domingo, 24 de agosto de 2014

Crítica: À L'intérieur - Inside

Título: À L'intérieur - Inside
Año: 2007
Género: Terror - Thriller
Duración: 82 min
Director: Alexandre Bustillo y Julien Maury
Guión: Alexandre Bustillo y Julien Maury
Música: François Eudes
Interpretes: Alysson Paradis, Béatrice Dalle, Jean-Baptiste Tabourin, Nathalie Roussel, Ludovic Berthillot, Emmanuel Lanzi, Nicolas Duvauchelle, Aymen Saïdi
Nota: 8
Sinopsis: Tras la muerte de su pareja en un accidente de tráfico, Sarah se prepara para pasar la noche sola en casa a la espera de ir al día siguiente al hospital para dar a luz. La presencia de una perturbada mujer hará que esa noche se convierta en una autentica pesadilla.



Crítica:
Resulta llamativo que películas tan dispares como "El Odio" ("La Haine") de Mathieu Kassovitz, "À L'ìntérieur" de Maury y Bustillo o "Frontière(s)" de Xavier Gens basen toda o parte de las historias que nos cuentan en diversas revueltas que se han ido repitiendo en los suburbios de ciudades francesas a lo largo de los años y resulta mas sorprendente que dos películas que se inscriben dentro del género de terror y que poseen abundantes toques gores y de violencia extrema usen estos hechos para desarrollar ciertas escenas, situaciones y personajes de la película fueran producidas el mismo año (Tanto "À L'intérieur" y "Frontièrs(s)" se rodaron en el 2008 y hay que apuntar que un año antes, en el 2007, se produjeron violentos disturbios en París tras la muerte de dos jóvenes al colisionar la motocicleta en la que viajaban con un coche de policía). Si Mathieu Kassovitz basó su película en el terrible asesinato de un adolescente a manos de la policía en 1993 para narrar 24 horas en la vida de tres jóvenes que viven en los suburbios para rodar una cinta que se inscribe dentro del cine de denuncia social dejándonos un mensaje tan realista como pesimista, Gens, Maury y Bustillo utilizan las revueltas como un elemento meramente anecdótico sin profundizar en las causas o motivos ni usarlo como metáfora de todo aquello que vamos a ver a continuación. Kassovitz comenzaba su película con un impresionante monologo que indicaba que esta es la historia de un hombre que cae de un edificio de 50 pisos y a cada piso que pasa se dice: Por ahora todo va bien, por ahora todo va bien. Pero lo importante no es la caída si no el aterrizaje. Este mensaje u otro mensaje parecido por mucho que por ejemplo Gens utilice a neo nazis en su cinta queda del todo diluido ya que tanto "Frontière(s)" como "À L'Intérieur" no consideran estos hechos como el fundamento de sus historias.


Si "Frontière(s)" se aleja radicalmente de la propuesta de la cinta de Kassovitz para acercarse mas a cintas como "La matanza de Texas", "À L'ìntérieur" hace lo propio y usa los disturbios para presentarnos a la protagonista, su trabajo pero sobre todo para justificarnos la irrupción de una patrulla policial con un detenido. Maury y Bustillo presentan la historia de una joven la noche antes de ir al hospital para provocarle el parto. Debido al trauma que arrastra tras el fallecimiento de su marido en un accidente de tráfico, esta decide pasar la noche sola. Una extraña y perturbada mujer que le pide hacer una llamada y que parece saber mucho de ella dará un giro radical a la situación y hará que la noche se torne en una autentica pesadilla. Los directores ruedan una brutal cinta con un escaso metraje para lo que estamos acostumbrados últimamente (alrededor de 80 minutos) ligeramente lastrada por un comienzo excesivamente lento donde Maury y Bustillo se toman su tiempo, quizá demasiado para este tipo de películas, para presentarnos a los personajes y para explicar el trauma de la protagonista (Con alguna escena que no sabemos muy bien porque hace que "Ghost" nos venga a la cabeza) . Resulta apreciable el intento por parte de los directores y guionistas para crear unos personajes que tengan algo que decir, por lo menos en el caso de la protagonista, que no sea el típico personaje plano sin ningún tipo de profundidad y con el que de otra manera nos hubiera sido casi imposible empatizar, pero por momentos parece que Maury y Bustillo usan ese tiempo para llegar a una duración mas o menos estándar para la película (El encuentro con la enfermera podría haberse dejado en la sala de montaje y no hubiera pasado nada) lo que lleva a que la primera media hora de película pueda hacerse un tanto pesada y cuesta arriba para un espectador impaciente (Y mas si antes ha visto por ejemplo "Martyrs"). Este hecho, el rodar un comienzo demasiado largo y un tanto lento para darnos a conocer la historia y familiarizarnos con los personajes se hace todavía mas patente en "Livide" cinta infravalorada pero muy recomendable gracias a su atmósfera malsana y a una parte final que como ocurre con "À L'intérieur" ofrece todo lo que esperamos de ella y que hará que ningún espectador aficionado a este tipo de cine violento y extremo se sienta decepcionado.


 Pero aparte del uso de los conflictos sociales en Francia en las tres películas antes mencionadas hay algo mas que sorprende en "À L'intérieur". Dejando de lado el uso de la violencia extrema y centrándonos en temas meramente arguméntales es imposible no encontrar paralelismos entre la cinta de Maury y Bustillo y "Macabre" ("Rumah Dara") de The Mo Brothers (Kimo Stamboel y Timo Tjahjanto). Preguntado Tjahjanto acerca de la posible influencia de la película de Maury y Bustillo en su cinta, este reconoce que no vio la película de los franceses hasta después de acabar de escribir el guión de su película y que la violencia y brutalidad de la que hace gala la cinta de los franceses no tiene comparación posible. Aún así y teniendo en cuenta las palabras del director hay varias ideas parecidas, demasiado parecidas a ambas cintas lo que hace inevitable hablar de ellas. Resulta meramente anecdótico que ambas cintas transcurran en un espacio único: una casa (El comienzo de las dos películas además de servir para presentarnos a los personajes sirve también para justificarnos la presencia de los protagonistas en dicho espacio único bien sea por ayudar a una persona que se encuentra en  la carretera en medio de una tormenta o por esperar a que llegue el momento de forzar el parto) si no en la composición y creación de dos personajes y una situación demasiado parecida en ambas películas.


No solo el personaje que supone una amenaza para los protagonistas resulta excesivamente parecido tanto en la forma de vestir, el estilo al moverse, en el grado de psicopatía del que hace gala pero muy especialmente en la relación que establece con una de las victimas, en ambos casos una chica joven embarazada cuyo hijo se acabará convirtiendo en su máxima obsesión. Tanto el personaje de Dara (Shareefa Daanish) en "Macabre" como el de la mujer (Béatrice Dalle) en "À L'intérieur" podrían intercambiarse sin que apenas lo notáramos (Aunque hay que reconocer un hecho que si que diferencia a ambos personajes y esa esencia sobrenatural que emana el personaje de Dara del que carece el interpretado por la Dalle, además de que Dara se mantiene en todo momento mucho mas fría que Dalle que muestra en muchos momentos sus debilidades) La presencia de la policía en ambas películas también resulta demasiado similar, tanto en la cinta de Maury y Bustillo como en la de The Mo Brothers una patrulla de la policía interrumpirá en la historia, en ambos casos cuatro nuevos personajes (Aunque en la cinta de los franceses solo tres son policías ya que el cuarto es un joven arrestado en las revueltas) que se verán envueltos en una espiral de brutalidad y violencia en la casa en una escena que curiosamente en ambos casos sucederá a oscuras. Queda claro que la cinta de Maury y Bustillo es un claro referente del cine de terror reciente y que por desgracia no recibió la cobertura publicitaria que merecía siendo relegada en España a que esta solo pudiera ser visionada en diversos festivales.


"À L'intérieur" es una película que gustará a los aficionados al cine de terror con toques de extrema violencia, que no se anda con tonterías y que a pesar de un comienzo un tanto lento acaba por ofrecer todo lo que esperamos de ella. Maury y Bustillo crean una obra de referencia en el cine de terror contemporáneo que se beneficia de una gran Beatrice Dalle que da vida a una gran psicópata, papel que merece ser recordado por los amantes del terror y del trabajo de Alysson Paradise capaz de enfrentarse al reto de sacar adelante a un personaje complicado que se encuentra en una situación que la desborda y que ha de mostrar en pantalla tanto fragilidad como por momentos una fuerza extrema.  Maury y Bustillo demuestran, tanto en esta película como en "Livide", que se saben mover perfectamente entre sombras y crear atmósferas y ambientes del todo perturbadores. Los realizadores franceses son dos directores a los que merece la pena seguir y que demuestran que el cine fantástico y de terror francés tiene y mucho que decir. Muy Recomendable.


Lo Mejor: Los últimos cinco minutos de película, hay que verlos...
Lo Peor: Cierta lentitud en la primera parte de la cinta

domingo, 17 de agosto de 2014

Crítica: Martyrs

Título: Martyrs 
Año: 2008
Género: Terror - Thriller
Duración: 99 min
Director: Pascal Laugier
Guión: Pascal Laugier
Música: Seppuki Paradigm
Interpretes: Morjana Alaoui,  Mylène Jampanoï, Catharine Bégin, Xavier Dolan, Isabelle Chasse, Robert Toupin, Patricia Tulasne, Juliette Gosselin, Emilie Miskdjian
Nota: 9
Sinopsis: Siendo niña Lucie fue salvajemente torturada. Años mas tarde dará con las personas que le hicieron pasar por todo ese infierno y decidirá vengarse...





Crítica:
Ensayo sobre la muerte y el sufrimiento en 3 actos con prólogo. Así podríamos definir a la película que catapultó a la fama a Pascal Laugier allá por el 2008 (Su anterior cinta "El internado" -"Saint Ange" pasó por las carteleras con mas pena que gloria). Poco se puede decir acerca de esta cinta que no se haya dicho ya y es que la brutalidad de las imágenes que usa el director francés para narrarnos la historia de tortura y venganza en la que se ven envueltas las dos protagonistas junto con una gran campaña publicitaria (En España se habló y mucho del estreno en Sitges de esta, la película que iba a provocar desmayos en la sala de cine, incluso el propio festival se hace eco de los vómitos provocados en algún espectador al finalizar el pase  y no solo eso si no que el propio festival anunció la presencia de una ambulancia a la salida del cine por si algún espectador lo necesitaba) que consiguieron hacer de "Martyrs" una película de culto desde su primera proyección y que se encumbrara como una de la películas mas extremas jamás rodadas (Las campañas publicitarias de las películas merecen un análisis en profundidad ya que en muchos casos intentan explotar el morbo y el escándalo, basta recordar el caso de "Seom" - "La Isla" de Kim Ki Duk donde de lo que mas se habló en su momento no fue de la película si no del desmayo o del supuesto desmayo provocado por ciertas escenas de la cinta del director surcoreano durante la proyección de la misma en el Festival de Venecia. Tampoco debemos olvidar otros casos de publicidad vergonzosa como la primera proyección de "Repo! The genetic opera" en Sitges intentando confiscar cámaras fotográficas e incluso móviles, obligando a desalojar la sala a parte del público que ya estaba dentro, lo que a priori parecía el intento de evitar que la cinta llegara a la red antes de tiempo se convirtió en truco publicitario que llenó tiempo y espacio en los telediarios y en la prensa especializada.)


Laugier no se anda con tonterías ni con inútiles rodeos, tras lo que podríamos definir como un breve prólogo donde se nos explican las torturas a las que fue sometida una de las protagonistas y el comienzo de su amistad con Anna, el director francés se centra en la violencia mas extrema para dejarnos una de las películas mas mal rolleras vistas en mucho tiempo (Quien tenga ganas y sobre todo estomago debería completar el visionado con esta cinta con "À l'intérieur" de Maury y Bustillo, brutal cinta injustamente eclipsada por esta que si bien a diferencia de "Martyrs" se toma su tiempo, quizá demasiado y mas en una película de tan breve duración, para presentarnos a los personajes y centrarnos en la historia para acabar dejándonos una parte final salvaje como pocas y convirtiendo esta película en una de esas cintas cuyo visionado tendría que estar prohibido para las embarazadas. Con todo "À l'intérieur" es hasta la fecha y a la espera de ver "Aux yeux des vivants" la mejor película del dúo ya que su infravalorada y un tanto decepcionante "Livide" aún siendo una buena muestra de género recalcaba las debilidades de los directores a la hora de construir una historia como una primera parte un tanto larga y sin la fuerza y el ritmo necesario)


A pesar de que "Martyrs" esta rodada casi en un espacio único y que la historia tiene una estructura clásica, Laugier parece dividir a su cinta en tres partes claramente diferenciadas pero conectadas perfectamente gracias no solo a la historia en si misma si no también gracias a un personaje principal que sirve de nexo común para contarnos lo que esta ocurriendo en pantalla. Aún así Laugier no acaba de justificar de la manera que sería necesaria ciertas situaciones importantes para el desarrollo de la historia y para las que no acabamos de ver ningún tipo de lógica excepto por el simple hecho de forzar a las dos amigas a continuar en la casa y que la historia siga fluyendo como el director tiene en mente. Laugier parece sacrificar cierta coherencia a la hora de forzar ciertas situaciones en pos del efectismo y la violencia lo que hace que las imágenes nos puedan cegar a la hora de analizar ciertas situaciones que ocurren en pantalla. Pero que sería del cine de terror sin esa inexplicable forma de actuar y afrontar lo que ocurriendo por parte de los protagonistas, sin bajar por las escaleras mas lúgubres del mundo mientras un asesino esta matando a tus amigos, si ante una terrible amenaza el grupo no se divide para investigar mejor o si al haberse perdido en medio del campo los protagonistas no se quedan a pasar la noche en la casa de la familia con mas tarados de toda la provincia. A pesar de que cualquiera de nosotros saldríamos de la casa como alma que lleva el diablo, en "Martyrs" podemos entender que las protagonistas alarguen su estancia con la idea de "limpiar" la casa (Cosa prácticamente imposible después de la que han montado) pero hay acciones del todo injustificables como que una de las protagonistas llame a su madre desde el teléfono de la casa, momento que se escapa a toda lógica. Este hecho que a simple vista podría considerarse un simple error o algo meramente anecdótico posee gran importancia en el desarrollo de la historia lo que nos lleva a pensar otra vez que Laugier ha sacrificado ciertas partes de la historia para centrarse en la barbarie.


Si en la que podríamos considerar como primera parte de la cinta, Laugier se decanta por la violencia directa (escopetazos y fiesta) mezclándola con ciertos toques propios del cine de terror asiático, momentos realmente logrados y es que "Martyrs" consigue trasladar la iconografía de este tipo de cine de terror a Francia y no solo salir airoso del envite si no que además consigue dejarnos un par de escenas terroríficas como la del cuarto de baño, en la segunda y tercera parte de la historia el director se centra en la violencia mas extrema dejándonos momentos que harán que incluso el espectador mas aguerrido se vea obligado a cerrar los ojos o al menos a apartar la vista. Se nota un cierto cansancio por parte de Laugier a la hora de abordar la última parte de su cinta donde para narrarnos la historia el director abusa de los fundidos en negro (Recurso que personalmente no me gusta que se use en exceso porque este suele romper el ritmo de la película y esta no es la excepción a la regla, tras una hora y cuarto tremenda el ritmo de "Martyrs" sufre una apreciable deceleración si bien es cierto que esta podría ser la única manera de hacer digerible la parte final de la película)


Si algo sorprende en la propuesta de Laugier es que a pesar de que se ha sacrificado en ciertos momentos la lógica de la historia esta intenta dar una explicación de lo que sucede en pantalla y del por que del sufrimiento extremo de alguno de los personajes. Nos alejamos pues de cintas como "I spit on your grave" (Primera y segunda parte) cuya máxima justificación es la de rodar a lo "Saw" la escena de tortura mas violenta posible, haciendo del exceso en si mismo su único valor y sin ningún tipo de historia que contarnos mas allá de una barbarie sin sentido y nos acercamos a cintas como "A Serbian Film" otra brutal película pero que tiene que contarnos mas de lo que parece, una cinta sobre la que seria necesario un análisis en profundidad acerca de aquello que quiere transmitir el director y si la forma de hacerlo es la correcta o no. Sin llegar a la propuesta de Spasojevic donde este usa lo que ocurre en pantalla para desarrollar una metáfora sobre el nacimiento de Serbia después de la guerra de Yugoslavia, Laugier parece no querer que su cinta resulte solamente violenta y brutal, carente de sentido y vacía e intenta justificar todo lo que ocurre en pantalla dando respuestas de una manera realmente inteligente y que consigue estar a la altura de aquello que podíamos esperar.


Laugier consigue rodar una impactante cinta no apta para todo tipo de espectadores por lo que sería recomendable acercarse a "Martyrs" sabiendo que se va a ver. La que podría haber sido la gran película del director francés a la vez que su testamento filmico supone un hito en la cinematografía del director pero este fue capaz de demostrar que hay vida mas allá de la violencia mas extrema y cuatro años después nos regaló "The tall man" ("El hombre de las sombras") una cinta menor pero altamente entretenida y rodada con pulso con la que intentaba desmarcarse de "Martyrs" y no ser otro director obligado a repetir una y otra vez su único éxito. Absolutamente recomendable para todos aquellos espectadores ávidos de experiencias fuertes, para todos aquellos espectadores que no se dejen impactar fácilmente y que tengan un estomago de acero. Esto si que es cine brutal y directo y  a su lado "Hostel" parece un juego de niños. Impresionante a la vez que salvaje.



Lo Mejor: Ofrece todo lo que esperas de ella y mucho mas...
Lo Peor: La radicalidad de su propuesta hace que esta cinta no sea apta para todo tipo de público.

sábado, 16 de agosto de 2014

ObuxoFest: Capa Caída



CAPACAIDA, ganadora del premio en la sección Nuevas Visiones Experimenta en el pasado Festival de Sitges, ganadora del premio a la mejor película y mejor actor a Juanjo Pardo en la tercera edición del Festival Fantástico Europeo de Murcia (C-Fem) y presentada en Cannes con gran éxito, aterriza en el OBUXO para aclararnos que fue del superhéroe español Magno que tras salvar al mundo de múltiples amenazas un oscuro escándalo sexual consiguió acabar con su carrera. Ahora y gracias a este documental descubriremos la fragilidad del héroe y se intentará limpiar el nombre de aquel que libró mil y una batallas por nosotros y al que parece ser una conspiración intento quitar de en medio.

Mockumentary dirigido por Santiago Alvarado y producido por Magno Entertaiment que se acerca al cine de superhéroes, tema que no ha sido tratado en la cinematografía española como se merece. Tenemos a los Vengadores, a Batman, Superman, etc... y muchas veces nos olvidamos de mirar que se hace por estas tierras y descubrir cintas tan estimulantes como esta. Una película que gustará y sorprenderá a los aficionados al género. Una gran cinta que nos alegra poder proyectar en el festival.

Su director, Santiago Alvarado, además de ser jurado de la presente edición del festival charlará con todos nosotros en el estreno de la película en Obuxo.

Como adelanto os dejamos el cartel de "Capa Caída"


Un par de trailers de la película




y la presentación que hizo Ángel Sala director del Festival Internacional de Sitges de "Capa Caída" en el pasado Festival de Cannes. 



Para mas información os recomendamos visitar la página del festival www.obuxo.net

Crítica: Los Mercenarios 3 - The Expedendables 3

Título: Los Mercenarios 3 - The Expedendables 3
Año: 2014
Género: Acción
Duración: 126 min
Director: Patrick Hughes
Guión: Sylvester Stallone, Creighton Rothenberger y Katrin Benedikt
Música: Brian Tayler
Interpretes: Sylvester Stallone, Jason Statham, Harrison Ford, Mel Gibson, Arnold Schwarzenegger, Wesley Snipes, Kelsey Grammer, Antonio Banderas, Ronda Rousey, Victor Ortiz
Nota: 6
Sinopsis:  Tras una misión para liberar a su amigo Doc (Wesley Snipes), Barney Ross (Stallone) descubrirá que Conrad Stonebank (Mel Gibson) al que creía muerto sigue vivo. A partir de ese momento dar caza a Stonebank se convertirá en una obsesión personal para Ross.


Crítica:
El efecto "Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal" ("Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull") ha vuelto, no hablo de una súper nevera capaz de proteger a nuestro héroe de una bomba atómica, tampoco hablo de la escasa calidad cinematográfica de la cinta (Si no fuera por todo lo que ha dado Steven Spielberg al cine, este se merecería un juicio para que por lo menos tuviera la oportunidad de defenderse y explicar porque consideró que podía destrozar el recuerdo que muchos teníamos de la saga con tan nefasta película) a lo que me refiero a ese cambio generacional que parece que se prepara y que por momentos es a lo que fundamentalmente va destinada esta cinta (Es de agradecer que aquí los actores jóvenes parecen tener mas carisma que Shia Labeouf cosa que por otro lado es bastante fácil)


A Sylvester Stallone podemos criticarle muchas cosas ("Rocky V", "Alto o mi madre dispara" - "Stop! or my mum will shoot", "Juez Dredd"...) pero parece haber acertado completamente con esta saga de películas donde se dedica a reunir a grandes estrellas del cine de acción de los ochenta y noventa para llegar a un público que creció con las cintas que estos protagonizaron y en pleno apogeo por recuperar el cine que se hacia en aquella época y anteriores (Solo hay que ver el éxito de las programaciones de "Phenomena" o el tono ciertamente melancólico de algunas escenas de "Guardianes de la Galaxia") consigue que no solo veamos a todos estos actores juntos en pantalla grande si no que además y lo que es mejor, los veamos pelear juntos.


Tras Eric Roberts, Bruce Willis, Mickey Rourke (Que nos deparó un triste y escalofriante primer plano en la película que inauguró la franquicia), Chuck Norris, Jean-Claude Van Damme se unen ahora al reparto Harrison Ford (Que tiene mas papel del que podríamos pensar en un principio ya que su función parece ser la de sustituir a Bruce Willis), Wesley Snipes (Tan pasado de rosca como siempre y que parece disfrutar al máximo con el que puede ser el empujón que necesitaba para volver a ser el que era a la espera de que su deseo de volver a ser Blade se haga realidad y que nos deja al principio de esta película un impagable chiste acerca de porque estuvo en la cárcel tras un golpe fallido en Suazilandia. Y esto es lo mejor de esta y de las otras películas de la saga: el sentido del humor y la capacidad que tienen los protagonistas para reírse de si mismos. Y es que muchos de los actores aquí presentes han hecho mucho por el cine de acción de los ochenta y noventa muy especialmente en películas de serie B se saben mayores y no lo intentan ocultar (Básicamente por que no pueden) sacando el máximo provecho a sus limitaciones a lo que hay que sumar los guiños a su vida personal así como los chistes que hacen referencia a películas protagonizadas por ellos mismos, sin ir mas lejos el propio Sly con una de las mejores obras que protagonizó en los noventa: "Máximo Riesgo" - "Cliffhanger" aunque sigo pensando que es una pullita a Tom Cruise y su escena en "Misión Imposible 2", que quede claro quien hizo que antes...), Antonio Banderas (Otra vez volvemos a encontrarnos con el humor marca de la casa, Banderas alias Galgo nos deja los momentos mas raciales de la película gracias a esa música de corte latino que suena cada vez que aparece en pantalla para dar vida a un personaje que de lo excesivo resulta entrañable. Su actuación parece por mementos bien una extensión bien una parodia de la que hizo en "El gato con botas" - "Puss in Boots" y es capaz de arrancarnos alguna de las mas sonoras carcajadas de la película. Eso si que alguien le diga a Patrick Hughes que coger a un doble mucho mas joven y atlético que el actor malagueño no cuela por mucho que este use el que podríamos denominar como efecto Ed Wood ya que al igual que hizo este para encontrar a un doble de Bela Lugosi al que hacia cubrirse media cara para que se pareciera al fallecido actor, Hughes coge a un actor al que le tapa media cara con un pañuelo, truco que por supuesto no cuela y queda claro desde el primer momento que ese no era Banderas), Kelsey Grammer (Si... no es héroe de acción de los ochenta y noventa si no el gran Frasier, papel que interpretó tanto en la serie del mismo nombre como en "Cheers" y que tras rodar "Transformers: La era de la extinción" o intentar hacer algo minímamente decente con su papel en la desastrosa y olvidable, tanto es así que ya no existe, "X-Men: La decisión final" - "X-Men: The Last Stand" parece haberle cogido el gusto a este tipo de películas y su sola presencia da un plus de calidad a toda cinta en la que aparece), el proceso de recuperación de Mel Gibson (Tras las polémicas extra cinematograficas plagadas de alcohol, comentarios acerca de los judíos y lamentables muestras de machismo, este parecía destinado al ostracismo del cual fue recuperado por Martin Campbell en el 2010 con la interesante pero previsible "Al límite" - Edge of the Darkness" pero cuya película reciente que nos hizo volver a disfrutar del mejor Gibson fue "Get the Gringo" - "Vacaciones en el Infierno" notable divertimento,  una de esas películas que hay que recuperar y disfrutar. En "Los Mercenarios 3", Gibson parece una extensión seria del personaje que interpretó en la lamentable "Machete Kills" pero donde Rodriguez ponía sal gruesa, Hughes consigue imponer un estilo mas sobrio no carente de humor que hace que el papel de Mel Gibson en esta cinta sobresalga por encima del que interpretó en "Machete Kills") y mención especial para la muy, lamentablemente muy breve aparición de Robert Davi que para muchos de nosotros siempre será el malo de "Los Goonies" y con eso ya tiene un hueco en nuestro corazoncito cinéfilo.


Los nuevos fichajes de la saga es un grupo de actores jóvenes que tienen, en líneas generales, el suficiente carisma como para sacarles mas juego en futuras entregas de la saga. Mención especial a Ronda Rousey luchadora de MMA - Artes marciales mixtas y es que tras el éxito de Gina Carano en "Fast & Furious 6" y "Haywire" las puertas para que luchadoras accedan a papeles de calidad en películas importantes y no en zetones estan abiertas y hay que aprovechar la oportunidad. La presentación de los mismos de la mano de Grammer resulta francamente entretenida y sin llegar a la maestría de Matthew Vaughn en "X-Men: Primera Generación" ("X-Men: First Generation") presentando a los nuevos fichajes de la saga, Hughes consigue rodar una escena con ritmo y con la intensidad suficiente para captar nuestra atención.


"Los mercenarios 3" posee el lastre de su excesiva duración un poco mas de dos horas y es que la concisión en este tipo de películas es siempre un punto a favor y lo que tendría que ser como un disparo (directo y seco) se alarga innecesariamente y aunque la cinta nos regala una magnifica parte final donde se nos ofrece todo lo que queremos ver (Incluidas escenas que desafían a la lógica y a la gravedad y que suponemos que harán que Jan de Bont se muera de envidia) se tiene la sensación de que se ha intentado alagar todo demasiado sin profundizar en temas realmente interesantes (Es una lastima que se dedique tanto tiempo al tema del grupo nuevo y los celos que esto genera y no se profundice en algo como el tribunal de la Haya donde nuestro protagonista podría encontrarse ante una situación realmente comprometedora. Explorar este lado oscuro hubiera supuesto jugar en el filo de la navaja pero hubiera reforzado la ambigüedad moral del personaje interpretado por Stallone y nos hubiera hecho dudar en ciertos momentos de las verdaderas motivaciones de su forma de actuar). A pesar de tener la sensación de que las mejores escenas de acción se han guardado para el final, "Los Mercenarios 3" es una película fácilmente disfrutable por todos aquellos amantes del cine de acción de los ochenta y se lo pasaran en grande viendo a todos estos actores en pantalla. Muy Recomendable.



Lo Mejor: La parte final de la película que ofrece todo que queremos ver en este tipo de cintas.
Lo Peor: Lo poco aprovechados que están Wesley Snipes y Jet Li.

miércoles, 13 de agosto de 2014

Crítica: The Signal

Título: The Signal
Año: 2014
Género: Ciencia Ficción - Thriller
Duración: 97 min
Director: William Eubank
Guión: William Eubank, Carlyle Eubank y David Frigerio
Música: Nima Fakhara
Interpretes: Brento Thwaites, Beau Knapp, Oliva Cooke, Jeffrey Grover, Laurence Fishburne, Lin Shaye, Robert Longstreet
Nota: 7
Sinopsis:  Tres amigos van en busca de un misterioso hacker que por momentos parece acosarles. Cuando crean que han dado con el, despertaran en un extraño centro medico sin saber que ha pasado..





Crítica:
En "The Banshee Chapter", Blair Erickson trataba una idea bastante prometedora pero que resultaba totalmente desaprovechada, una a priori interesante aproximación al proyecto MK-ULTRA junto con los experimentos que se llevaron a cabo y que han sido germen para todo tipo de leyendas urbanas pero que hacían que la película acabara por convertirse en una cinta mas del montón, lastrada por unos personajes que no acababan por cuajar y por un desarrollo demasiado convencional. En ella Anne Roland, interpretada por Katia Winter, buscaba a un amigo desaparecido tras ingerir una extraña droga y donde una extraña señal de radio de origen desconocido será clave en su investigación. Poco más de un año después nos llega esta "The Signal" que parece tomar ciertos elementos y escenas de "The Banshee Chapter" que nos hacen temer lo peor, que nos hacen pensar que vamos a estar otra vez ante otra cinta total y absolutamente decepcionante. Pero en este caso la historia que nos cuenta la película en manos de su director y guionistas consigue alejarse del nefasto recuerdo de la cinta de Erickson y nos deja uno de los thrillers de ciencia ficción mas personales y estimulantes vistos en mucho tiempo.


A diferencia de "The Banshee Chapter",  en "The Signal" los tres amigos no andan tras la pista de una persona desaparecida si no tras un hacker que por momentos parece jugar con ellos. Resulta clara la conexión entre ambas películas gracias al descubrimiento de la casa donde vivía una de las protagonistas (En el caso de la cinta de Erickson) o donde se supone que esta escondido el hacker y que resultan muy, demasiado parecidas lo que hace que obviamente relacionemos ambas películas y que sea en este preciso momento donde parezca que a Eubank se le va a escapar su cinta de las manos y se va a mostrar incapaz de ofrecernos algo minímamente interesante. Pero donde "The Banshee Chapter" acaba es donde "The Signal" empieza, donde todas esas películas intentan jugar con la idea de dejarnos con la pregunta de que habrá pasado, de que será de alguno de los personajes es donde "The Signal" arranca y lo hace de una manera notable ya que tras el despertar de Nick (Brento Thawaites) en ese extraño centro médico y gracias a sus conversaciones con Laurence Fishburne, Eubank consigue no solo mantenernos en vilo si no que queramos saber que ha ocurrido con este y sus dos amigos y por que han acabado allí. 


Es inevitable pensar durante gran parte de la cinta en "Cube" claustrofobica película que supuso el debut de Vincenzo Natalli en la gran pantalla donde un grupo de personas despiertan en un extraño cubículo sin saber como ni porque han llegado allí. Eubank parece querer transmitirnos esa sensación de agobio al mostrarnos a los amigos encerrados en un espacio mínimo donde están controlados todo el tiempo y si bien aquí las personas que los tienen encerrados dan la cara (No como en "Cube" donde no sabremos gran cosa de quien ha encerrado a los protagonistas hasta alguna de las muy decepcionantes secuelas) las dudas que surgen son básicamente las mismas que en la cinta de Natalli (Aunque ha de quedar claro que el resultado final de ambas cintas dista bastante entre ellas). Eubank construye su película en base a las conversaciones entre los que podríamos definir como personajes principales de la cinta (Thawaites y Fishburne, bien secundados por el resto de los actores sobre todo por Olivia Cook, lo mejor de la muy decepcionante "The Quiet Ones" y que aquí vuelve a demostrar que apunta maneras), a una atmósfera de misterio y al intento de dotar a sus personajes de una historia (Por lo menos para dos de ellos) y darles un poco de entidad propia intentando sacarles de esa linealidad que hay a la hora de construir a estos personajes en este tipo de películas.


William Eubank consigue que su cinta no se aleje en cuanto a la forma, al menos en algunos momentos, de cintas como "Another Earth" o "Sound of my voice" (Aunque "The Signal" posee efectos especiales, alguno de ellos bastante elaborado, no son la causa y justificación de la historia como suele pasar en muchas cintas de ciencia ficción) que jugaban con un concepto de cine independiente de ciencia ficción sin dejar de lado a los protagonistas y conseguían mantener el interés de las preguntas formuladas hasta el final de las mismas. Tanto parece que "The Signal" juega en la misma liga que "Another Earth" que podríamos intercambiar la banda  sonora de esta película (O al menos alguno de los temas) con la dirigida por Mike Cahill y podría funcionar perfectamente con las imágenes y con el tono que el director ha dado a su cinta. Eubank sabe mantener el tipo a la hora de insertar ciertas escenas intimistas (la enfermedad del protagonista, la relacione con su novia...) en medio del caos en el que se encuentran los protagonistas sin caer en el ridículo o en lo excesivamente sensiblero, ese equilibrio entre lo personal y la ciencia ficción resultan uno de los puntos mas agradables de esta cinta.


Pero no todo es notable en "The Signal" y es que es común que todas estas cintas tengan un mismo problema: las expectativas están tan altas, las propuestas son tan estimulantes que es difícil para un espectador no sentirse un tanto decepcionado a la hora de conocer las respuestas a las preguntas planteadas (Aquí nos alejamos un tanto del concepto de "Cube" ya que en "The Signal" obtendremos todo tipo de respuestas no como ocurría con la cinta de Natalli) Con todo Eubank consigue que superemos esa ligera decepción y nos regala una notable parte final que hace que guardemos un muy buen recuerdo de esta cinta. De obligada visión para todos aquellos amantes de la cinta de ciencia ficción que no se olvida de los personajes. Muy interesante.


Lo Mejor: Las conversaciones entre Thwaites y Fishburne
Lo Peor: Cierta decepción a la hora de darnos respuestas. La escena inicial en la casa del hacker.

domingo, 10 de agosto de 2014

Crítica: Trasnformers - La era de la extinción

Título: Transformers: La era de la extinción - Transformers: Age of Extinction
Año: 2014
Género: Acción - Ciencia Ficción
Duración: 165 min
Director: Michael Bay
Guión: Ehren Kruger
Música: Steve Jablonsky
Interpretes: Mark Wahlberg, Stanley Tucci, Kelsey Grammer, Nicola Peltz, Jack Reynor, Titus Welliver, Sophia Miles, Bingbing Li, T. J Miller,
Nota: 4,5
Sinopsis:  Tras la lucha que tuvo lugar entre los Autobots y los Decepticons y que causó centenares de muertos, los transformers son perseguidos por un grupo secreto de la CIA. Todo cambiará cuando un mecánico y su familia encuentren a un transformer, cuando encuentren a Optimus Prime.


Crítica:
Lo mas destacable de "Transformers: La era de la extinción" es la gran idea que nos deja para rodar un crossover entre la saga llevada al cine por Michael Bay y "Prometheus". Y es que es imposible que tras las primeras imágenes de la última cinta protagonizada por los muñecos de Hasbro no nos acordemos de la precuela de la saga de "Alien" dirigida en el 2012 por un Ridley Scott que no es el que era y aunque es capaz de solventar los fallos e incoherencias del guión para rodar una cinta muy entretenida, esta no llegaba a lo que se podía esperar del director de películas como "Blade Runner" o las mismísima "Alien" (Damon Lindelof lleva camino de convertirse en uno de los guionistas mas decepcionantes de la actualidad, el Joe Eszterhas del nuevo milenio al que un gran éxito como fue "Instinto Básico" - "Basic Instint" fue capaz de eclipsar al resto de su carrera. Lindelof tiene su propio "Instinto Básico": "Perdidos"). Tanto "Transformers: La era de la extinción" como "Prometheus" se abren con una escena inicial donde una raza alienígena esparce una sustancia sobre la faz de la Tierra que en ambos casos será generadora de cierto tipo de vida (Y en las dos películas también conllevara la muerte, en "Transformers: La era de la extinción" de toda forma de vida que se encuentre en el radio de acción de la sustancia, en el de "Prometheus" la del ingeniero que bebe dicha sustancia), es claro pues que tanto en la cinta de Bay como en la de Scott los extraterrestres consideran a la Tierra como base de pruebas y experimentos. No solo este concepto es similar en ambas películas, el hecho de que los creadores (En el caso de "Prometheus" los ingenieros albinos, en el de "Transformers" no nos queda claro quien) quieren destruir a sus creaciones: Los transformers o los humanos según estemos viendo una película u otra, lo que nos lleva a pensar que se han tomado ciertas ideas (Muchas.. de hecho hay alguna mas todavía mas clara pero es mejor no comentar aquí) y que han sido llevadas al universo Bay,  la línea argumental principal de "Transformers: La era de la extinción" no brilla precisamente por su originalidad.


Poco más se puede decir argumentalmente hablando de esta película, excepto algún paralelismo mas con alguna cinta reciente como es el caso de la coreana "The Thieves" que nos regalaba una impresionante escena que resultaba lo mejor y con mucha diferencia de la película, donde los protagonistas peleaban en la fachada de un edificio. El director americano rueda una escena muy similar (Bajo como no puede ser menos últimamente el prisma Bourne) pero en la comparación Bay sale perdiendo ya que por muy entretenida que resulte esta escena en su película, la rodada por Dong-Hoon Choi es difícilmente superable. Incluso "Attack the Block" viene a la cabeza al ver esta película al ver el diseño de esos perros alienígenas que atacan a los protagonistas y por supuesto "Terminator 2" ya que la empresa dirigida por el personaje interpretado por Stanley Tucci bien podría ser Cyberdyne Systems Corporation y su proyecto estrella un nuevo Skynet. Aunque "Transformers: La era de la extinción" resulta bastante entretenida (Desde mi punto de vista la mas entretenida de la saga, cosa que por otro lado tampoco es muy difícil de conseguir) es excesiva su duración (unos 165 minutos) lo que hace que lleguemos al tramo final un tanto cansados y no lo disfrutemos como nos gustaría.


Bay nos presenta a una serie de personajes a cada cual mas increíble: ¿Hay alguien que se pueda creer a Mark Wahlberg como inventor cachas que dejó preñada a su novia en el instituto o a su hija cuya mayor justificación en la historia aparte del rollo paterno-filial mil veces explotado en pantalla es llevar unos mini pantalones para que su padre le eche en cara lo pequeña que es su ropa y para que los adolescentes hormonados solo se fijen en las piernas de la chica? o ese personaje interpretado por T.J Miller imposible ubicarlo como socio/trabajador del personaje interpretado por Mark Wahlberg pero que nos deja uno de esos momentos impagables para todos aquellos que seguimos la serie "Silicon Valley" ya que su personaje parece intercambiarse los papeles con el de Thomas Middleditch, si en la serie es Miller quien le recuerda a Middleditch el contrato firmado por ambos acerca de sus patentes, es Wahlberg quien hace lo mismo en "Transformers: La era de la extinción" con el propio Miller. Su personaje resulta de lo más refrescante de la cinta ya que este pone un ligero punto cómico sin caer en lo excesivo o histriónico. Pero los actores que brillan por encima del resto son Kelsey Grammer y Stanley Tucci, el primero de ellos da vida a un agente de la CIA capaz de llegar a un acuerdo con un temible robot alienígena pero incapaz de formar un equipo de mercenarios que no se dejen patear el culo por un tío que no tiene donde caerse muerto y Stanley Tucci cuyo personaje.. si.. parece tener una cierta evolución dentro de la historia convirtiéndose en el típico personaje payaso pero que demuestra que el actor se lo ha debido pasar en grande rodando la película.


"Transformers: La era de la extinción" da todo lo que se espera de una cinta de Michael Bay: Poca historia, personajes planos, mucha pero que mucha bandera americana (Aunque hay algún plano donde al director se le ha pasado poner alguna... lo que le puede hacer restar puntos en su afán de conseguir el premio al director mas patriota), mucha publicidad mostrada sin el menor pudor, modelos que aparecen en pantalla sin mucho sentido, el concepto del ritmo del director (Cambiar de plano rápidamente, efecto que parece dar ritmo o tensión a la escena pero que solo consigue crear confusión en el espectador y si bien no llegamos a estar ante la pelea final de "Transformers: El lado oscuro de la Luna" en algunas ocasiones no tenemos muy claro que esta pasando o donde están ciertos personajes), planos marca de la casa (Podemos coger ciertas tomas de esta o de otras cintas de Bay y sin ningún tipo de duda sabremos quien las ha grabado, otra cosa será ubicar esa escena en la película correcta) y por su puesto nos vamos a encontrar ante el alto concepto que tiene el director de su propio cine ya que siempre parece que este esté rodando la gran película americana de acción.


Hay dos puntos sobre los que habría que hacer un par de comentarios breves. Uno de ellos es que parte de la historia sucede en China y es que parece que el cine americano sigue queriendo explotar la gran cantidad de potenciales espectadores que hay en ese país, y el otro es: ¿Alguien me puede explicar el por que de "La era de la extinción?, ¿No queda muy pillado por los pelos con todo lo que ocurre en pantalla o es que se ha intentado explotar el título de "Terminator 2: El juicio final" aprovechandose de lo que supuso aquella película y dar a la cinta de Bay  una solemnidad que no tiene? Con todo "Transformers: La era de la extinción" es una película fácilmente disfrutable por todos aquellos a los que les gusta el cine de acción y comulgan con la idea de espectáculo de Bay pero que les dejará la sensación de estar ante una cinta transición y que demuestra que mientras estas películas sigan funcionando bien en taquilla habrá muchas mas secuelas.. Y para el resto.. bueno... son casi tres fresquitas horas en una sala de cine que con el veranito no esta mal...



Lo Mejor:  Con todos sus fallos resulta una cinta entretenida.
Lo Peor:  Personajes planos, poca historia, mucha publicidad.. vamos lo que hace que Bay sea Bay

miércoles, 6 de agosto de 2014

Crítica: Anarchy: La noche de las Bestias - The Purge: Anarchy

Título: Anarchy: La noche de las Bestias - The Purge: Anarchy
Año: 2014
Género: Acción - Thriller
Duración: 103 min
Director: James DeMonaco
Guión: James DeMonaco
Música: Nathan Whitehead
Interpretes: Frank Grillo, Carmen Ejogo, Zach Gilford, Kiele Sanchez, Zoë Soul, Justina Machado, John Beasley, Jack Conley, Noel Gugliemi, Castulo Guerra
Nota: 4
Sinopsis:  La purga anual ha comenzado. 5 personas de diferentes estratos sociales tendrán que colaborar para sobrevivir.





Crítica:
Cuando hace poco mas de un año vi "The Purge" hubo dos cosas que me preocuparon bastante, una de ellas la que podríamos considerar como menos importante hacía referencia a como se desarrollaban y resolvían ciertas escenas de la película y es que en "The Purge" había un exceso de Deus ex machina que acababa por exasperar al espectador mas exigente (Concepto que hace referencia a que el guión dé aquello que se espera incluso sacrificando la coherencia de la historia). La segunda y mucho más grave era el tema que trataba la película, su ambiguo mensaje y su falta de capacidad crítica con aquello que se estaba contando. No había en la cinta de DeMonaco un claro posicionamiento ante aquello que se contaba en la película: Considerar legal el crimen durante una noche lo que conlleva que las tasas de criminalidad se mantengan bajas durante el resto del año y por supuesto que el paro se mantenga bajo control. La evolución de la familia protagonista y su posicionamiento ante la presencia que romperá su "idílica" velada no suponía una exploración de las diferencias entre ricos y pobres o entre las diferentes etnias que viven en aquel país de la manera que era mínimamente exigible en una historia como esta, aunque estos temas se tocaban en "The Purge" de refilón, esta era una cinta meramente de acción hecha por y para el disfrute de todos aquellos espectadores ávidos de experiencias fuertes (Ni si quiera el hastío de gente que parece tenerlo todo como son los asaltantes de la mansión y que hacía que nos acordáramos de los protagonistas del "Funny Games" de Michaek Haneke o de los de "Los Extraños - The Strangers" de Bryan Bertino resultaba plasmado en pantalla de una manera convincente lo que hacía que la idea de estar simple y llanamente ante una cinta de acción se hacía todavía mas patente)


Un año después y sin mucho tiempo para trabajar en un guión realmente elaborado (Estoy radicalmente en contra de estas segundas partes que se realizan de manera tan rápida solo con la idea de aprovechar el éxito de la cinta original) llega "Anarchy: La noche de las bestias" ("The Purge: Anarchy") donde el concepto Deus ex machina sigue presente con momentos donde el espectador se puede sentir engañado acerca de lo que ha pasado en película ya que las escenas y el uso de la sangre en algún momento puede llevarnos a pensar que han ocurrido otras cosas y donde además e igual que ocurría en la primera parte ciertos personajes aparecen en pantalla sin la menor lógica para acabar resolviendo alguna escena que parecía haber llegado a un punto muerto (Y donde tampoco queda justificada la evolución de algún personaje como el de la chica que se queda con su novio en medio de la ciudad porque su coche se ha estropeado). Pero sobre todo nos vamos a encontrar con que el ambiguo mensaje de la primera parte intenta quedar diluido al presentarnos a 5 personajes protagonistas muy diferentes entre si, de diferentes estratos sociales y razas: Una pareja acomodada, una madre y una hija afroamericanas y un extraño personaje que arrastra un gran trauma. Por si fuera poco el director y guionista parece querer dejar claro que esta vez su película no es una mera cinta de acción sin ningún tipo de trasfondo ni crítica y usa tanto a un líder afroamericano como a su mensaje para establecer cierta distancia ideológica con la primera parte (Podemos discutir sobre si esta segunda parte es la evolución natural de la primera, la evolución de una cinta con un concepto moral demasiado ambiguo o simplemente una forma de eludir algunas de las críticas que recibió la primera parte). Un líder revolucionario que defiende eso de que el miedo va a cambiar de bando ya que las minorías masacradas durante la purga han de levantarse contra los ricos y todo esto aderezado con alguna frase de tono sociopolítico que parece metida con calzador (Aunque hay que decir que alguna de estas frases que chirrían no están dichas solo por este personaje si no también por la hija de la protagonista que nos deja uno de esos momentos de perplejidad debido a la extrañeza que produce escuchar ciertas frases en ciertos momentos), y donde nos suelta un discurso en una pantalla que por momentos nos recuerda a Ken Foree en "Dawn of the dead" (2004) lo que nos lleva a pensar que en algún momento a este se le va a escapar eso de "Cuando no haya mas sitio en el infierno...", además todo este mensaje "revolucionario" de la película esta sazonado con un banquero asesinado con un un cartel que reza algo del tipo: aquí yace un señor que estafó a sus clientes.


Pero lo más llamativo son esas escenas de disfrute de los ricos asesinando a los pobres y es aquí donde volvemos a la reflexión acerca de la celeridad en rodar esta segunda parte. Si las acciones protagonizadas por el padre de la protagonista nos traen a la cabeza la cinta "Would you Rather" donde un multimillonario se aprovechaba de los mas necesitados para calmar su ansiedad disfrutando del sufrimiento ajeno, también nos viene a la cabeza "Raze" protagonizada por Zoë Bell donde un grupo de ricos organizan fiestas para ver como un grupo de personas han de luchar para salvar sus vidas. Estas dos escenas, especialmente la segunda por su importancia en la historia nos llevan a pensar en la poca originalidad de  una secuela que hubiera necesitado mas tiempo entre ella y su predecesora, y es que la sensación de haber tomado elementos de películas que no han tenido gran repercusión comercial se hace patente durante varios momentos de esta cinta. Todos estos hechos hacen que la sensación de estar ante unos argumentos meramente decorativos utilizados para solventar el problema causado por el mensaje de la primera parte gane enteros a cada minuto, aquí por desgracia volvemos a encontrarnos ante una cinta que podría haber dado para un profundo análisis, sin dejar de lado la violencia y la sangre, acerca de la humillación a la que parte de la sociedad es sometida y que por desgracia nos deja muchos ejemplos, uno de los mas claros el de ese millonario que va dejando sobres con dinero por diversas ciudades del mundo para ver como gracias a la mas absoluta perdida de la dignidad humana debido a las diversas consideraciones económicas y personales y que hacen que la gente se lance a buscar dinero en lo que no es mas que un mero divertimento para este señor.


"Anarchy: La noche de las bestias" se acaba convirtiendo en una mezcla entre "The Purge" y "Jo, que noche!" ("After Hours") pero sin Griffin Dunne y Rosanna Arquette. Y es que la cinta de DeMonaco parece mas una sucesión de escenas conectadas entre si con lo que parece una historia que una historia en si misma, poco se puede decir de esta en la que 5 personajes aparentemente antagónicos se encuentran en una situación extrema y donde por momentos creemos que vamos a encontrarnos con Tyler Durden gritando eso de "Corre, Forrest Corre!!". No solo es decepcionante la historia en si, una mera justificación para la violencia, si no también lo es que los malos de la película que prometen y mucho acaban resultando del todo desaprovechados: Esa amenazadora pandilla donde lo que mas miedo da es el maquillaje que llevan y que aparece y desaparece de la película según le interesa al director y guionista y a los que por desgracia no saca provecho como seria necesario. Lo mismo ocurre con esos extraños camiones que recorren la ciudad equipados con la última tecnología y aunque la existencia de los mismos puede llegar a tener justificación dentro de la historia no podemos dejar de lado su tremendamente estúpida forma de actuar y es que eso de abrir la puerta trasera del camión para disparar con una metralleta queda muy bien en pantalla pero resulta poco lógico dentro de una noche como la de la purga (No vamos a entrar en mas detalles acerca de la forma de actuar de la gente que va en los camiones para no fastidiar a nadie la película, como tampoco el recurso de usar un coche como metáfora y que daría para un profundo análisis)


Es bastante probable que  "Anarchy: La noche de las bestias" guste a muchos aficionados al cine de acción pero defraudará a aquellos que esperamos algo mas de este tipo de cine, ya sea algún tipo de mensaje, escenas de lucha elaboradas o una historia con la tensión suficiente para mantenernos en vilo. Una vez acabada esta película el espectador puede hacer un pequeño experimento: Cerrar los ojos y observar que ve, estoy seguro que al tratarse de una producción de Michael Bay lo que veremos será la bandera de los Estados Unidos por que si algo hay en esta película son banderas. Otra vez por desgracia nos encontramos con lo que viene siendo habitual últimamente, volvemos a estar ante una oportunidad perdida. Una lastima.


Lo Mejor: La primera y terrífica aparición de la banda en el parking del supermercado.
Lo Peor:  La escena de los ricos disfrutando de la caza: Ya vista y sin fuerza.

domingo, 3 de agosto de 2014

Obuxofest: Promo del Festival




Impresionante promo del próximo ObuxoFest que tendrá lugar en último fin de semana de Agosto en Javierrelatre (Huesca). 17 cortos a concurso, películas, documentales, música en directo, exposiciones... un fin de semana para que todos los amantes del cine de terror, fantástico y extraño disfrutemos por todo lo alto...

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sábado, 2 de agosto de 2014

ObuxoFest - Cortos Seleccionados a Concurso




La próxima edición del Obuxofest que tendrá lugar en Javierrelatre del 29 al 31 de Agosto convocó ayer a los medios de comunicación para hacer oficial su programación así como los 17 cortos seleccionados para la sección oficial a concurso. De entre las más de 300 obras recibidas cabe destacar la elevada participación internacional con más de 50 obras procedentes de Francia, Alemania, Suiza, Polonia, Brasil, Chile, EE.UU... Como viene siendo habitual la participación nacional ha sido de nuevo un éxito. En esta nueva edición del festival se han recibido obras reconocidas en numerosos festivales y de varios puntos de España. A continuación, enmumeramos los 17 cortometrajes seleccionados en el Obuxofest 2014:

1 - ZUGZWANG (España/EE.UU) de Yolanda Centeno. El cortometraje hace una reflexión sobre la adolescencia desde la prespectiva de un chico de 15 años que intenta conquistar a una chica a través de una partida de ajedrez. Coproducción entre EE.YY y España. Año 2013. Reconocimientos: Premio RTVA al mejor cortometraje andaluz, mejor cortometraje en el festival internacional universitario de cortometrajes "La Rana Film Fest" (USAL).


 2 - SEQUENCE (EE.UU) de Carles Torrens. ¿Qué pasa si te despiertas un día y te das cuenta que todo el mundo ha soñado contigo? Estados Unidos, año 2013. Reconocimientos: Premio Especial del jurado en el Festival de cine de Málaga, Mejor corto del Festival Fantosfreak, Premio del público en el Festival Internacional de cortos de Los Ángeles.


3 - Dring of de Dead (Francia) de Gaël Pouvreau y Mathieu Auvray. La historia de un hombre atrapado en una cabina de teléfono. Francia, año 2013. Reconocimientos: Premio del Jurado en el Festival Coupé Court de Bourdeaux. Mejor cortometraje europeo en el Festival Internacional de cine de terror y fantástico de Ciudad Real.


4 - 24 horas con Lucía (España) de Marcos Cabotá. Lucía ha sido poseída por un demonio. Nacho, su marido, deberá convivir con ello. Mallorca, año 2013. Reconocimientos: Mejor actriz en el Festival de cine fantástico europeo de Murcia C-fem, Mejor Cortometraje en Valencia Crea, Mejor cortometraje Nacional en Madrid Internacional Fantastic Film


5 - Canis (España) de Marc Riba, Anna Solanas. Cortometraje de animación que cuenta la historia de Teo que sobrevive aislado en una casa constantemente asediada por una manada de perros salvajes. Barcelona, año 2013. Reconocimientos: Sección oficial de cortometrajes en la Seminci de Valladolid, Premio especial del jurado en el Internacional Short Filmfestival de Erice, en Italia.


6 - Democracia (España) de Borja Cobeaga. El gerente de una empresa propone un audaz plan para mantener alta la moral de los trabajadores. San Sebastián, año 2013. Reconocimientos: Sección oficial de cortometrajes en el Festival de cine de Málaga y ganador del festival CortoEspaña.


7 - Flash (España), de Alberto Ruiz Rojo. Un hombre entra en un fotomatón. Echa las monedas y los flashes comienzan. Cuando la tira de las fotos sale de la máquina y el hombre las mira, no puede creer lo que ve. Madrid, año 2013. Reconocimientos: Estrenada el pasado mes de junio, la obra ha sido seleccionada en el Festival de Cine de Guadalajara, en Korterraza en Vitoria y en el festival Luna de Cortos en Veguellina de Órbigo en León.



8 - Habitantes (España), de Leticia Dolera. Tercer cortometraje de la actriz española. Vivimos anestesiados, aislados, inmunes al dolor ajeno. ¿Qué pasaría si un día esa anestesia emocional desapareciera? Madrid, año 2013. Reconocimientos: Mención especial en la SEMINCI de Valladolid.



9 - La Carne Cruda (España), de Samuel Lema. Desde su infancia Hansel siempre ha tenido un deseo: devorar a un ser humano. Su único amigo, un desvencijado muñeco, apenas colma su vacío afectivo, por lo que tras la muerte de su madre decide convertir su sueño en realidad. Galicia, año 2013. Reconocimientos: Mejor cortometraje en el Houston International Film&Video Festival de Estados Unidos, mención especial en el Festival Internacional del cine de Brasil y en Fanomenon, Festival Internacional de Reino Unido.



10 -  Monguis (España), de Isaac Berrokal. Una joven montañista se pierde y termina pidiendo ayuda a un grupo de psicópatas con deficiencia mental. Madrid, año 2013. Reconocimientos: Finalista en el Festival de cine de terror y fantástico Festerror 2014, de Lloret de Mar.


11 -  Only Solomon Lee (España), de Alex Lora. Periferia de una gran ciudad, un solitario alienado nutre a sí mismo con la vida que encuentra en los ordenadores portátiles robados. En su propia obsesión delirante que está en busca de un milagro: llevarse bien con alguien, mucho correr, y el amor. Barcelona, año 2013. Reconocimientos: Mejor dirección en el Queens World Film Festival de Estados Unidos y el CinEuphoria de Portugal, Mejor cortometraje en el Festival Internacional de Cortometrajes de Tesalónica, Grecia.



12 - Preguntador (España), de Lander Otaola e Iñaki Reyna. Un cortometraje sumamente peculiar en donde su protagonista intenta resolver muchas preguntas que se hace a lo largo de su vida pero no consigue obtener respuestas satisfactorias. País Vasco, año 2013. Reconocimientos: Seleccionado en el Festival de Cine Fantástico de Bilbao (FANT).


13 -  Pulse A para asesinato (España), de Luis Manuel González. Inés es una chica relajada cuyo lema es vivir la vida. Su amiga Marga está siempre estudiando y carece de la confianza. Para Inés, Marga es la amiga ideal, lo que ignora es que se ha inscrito en una escuela muy especial. Barcelona, año 2013. Reconocimientos: Seleccionado en el Fanter Film Fest de Cáceres y en la IV Muestra de cortos en el Círculo catalán de Madrid.



14 -  Tuck me in (España), de Ignacio F. Rodó. Un padre va a darle las buenas noches a su hijo Alex cuando éste le pide que le arrope. Pero no será lo único que le pida. Barcelona, año 2014. Reconocimientos: Nominado en el Cryptshow Festival de Badalona, en el Middle Coast Film Festival de Estados Unidos y ganador del premio al Mejor Videominuto de terror en el Festival do Minuto de Brasil.


15 -  Safari (España), de Gerardo Guerrero. Anima a descubrir qué enigmas se esconden detrás de toda esa violencia que no llegamos a comprender y nos empuja a reflexionar sobre el sin sentido de estas matanzas. Asturias, 2013. Cortometraje seleccionado en la Sección Oficial de Cannes 2014, Premio Proyecto Canal Plus en el Festival de Cinema Jove y Mención Especial a Mejor Proyecto en el Festival Medina del Campo.


16 -  Time After Time (España), de Pablo Silva y Peris Romano. Año 1985. Pablo lleva enamorado de su amiga Susana prácticamente toda la vida. Ella es el prototipo de chica popular, pero no es nada tonta. Tras invitarla al cine por enésima vez, acaba de manera inesperada aparcando el coche de su padre en un descampado a las afueras de la ciudad. Madrid, año 2013. Reconocimientos: Premio a mejor actor en el III Festival de Cine Fantástico Europeo de Murcia.



17 -  No tiene gracia (España), de Carlos Violadé. Manolo y María. Viven juntos y se quieren. A Manolo le encanta gastar bromas constantemente. María tiene mucha paciencia y sentido del humor. Pero Manolo no sabe que para gastar una broma, uno tiene que asumir todas las consecuencias. Sevilla, año 2013. Reconocimientos: Slamdance Festival Internacional, Utah, EE. UU. Festival Internacional de cortometrajes Imola, de Italia, Méliès de Oro al mejor corto Fantástico Europeo en el Festival