecimos viene a la cabeza no solo por la exaltación de la amistad si no también por que los personajes protagonistas de ambas (Que curiosamente se llaman igual: Joe) tras la muerte de su madre (En "Super 8" la muerte de la madre es al inicio de la cinta y en "The kings of summer" sabemos que ocurrió hace tiempo pero no sabemos cuanto) se sienten incomprendidos por sus padres o simplemente es que la situación, la incapacidad de los padres para superar el duelo y así centrase en sus hijos hace que los dos Joe se sientan totalmente aislados.


Jordan Vogt-Roberts combina a la perfección el humor con el drama y un punto de sensibilidad que nunca nos llega a molestar y que no deriva en un uso lacrimógeno de ciertas ideas y conceptos, hecho que suele ser bastante habitual en este tipo de cintas, un exceso de melodrama y de azúcar que hace que muchas de estas películas no sean aptas para diabéticos. Tampoco estamos ante una película que se regodee en la figura de la madre ausente de Joe o en la sobreprotección de los padres de Patrick si no que usa estos elementos para expresar los sentimientos de los protagonistas para afrontar su adolescencia. "The Kings of Summer" es una gran película sobre adolescentes y no necesariamente para adolescentes, esta es una de esas cintas hechas para ser disfrutada por un público muy amplio. Entrañable, gustará a muchos. Muy Recomendable.




Lo Mejor: La justa medida entre comedia, drama y sensibilidad.
Lo Peor:  La sensación de haber abusado en algunos momentos del personaje de Biaggio

domingo, 27 de abril de 2014

Crítica: The Secret Society of Fine Arts

Título: The Secret Society of Fine Arts
Año: 2012
Género:  Experimental
Duración: 76 min
Director: Anders Ronnow Klarlund
Guión: Anders Ronnow Klarlund
Música: Sanne Graulund
Interpretes: Jana Klinge, Christian Blümel, Susanne Wuest, Daniel Zillmann, Sabine Winterfeld
Nota: 9
Sinopsis:  Un grupo de estudiantes de bellas artes buscan la libertad artística acercando el arte a la gente, para ello intentan explorar la relación entre el vandalismo y el arte llevándolo a extremos inimaginables.






Crítica:
La arriesgada, extrema y absolutamente brillante película de Anders Ronnow Klarlund es una cinta que no dejará indiferente a nadie tanto por la forma en la que ha sido grabada como por el fondo de la misma. El director danes juega en el filo de una navaja, arriesga y sin lugar a duda gana consiguiendo dejarnos una preciosa cinta que no intenta ser un manifiesto político si no simplemente arte. Un grupo de jóvenes estudiantes de bellas artes buscan a través del vandalismo o mejor dicho y hablando sin rodeos, a través del terrorismo acercar el arte a la gente, hacer que las personas tengan algo que admirar, algo de lo que acordarse y que les saque del tedio al que están condenados día a día.


Anders Ronnow Klarlund parece tomar por momentos ciertas ideas que ya se usaron en la notable "Sound of Noise" donde un grupo de terroristas musicales siembran el terror por toda la ciudad interpretando sus composiciones en los mas diversos lugares (La cinta de Ola Simonsson y Johannes Stjärne Nilsson es otra de esas cintas injustamente tratadas por las distribuidoras, una de esas películas condenadas a convertirse en cinta de culto a la que por desgracia solo se ha tenido acceso de forma limitada gracias a diversos festivales y que merece la pena y mucho ser descubierta por el público ya que su propuesta cinematográfica es realmente estimulante y que no solo nos deja grandes momentos musicales, por destacar uno la guerra de baterías, si no que también nos deja grandes personajes como el del policía con problemas auditivos encargado de dar con los terroristas).


Son claros los paralelismos existentes entre ambas cintas; el uso de actos vandálicos para acercar el arte a la gente, para que la música no solo pueda ser disfrutada en auditorios o para que las exposiciones estén presas entre las cuatro paredes de un museo. Pero la forma de aproximarse a estas ideas por parte de los directores suecos en "Sound of Noise" es en base al humor para hacer de su película una de esas cintas fácilmente disfrutable, que consigue arrancarnos una sonrisa y que hace de esta una gran cinta que se recuerda muy gratamente. Pero Ronnow Karlund huye de todo resquicio humorístico y sobre todo huye de cualquier idea de hacer una película políticamente correcta, el director danés quiere despertar conciencias y para ello no se anda con rodeos ni con frases huecas ni con momentos vacíos y usa una frase del compositor alemán Karlheniz Stockhausen en la que este calificó el atentado del 11 de Septiembre como "La más grande obra de arte jamás hecha" como germen para desarrollar su historia. Ronnow Karlund no solo usa esta polémica frase en su película, durante el visionado de "The Secret Society of Fine Arts" podemos observar como los protagonistas tienen una foto de uno de los trenes en los que tuvieron lugar los atentados del 11 de Marzo en Madrid. Este uso tan extremo de actos terroristas reales que causaron la muerte de tantas personas inocentes nos pone en un situación altamente incomoda y hace que como espectadores nos real realmente difícil empatizar con los protagonistas durante gran parte del metraje (Cosa que por ejemplo si sucedía desde el inicio de "Sound of Noise"), Ronnow Karlund se sabe conocedor de este handicap e intenta no mostrar a sus personajes como despiadados terroristas que no dan ningún tipo de valor a la vida humana, el director y guionista intenta presentarlos e intenta que estos evolucionen dentro de la historia como jóvenes apasionados amantes del arte que han tomado una decisión radical para ello Ronnow Karlund nos muestra sus sentimientos y sus miedos, sus reproches ante las consecuencias de sus acciones y nos deja claro que la intención  de estos es usar la violencia para crear algo bello y que nos impacte intentando evitar causar victimas.


El hecho de usar conceptos tan atroces como base para la película debe de ser tomado como una metáfora de las verdaderas intenciones del director  que no deja de ser que nos planteemos nuestra posición ante la violencia ya que según él, el uso estético de la violencia tanto en Hollywood como en los telediarios es prácticamente el miso y cuando ni las noticias ni la ficción se preocupan por el sufrimiento humano solo queda el arte. Queda claro que en cuanto al fondo de la historia Anders Ronnow Klarlund intenta despertar en nosotros todo tipo de sentimientos, no nos ofrece una película para ver con el piloto automático sin plantearnos absolutamente nada de lo que se nos esta contando, quiere que despertemos y que de alguna manera nos plateemos la realidad que nos rodea ya que según el propio director el film es un desafío tanto para el como para el público. El hecho de sacrificar el movimiento y el uso de ciertos conceptos hace que esta película tenga que explorar todos sus límites.


La base que usa Anders Ronnow Klarlund para narrar su película son las fotografías tratadas en 3D lo que hace que estéticamente "The Secret Society of Fine Arts" sea un autentico placer para los sentidos (El director danés reconoce la clara influencia de "La jetée" de Chris Maker, incluso el dvd de esta película tiene una edición se que complementa con el corto). La planeadísima y estudiada puesta en escena nos regala imágenes de una belleza impresionante y Ronnow Karlund consigue transmitir todo tipo de emociones y sentimientos mediante este uso y manipulación de las fotografías, dejando de lado el movimiento en el sentido mas tradicional de termino y apoyado en el inteligente uso del sonido y de ciertas conversaciones que se escuchan en dos niveles. Especialmente el uso de las imágenes hicieron que durante muchos momentos viniera a mi cabeza la cautivadora estética de la cinta de animación "Waltz with Bashir" de Ari Folman cuya fuerza y potencia en sus imágenes nada tienen que envidiar a la película de Ronnow Klarlund.


Resulta difícil quedarse con una imagen o con un concepto de "The Secret Society of Fine Arts", el bombardeo al que el director nos somete gracias a la belleza de las imágenes o a la profundidad de ciertas ideas (Me viene a la cabeza la profundidad del concepto que maneja Ronnow Karlund cuando su protagonista se hace pasar por prostituta rusa, la idea de que una emigrante yugoslava por culpa de la guerra recale en un grupo que busca el arte a través de la violencia o la impresionante escena final) hacen que vencidos esos sentimientos de rechazo que podamos tener esta película sea una de las cintas mas arrolladoras, estimulantes y arriesgadas que hayamos visto en mucho tiempo. Un placer para los sentidos y para plantearnos la realidad. Como ocurría con "Sound of Noise" esta es una obra de culto desde ya. De obligada visión. Esto es arte.

Escena de la película


Trailer



Lo Mejor: Lo arriesgado de su propuesta tanto en la forma como en el fondo de la misma.
Lo Peor:  Ciertas ideas pueden resultar demasiado extremas y herir la sensibilidad de mas de uno.

miércoles, 23 de abril de 2014

Crítica:You and the Night - Les encontres d'après minuit

Título: You and the Night - Les encontres d'après minuit
Año: 2013
Género:  Drama fantástico
Duración: 98 min
Director: Yann González
Guión: Yann González
Música: M83
Interpretes: Kate Moran,  Niels Scheneider, Nicolas Maury, Eric Cantona, Fabienne Babe, Alain-Fabien Delon, Julie Brémond, Béatrice Dalle, Jean-Christophe Bouvet
Nota: 6
Sinopsis:  Alrededor de media noche una pareja y su sirviente un joven travesti esperan a sus invitados para llevar a cabo una orgía con la intención de mantener el amor dos los dos primeros.



Crítica:
Ridícula, sublime, hipnótica, extravagante son mil adjetivos los que vienen a la cabeza a la hora de intentar expresar nuestra opinión acerca de "You and the Night", y es que la historia y la forma de plasmarla en pantalla por parte de Yann González no deja indiferente a nadie. Al autoproclamado nuevo Almodóvar le lastra su intención de provocar por el mero hecho de hacerlo especialmente en el inicio de la película y sobre todo con el personaje del macho interpretado por Eric Cantona con el que se le va la película de las manos dejándonos los momentos mas ridículos de toda su cinta (La aparición de Béatrice Dalle nos deja una escena verdaderamente sonrojante) haciendo que por momentos el espectador se plantee si realmente merece la pena seguir viendo la película.


Pero no solo el hecho de usar al personaje de Cantona o mejor dicho a su afamado miembro hace que nos planteemos lo que vamos a ver, también el hecho de juntar a ciertos personajes totalmente desconocidos (No en el caso de las tres personas que organizan la fiesta) para celebrar una orgía nos lleva a pensar ante que tipo de película estamos, si ante una cinta de temática erótica o si vamos a estar ante otra cinta de jóvenes con ansias de convertirse en filósofos debido a que están hastiados de su vida y que andan en busca de lo único que puede llenar su vacío: Sexo. (He leído muchas comparaciones con la cinta de González, con el propio Almodóvar con Paul Morrisey, etc.. etc... personalmente al ver a los diferentes personajes que acuden a la fiesta: El macho, el adolescente, la puta, la estrella, la pareja protagonista y su sirviente travesti y al ver al forma que tienen cada uno de ellos de ir llegando a la casa poco a poco no puedo dejar de pensar en el juego "Cluedo" o la película que se realizó basándose en el y creo que voy a ver una versión sádica y perversa del juego: la puta con macho en el baño, anal; el travesti con el adolescente en la cocina, mamada; Ali con la estrella en la cama.... pero las intenciones de González aunque en un principio nos pueda parecer que van por ese camino están, gracias a Dios, bastante alejadas de la errónea idea que podamos tener).


Si algo tiene la cinta de Yann Gonzalez es su capacidad de volverse mas y mas interesante conforme avanza el metraje sobre todo cuando el director deja de lado su intención de provocar usando sobre todo al personaje de Cantona para centrarse en el resto de los invitados a la fiesta (a pesar de la irregularidad de la historia referente a la puta) pero el director demuestra cierta maestría a la hora de tratar los traumas del adolescente o de la estrella (aunque use otra vez el manido recurso de la proyección de su historia en un cine casi vacío) y muy especialmente en el relato referente al trío organizador de la fiesta, momento altamente interesante y bello que roza lo sublime gracias a una gran puesta en escena y a la música de M83 (Por muy buena que nos pueda resultar la música de M83 no dejamos de tener la sensación de que por momentos esta no ha sido aprovechada correctamente si no de una manera un tanto impostada usando esa maquina que selecciona la música según el estado de animo de la persona que pone la mano encima de la ella)


El manejo del espacio único excepto durante las narraciones de alguna de las historias de los asistentes a la fiesta no resulta para nada agobiante pero si las interpretaciones en ciertos momentos  demasiado acartonados que hacen a la película perder frescura (Por ejemplo cuando todos se quieren dar la vuelta para ver a la estrella tras su llegada o ciertos gestos del sirviente que resultan un tanto excesivos o caricaturescos). Sería necesario complementar el visionado de "You and the night" con "L'âge atomique" de Héléna Klotz donde la directora  de origen francés narra la también por momentos hipnótica historia de dos jóvenes que intentan llenar su vacío mediante antinaturales pero muy seductoras conversaciones durante una noche de juerga en  París. Como en el caso de Klotz, González usa la noche como punto de encuentro entre los personajes y pone en boca de ellos ciertos diálogos un tanto extraños fuera de lo que pudiera ser un concepto meramente poético (Yo por lo menos no conozco a nadie que hable así) y que consigue que una vez superada nuestra reticencia a escuchar ciertas frases en boca de los protagonistas no solo no nos resulte extraño si no que lo disfrutemos. Tanto Klotz como González no cuentan una historia sin mas, ambos intentan ir mas allá usando ciertos recursos como metáforas sobre los que el espectador tendrá que reflexionar una vez que acaben sus películas (el uso del bosque en el caso de Klotz o la voz de los muertos y la extraña presencia en la casa por parte de González), estamos pues ante un tipo de cine que no acaba una vez que vemos los títulos de crédito finales, lo que hace que en el caso de González todavía resulte mas decepcionante un inicio tan innecesariamente provocador.


"You and the night" es una muy interesante cinta que se empieza a disfrutar pasado un rato ya que el director parece necesitar tiempo para asentar la historia y a sus personajes, para saber hacia donde los quiere llevar. Demasiado irregular en su conjunto, su sensación de juego hipnótico consigue engancharnos, haciendo que la sensación de querer dejar de ver la cinta no solo se pase si no que se olvide.. Muy interesante para todos aquellos que se atrevan a entrar en la propuesta de González. Para el resto, para gente con estrechas formas de pensar mejor abstenerse.



Lo Mejor: La historia de la pareja protagonista y su sirviente
Lo Peor: La historia de los problemas de Cantona con su miembro

Crítica: Family Tour

Título: Family Tour
Año: 2013
Género:  Drama
Duración: 99  min
Director: Liliana Torres
Guión: Liliana Torres
Interpretes: Núria Gago, Antonia Expósito, Joana Serrat, Manuel Torres, Noemí Torres
Nota: 5,5
Sinopsis:  Liliana vuelve de México para pasar unos días con su familia. La distancia existente quedará patente durante el tiempo que este con ellos.








Crítica:
La cinta de Liliana Torres me produce bastantes sensaciones enfrentadas; por un lado me gusta y me seduce la idea de la directora de usar a su familia para rodar una pseudo autobiografica historia que sirve para narrar  una evolución personal, un profundo cambio ante aquello que te rodea (tu familia a la que no acabas de entender) y ante tu posición en el mundo (donde no acabas de encontrar tu lugar, ambos sentimientos bastante comunes a todos nosotros), pero por otro lado hay algo en la cinta de Torres que me evoca una cierta autosuficiencia, una cierta pretenciosidad que me frena a la hora de disfrutar de la película.


En la reciente "Carmina o Revienta", Paco León usaba a parte de su familia (su hermana y su madre) para rodar una película de ficción realmente entretenida en la que destacó sobre todo la interpretación de Carmina Barrios, su madre. Hay algo en "Family Tour" que recuerda a la cinta de León, no solo por el hecho de usar a la propia familia para contar la historia si no también y muy especialmente por el personaje de la madre de Liliana ya que no podemos olvidarnos de Carmina por la manera que tiene esta de decir ciertas frases o por la forma de actuar en ciertos momentos (El robo de plantas en una urbanización podría estar protagonizado por Carmina Barrios y nadie lo notaria). Obviamente la familia de Torres no son actores profesionales lo que hace que el esfuerzo de estos para resultar naturales (y en muchos momentos lo consiguen) resulte encomiable a pesar de algún fallo como alguna mirada a cámara por parte de, por ejemplo, la hermana de la directora (Ese es uno de esos puntos que me dejan un regusto amargo, una sensación de pretenciosidad por parte de la autora. Existe la posibilidad de volver a rodar ese plano evitando que su hermana mire a la cámara pero en cambio se ha querido dejar ese momento en la cinta lo que me lleva a plantearme si el hecho de querer ser excesivamente natural no deja de ser una forma de manipular esa naturalidad para conseguir un efecto mas, digamos, enternecedor debido a que se recalca que las personas que se ponen delante de la cámara no son profesionales).


"Family tour" podría ser definida como un drama o como una especie de mockumentary (No dejamos de estar ante un pedazo de vida de la protagonista que usa algunas anécdotas reales junto con otras ficticias y donde es su propia familia  la que representa esas escenas en pantalla. Según la propia directora su familia es su familia y su temperamento y su carácter seria difícil de transmitir por parte de un actor o una actriz debido a que se necesitaría tiempo y trabajo personal importante) pero lo que esta película nos deja claro es el gran esfuerzo emocional que debió de suponer para la directora expresar ciertos sentimientos y ciertos conflictos de manera tan arriesgada y personal y eso es algo digno de alabar. El trabajo de exposición personal por parte de Torres nos trae a la cabeza el trabajo de Sarah Polley en "Stories we tell", donde la directora canadiense usaba también a su familia para narrar en forma de documental una desgarradora historia personal. Usar el cine de forma tan catártica, tan intima para exponer ciertos sentimientos en pantalla debe requerir un trabajo introspectivo realmente difícil por lo que es de agradecer que hoy en día alguien se abra de tal manera a la vista de todo el mundo huyendo del morbo barato (Tenemos la sensación de estar como público en el concierto de la amiga de Torres donde esta última proyecta un personalismo corto acerca de la dificultad de madurar. Por momentos se puede llegar a tener la misma sensación que tiene su padre al verlo, cierta incomprensión acerca de aquello que estamos viendo, cierta incomprensión ante el hecho de que alguien se exponga de esa manera mas que nada porque es muy probable que muchos de nosotros no pudiéramos hacer ese tipo de trabajo y nos sería imposible abrirnos en canal emocionalmente hablando delante de una cámara)


De igual manera que pienso que es un acierto que la directora escogiera a su propia familia para interpretarse en pantalla (aunque creo que intenta jugar a su favor con la naturalidad de una manera a veces no muy limpia) vuelvo a encontrarme con ciertos sentimientos encontrados a la hora de valorar la elección de Núria Gago para interpretar a la propia directora en pantalla. Según la propia Torres el hecho de escoger a una actriz para hacer de ella misma fue sobre todo porque ella se siente muchas veces como una extraña dentro de su propia familia lo que hace que alguien ajeno a su entorno pueda transmitir mejor ese sentimiento y Núria Gago resulta por momentos perfecta como una persona que no acaba de entender lo que ocurre a su alrededor y cuyo lugar no acaba de encontrar. Pero lo que me resulta sorprendente y lo que personalmente me gustaría que explicase la directora es porque la justificación de porque a su familia no la interpretan actores profesionales no sirve en este caso, porque ahora si que alguien puede expresar su temperamento y carácter en pantalla. Este es otro de los detalles que dejan un regusto amargo, vuelvo a encontrarme con la sensación de que se ha querido jugar con la naturalidad, con la sensación de que todo esta muy calculado y eso me hace establecer demasiada distancia con aquello que nos están contando. Aun así con todos sus aciertos y con todos sus fallos, "Family Tour" es una muy interesante cinta, un acercamiento a lo duro que puede ser sentirte extraño en tu propia familia, un sentimiento que muchos de nosotros hemos podido llegar a tener en algún momento de nuestras vidas y a pesar de no compartir ciertas escenas o ciertas ideas nos podemos llegar a sentir bastante identificados con lo que Liliana Torres nos esta contando. "Family tour" es una de esas cintas a las que hay que acercarse, dejar los prejuicios a un lado y ver, y una vez lo hayamos hecho construir nuestra opinión acerca de lo que hemos visto.

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Lo Mejor: El gran trabajo que supone exponerse de esta manera
Lo Peor: La sensación de jugar con la naturalidad que resta credibilidad al conjunto

lunes, 21 de abril de 2014

Crítica: Reset

Título: Reset
Año: 2014
Género:  Thriller - Terror
Duración: 73  min
Director: Pau Martínez
Guión: Oscar Benàcer Martínez y Joana Martínez
Música: Iván Capillas
Interpretes: Carmen ComesLucía Abellán, Javier Butler, Carmen Díaz, Pau Durà, Paula García, Enrique Victoria, 
Nota: 3,5
Sinopsis:  El empeño de su padre hará que Ainhoa sea tratada por un extraño y aparentemente afamado psiquiatra que intentará curarla del trauma que padece en su rodilla que le impide volver a bailar. Pero la reticencia de la chica y el extraño ambiente no facilitarán la recuperación de la chica.




Crítica:
Interesante premisa que sirve al valenciano Pau Martínez para ponerse al frente de una historia de terror psicológico bastante prometedora. Un grupo de jóvenes afectados por terribles traumas son tratados por un psiquiatra seguidor de ciertos métodos brutales que dejaron de usarse hace años debido a su dudosa validez médica. Rodada con pocos medios con un grupo mínimo de actores y en un espacio casi único (Una casa en medio del campo donde los pacientes son tratados) la cinta se muestra incapaz de crear la atmósfera necesaria para hacer de esta película la cinta de terror psicológico que esperábamos. Es difícil manejar ciertas ideas y conceptos altamente prometedores e impactantes como el uso de la cirugía psiquiátrica en particular el de la lobotomía ya que esto puede hacer que el espectador espere con ansia dichos momentos por lo que es necesario que el trabajo con el guión sea profundo y elaborado para ser capaces de llevar la historia bien sea mediante elementos dramáticos o propios del cine de terror a un terreno accesible y entretenido para el espectador. Dichos conceptos (cirugía psiquiátrica y lobotomía) son introducidos por  el director mediante el uso de los muchas veces desaprovechados títulos de crédito haciendo de esta parte la más interesante de la cinta y en la que se establecen ideas y premisas altamente prometedoras.


Pero por desgracia nos encontramos ante una cinta vacía y aburrida con una actriz principal, esa chica traumatizada por el dolor de la pierna que le impide bailar, incapaz de decir una sola frase del guión con la mas mínima naturalidad. Tras haber visto recientemente "Casting" en el festival Atlántida donde el buen hacer de todos los actores dejaba un gran sabor de boca todavía llama mas la atención la diferencia interpretativa entre la protagonista de "Reset" y los actores de la cinta de Jorge Naranjo. (Aunque siendo honrados hay que reconocer que si bien el caso de la protagonista es el mas llamativo en ningún momento nos acabamos de creer a ninguno de los actores de "Reset" y que para algunos de ellos la película de Pau Martínez supone su debut en la pantalla grande por lo que se puede considerar que todavía les queda mucho camino por recorrer, igual demasiado camino para papeles de tanto peso en un largo). Preguntado el director acerca de cómo fue trabajar con gente sin experiencia y por que decidió centrar su historia dentro del género de terror psicológico este confiesa que se barajaron hasta cuatro sinopsis distintas de la historia pero lo que mas les llamaba la atención era el terror. No fue difícil trabajar con un equipo sin experiencia gracias a la ilusión de todos los implicados en el rodaje de la película y porque los alumnos que trabajaban todos los sábados en el taller vivir rodando por lo que el guión se empezó a escribir pensando en ellos.


Centrándonos en el guión y dejando de lado las interpretaciones de los actores, este falla a la hora de trabajar el drama de las historias de los chicos que están ingresados, debido sobre todo a la falta de interés de las mismas (Usar un trauma y hablar de las dramáticas causas de este no implica que aquello que nos están contando llegue al espectador ni que este tenga algún tipo de sentimiento de cercanía o simpatía con las personas que están sufriendo dichos traumas, no dejamos de estar con personajes de ficción por lo que conseguir empatizar con ellos es mucho mas difícil que en la vida real) y sobre todo debido a un ritmo cicatero que no acaba nunca por despegar haciendo de la primera parte de la película algo tedioso, aburrido y sin la fuerza necesaria que solo consigue cansar al espectador. Ni siquiera el uso de ciertos efectos forzados consiguen atraer nuestro interés. ¿Era realmente necesario que una de las chicas en pleno ataque de ansiedad se mueva como un personaje de una película de terror asiática? Este hecho parece querer llevarnos por un camino (el del terror puro y duro) que se aleja de todo aquello que hasta ese momento el director nos había mostrado (El trauma de los jóvenes que han caído en manos de un extraño psiquiatra que quiere la curación de los chicos mediante métodos poco éticos) y rompiendo por momentos el mensaje que tanto el director como los guionistas habían querido mostrar: la superación de los miedos y de los traumas para seguir hacia adelante. Aunque resulta curioso que en todos los casos el trauma este causado directamente por algún hecho referente a los padres de los chicos, punto este que parece no haber sido explotado con la suficiente maldad por parte de los autores del guión (Todos los traumas derivan de algún hecho protagonizado por los padres, los chicos están condenados a sufrir por ellos, por su culpa de manera consciente o inconsciente... la idea daba para un gran análisis de las relaciones paterno filiales)


Tampoco la lógica es el fuerte de la cinta de Martínez, después de que hayan pasado un par de días desde que vi "Reset" me sigue resultando raro que el padre de la protagonista haya tenido que remover cielo y tierra para que su hija sea aceptada para ser tratada por el extraño psiquiatra aunque este reconoce que no ha escogido a la chica para tratarla por los contactos del padre. Esta forma de acercarse a la figura del médico nos hace presuponer que este tiene una mas que merecida fama que hace de su clínica un elitista lugar en el que solo se trata a cuatro pacientes y donde uno de ellos lleva ya tres años sin salir de la casa debido a que es incapaz de superar sus traumas. Ni siquiera la idea de rodar una escena final que intente cerrar la película se salva de la falta de lógica de la historia, esta muy bien intentar rodar una gran escena (y esta tenia todos los puntos a favor) para acabar una película pero cuando las mejores preguntas están en como es posible cerrar una película de esta manera es porque algo no se ha hecho bien y todo resulta demasiado forzado y artificial.


"Reset" parte de una prometedora historia pero acaba por convertirse en una muy floja película. Por desgracia la premisa que usa Pau Martínez acaba naufragando, ni el guión esta a la altura de lo esperado ni las interpretaciones de los actores, haciendo de esta cinta una prescindible película de la que esperábamos mucho mas sobre todo después de haber visto su gran trailer. Muy floja.

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Lo Mejor: Las escenas del doctor inyección en mano. Los títulos de crédito
Lo Peor: La historia carece de la fuerza necesaria para captar la atención del espectador.

miércoles, 16 de abril de 2014

Crítica: Casting

Título: Casting
Año: 2013
Género:  Comedia - Drama
Duración: 90  min
Director: Jorge Naranjo
Guión: Jorge Naranjo
Música: Julio de La Rosa
Interpretes: Javier López, Esther Rivas, Ken Appledorn, Beatriz Arjona, Ruth Armas, Juanra Bonet, Nay Díaz, Natalia Mateo, Carmen Mayordomo, Marta Poveda
Nota: 8
Sinopsis:  Un grupo de jóvenes en busca de trabajo. Un casting para una película. Un lugar donde coincidirán y podrán en común sus ilusiones, sus miedos y su particular forma de ver la vida. 




Crítica:
"Casting" es a priori una de esas películas pequeñitas que puede que vayan a pasar desapercibidas pero que consiguen dejar un muy buen sabor de boca, dejando una profunda marca en el espectador algo que en muchos casos no consiguen películas rodadas con mas medios, mas dinero y con actores mucho mas conocidos. En la anterior edición del festival Atlántida promovido por filmin pudimos disfrutar de otra pequeña pero tremendamente agradable película titulada "Ali" donde el buen hacer de todos los actores quedaba parcialmente eclipsado por la gran interpretación de su protagonista principal Nadia de Santiago. Esta película sin mayor pretensión que la de contar una historia cercana y accesible fue una de las sensaciones del festival (Cosa que por desgracia no sirvió para que la película tuviera un merecido estreno en los cines españoles y solo se pudo ver en algunas salas de algunas ciudades). Tras los premios recibidos por todos los actores de "Casting" en el pasado Festival de Málaga nos llega ahora esta cinta escrita y dirigida por Jorge Naranjo y de la que podemos decir que estamos ante la "Ali" de este año pero sin una interpretación que destaque por encima del resto ya que la estructura coral de esta película hace que todos actores estén casi al mismo nivel y desde este punto de vista la película resulta un poco mas equilibrada.


Pero recordando el pasado festival Atlántida no solo "Ali" nos viene a la cabeza también lo hace "Los increíbles" de David Valero, otra gran muestra de cine injustamente tratado por las distribuidoras haciendo de esta película una de esas obras que merece la pena ser descubiertas. Tanto la cinta de David Valero como la de Jorge Naranjo parten de un corto presentado en notofilmfest y en ambos casos alguno de los personajes que luego formaron parte de los largos eran los protagonistas de estos cortos. En el caso de Valero su protagonista fue Juan Eulalio López conocido como Ala Rota y en el de Jorge Naranjo aunque hablamos de tres cortos (Como siempre estos cortos sirvieron para apuntar ciertas ideas que posteriormente serán desarrolladas en la película) solo el protagonista de primer corto Javier López forma parte del elenco de actores que protagonizan el largo. (Aunque no es necesario ver los cortos para disfrutar de "Casting" si que es recomendable ver al menos el primero para disfrutar de ciertas referencias que se  hacen la película)


El segundo corto fue protagonizado por Déborah Borque con participación especial de Javier López.


y el tercer corto protagonizado por Olga Hueso.


Tanto en el caso de "Los increíbles" de David Valero como en el de "Casting" de Jorge Naranjo queda claro que de una buena idea, de un buen corto se puede hacer una gran película y evitar la sensación de estar ante un corto alargado llego de momentos vacíos puestos ahí para rellenar metraje y conseguir una duración mas o menos estándar. Este es uno de los grandes fallos de los cortos "alargados", se nota que la idea no daba para mucho mas y que alguien probablemente algún productor se ha empeñado en estirar haciendo que la historia pierda toda la fuerza (Lo siento... me viene a la cabeza "Mamá" de Andrés Muschietti). Pero en estos dos casos no estamos en esta situación, con dos grandes ideas se ha conseguido rodar dos grandes largos. 


Si algo tiene bueno "Casting" es la frescura y la naturalidad con la que se presentan todos y cada uno de los actores haciendo de sus personajes personas cercanas a las que nos podemos encontrar todos los días por la calle. Ahora que parece que existe un déficit por parte de ciertos actores jóvenes a la hora de interpretar de forma natural sin caer en lo ridículo resulta altamente agradable ver a actores capaces de ponerse delante de una cámara y sacar el máximo provecho a su naturalidad. Es muy difícil quedarse con una interpretación ya que todas ellas se complementan las unas a las otras perfectamente haciendo del trabajo de los actores algo compacto e inseparable, a lo que hay que sumar que a pesar de estar ante una historia coral las diferentes historias se siguen con el mismo interés (Algo que puede parecer sencillo pero que en muchas de estas películas no se consigue ya que hay historias mas trabajadas o mas interesantes que otras y que hacen que el resultado sea por lo general muy desigual). En el caso de "Casting" la forma fragmentada de mostrar y enlazar las historias hacen que el conjunto de la película resulte coherente y que haga que el espectador consiga mantener la atención durante la hora y media que dura la película. (A pesar de algún desliz del director como ese encuentro fortuito en el baño de un bar que no irrita pero que no era necesario)


En "Casting" hay varios cameos que mas que ayudar sirven para que por momentos el espectador desvíe su punto de vista de lo importante (la historia que nos están contando) a lo meramente anecdótico: ver quien será el siguiente famoso que aparece. Manejar estos conceptos puede ser peligroso y aunque el director consigue que su película no naufrague si que se tiene la sensación de que en algún momento se le ha ido de las manos. La cinta de Naranjo nos regala uno de esos extraordinarios malvados difícilmente olvidable, esa persona que realiza el casting capaz de sacar lo que los protagonistas guardan en lo mas profundo, llevándolos al extremo y consiguiendo las mejores interpretaciones de los actores. Desconozco si las personas que hacen castings tienen la misma actitud que este personaje o si este solo es una exageración pero realmente a mi me ha costado olvidarme de la forma de hablar y de tratar a los actores.


"Casting" es una gran película, una de esas que merece la pena ver. Cine en apariencia pequeño sin más pretensión que contarnos una historia pero que consigue llegarnos y que sobre todo consigue que una vez acaba la película tengamos ganas de saber más de los personajes, algo que desde mi punto de vista resulta extraordinario. Una gran película que merece la pena ver.



Lo Mejor: Todos los actores y el buen hacer del director tras la cámara.
Lo Peor: Algún cameo puede desviarnos de lo que realmente importa.

lunes, 14 de abril de 2014

Crítica: Los Inocentes

Título: Los Inocentes
Año: 2013
Género: Terror - Slasher    Duración: 68  min
Director: Carlos Alonso-Ojeda, Dídac Cervera, Marta Díaz, Laura García, Eugeni Guillem, Ander Iriarte, Gerad Martí, Marc Martínez, Rubén Montero, Arnau Pons, Marc Pujolar y Miguel Sánchez
Guión: Carlos Alonso-Ojeda, Albert Camps, Dídac Cervera, Marta Díaz, Laura García, Eugeni Guillem, Ander Iriarte,  Celia López, Gerad Martí, Marc Martínez, Rubén Montero, Àdria Naranjo, Daniel Padro, Arnau Pons, Marc Pujolar, Miguel Sánchez
Música: Marc Vaíllo
Interpretes: Mario Marzo, Charlotte Vega, Àlex Batllori, Diana Gómez, Joan Amargós, Enric Auquer, Barbara Mestanza, Aleix Melé
Nota: 3,5
Sinopsis: 28 de Diciembre. Por culpa de una broma un joven muere abrasado en las calderas de un albergue. 15 años después cuando un grupo de jóvenes decidan pasar la noche allí irán siendo asesinados poco a poco... 



Crítica:
"Los inocentes" se presenta como un slasher dirigido por 12 alumnos de la escuela de cine ESCAC que tras el éxito que tuvo "Puzzle love" en el Festival de cine de San Sebastian y que también fue rodada por un grupo de estudiantes de la misma escuela hacen que la idea no pueda ser mas prometedora, pero por desgracia esta sensación se diluye rápidamente al empezar a ver "Los inocentes" que ya esta nos llevará por los caminos mas trillados del género y se mostrará incapaz de aportar nada nuevo y lo que es peor será incapaz de jugar con el espectador y hacerle participe de una manera u otra de aquello que esta viendo. La premisa de la misma no puede ser mas sencilla: Un 28 de Diciembre y debido a una broma que se va de las manos un chico morirá en las calderas de un albergue de forma brutal. Tiempo después las muertes se irán sucediendo misteriosamente por lo que el lugar tendrá la fama del maldito. Un grupo de jóvenes que se pierden al volver a Barcelona decidirán pasar la noche en este inhóspito lugar...


Los 12 alumnos de la ESCAC parece que quieren volver a jugar con los tópicos de los slashers como ya hicieron de manera soberbia Wes Craven como director y Kevin Williamson como guionista en "Scream". Pero hay algo en "Scream" que se echa de menos en "Los Inocentes" y es un respeto por aquello que se intenta bien homenajear o bien parodiar. En esta cinta volvemos a encontrarnos con todos los clichés del género: volvemos al uso de la frase "Vuelvo enseguida" (o sus variantes) que tal y como decía el personaje interpretado por Jamie Kennedy en "Scream" es presagio de muerte segura, volvemos a estar ante el castigo a los jóvenes que beben o practican sexo como muestra de que cualquier conducta pecaminosa será castigada y volvemos a estar ante cualquier mínima excusa para que las chicas enseñen las tetas sin ningún tipo de motivo o justificación lógica, reglas todas ellas demasiado comunes a todas las películas inscritas dentro de este género y que aquí no son usadas como un juego con el espectador, no se intenta usar todas estas ideas para darles la vuelta o para aportar algo nuevo, parece que la idea de juntar a 12 personas para rodar una película ha podido con la idea de hacer algo novedoso, algo que nos impacte y que sea capaz de reírse de los tópicos de este género de una manera entretenida para el espectador.


Son múltiples los referentes que nos vienen a la cabeza al ver esta cinta, desde el mas claro "Viernes 13" ("Friday 13th") pasando por "El arte de morir" (Otro intento de hacer slasher en España dando como resultado una muy aburrida película de Álvaro Fernandéz Armero y que en cuanto al resultado final esa  la que mas cerca esta "Los Inocentes"), "Saw" (Con dos personajes encerrados en una sala con pie amputado de fondo) o el uso de la cámara en mano a lo "El proyecto de la bruja de Blair" ("The Blair witch project") que nos deja uno de los grandes momentos de la película con los protagonistas corriendo por el bosque enloquecidos. Todos estos referentes son mezclados de manera excesivamente desigual dando como resultado una película que en su conjunto no acaba por funcionar de la manera adecuada ya que nos encontramos con momentos brillantes como el antes mencionado a lo bruja de Blair o el altamente festivo en el que una de las chicas de frota la herida que tiene en la cabeza junto con otros que no acabar por cuajar como la escena de la chica esperando en la parada del autobús.


Tema aparte el de los actores. Cuando nos acercamos a una cinta que se enmarca dentro de este género no queremos ni esperamos ver grandes interpretaciones, solo queremos ver gore y disfrutar con los protagonistas cayendo uno tras otro (Ojo.. el gore en esta película es mas bien escaso y "Los inocentes" resulta altamente decepcionante en lo que a violencia y sangre se refiere). Al igual que ocurre con el conjunto de la película con las interpretaciones tenemos la misma sensación de estar ante un resultado excesivamente desigual, junto a actores a los que salvaríamos de la quema como los dos protagonistas o el que interpreta al policía hay otros que nos sacan de quicio y consiguen exasperarnos de maneras difícilmente imaginables especialmente el amigo friki del protagonista que consigue que cada palabra que sale de su boca resulte forzada y antinatural y que hace que echemos de menos y mucho a esos dos entrañables frikis de "Encontrados en Nueva York" donde uno de ellos esta igualmente obsesionado por Spiderman  pero que gracias a su naturalidad y frescura consigue poner un punto cómico entrañable a la película que juega a favor del resultado final de la misma, hecho este que en "Los inocentes" queda muy lejos resultando mas un lastre que una ayuda.


El tratamiento que se hace de la imagen en "Los Inocentes" y en ciertos momentos la gran ambientación en la que deriva es lo mas destacable de esta película de la que un servidor esperaba mucho mas. Su escaso metraje juega a su favor haciendo que la cinta no se ande por las ramas y gracias a eso las escenas vacías que intentan contar una historia alrededor de la anécdota principal (el asesinato de los jóvenes) pasan rápidamente ante nuestros ojos. Por desgracia "Los Inocentes" se muestra incapaz de jugar con todos los referentes y se convierte en una floja película que no llegará a los que nos consideramos amantes del género slasher, todos aquellos adolescentes calenturientos que quieran ver un poco de sangre en pantalla puede que la disfruten.



Lo Mejor: El momentazo de la chica tocándose la herida en la cabeza.
Lo Peor:  Lo flojo que resulta el conjunto.

sábado, 12 de abril de 2014

Crítica: The Selfish Giant

Título: The selfish giant
Año: 2013
Genero: Drama
Duración: 91  min
Director: Clio Barnard
Guión: Clio Barnard
Música: Harry Escott
Interpretes: Conner Chapman, Shaun Thomas, Ralph Ineson, Ian Burfield, Sean Gilder, Lorraine Ashbourne, Elliott Tittensor, Rebecca Manley
Nota: 6,5
Sinopsis:  La película narra la amistad entre dos chicos que viven en familias desestructuradas y que intentan salir adelante recolectando basura y vendiéndosela a un chatarrero local que los anima a conseguir cable robado.





Crítica:
"The selfish giant" es una de esas obras rodadas con oficio, una de esas películas que llegan al espectador gracias a dos jóvenes actores en estado de gracia y que cuenta con una historia que se sigue con creciente interés pero cuyo durante visionado no consigue alejar la sensación de estar otra vez ante la misma historia o ante una variante de la misma historia, de aquello que el cine inglés nos ha contado en muchísimas ocasiones. Y es que, por ejemplo, la sombra de Ken Loach es alargada y su cine ha sabido retratar perfectamente la situación de las familias inglesas de clase media-baja que malviven ahogadas por las deudas y donde el alcohol y las drogas están presentes, narrando su lucha por salir adelante día a día y donde los hijos de estas familias no tienen lo precisamente lo que podríamos considerar un futuro prometedor. Loach desde sus mas profundas creencias políticas ha usado su cine como instrumento para criticar la labor realizada por Margaret Tatcher en Inglaterra con sus políticas privatizadoras llegando a reconocer en una entrevista que si no hubiera sido por la Tatcher este igual no hubiera llegado a realizar ciertas películas. Pero aunque "The Selfish Giant" esta impregnada por la esencia de Loach, por unos personajes que bien podrían formar parte de cualquiera de sus cintas, esta no es una película con carga política, en ningún momento tenemos la sensación de que por muy común que sean los paisajes y las situaciones que nos cuentan se haya querido usar la cinta como una crítica hacia un sistema político, solo tenemos la sensación de que la directora Clio Barnard ha intentado reflejar la situación de dos niños en medio de una realidad que les sobrepasa y que solo ha intentado dejar patente como una familia desestructurada y una situación económica paupérrima pueden acabar con la inocencia por mucho que los protagonistas en algún momento intenten aferrarse a ella.


"The selfish giant" narra la amistad de dos chavales que malviven en los suburbios de una ciudad inglesa. Arbor el protagonista de la cinta vive con su madre y su hermano drogadicto y tiene un incontrolable temperamento por el que necesita medicarse.  Durante ciertos momentos de la película de Barnard especialmente al inicio de la misma el personaje de Arbor parece una extensión del interpretado por Harley Cross en "El niño que grito puta" ("The boy who cried Bitch") soberbia  y tristemente olvidada película que supuso el debut en el largo de ficción de Juan José Campanella. Parece que el trabajo del director argentino a raíz de "El hijo de la novia" o su trabajo en series americanas como "House" ha hecho que esta primera película haya quedado injustamente eclipsada.


Tampoco resulta novedoso el uso de un caballo como metáfora de la situación de alguno de los protagonistas. Ese caballo encerrado pero que es capaz de trotar a toda velocidad y que solo parece querer ser bien tratado por sus cuidadores ya fue usado de una manera parecida a esta pero de una forma mucho mas superficial como un elemento meramente secundario en la película y no como parte fundamental de la misma por parte de Andrea Arnold en su "Fish Tank". Ken Loach, "The boy who cried bitch" de Campanella, el "Fish Tank" de Arnold o toda una serie de cintas que podríamos enmarcar dentro de lo que podríamos llamar cine social son los grandes referentes que nos vienen a la cabeza al ver "The selfish giant" y que sin ser novedosa la historia ni en su forma ni en su desarrollo (Por muy previsible que pueda resultar es increíble ciertas sinopsis que se pueden leer por ahí como en el imdb o en filmin) la película consigue llegarnos y lo hace sobre todo gracias a los dos jóvenes protagonistas: Corner Chapman que muestra toda la dureza de la realidad en la que vive y que es capaz de hacer que sus ataques de furia no resulten ni excesivos ni forzados pero sobre todo Shaun Thomas su fiel amigo que refleja una tremenda fragilidad y que consigue ganarse nuestra simpatia. Ambos personajes muestran un contrapunto entre dureza y sensibilidad perfecta para la película y es sin ningún tipo de dudas lo mejor de la cinta de Barnard. "The selfish giant" es una de esas películas que nos llegan y nos emocionan y lo hacen de tal manera que acabamos por tener la sensación de que es una cinta mucho mejor de lo que realmente es pero aun con todo es una de esas cintas que hay que ver por que nos va a gustar, por sus dos jóvenes protagonistas y por el buen hacer de la directora y guionista para sacar adelante una historia que tenemos la sensación de haber visto una y mil veces haciendo de ella una obra notable.


Lo Mejor:  Los dos protagonistas
Lo Peor:  Esa sensación de estar ante algo ya visto.

domingo, 6 de abril de 2014

Crítica: Why don't you play in hell?

Título: Why don't you play in hell?
Año: 2013
Genero: Acción - Comedia
Duración: 129  min
Director: Sion Sono
Guión: Sion Sono
Música: Sion Sno
Interpretes: Hiroki Hasegawa, Gen Hoshino, Akihiro Kitamura, Jun Kunimura, Fumi Nikaidô, Tak Sakaguchi, Tomochika, Shin'ichi Tsutsumi
Nota: 8,5
Sinopsis:  Un grupo de jóvenes obsesionados con rodar una película de acción, dos clanes de yakuzas enfrentados, una antigua niña prodigio venida a menos, la madre de esta condenada a pasar 10 años en la cárcel y un pringado que pasaba por ahí se mezclan en esta alocada cinta donde los destinos de todos convergerán en un mismo punto. 


Crítica:
Bendita locura la de Sion Sono con su "Why don't you play in hell?". El autor de la soberbia y elefantiásica "Love Exposure" vuelve a dejar patente parte de sus obsesiones en otra cinta donde los excesos y la excentricidad son manejadas por el director japonés de una manera muy inteligente mezclando la comedia con la acción, los yakuzas con unos estudiantes obsesionados con el cine y la violencia mas extrema y festiva con pinceladas de romance. Un grupo de jóvenes que quieren grabar la película japonesa mas grande jamás rodada con el que para ellos es el nuevo Bruce Lee, una joven antigua promesa infantil venida a menos, su padre un yakuza que quiere que su hija protagonice una película como regalo a su madre que se sacrificó por ellos, su rival obsesionado con la hija de este y el pringado que se ve envuelto en toda esta espiral de locura son los personajes que usa Sono para narrarnos esta muy entretenida cinta.


Los personajes que en un principio nos pueden llamar tanto la atención no son tan novedosos como podríamos llegar a pensar. Ese joven obsesionado con dirigir una película de acción parece una copia del interpretado por Denis Moschitto en "Kebab Connection" de Anno Saul. Ambos personajes quieren rodar una gran película, su obsesión y su pasión les ciegan y les impide ver la realidad, pero mientras Saul usa esta idea como una excusa para mostrar el miedo al compromiso en una cinta que acaba derivando en la muy típica y disfrutable historia de amor, Sono solo utiliza a su personaje como un mero elemento narrativo para llevar a la película con una mas que absoluta falta de descaro a su terreno, hacia el exceso por el exceso mismo pero realizado de una manera tremendamente inteligente que hace que a los espectadores nos resulte realmente fácil disfrutar con su película. Tampoco los dos operadores de cámara resultan tan novedosos. Ambos personajes parecen sacados de la imaginería del que fuera gran icono del cine independiente americano Kevin Smith y especialmente de "¿Hacemos una porno?" ("Zack y Miri make a porno"). Tanto en el caso del director y el protagonista de la película de Anno Saul como en el de los personajes de los operadores de cámara y la cinta de Smith, estos podrían saltar de una película a otra sin que lo notáramos (De hecho tanto en "Why don´t you play in hell?" y "Kebab Connection" nos encontramos con una escena casi calcada donde los protagonistas muestran con todo su entusiasmo un trailer o un anuncio ante el estupor o incluso el hastío de alguno de los personajes que asisten a la proyección)


Mucha gente ha comentado la comparación entre la cinta de Sono y el "Kill Bill" de Quentin Tarantino, no ya tanto por la composición y estructura de ciertas escenas de ambas cintas si no por el notable uso de la música del que hacen gala ambos directores en sus películas. Pero no solo hemos de acordarnos de Tarantino y su "Kill Bill" a la hora de ver "Why don´t you play in hell?", para ser justos también tendríamos que acordarnos de "Milocrorze" de Yoshimasa Ishibashi donde el uso de la música es igual de notable que el que hizo el director americano en su película (Por mucho que nos llegara en dos partes yo sigo considerando a "Kill Bill" en su conjunto) y donde en muchos momentos en este aspecto la cinta de Sono esta mucho mas cerca de la Ishibashi que de la de Tarantino pero tal vez el desconocimiento de "Milocrorze" que solo se ha podido ver en ciertos festivales hace que muchos no puedan tener un referente tan claro como este.


Con todos estos referentes podríamos pensar en la falta de originalidad de Sono pero el director japones tiene una arrolladora personalidad como para ser capaz de desarrollar a los personajes dentro de un terreno marcadamente personal, excesivo y aunque disfrutable posiblemente demasiado hermético para muchos, para todos aquellos que no sean capaces de aceptar los excesos. Y es que esta cinta puede tener curiosamente en sus puntos a favor también sus puntos en contra: su excentricidad, su sentido del exceso a la hora de abordar la historia y en especial ciertas escenas de la misma o la peculiaridad de los personajes que aparecen en pantalla pueden levantar tantos elogios como reacciones en su contra. Si algo deja claro Sion Sono con "Why don`t you play in hell?" o "Love Exposure" es que si quieres entrar en el juego que propone se puede disfrutar de su cine de una manera que nunca pudiste llegar a imaginar, pero estamos ante un cine ante el que si te cierras en banda puedes llegar a considerar una excesiva broma del mal gusto. Mi consejo es acercarse a esta cinta sin prejuicios, con ganas de dejarse llevar y con ganas de disfrutar de una experiencia cinematográfica como esta.



Lo Mejor: La parte final de la película, realmente notable y un resumen de las obsesiones de Sono
Lo Peor:  Que haya gente que no pueda o no quiera entrar en el juego que propone el director.

martes, 1 de abril de 2014

Obuxo abre el plazo de presentación de obras a la celebración de su XIII edición ¡¡¡¡Error en las Bases fecha producción cortos!!!!



Un año más llega el Festival de Cine Extraño y de Terror que se celebrará del 29 al 31 de Agosto en el municipio oscense de Javierrelatre.

Hoy, día 1 de abril, abre el plazo de recepción de obras de Festival de Cine Extraño y de Terror, Obuxo, que finalizará el 30 de Junio. Un año más, la muestra que en 2013 batió record de asistencia superando el medio millar de espectadores, se celebrará en el municipio oscense de Javierrelatre que durante las doce ediciones anteriores ha sido escenario del mejor cine extraño, de terror y fantástico, así como de actividades lúdicas y exposiciones para todos los visitantes. 

En esta ocasión el festival se desarrollará los días 29, 30 y 31 de agosto en torno a un tema que siempre está de moda: los superhéroes. Por eso y como novedad en esta decimotercera edición, la organización del festival llevará a cabo un concurso de Superhéroe y Supervillano más original en el que se alzará como ganador el diseño inventado más original. En cuanto al homenajeado en esta ocasión será el director de cine fantástico de culto Juan Piquer Simón que recibirá el premio Plenilunio en reconocimiento a su carrera. Además, como viene siendo habitual, el festival contará con la presencia de personalidades relevantes en el mundo de la cultura, el arte y el audiovisual, así como de actuaciones en directo, exposiciones y 'performances' que convertirán durante unos días cada rincón de la localidad oscense en el decorado ideal de una película de terror.

En cuanto a los premios, los participantes podrán optar a dos candidaturas: Al Obuxo que consta de un primer premio de 500 euros y de un segundo de 300 euros y al Mejor Videominutos que deberá haber sido rodado durante el transcurso de festival y cuya temática se desvelará el primer día de la muestra. En este caso el premio consistirá en una velada con una cena incluida para la noche de Halloween en Villanua. Para más información se puede consultar la página web del festival: www.obuxo.net


BASES OBUXO 2014


CONCURSO DE VIDEOMINUTO

• Bases

PARTICIPANTES: Podrán participar cuantos realizadores nacionales e internacionales lo deseen y podrán presentar tantas obras como quieran. Solo se admitirán cortometrajes realizados durante el transcurso del festival.

CONDICIONES TÉCNICAS: Aunque no es una condición indispensable preferiblemente se aceptarán copias en archivo de video .MOV o .AVI, en un pendrive. La copia se entregará al responsable, situado en una mesa enfrente del bar, el domingo 31 de agosto de 2014 antes de las 11.00 de la mañana.

INSCRIPCIÓN: No es necesaria inscripción previa. No obstante, el viernes 29 de agosto de 2014 durante la gala de inauguración del festival, se harán públicas la temática y las condiciones que deben reunir las obras a presentar (tema, una palabra en concreto, un objeto…) haciendo que todo aquel que considere un reto la temática del videominuto pueda grabar su corto sin problemas.

SELECCIÓN: Se seleccionarán todas aquellas obras presentadas antes de las 11.00 de la mañana del domingo 31 de agosto de 2014 y que cumplan las condiciones anunciadas en la gala inaugural del festival, que se podrán consultar con posterioridad en caso de que sea necesario.

JURADO: El fallo del jurado será inapelable. El jurado se reserva el derecho de declarar el premio desierto.

ACEPTACIÓN: Todos los participantes por el hecho de serlo aceptan estas bases.

PREMIO: Alojamiento y cena la noche de Halloween en Villanua



CONCURSO DE CORTOMETRAJES

• Bases

PARTICIPANTES: Podrán participar cuantos realizadores/as nacionales e internacionales lo  deseen presentando un máximo de dos obras por realizador/a. Sólo se admitirán cortos producidos desde enero de 2013.

CONDICIONES: Las producciones se podrán presentar a través de Movibeta o por correo en formato DVD Pal a Obuxo Fest C/Única S/N Javierrelatre (Huesca). La temática es cine fantástico, de terror y extraño, entendiéndose por extraño cualquier apuesta narrativa alternativa. La duración máxima aceptada es de 22 minutos. Las obras presentadas en otro idioma que no sea el castellano deberán ir acompañadas de subtítulos en castellano. Las copias recibidas pasarán a formar parte de la organización. Se valorará de manera positiva la inclusión de audio descripción para invidentes.

INSCRIPCIÓN: El plazo límite de la inscripción será el 30 de Junio de 2014.

JURADO: El fallo del jurado será inapelable. El jurado se reserva el derecho de declarar los premios desiertos.

ACEPTACIÓN: Todos los participantes, por el hecho de serlo aceptan estas bases.

PREMIOS: Primer premio Obuxo: 500 euros.
Segundo premio Obuxo: 300 euros.