miércoles, 28 de mayo de 2014

Crítica: Oculus

Título: Oculus
Año: 2013
Género:  Terror 
Duración: 104 min
Director: Mike Flanagan
Guión: Mike Flanagan y Jeff Howard
Música: The Newton Brothers
Interpretes: Karen Gillan, Brenton Thwaites, Katee Sackhoff, Rory Cochrane, Annalise Basso, Garrett Ryan, Miguel Sandoval, James Lafferty
Nota: 8
Sinopsis:  Tras salir de una institución mental donde ha pasado gran parte de su vida recluido, Tim se reencontrara con su hermana que le obligará a mantener la promesa que le hizo cuando eran pequeños para intentar acabar con la fuerza maligna que mató a sus padres.




Crítica:
Notable cinta de Mike Flanagan que toma elementos del cine de terror asiático tan de moda hace pocos años gracias a las películas de Hideo Nakata ("Ringu", "Ringu 2" o "Dark Water"), Takashi Shimizu ("La maldición" - "Ju-on"), Oxide y Danny Pang ("The Eye") o Kim Jee-woon ("Dos hermanas" - "Tale of two sisters") hecho que llevó a que muchas de estas cintas tuvieran un remake mas o menos acertado (Podríamos citar a "Mirrors" de Alexandre Aja o "The Ring" de Gore Verbinski como muestras de buenos remakes que aunque resultan irregulares si que son muy entretenidas y tienen muchos elementos que las hacen interesantes. En el otro lado podríamos citar "Retratos del mas allá" - "Shutter" o "El grito" - "The Grudge", curioso caso este segundo ya que fue el propio director de la original quien rodó el remake resultando este mucho mas flojo y carente de la chispa y la garra del original, algo parecido aunque salvando las distancias fue lo que ocurrió con Hideo Nakata y la segunda parte de "The Ring" que rodó en Estados Unidos y que se alejaba de "Ringu 2" resultando una película francamente decepcionante). Pero no solo la huella del cine asiático es claramente identificable en esta cinta, sin ir mas lejos hay elementos que parecen extraídos directamente de la reciente película venezolana "La casa del fin de los tiempos" y esta atmósfera enfermiza que retrata el director también es posible que nos traiga a la cabeza el "Sinister" de Scott Derrickson (Que también es publicitada con eso de: "de los productores de "Insidious", pero en el caso de "Oculus" la caracterización de los espíritus que aunque pueda tener puntos en común con la película de James Wan se aleja de forma mas que apreciable de esta, cosa que es de agradecer y mucho) o incluso la tremendamente floja "Detrás de las paredes" ("Dream house") del últimamente demasiado perdido Jim Sheridan. Pero sobre todo no hay que olvidarse por supuesto de "Oculus: Chapter 3 - The man with the plan" verdadero germen de esta película, cortometraje también dirigido por el propio Flanagan donde se establecen las bases de la película tomando varias escenas e ideas del mismo para que formen parte de "Oculus" y que serán claramente apreciadas muy especialmente en el monologo de la protagonista ante las cámaras de vídeo explicando el porque de su obsesión con el espejo (Aunque hay que decir que el multipremiado "Oculus: Chapter 3 - The man with the plan" esta rodado en un espacio único, una habitación, y con un solo personaje protagonista a diferencia de lo que ocurre en "Oculus" la película. Los 30 minutos de duración de este resultan excesivos ya que el monologo del casi único actor acaba cansando y no hay absolutamente nada que justifique una duración tan larga. Sorprendentemente y al contrario de lo que ocurren con la mayoría de los cortometrajes de los que se acaba realizando un largo, por ejemplo "Mama" de Andrés Muschietti, resultan excesivamente alargados demostrando que la idea solo daba para una historia de muy breve duración, en el caso de "Oculus" se tiene la sensación contraria ya que en ningún momento pensamos que la historia deriva de un corto en el que se ha basado el propio director para rodar su película)


Tras pasar varios años recluido en una institución mental, Tim se reencontrará con su hermana que le obligará a mantener la promesa que le hizo cuando eran niños: Acabar con la fuerza maligna que mató a sus padres. Flanagan igual que hizo Alejandro Hidalgo en "La casa del fin de los tiempos" se toma su tiempo para contarnos la historia y presentarnos a los personajes de forma que todo pivotará alrededor de una gran parte final donde en base a una idea desarrollada de manera muy inteligente y soberbiamente planificada que conseguirá que aquello que parecía que iba a acabar siendo otra película mas con espíritus nos deje un gran sabor de boca y sea una película realmente fácil de disfrutar. Pero Flanagan es demasiado deudor del potencial público al que va dirigida esta película y utiliza en la parte inicial de la misma ciertos recursos demasiados usados en este tipo de cine que nos hace pensar que tras "Oculus" no nos vamos a encontrar el gran trabajo de dirección y de edición que nos va a acabar mostrando Flanagan. Y es que la excelente planificación de, especialmente, la última media hora muy en la línea de "La casa del fin de los tiempos" pero con más presupuesto y por tanto con mucha más calidad técnica que esta, sorprenderá y gustará a muchos.


Sin alejarnos de ese espíritu del cine asiático que impregna a ciertos fotogramas de "Oculus", Flanagan dota a su cinta de lo que por momentos podríamos definir como un aroma a cine clásico de terror pero llevado a un punto comercial. Ciertas escenas de esta película hacen que nos acordemos de lo que hizo Ti West con su "The Innkeepers" (Recordemos que West ya hizo su propio homenaje a lo que sería el cine de terror clásico con la notable "The House of the Devil" y aunque no se enmarca dentro de este tipo de cine, este ha rodado recientemente la magnifica "The Sacrament", cinta que aunque pueda resultar sorprendente se puede ver lastrada por la presencia de Eli Roth como productor y su referencia a "El último exorcismo" - "The last exorcism" ya que la cinta de West tiene mas de drama que de película de terror) o incluso por momentos a "Poltergeist" junto con otros de una perversidad poco esperada para un cine como este. De todas formas no debemos perder la perspectiva de que estamos ante una cinta excesivamente comercial lo que nos lleva a pensar que hubiera sido de una película como esta si  se hubiera dejado de lado lo comercial para centrarse mas en la historia, si Flanagan y Howard hubieran dejado de lado los trucos que usan en la primera parte de la película para ir desarrollando la historia con la idea de no defraudar al espectador ávido de terror.


Karen Gillan actriz que trabajó en la mítica serie "Doctor Who" de forma un tanto polémica ya que muchos padres la consideraron demasiado sexy para el papel, da vida a la protagonista de forma correcta y muy bien secundada por Brenton Thwaites. Pero el trabajo de estos actores se complementa perfectamente con el de Annalise Basso y Garrett Ryan que interpretan los roles de estos cuando eran pequeños. Aunque parezca que vamos a estar otra vez ante la típica historia que mezcla pasado y presente contando los hechos pasados para entender el presente, la forma de usar a los personajes que dan vida a Kaylie y Tim Russell o la forma de mezclar el presente y el pasado hace que los fallos de esta cinta pasen prácticamente desapercibidos y consigue que "Oculus" sea una de las grandes cintas de terror de este año, que sorprenderá a mas de uno y que obligará a todo aquel que disfrute de ella a ver la cinta de Alejandro Hidalgo  "La casa del fin de los tiempos" ya que si no fuera porque ambas cintas están muy cercanas en el tiempo podríamos llegar a pensar que Flanagan ha cogido ideas de esta última (Algo parecido a lo que ocurría con "Thanatomorphose" y "Contracted" que poseen ideas argumentales parecidas y que coincidían demasiado en el tiempo para considerar que alguna de ellas había tomado elementos de la otra, preguntado ERic England por  esta similitud, el director de "Contracted" reconoce que no vio la cinta de Eric Falardeau hasta tiempo después de haber rodado su película, y es que hoy en día aunque hay artistas que consiguen sorprendernos es difícil conseguir rodar una cinta que no nos haga recordar a otras películas u otros referentes, en el caso de "Oculus" queda claro que son múltiples las películas que nos vienen a la cabeza sin que esto merme el resultado final de la misma). "Oculus" es una gran cinta de terror donde el director manejan con sabiduría los tiempos, los personajes y el montaje para hacer de esta película un autentico placer. Muy Recomendable.





Lo Mejor: El soberbio juego entre presente y pasado que nos muestra el director
Lo Peor: Algún truco en la parte inicial de la cinta demasiado deudor del cine comercial de terror.

domingo, 25 de mayo de 2014

Crítca: Klip

Título: Klip
Año: 2012
Género:  Drama
Duración: 102 min
Director: Maja Milos
Guión: Maja Milos
Interpretes: Isadora Simijonovic, Vukasin Jasnic, Sanja Mikitisin, Jovo Maksic, Monja Savic, Katarina Pesic, Sonja Janicic, Jovana Stojiljkovic, Vladimir Gvojic
Nota: 6
Sinopsis:  Ante la enfermedad de su padre el vacío de Jasna se hará mas grande y perceptible haciendo que esta dedique su tiempo a ir de fiesta en fiesta enamorándose de un chico que solo se aprovechará de ella.






Crítica:
¿Es necesario ser tan sexualmente explicito para contar una historia tan dramática como esta? ¿Es necesario que para que nos impacte y nos noquee la historia de una chica incapaz de enfrentarse a la enfermedad de su padre se tengan que rodar escenas que al acabar la película necesiten de una explicación indicándonos que ningún menor ha participado en escenas sexualmente explicitas durante el rodaje de la película?


Maja Milos nos presenta la historia de Jasna una joven que vive en los suburbios de Belgrado y que ante la incapacidad de asimilar lo que le esta sucediendo a su padre e incapaz de encontrar su lugar en el mundo se dedica a llenar su vacío existencial gracias a las fiestas, al alcohol, a las drogas y al sexo. "Klip" sigue la línea marcada por Larry Clark en "Kids" (De hecho la cinta de Milos se publicita como el "Kids" del nuevo milenio) donde este narraba en el que supuso su debut cinematográfico con guión del por entonces también debutante Harmony Korine, la historia de un grupo de jóvenes que recorrían la ciudad de Nueva York bebiendo, drogándose y haciéndonos participes de su peculiar filosofía de vida. La impactante propuesta de Clark no dejó indiferente a nadie y puso los sólidos cimientos de un cine natural (casi documental), cruel, verídico y directo que presentaba a una parte de la juventud en la que nadie querría verse reflejado. Todavía recuerdo la incomoda sensación que nos quedó en el cuerpo a todos los que fuimos a ver esta película el día de su estreno, todavía se me ponen los pelos de punta al recordar a esa chica portadora del virus del sida que recorre toda la ciudad en busca de la persona que la contagió o al acordarme del monologo de  uno de los protagonistas hablando de la importancia que tiene para el acostarse solo con vírgenes. "Kids" es una notable cinta que noquea al espectador y cuyo recuerdo es capaz de perdurar durante mucho, mucho tiempo.


Milos vuelve a mostrarnos a esa parte de la juventud que muchos no quieren ver, a esa juventud que vive en los suburbios y va de fiesta en fiesta bebiendo y drogándose (Aunque esta frase merece una puntualización ya que los chicos que tienen esta actitud frente a la vida no solo viven en los suburbios o en el extrarradio de las grades ciudades pero nos debe resultar mas fácil pensar que este tipo de actitudes son mas propias de otros, de familias desarraigadas o con problemas antes que de familias capaces de satisfacer casi cualquier tipo de necesidad. Si "Kids" mostró en 1995 a una parte de esa juventud, ese mismo año Montxo Armendáriz hizo lo propio en la muy floja "Historias del Kronen" reflejando que el hastío y la escapatoria vía drogas y alcohol no es un tema exclusivo de ciertas clases sociales). "Klip" es una película realmente impactante pero por desgracia no por lo que nos gustaría, es decir por el profundo desarrollo de la dramática historia de la protagonista y su relación con su familia y con su novio, si no por sus escenas de sexo explicito que dejan muy poco pero que muy poco a la imaginación. Como ya ocurría con "Boy eating the bird's food" el uso del sexo o de ciertas ideas o recursos relacionados con este tema pueden servir mas para desviar nuestra atención sobre aquello que nos quieren contar que para reforzar a la historia, en el caso de "Klip" para mostrar la desesperación de la chica ante su vacío y su confusión que le hacen tomar ciertas decisiones desacertadas. Para reflejar todos estos sentimientos no hace falta ser tan claro a la hora de mostrar las felaciones que la protagonista le hace a su novio, para denunciar la banalización del sexo por parte de los jóvenes no es necesario ver como Jasna se la chupa a su novio ni tampoco es necesario para mostrar la degradación personal a la que llega esta para conseguir estar con la persona que ella quiere. Todas estas ideas hacen que por momentos pensemos que la directora y guionista ha sido incapaz de impactarnos gracias a un personaje principal con el que empaticemos o con al que por lo menos podamos entender en su angustia, la historia de Milos parece tener que recurrir a estos elementos secundarios, a elementos demasiado efectistas para intentar llamar nuestra atención.


"Klip" adolece de una primera parte en la que a la historia le cuesta centrarse, un exceso de fiesta nos lleva a pensar si realmente los retales que se nos muestran de la familia y el novio de la protagonista van a servir para contar una historia o solo vamos a estar ante una sucesión de anécdotas relacionadas con la juventud y la fiesta. Esta primera parte es o se hace demasiado larga y por momentos se puede hacer pesada pero en cuanto Milos consigue asentar la historia y saber hacia donde quiere llevar la película esta gana enteros y muchos dejándonos unos últimos 40 minutos soberbios en los que la directora y guionista se centra en la relación de la protagonista con su novio (Una relación totalmente desigual y absolutamente machista, el escape de la protagonista de la realidad de su casa acaba por destrozarla y hundirla mas que por ayudarla. Son constantes las muestras de desprecio por parte de este hacia Jasna recalcándole que para lo único que sirve esta es para el sexo anal o que si le quiere lo que tiene que aprender es a chuparsela bien) y ante el proceso de asimilación del la enfermedad de su padre (Aunque esta parte de la historia se centra más en este concepto realmente tenemos la sensación de estar ante una idea muy desaprovechada y a la que se tenía que haber dedicado mucho mas tiempo. Las imágenes y escenas que se van mostrando acerca de este tema durante la primera hora resultan del todo insuficientes). Milos consigue emocionarnos gracias a grandes escenas donde por ejemplo la protagonista cuenta el primer recuerdo de su padre o la visita al orfanato con lo que la sensación de que la directora ha querido impactarnos con escenas que pueden distraernos se hace todavía mas presente lo que es una verdadera lastima ya que queda patente que había material para conseguirlo sin recurrir al uso de ciertos recursos.


"Klip" no solo recuerda a "Kids" por la sensación que nos deja, también posee elementos de ciertas películas de Araki o incluso dell "Fish Tank" de Andrea Arnold donde una joven que también vive en los suburbios de una ciudad establece una relación destructiva con el novio de su madre. Milos utiliza de forma excesiva la cámara de los móviles para narrar la historia en un fiel reflejo de la forma de actuar hoy en día de muchos jóvenes pero que a mi personalmente me cansa y me satura haciendo que por momentos el exceso de movimiento de la cámara me impida centrarme en  la imagen, pero también es capaz de dejarnos grandes planos donde muchos o casi todos de ellos se centran en la cara y la expresión de la protagonista, una sorprendente Isadora Simijonovic capaz de deslumbrarnos por momentos pero que también es capaz de dejarnos algunas escenas donde tenemos la sensación de que sobreactúa en exceso (Por ejemplo cuando de camino al autobús esta va grabándose con el móvil y gritando el nombre del chico o como cuando se esta probando ropa en su cuarto, escena esta excesiva y que casi parece sacada del "Filth and Wisdom" de Madonna)


"Klip" es una muy interesante cinta especialmente durante sus últimos 40 minutos. Es una lastima que Maja Milos no se haya centrado mas en la historia y en el componente dramático de la misma para saturarnos durante la primera hora con un exceso de fiesta que deja paso a escenas de felaciones demasiado explicitas. Milos toca de refilón el tema político sobre la posición de Serbia ante la independencia de Kosovo pero esta no es una cinta política, no es una cinta que use estos elementos para justificar la existencia misma de la película o de la situación en la que se encuentra la familia de la protagonista (Aunque al recibir Maja Milos un premio en el festival internacional de Rotterdam en el 2012 se recalcara que esa película era un retrato de la generación perdida post guerra de Yugoslavia, el reflejo de la juventud que hace la directora no puede ser etiquetado de esta manera ya que todo este cúmulo de sentimientos, de banalización del sexo o glorificación de la violencia son extensibles a muchos lugares y a muchas llamémoslas generaciones perdidas). "Klip" es una cinta deudora del "Kids" de Larry Clark, una cinta con tantos elementos a su favor como en su contra por lo que lo mas adecuado es que cada uno sepa lo que va a ver y opine sobre si la forma elegida por Milos para narrar una pequeña parte de la vida de Jasna es la mas correcta o no.



Lo Mejor: Los últimos cuarenta minutos
Lo Peor:  El exceso de sexo explicito que no ayuda a lo que nos están contando.

Crítica: Wer

Título: Wer
Año: 2013
Género:  Terror - Thriller
Duración: 89 min
Director: William Brent Bell
Guión: William Brent Bell y Matthew Peterman
Música: Brett Detar
Interpretes: A.J.Cook, Sebastian Roché, Stephanie Lemelin, Vik Sahay, Simon Quaterman, Brian Scott O'Connor, Camelia Maxim, Brian Johnson
Nota: 6
Sinopsis:  Una joven abogada se ofrecerá para defender al acusado de un brutal crimen. Su defensa: las terribles heridas no pudieron ser hechas por un hombre si no por un animal





Crítica:
Interesante película tan entretenida como previsible que bien podría formar parte de una recopilación a lo "V/H/S", a lo "Creepshow" o incluso a lo "The abc's of the death" (Si la escena inicial de la película parece extraída directamente de alguno de los cortos que componían "V/H/S" o su secuela, algún momento de "Wer" nos trae a la cabeza el corto "U is for Unearthed" notable fragmento dirigido por Ben Wheatley para "The Abc's of the death"). Tras la muy decepcionante y nada terrorífica visión que Bret Bell y Mathew Peterman ofrecieron acerca de las posesiones en "The Devil Inside", una cinta que estaba mas cerca de "El último exorcismo" por el fondo y la  forma narrativa escogida por el director para plasmar la historia en pantalla que de "El exorcista", estos siguen con su idea de intentar reformular a los clásicos y ahora se atreven a dar su propia visión acerca de la licantropía (En "The Devil Inside" otra vez nos encontrábamos ante la idea de rodar un documental donde al igual que ocurría en "El último exorcismo" al personaje protagonista, el cura que va a practicar el exorcismo en el caso de la cinta dirigida por Daniel Stamm o la chica que va a visitar a su madre encerrada en una institución mental después de haber matado a tres personas en el transcurso de un exorcismo, les acompaña un equipo de filmación cuya presencia es mínima y si no fuera porque son necesarios para llevar la cámara y justificar la grabación, estos serían personajes totalmente prescindibles ya que no aportan absolutamente nada a la historia. Por desgracia y aunque "El último exorcismo" resulta una cinta muy superior a "The Devil Inside" el uso de ciertos efectos donde parece que junto a trucos digitales prima la elasticidad de las chicas que interpretan a las poseídas acaban por cansarnos y saturarnos sin ser capaces de transmitir ningún tipo de sentimiento de miedo o angustia).


Bret Bell y Mathew Peterman se muestran fieles tanto a la hora de construir la historia como a la hora de rodarla. Si en su anterior película nos encontrábamos ante el rodaje de un documental que hacia que el uso de las cámaras fuera necesario y vital para la historia, en esta dejan de lado esa idea pero sin olvidarse de las cámaras como elemento narrativo (Las imágenes grabadas con videocámara del ataque inicial, los fragmentos de los telediarios, la grabación de la única superviviente en el hospital, el uso de las cámaras en los interrogatorios o en las persecuciones) pero en este caso usado de una forma mas inteligente que nos hace tener la sensación de que la historia no se ha tenido que sacrificar ante este tipo de recursos aunque si bien es cierto durante gran parte del metraje el movimiento de la cámara nos induce a pensar que estamos otra vez ante otro documental en un intento entendemos de parecer  mas naturales y cercanos.


La historia que Bret Bell y Mathew Peterman no brilla por su originalidad, una joven abogada demasiado idealista se ofrecerá para defender a un hombre acusado del brutal crimen de un hombre y su hijo. Su defensa: heridas como esas solo pueden haber sido causadas por un animal. Pese a todo y pese a volvernos a encontrar con un trailer que nos cuenta mas de media película, Bell es capaz no solo de captar nuestra atención si no de hacer que esta no decaiga durante toda la película consiguiendo rodar una cinta muy simpática y que podemos enmarcar dentro de lo que seria la serie B haciendo que pueda ser un producto fácilmente disfrutable por los amantes del cine de terror. Aún así el espectador ha de ser crítico con aquello que Bell y Peterson nos están contado ya que parece que hayan cogido parte de la historia de "The Devil Inside" o mejor dicho a parte de sus personajes y los hayan llevado del mundo de las posesiones demoníacas al de los hombres lobo. Si en "The Devil Inside" nos encontrábamos con tres personajes (hay un cuarto, el cámara pero tiene una presencia realmente secundaria) una mujer y dos hombres donde ella es la que lleva el peso de la película y dos personajes masculinos son los que entran en conflicto por culpa de las dudas que se les plantean acerca  de si lo que están haciendo es correcto o no (Intentar realizar un exorcismo a escondidas), en "Wer" volvemos a estar ante tres protagonistas (aunque podríamos, igual que en el caso anterior, considerar que hay un cuarto protagonista: el acusado del crimen) donde el personaje femenino lleva el peso de la cinta y donde sus dos compañeros masculinos vuelven a enfrentarse, en este caso hay un componente romántico que en la anterior cinta no se exploró al tratarse de dos sacerdotes. Queda claro pues que el núcleo central de ambas cintas tanto a nivel personajes como a nivel narrativo es excesiva y escandalosamente parecido.


Pero mientras "The Devil inside" resultaba francamente decepcionante por la falta de grandes escenas de miedo o de gore, en "Wer" el director y el guionista son conocedores de este fallo y nos regalan algunos momentos sangrientos que harán las delicias de los seguidores de este tipo de cintas y que sorprendentemente conseguirán que mas de uno aparte la vista de la pantalla en algún momento. Es de agradecer el fino humor que destilan ciertas escenas de la película, resulta realmente agradable que por una vez en la vida no nos encontremos con el típico susto del gato que aparece de la nada y que este animal sea sustituido por un cerdo. Tampoco nos podemos olvidar del breve guiño a "El bosque" ("The village") de M. Night Shyamalan hará que las delicias de los seguidores mas cinéfilos.


"Wer" es un muy interesante y entretenido acercamiento al cine que trata el tema de los hombres lobo. Resulta una lastima que Bell haya desaprovechado a un actor como Sebastian Koch pero sobre todo lo que resulta altamente decepcionante es que Bell y Peterman parezca que hayan cogido a los personajes de "The Devil Inside" y los hayan puesto en otra película. Esta nueva forma de acercase a la licantropía sin ser una obra maestra del género (esta muy muy lejos de cintas como "Hombre lobo americano en  Londres" - "An american werewolf in London" o "En compañía de lobos" - "The company of wolves") resulta una cinta fresca y agradable que merece la pena ser vista



Lo Mejor: La escena de uno de los protagonistas frente al espejo.
Lo Peor:  Es demasiado deudora de ciertas ideas de la anterior pelicula del duo.

domingo, 18 de mayo de 2014

Crítica: Godzilla

Título: Godzilla
Año: 2014
Género:  Ciencia Ficción - Acción
Duración: 123 min
Director: Gareth Edwards
Guión: Max Borenstein y Dave Callaham
Música: Alexandre Desplat
Interpretes: Aaron Taylor-Johnson, Ken Watanabe, Bryan Cranston, Elizabeth Olsen, Sally Hawkins, Juliette Binoche, David Strathairn, Richard T. Jones, Victor Rasuk
Nota: 7
Sinopsis:  15 años después del extraño accidente que causó la muerte de su mujer, Joe Brody sigue intentando demostrar que se están ocultando los verdaderos motivos de lo que pasó. La relación con su hijo cambiara cuando se descubra un monstruo que se alimenta de radiación.




Crítica:
Sorprendente puesta al día de Godzilla tras la lamentable sensación que dejó la versión del monstruo japonés perpetrada por Roland Emmerich. El espectáculo pirotécnico sin sentido que dirigió el director de origen alemán donde la máxima emoción era averiguar que emblemáticos edificios norteamericanos iba a cargarse, deja paso a un extraño blockbuster con un reparto mas propio del cine independiente (Bryan Cranston, Elizabeth Olsen, Juliette Binoche o David Strathairn) que de una película de gran presupuesto y que posee dos partes claramente diferenciadas: una primera de aspecto mas dramático e intimista que enlaza perfectamente con la primera cinta del director Gareth Edwards ("Monsters") y una segunda donde se deja de lado el drama y los personajes para, beneficiándose de una gran ambientación, centrarse en el espectáculo que nos remite directamente al "Pacific Rim" de Guillermo del Toro.


La elección de Gareth Edwards para dirigir el reboot de Godzilla sorprendió a propios y extraños, no porque el director no hubiera mostrado maneras con su anterior película si no porque esta era una cinta abiertamente intimista, centrada en los personajes y en la historia de amor que surge entre ellos y donde la aparición de los monstruos se podría considerar un elemento muy secundario dentro de la película lo que hace que se aleje de todo aquello que se puede presuponer de una cinta como Godzilla (Hecho este que decepcionó a mas de uno ya que muchos esperaban una historia de ciencia ficción que respondiera de una manera mas clara y directa al título de la película "Monsters" y no a una cinta que se centra en la relación entre dos personajes en un ambiente hostil. El premio que recibió esta película a los mejores efectos especiales en el festival de cine de Sitges del 2010 hizo que mucha gente no solo considerara sorprendente e injusto el galardón si no que se cerrara en banda ante la estimulante propuesta de Edwards. Su cinta además del toque romántico contaba con una gran carga política, el hecho de situar el área infectada entre México y Estados Unidos con el consiguiente muro que separaba a ambos países no es causal. A eso hay que sumar la crítica a la sociedad en la que vivimos que nos aísla y muy especialmente a los medios de comunicación que queda reflejado en diálogos como en lo que la protagonista echa en cara a su compañero que solo fotografíe desgracias y este le responde que por una foto de un niño alegre nadie paga nada. "Monsters" daría para un análisis en profundidad de todo aquello que su director quiere explicar, huyendo de grandes efectos y huyendo sobretodo de la pretenciosidad que muchas veces lastra a este tipo de películas, "Monsters" nos dejaba la desoladora sensación de que el sentimiento de soledad de los monstruos no dejaba de ser un fiel reflejo de la sensación que mucha gente siente hoy en día y en especial los protagonistas de la película)


Edwards, sin ser autor del guión, se acerca a "Godzilla" sin olvidarse de su anterior cinta. Cualquiera que haya visto "Monsters" verá claramente sus referencias y ciertas ideas y conceptos que parecen tomados directamente de ella. No solo a la hora de construir la historia si no también a la hora de extraer imágenes y crear la atmósfera de esta cinta. Si en su anterior película Edwards se centraba en la relación entre dos personajes donde uno de ellos, Andrew Kalder fotógrafo interpretado por Scoot McNairy, debe de llevar a Estados Unidos a la hija de su jefe, en "Godzilla" o al menos en su primera parte el director se centra en la relación entre Joe Brody (Brian Cranston) y su hijo Ford Brody (Aaron Taylor-Johnson) y en ambas cintas los sentimientos de carga que acarrean Kalder o de Ford por sentirse poco menos que canguros para cuidar y proteger a la hija de su jefe en el primer caso o a su padre en el segundo son parte fundamental para el desarrollo dramático de la historia. (En "Godzilla" este hecho queda patente por las reacciones de Taylor-Johnson y por la conversación que mantiene este con la que es su esposa en la película Elizabeth Olsen, en el caso de "Monsters" no solo queda explicado con imágenes si no que también es reforzado por las palabras del protagonista que lo expresa claramente y sin tapujos)



Dejando de lado las comparaciones entre ambas películas en lo que a historia y personajes se refiere, el sello de Edwards queda patente a la hora de rodar tanto "Godzilla" como "Monsters". En ambas cintas nos volvemos a encontrar con áreas restringidas donde los personajes han de llevar máscaras, bien sea por la radiación bien sea por los gases con los que se intenta matar a los monstruos, de hecho la impactante imagen de Bryan Cranston en el área restringida de "Godzilla" podría formar parte de "Monsters" y nadie nos daríamos cuenta el cambio, del mismo modo y si no fuera por el traje que lleva este, el momento en el que Kalder y Whitney Able caminan con las máscaras puestas también podría formar parte de Godzilla sin ningún problema. Pero no son estos los únicos referentes o conceptos que parecen saltar de una cinta a otra: la obsesión de Edwards por usar la televisión como medio para transmitir los sucesos que están ocurriendo, el uso de barcos, aviones o submarinos en medio de la selva para crear una atmósfera amenazadora y desasosegante, el concepto de los huevos y la reproducción (Sacrificando a la selva y a los árboles)  o mostrando ciudades destruidas sin entrar en mucho detalle de lo que ha pasado (Idea esta que puede decepcionar a los amantes de la acción pura y dura ya que la gran escena de acción se hace esperar. Si en "Monsters" los monstruos tardaban mucho en hacer su gran aparición, no contamos las imágenes de las noticias, en "Godzilla" la aparición de este también tarda mucho en suceder y casi queda relegado a un segundo lugar, resultando extraño que casi un personaje secundario de nombre a toda una película). Dejo una serie de imágenes de "Monsters" como ejemplo de los conceptos usados por el director también en "Godzilla"




Pero Gareth Edwards sabe que lo que tiene entre manos es una película que tiene que ofrecer espectáculo y pirotecnia. En una segunda parte en la que deja de lado la carga dramática y los personajes, este se centra en ofrecer todo aquello que podemos esperar de una película como esta aunque su personal sello sigue presente y no vamos a encontrarnos con una cinta al uso (Dentro de lo que se entiende por cine comercial y cine espectáculo). Llegados a este punto tenemos demasiado presente el recuerdo de la última y muy entretenida película de Guillermo del Toro "Pacific Rim" no solo por las peleas que nos deja la cinta de Edwards si no también por el diseño de las criaturas donde alguna de ellas podría pasar por un Kaiju de la película de del Toro sin problemas. El concepto del cine espectáculo de Edwards acaba empapándose de el del director mejicano pero donde este fallaba con un protagonista falto de carisma, Edwards que parece haberse estudiado la cinta de del Toro, no cae en ese error y escoge al muy prometedor Aaron Taylor-Johnson para dar vida a su protagonista. Aunque desde mi punto de vista ambas cintas resultan entretenidas no deja de ser decepcionante que historias tan trabajadas acaben por usar recursos mil veces visto y que ya cansan. Como espectadores nos merecemos que las partes finales de estas historias estén mas trabajadas e intenten aportar algo distinto). "Godzilla" podría funcionar casi como una precuela de "Pacific Rim" donde se nos podría explicar como empezó la lucha entre los hombres y los Kaiju o también podría funcionar también como precuela de "Monsters" y su zona restringida..


Por mucho que el director y el guionista haya querido dotar de entidad y de carga dramática a sus personajes es una lastima el poco peso de los personajes femeninos en esta cinta relegando su presencia a algo casi secundario. Es inevitable pensar en "Objetivo: La Casa Blanca" ("Olympus has fallen") de Antonie Fuqua no solo por el concepto del héroe que se ve en medio de una situación que le desborda si no también porque el personaje interpretado por Radha Mitchell es exactamente el mismo que el que interpreta una muy desaprovechada Elizabeh Olsen. Este puede ser el mayor pero que se le puede poner a esta cinta: la poca fuerza y el poco carisma de los personajes femeninos. "Godzilla" resulta una muy entretenida cinta, diferente de lo que muchos pueden esperar pero que nos regala grandes escenas que recordaremos durante mucho tiempo (El protagonista en las vías del tren, los paracaidistas cayendo en medio de la ciudad...) y que nos deja una extraña pregunta acerca de un elemento propio de este tipo de películas: ¿Alguien puede decirme cuantas banderas de los Estados Unidos aparecen en "Godzilla"? Quien quiera olvidarse de la versión de Emmerich y disfrutar de una visión con personalidad propia del monstruo japonés aquí tiene una gran oportunidad.



Lo Mejor: La escena de los paracaidistas aterrizando en medio de la ciudad 
Lo Peor: La poca entidad de los personajes femeninos.

domingo, 11 de mayo de 2014

Crítica: Snowpiercer - Rompenieves

Título: Snowpiercer - Rompenieves
Año: 2013
Género:  Ciencia Ficción
Duración:  126 min
Director: Bong Joon-ho
Guión: Bong Joon-ho y Kelly Masternson según el comic "Le Trasnperceneige" de Jaques Lob, Benjamin Lengrad y Jean-Marc Rochette
Música: Marco Beltrami
Interpretes: Chris Evans, Jamie Bell, Tilda Swinton, John Hurt, Ed Harris, Luke Pasqualino, Ewen Bremner, Octavia Spencer, Song Kang-ho, Ko Ah-sung, Alison Pill
Nota: 8
Sinopsis:  Tras un experimento fallido para luchar contra el cambio climático, la humanidad se ha visto condenada a viajar en un tren que recorre la superficie helada del planeta. El orden establecido en el tren será cuestionado por las personas que habitan los últimos vagones, el estrato mas bajo en este nuevo orden social.

Crítica:
No hay nada más terrorífico que una película que de alguna manera hable de la sociedad actual y que muestre hasta donde puede llegar el ser humano. Para asustarnos de verdad no hace falta llenar la pantalla de terribles y amenazantes criaturas que nos acechan, de litros y litros de sangre o de temibles pasillos oscuros en los que no sabemos que nos vamos a encontrar, no, Bong Joon-ho sabe que para asustarnos de verdad solo tiene que abrirnos los ojos y que veamos lo que ocurre a nuestro alrededor, hasta donde seriamos capaces de llegar por los nuestros y por nosotros mimos y para ello nada mejor que llevar a la gran pantalla la notable novela gráfica de Jaques Lob, Benjamin Lengrad y Jean-Marc Rochette "Le Trasnperceneige"


Después del salto al cine americano de Park Chan-wook con su excelente "Stoker" donde este fue capaz de llevar a su terreno una historia mil veces vista creando esa malsana atmósfera en la que el director surcoreano se mueve a la perfección y donde no se dejó doblegar por la presencia de Nicole Kidman siendo esta una estrella al servicio de un director y no al revés, y después de que Kim Jee-woon hiciera lo propio con "El último desafío" ("The Last Stand") una película realmente entretenida pero donde el director en este caso si que tuvo que sucumbir a la hora de realizar un producto hecho por y para el lucimiento de su estrella principal Arnold Schwarzenegger (Aunque el sello del director estaba presente en bastante escenas de la película este quedaba demasiado diluido en el conjunto de la misma), llega ahora la primera película internacional de Bong Joon-ho otro de los grandes autores surcoreanos que junto con los dos citados anteriormente y con Kim Ki-Duk ("Samaritan Girl") o Na Hong-ji ("The Chaser") entre otros han conseguido llevar al cine de aquel país a ser uno de los mas apreciados por los cinéfilos.


"Snowpiercer" narra la terrible historia de los últimos supervivientes de la raza humana condenados a viajar en un tren autosuficiente en medio de un mundo congelado. Debido a las bajas temperaturas si el tren se para todos morirán, si alguien sale del tren esa persona morirá, toda esperanza se ha desvanecido hasta que un grupo de personas del vagón de cola, socialmente hablando la clase mas baja que viaja en el tren, emprenderán una revolución con la intención de que las cosas cambien. Tan interesante premisa es usada con notable inteligencia por el director consiguiendo que el espacio único de los vagones del tren donde se desarrolla la historia no canse al espectador, el uso de los diferentes vagones que van mostrando los diferentes estratos sociales y el funcionamiento del tren junto con el gran ritmo con el que Bong Joon-ho dota a su cinta (y es que los 126 minutos de la película se pasan volando) es crucial para esto.


"Snowpiercer" como muchas obras de ciencia ficción no se anda con rodeos, su mensaje es claro y en ningún momento oculta aquello que quiere explicar, esta no es una de esas cintas que quedan abiertas a la interpretación del espectador y por desgracia la historia que narra la película no puede ser mas actual y desoladora ya que extrapolar lo que Bong Joon-ho nos cuenta a lo que esta ocurriendo a nuestro alrededor resulta tan sencillo como escalofriante, solo hay que escuchar el discurso de la excesiva Tilda Swinton para que, en caso de albergar alguna duda acerca de lo que vamos a ver, esta se disipe rápidamente (Impactante no solo el discurso si no también el acto represivo que lo acompaña). El hecho de estar ante una superprodución comercial (Aunque el estreno en España no esta a la altura de lo que se suele hacer con este tipo de películas) que se puede inscribir dentro del género de la ciencia ficción o de la acción puede hacer que mucha gente no considere a esta película dentro del género de cine político, la apariencia y el exceso de efectos hará que mas de uno pueda relegar a un segundo plano las intenciones y el mensaje de esta cinta, si es así craso error, por desgracia todavía hay mucha gente que considera que no se puede mezclar crítica social y acción en una película con ínfulas comerciales. (No debemos olvidar que algunas de las anteriores cintas de Bong Joon-ho se han mostrado terriblemente críticas con las injusticias: la pésima investigación por parte de la policía en "Crónica de un asesino en serie" ("Memories of murder") o la lucha de una madre por demostrar que su hijo con problemas mentales es inocente en "Mother", por lo que no debemos dejar de pensar que el director surcoreano ha cogido parte de sus obsesiones y las ha desarrollado con mas dinero y mas medios pero su esencia sigue presente).


A pesar de la gran carga crítica que posee esta película, Bong Joon-ho no quiere rodar solo una cinta para que los pseudo intelectuales sean capaces de analizar el simbolismo de cualquier mínimo detalle que aparece en pantalla por lo que el director surcoreano no se aleja de la acción dejándonos una serie de escenas en las que por desgracia hay un exceso de cámara lenta (Si muchas cintas como "300" dejaran de lado la cámara lenta es posible que su duración se viera francamente mermada, parecido ocurriría con películas tipo "Ong-bak" si no repitieran la misma escena varias veces desde distintos puntos de vista). Si Park Chan Wook nos dejó en "Old Boy" una memorable escena en un pasillo, en "Snowpiercer" donde el director surcoerano ejerce de productor, Bong Joon-ho cambia ese escenario por otro similar (rectangular y alargado, un vagón de tren) para rodar ciertas escenas demasiado deudoras de la obra maestra de Park Chan Wook (Si después de ver "Old Boy" y "The Raid" me pongo frenético cuando me encuentro en un pasillo, ahora cuando suba a un tren creo que voy a tener la misma sensación)  "Snowpiercer" no es al gran película de acción que muchos pueden esperar, aunque hay acción esta no deja de ser un elemento que complementa a la historia y no la justificación de la historia en si misma, el diseño del malo de la película que por momentos parece familia del Agente Smith de "Matrix" puede llevarnos a engaño en este punto.


Bong Joo-ho vuelve a contar para su última película con uno de nuestros actores surcoreanos favoritos: Song Kang-ho ("El bueno, el malo y el raro" de Kim Jee-woon, "The host" y "Memories of murder" ambas de Bong Joon-ho o "Thrist" de Park Chan-wook) que vuelve a mostrar su versatilidad y solvencia para sacar adelante cualquier papel y al que acompaña un gran elenco internacional donde destacan un mas que sorprendente Chris Evans que demuestra que es mucho mejor actor de lo que muchos nos pensábamos (yo entre ellos), un muchas veces inquietante Ed Harris y con John Hurt y Tilda Swinton que coinciden por segunda vez en pantalla en un año después de hacerlo en la visión del mundo de los vampiros del siempre personal Jim Jarmusch, pero a diferencia de lo que ocurría en "Solo los amantes sobreviven" ("Only lovers left alive") donde ambos actores resultaban perfectos, en "Snowpiercer" la excesiva y exagerada actuación de Tilda Swinton que raya la parodia resulta totalmente fuera de lugar y no ayuda para nada a lo que nos están intentando contar. Este personaje junto con la terrible canción de los críos en la escuela que parece sacada directamente del "Amanece que no es poco" de José Luis Cuerda son lo peor de la cinta y que nos dejan algunos de los momentos mas flojos y que frenan de manera sustancial el ritmo de la cinta aunque Bong Joon-ho es perro viejo y consigue superar estos bajones donde su película se desinfla para volverla a sacar a flote. 


"Snowpiercer" es una película que hay que ver sin pensar en la lógica de lo que nos están contando. No hemos de buscar una explicación como tal a todos los vagones que vemos pero sobre todo a los que no vemos, no hemos de plantearnos donde se mete algún personaje que parece desaparecer en alguna toma donde se supone que debería estar y aunque vamos a encontrar muchas respuestas es probable que alguna pregunta que se haga un espectador minimamente avispado quede sin responder. Desconozco la obra en la que se basa la cinta pero "Snowpiercer" la película ha sacrificado o ha dejado de lado cierta lógica para profundizar  en la metáfora para formular su critica, para hacernos llegar el mensaje sin ningún tipo de dudas. Esta es una película a la que se le pueden buscar las cosquillas pero hemos de quedarnos con lo principal, "Snowpiercer" es una grandisima película de ciencia ficción en la línea de excelentes distopias como "1984", "Brazil", "Hijos de los hombres" y sobre todo "Cuando el destino nos alcance" ("Soylent Green"). El resultado final del salto de Bong Joon-ho esta mucho mas cerca de lo conseguido por Park Chan Wook con "Stoker" que de lo de Kim Jee-woon con "El último desafío".A pesar de contar con un elenco de actores capaz de eclipsar a cualquiera  el trabajo del director sale indemne y esta es una notable cinta que hay que ver y sobre la que hay que pensar y reflexionar.



Lo Mejor: Se puede mezclar cine con mensaje y acción de manera notable.
Lo Peor:  La cancioncilla en la escuela

viernes, 9 de mayo de 2014

Crítica: The Machine

Título: The Machine
Año: 2013
Género: Ciencia Ficción - Thriller
Duración: 91  min
Director: Caradog W. James
Guión: Caradog W. James
Música: Tom Raybould
Interpretes: Toby Stephens, Caity Lotz, Sam Hazeldine, Pooneh Hajimohammadi, Denis Lawson, Lee Nicholas Harris, Alan Low, Sule Rimi, Siwan Morris
Nota: 4
Sinopsis: Dos científicos trabajan para el ministerio de defensa con la idea de lograr desarrollar una inteligencia artificial para luchar contra la amenaza china pero uno de ellos solo desea usar su investigación para encontrar una cura a la terrible enfermedad de su hija.




Crítica:
"The Machine" es una de esas cintas que no ofrecen lo que prometen ya que posee una soberbia primera media hora capaz de captar nuestra atención gracias a una sencilla historia de ciencia ficción con pocos efectos especiales pero con mucho ingenio y sobre todo gracias a una excelente banda sonora que hará las delicias de los seguidores de las películas de este género de los años setenta y ochenta pero que acaba echando por tierra todas las buenas ideas sobre las que cimentó la historia debido sobre todo a que el director y guionista se muestra incapaz de llevar a buen puerto todo lo que va planteando a lo largo de la película. La cinta de Caradog W. James posee elementos suficientes para hacer de ella una de esas pequeñas películas que consiguen deslumbrar a medio mundo gracias a que parece que solventar el handicap de la falta de medios con el talento como ya ocurrió con la notable "Code 46" de Michael Winterbottom donde una en principio pequeña cinta que contaba una sencilla historia de amor situada en una sociedad distópica se beneficiaba tanto de dos grandes actores como de la soberbia banda sonora de David Holmes y The Free Association pero sobre todo se beneficiaba de un extraordinario guión que apuntaba maneras y desarrollaba grandes ideas que hicieron de esta película una sorprendente cinta que gustó y mucho allá donde se vio. (Por momentos "The Machine" parece que juega en la misma liga que "Code 46" tanto por el uso de recursos como por la sociedad en la que se sitúa la historia, mucho mas desarrollado este punto en la cinta de Winterbottom, como por la importancia que se da en ambas cintas a la música, las bandas sonoras de ambas películas han recibido diversos galardones debido a su gran calidad, o por el uso y la importancia del lenguaje en dichas películas, ese idioma globalizado que hablan los personajes de "Code 46" con palabras de varios idiomas o el extraño lenguaje que usan los implantados para comunicarse)


En "The Machine", James narra la historia de Vincent, un científico obsesionado con conseguir gracias a su investigación para el ministerio de defensa una cura para salvar de alguna manera a su hija gravemente enferma. Su estudio basado en el uso de cierto implantes que llevan soldados afectados de graves daños cerebrales tiene terribles efectos secundarios como la perdida del habla, para poder seguir desarrollando su investigación este contratará a una brillante y prometedora joven. James envuelve a su historia en una atmósfera opresiva gracias al uso de la imagen y de la música haciendo que por momentos parezca que vayamos a estar ante otra "Beyond the Black Rainbow" (Película absolutamente hipnótica, tan estéticamente deslumbrante como difícil que hace que el espectador se rinda a ella incondicionalmente o la rechace de la forma mas absoluta y radical). Pero pasado el efecto inicial de sorpresa que se apoya también en una gran escena que sirve de arranque para la cinta, James parece quedarse sin ideas haciéndonos pensar que no sabe hacia donde quiere llevar tan prometedora idea y "The Machine" se acaba perdiendo, transformándose de una película altamente prometedora a una cinta mediocre, tremendamente floja y lo que es peor sin pasión. Todos los frentes abiertos por James y que podían haber dado mucho juego acaban perdidos en medio de una historia que parece desarrollar lo que menos nos interesa (No solo James desaprovecha a varios personajes de su cinta como el del militar sin brazos interpretado por el inquietante Sam Hazeldine al que veremos próximamente en la serie "Resurrection" o el de la militar que parece controlar al resto de implantados, si no que también desaprovecha toda la carga emocional de la historia basada principalmente en la relación del protagonista tanto con su hija, punto este al que el director y guionista no dedica el tiempo necesario, como con la maquina y tira por los suelos toda la carga crítica de la película tanto en lo referente a los tejemanejes empresariales, a los intereses militares como al uso de personas inocentes para terribles experimentos y la reacción de los familiares de estos... es una lastima que tan buen material se acabe desaprovechando de esta manera... Otra vez tenemos la sensación de estar ante otra gran oportunidad perdida.)


Por desgracia la historia de amor desarrollada por el director no funciona en ningún momento, la excesiva frialdad con la que trata el tema hace que para el espectador sea imposible emocionarse con ella. Por mucho que estemos tratando con una maquina la forma escogida por el director para transmitir estos sentimientos solo consigue que todo lo que ocurre en pantalla quede demasiado lejos y distante como para sentirnos, de alguna manera, participes de ello y no digamos como para emocionarnos con lo que nos están contando (Tenemos reciente el recuerdo de "Her" donde salvando las distancias el protagonista de la película se enamoraba de un sistema operativo y este de el. Siendo esta premisa tan, en principio exageradamente irreal, la sensibilidad a la hora de desarrollar la historia por parte de Spike Jonze consiguió no solo que la historia no nos pareciera descabellada si no que por momentos la historia nos emocionara). Personalmente la interpretación de Caity Lotz me resultó cargante y excesiva, hecho que hizo que su personaje acabara por saturarme lo que resulta un lastre difícilmente superable no solo por la importancia de esta dentro de la película si no también porque no deja de ser una de los dos protagonistas principales (Me resulta sorprendente que Caity Lotz recibiera el premio a la mejor actriz en el Toronto After Dark Film Festival)


Es una lastima la extraña sensación que nos queda al acabar de ver "The Machine" no solo por la gran cantidad de ideas desaprovechadas si no también por una muy floja segunda parte que coincide con la aparición de la maquina, momento este donde el interés de la historia decae rápidamente lo que hace que por momentos nos planteemos si seguir viendo la película o no. "The Machine" desperdicia todo aquello que le podía haber hecho ser diferente a otras propuestas similares y se acaba diluyendo en la mas absoluta de las medianías. Una verdadera lastima, muy floja.

Banda Sonora


Trailer




Lo Mejor: La escena inicial. La soberbia banda sonora
Lo Peor:  La segunda parte de la película resulta realmente floja.

domingo, 4 de mayo de 2014

Crítica: Vampire Academy

Título: Vampire Academy
Año: 2014
Género:  Comedia - Fantasía
Duración: 104 min
Director: Mark Waters
Guión: Daniel Waters según la novela de Richelle Mead
Música: Rolfe Kent
Interpretes: Zoey Deutch, Lucy Fry, Danila Kozlovsky, Gabriel Byrne, Dominic Sherwood, Olga Kurylenko, Sarah Hyland, Claire Foyle
Nota: 4
Sinopsis:  Rose es una Dhampir, mitad vampiro mitad humano debe de proteger a su amiga Lissa, una Moroi (Vampiros que viven tranquilamente entre nosotros), de los malvados Strigoi que intentan acabar con la paz reinante.



Crítica:
¿Una película de vampiros ambientada en un instituto tipo Hogwarts con perros digitales a lo "Crepúsculo" y donde se dan pinceladas a una historia de amor imposible debido a las circunstancias personales de los enamorados? No solo es posible si no que Daniel Waters como guionista adaptando una novela de Richelle Mead y Mark Waters como director han llevado tan comercial idea a la gran pantalla. La moda de mezclar temas típicos de las historias de terror (vampiros, hombres lobo, etc...) o ciencia ficción (una sociedad distópica) con el romance de saldo están llevando en términos de calidad y cinematográficamente hablando a las sagas de películas para adolescentes, salvo alguna honrosa excepción, a niveles realmente desastrosos.


Si la saga "Crepúsculo" dejó una muy floja historia de amor alargada hasta la extenuación (¿Realmente era necesario y no hablando en términos de taquilla dividir la última novela de la saga en dos películas?) en la que una chica tenia que elegir entre un vampiro y un hombre lobo (En algún sitio leí un chiste que decía que Bella lo que tenía que hacer realmente era decidir entre necrofilia o zoofilia), la siguiente adaptación de una novela de Stephanie Meyer "The Host" nos dejó el peor papel de la muy prometedora Saoirse Ronan en una pseudo versión de "Los ladrones de cuerpos" ("The body Snatchers") de Jack Finney pero sin la crítica ni la fuerza de esta, haciendo de la película del otrora prometedor Andrew Niccol un producto prefabricado para ver y olvidar (Nada que ver in en intenciones ni en resultado con la anterior película de Niccol, "In Time" una distópia de interesante arranque que aunque se vaciaba en cuanto dejaba de lado la crítica para convertirse en una película de acción al uso resultaba como mínimo interesante y entretenida) Otros casos como "Soy el número 4" ("I am number four") de D.J. Caruso o "Cazadores de Sombras" ("The mortal instruments: City of Bones") pasaron por muchos cines con mas pena que gloria y fueron destrozas al igual que los casos anteriores por los críticos. Solo la saga de Suzanne Colins basada "libremente" (ejem) en el "Battle Royale" de Koushun Takami, "Los juegos del hambre" ("The hunger games") parece contar con el beneplácito tanto de la crítica como del público (Recomiendo como curiosidad ver la página www.rottentomatoes.com y mirar las puntuaciones de estas películas)


Producida por los poderosos Weinstein (todavía sigo escuchando eso de que son unos productores independientes...ejem...), "Vampire Academy" tiene un alto concepto de si misma, tan alto que se permite el lujo de hacer algún chiste a costa de la saga "Crepúsculo" pero sin la mas mínima autocrítica, mostrándose incapaz de plantearse si están ofreciendo algo diferente o simplemente mas de lo mismo. Por desgracia como espectadores solo tenemos la sensación de que este uso del humor y de la ironía solo sirven para ridiculizar a aquellas películas de cuyo éxito se están intentando aprovechar ofreciendo prácticamente lo mismo.


"Vampire Academy" narra las aventuras de Lissa Dragomir, una Moroi, la última vampira descendiente de un gran linaje de vampiros que murieron en un accidente y que esta destinada a hacer grandes cosas o al menos eso parece (Tranquilos, Lissa no tiene ninguna cicatriz en la frente a lo Harry Potter) y su protectora Rose Hathaway (Verdadera protagonista de la película) cuya misión es defender a Lissa de los posibles ataques de los Strigoi que lo único que anhelan es acabar con los Moroi (Mark Waters utiliza el principio de la película para hacernos familiares todos estos conceptos y contarnos mediante el uso de la voz en off que son todos estos tipos de vampiros y pseudo vampiros y que quieren). Resulta preocupante el mensaje que pueden transmitir algunas de estas sagas juveniles como "Crepúsculo" con su defensa a ultranza de la castidad y esa sensación de que si una chica no esta con alguien poco menos que es un ser incompleto o esta muestra de clasismo y esclavitud de "Vampire Academy". La protagonista de la película, Rose Hathaway interpretada con gran acierto por Zoey Deutch tiene asignado desde su nacimiento el honorable trabajo de defender a un vampiro de los Strigoi, hasta aquí todo puede resultar muy bonito o incluso romántico el problema lo encontramos cuando empezamos a analizar todo lo que subyace bajo esta idea: No solo la protagonista ha de sacrificar su vida personal para defender a otra a la que curiosamente se le enseña a usar la magia y dominar los elementos (Agua, fuego, etc...) pero que necesita a alguien que lo único que sabe hacer es... ¿¿Pelear??? (Espero que o bien en las novelas o bien en las siguientes películas si es que las hay muestren a los Dhampir con mas recursos que el de la mera fuerza bruta... por momentos me viene a la cabeza "Metropolis" arriba los dueños de la ciudad abajo los trabajadores de cuyo esfuerzo se benefician los primeros) si no que ante un mismo hecho punible protagonizado al principio de la película por las dos protagonistas el castigo es totalmente distinto, clara muestra del clasismo existente en la Academia y de la falsa sensación de libertad que parece que pueden tener los Dhampir. Queda claro durante toda la película que a pesar de que Rose no quiere estar donde está (La cinta esta plagada de frases que demuestran esto) se siente satisfecha con su gran trabajo para defender a su amiga (Tan amigas son que hasta tienen un vinculo especial). La idea de la importancia de que una persona tenga que sacrificar su vida personal por el bien de otra de un estrato superior, la idea de que tu sacrificio te hace ser valioso dentro de una sociedad estratificada es un mensaje o una idea ciertamente preocupante.


Dejando de lado la historia y los posibles mensajes que podamos percibir, es una lastima ver a Gabriel Byrne en una película como esta aunque su trabajo y el de las dos protagonistas es de lo poco que se puede salvar. Tema aparte es la lamentable presencia de Joely Richardson como la reina Tatiana que nos deja en pantalla junto con la sobreactuación de Olga Kurylenko los momentos más ridículos de toda la película. "Vampire Academy" no deja de ser una vulgar historia de misterio con toques de humor para adolescentes pero donde ni el humor funciona (El supuesto personaje cómico de la cinta, la hija del personaje interpretado por Gabriel Byrne pone literalmente de los nervios) ni el supuesto misterio consigue captar nuestro interés. Ni siquiera las escenas de acción consiguen sacarnos del tedio, solo los apuntes amorosos de la protagonista con Dimitri otro Dhampir resulta interesante pero esto no deja de ser una historia secundaria dentro de toda la trama de la película (Aunque tampoco tenemos claro se no se haya usado esta historia de amor como una mera excusa para desviar nuestra atención ante una posible relación lesbica por parte de las protagonistas). Pero no todo es malo en "Vampire Academy", la caracterización de los Strigoi o el concepto de la cafetería de la academia sin ser dos ideas novedosas si que resultan agradables y funcionan muy bien en pantalla, lastima que la relación entre humanos y vampiros no este desarrollada del modo que nos gustaría.


"Vampire Academy" es una cinta prefabricada para gustar o intentar gustar a los adolescentes. La sombra de Harry Potter es alargada y la mas que obvia comparación más que ayudar puede resultar un lastre ya que hay que dejar de lado referencias tan claras para marcar un terreno propio y desarrollar ciertas ideas y conceptos de manera original  e independiente. La falta de autocritica, el alto concepto que tiene esta película de si misma junto a algunas interpretaciones desastrosas y una historia que no funciona hacen de esta película una de esas cintas que no acaban por cuajar que y acaba aburriendo. Realmente floja, una gran decepción.




Lo Mejor:  El esfuerzo de la protagonista por sacar su papel adelante.
Lo Peor:  Ni el misterio ni el humor acaban por funcionar.

jueves, 1 de mayo de 2014

Crítica: El Heredero del Diablo - Devil's Due

Título: El heredero del diablo - Devil's Due
Año: 2014
Género:  Terror
Duración: 90 min
Director: Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett
Guión: Lindsay Devlin
Interpretes: Allison Miller, Zach Gilford, Sam Anderson, Roger Payano, Vanessa Ray, Bill Martin Williams, Geraldine Singer, Donna Duplantier
Nota: 3
Sinopsis:  Lo que promete ser una feliz vida juntos se convierte en una autentica pesadilla cuando Samantha y Zach regresen de su viaje de novios y descubran que ella esta embarazada.






Crítica:
Me cansa el found footage, me cansan todas esas películas donde la obsesión del protagonista es grabarlo todo con su cámara y donde este hecho es el que sirve para narrar y dar ritmo a la película ya que en la mayoría de los casos el uso de la cámara supedita a todo lo demás y nos deja historias realmente flojas y sin el mínimo interés. Salvo contadas excepciones como la sorprendente "Rec" que demostró que a este recurso se le puede sacar mucho juego y puede ser usado para aterrorizarnos, la muy leve pero entretenida "The Dyatlov Pass Incident" ("Devil Pass") donde la falta de pretensiones es su mayor virtud y si a eso sumamos que Renny Harlin que aunque es capaz de lo mejor y de lo peor esta tras la cámara hacen de esta película una cinta a la que como mínimo hay que dedicar un visionado, pero sobre todo  si el uso de la cámara por parte del protagonista, el uso de las cámaras de seguridad de, por ejemplo, bancos y hospitales acompañan a una gran historia, a algo capaz de ofrecernos algo nuevo dentro del encorsetamiento propio de este género y variantes como es el caso de la notable "Chronicle" o de la muy entretenida "End of Watch" hace que podamos llegar a disfrutar y mucho de este tipo de cintas. El problema viene cuando no hay nada que contar o cuando lo que se quiere plasmar en pantalla no deja de ser una mera excusa para hacer un producto destinado a explotar el para mi muy extraño éxito de una saga como la de "Paranormal Activity".


Una pareja de recién casados viajan a Santo Domingo en su viaje de novios, allí y tras la típica y terrorífica visita a una vidente que les avisará del peligro que les acecha (Creo que me faltan dedos en las manos para contar el número de veces que se ha usado un personaje como este en este tipo de películas) serán llevados por un muy servicial taxista a una extraña fiesta (Resulta sorprendente que con lo paranoicos que son los americanos y por mucho que sea el último día de su luna de miel se dejen guiar por alguien que acaban de conocer para que los lleve a una fiesta situada sabe dios donde... y luego les sorprenderá volver con un hijo del mismísimo Diablo...). Tras la vuelta de las vacaciones ella descubrirá que aunque la píldora tiene una eficacia del 99% a veces falla y esta embarazada. A partir de aquí la película se mueve usando todos los tópicos que nos podamos imaginar pero sin la mas mínima gracia o sin sacar provecho de ellos como esas presencias extrañas que acosan a la familia y que colocan cámaras de vigilancia en la casa (Gracias a esto nos olvidamos de nuestro odio al protagonista que parece por momentos mas preocupado por la cámara que por su mujer) o muchos de los efectos secundarios que sufre la protagonista durante el embarazo y que nos llevan a pensar que estamos ante un cruce entre "Rosamary's Baby" y la saga de "Paranormal Activity", pero por desgracia de la primera hay muy poco y de la segunda hay demasiado.



El problema de una película como esta es que queremos pasar miedo, queremos que nos asusten de verdad como hicieron Jaume Balaguero y Paco Plaza en "Rec" bien sea mediante sustos previsibles (a veces muy eficaces), mediante el típico gato que salta sin venir a cuento o mediante cualquier recurso novedoso o no, pero lo que no queremos es enfrentarnos a una cinta de hora y media de duración en la que durante sus primeros 50 minutos no pasa nada reseñable, por lo menos en el buen sentido porque junto a elementos que prometen pero resultan totalmente desaprovechados como ese extraño cambio de ginecólogo, los directores nos regalan toda una serie de escenas ridículas (Samantha comiendo compulsivamente carne en un supermercado se lleva la palma... ¿Realmente una idea como esta no daba para hacer una escena realmente perturbadora?) a lo que hay que sumar demasiados tiempos muertos que nos llevan a pensar que la historia avanza mas por inercia que porque esta fluya de manera natural.




Es de agradecer que la cinta despierte del letargo al que parecía condenada hacia el final de la misma y donde nos encontramos con las escenas mas interesantes aunque alguna de ellas parezca sacada directamente de "Chronicle" como el momento de los tres chicos en el campo, pero un clímax final demasiado previsible y un epílogo totalmente decepcionante hacen que la sensación final sea francamente mala. Una lastima que este haya sido el debut en el largo de los mismos directores que rodaron el corto "10/31/98" para "V/H/S", habrá que esperar a su siguiente película para ver si lo se "V/H/S" fue suerte o si este "Devil's Due" ha sido un garrafal error.




Como apunte final hay dos cosas que me sorprenden en este tipo de cine: Primero, el profundo conocimiento que poseen los curas de toda la Biblia y que hace que sean capaces de recitar de memoria cualquier cita indicando de quién es y a que versículo corresponde.  (Personalmente me entran ganas de cada vez que me encuentre algún cura por la calle decirle el nombre de un profeta y un versículo al azar haber si hay suerte y me lo recita) y segundo, el problema de la protagonista no es su embarazo ni llevar el anticristo en su vientre si no un marido totalmente obsesionado con grabarlo todo de forma compulsiva lo que nos lleva a pensar que si aunque ella no se hubiera quedado embarazada de Satán este matrimonio estaba condenado al fracaso de antemano ya que debe de ser difícil compartir a tu marido con una maquina, la obsesión del protagonista por grabar todo es algo que me saca de quicio. "Devil's Due" es una película francamente decepcionante, aburrida hasta decir basta. Por desgracia una gran campaña de marketing nos ha hecho a muchos pagar una entrada para ver una película tan floja como esta. Muy aburrida.




Lo Mejor:  La escena de los chicos en el campo.
Lo Peor:  Es muy aburrida. La obsesión por la cámara por parte del protagonista resulta cuanto menos exasperante