domingo, 30 de noviembre de 2014

Crítica: Halley

Título: Halley
Año: 2012
Género: Drama 
Duración: 84 min
Director: Sebastian Hofmann
Guión: Sebastian Hofmann y Julio Chavezmontes
Música: Gustavo M. Hernandéz Dávila
Interpretes: Alberto Trujillo,  Lourdes Trueba, Hugo Albores
Nota: 5
Sinopsis: Los intentos de Alberto por esconder que esta muerto ya no sirven de nada. Su intención de desaparecer renunciando a su trabajo se topará con su amistad con la jefa del gimnasio donde trabaja






Crítica:
En un periodo de tres años (2012, 2013 y 2014) han llegado a proyectarse en el Festival Internacional de Cine de Sitges al menos cuatro películas que tienen como protagonista a una persona cuyo cuerpo va sufriendo una necrosis progresiva. Esas películas ("Thanatomorphose" de Eric Falardeau, "Contracted" de Eric England, "Starry Eyes" del dúo Kevin Kolsch y Dennis Widmyer y "Halley" de Sebastian Hofmann) abordan un mismo tema y por momentos una misma forma de tratar una metáfora (La descomposición  externa que sufre el cuerpo de los protagonistas no deja de ser una forma, posiblemente un tanto extrema, del simbolizar el proceso de sufrimiento interno, soledad y angustia que sufren estos) aunque en algunos casos la manera de acercarse a estos temas es ligeramente diferente y por supuesto los resultados son bastante desiguales. Si bien podemos encontrar una mayor relación entre "Thanatomorphose" y "Halley" en cuanto a la forma de estar rodadas, ese ritmo pausado del que hacen gala ambas cintas y esa manera un tanto intimista de tratar la idea de la descomposición que van sufriendo los protagonistas, también podríamos hacer lo mismo con "Contracted" y "Starry Eyes" por motivos muy similares. (Vuelvo a dejar fuera de este saco de películas el "Honeymoon" de Leigh Janiak ya que aunque tiene elementos similares parte de la idea principal dista mucho de las propuestas antes comentadas)


Si en el caso de las cintas de Kolsch, Widmyer y England estos conseguían dejarnos un par de películas muy entretenidas con una parte final realmente violenta e impactante para mostrarnos el proceso de degradación de sus protagonistas, Falardeau y Hofmann optan por dotar a sus cintas de un ritmo un tanto lento para reforzar la idea de la metáfora que nos quieren contar, haciendo que esta idea tenga mas importancia que la acción en si misma hecho este que puede hacer que mas de uno no consiga entrar en las propuestas de estos directores y decidan abandonar las películas antes de tiempo, además en el caso de la cinta de Falardeau el hecho de encontrarnos ante una película que sucede en un espacio casi único esa sensación de cansancio y por momentos de claustrofobia se acrecienta haciendo todavía mas fácil abandonar el visionado de la cinta antes de su final.


Sebastian Hofmann presenta su visión acerca de la necrosis en vida en "Halley" y ya de principio nos encontramos con un hecho que la diferencia de películas anteriormente mencionadas: El cambio de sexo del protagonista principal, ahora no es una mujer quien sufre ese proceso de descomposición si no un hombre (Sería necesario realizar un profundo análisis acerca de esta obsesión  por parte de los directores, hombres en todos los casos, por mostrarnos la transformación que sufren las mujeres en sus cintas). Hofmann no rueda "Halley" con la intención de dejarnos una simple película de terror, un nuevo acercamiento al concepto del muerto viviente o una cinta meramente desagradable, la idea de este es mucho mas profunda y según sus propias palabras: "Halley es un ensayo sobre la angustia que sentimos cuando el control que pensamos tener sobre nuestros cuerpos desaparece. La condición de Alberto es un reflejo de nuestra mortalidad y la soledad de la decrepitud, la película explorar como encubrimos la fragilidad de nuestros cuerpos bajo una idealización patológica de la belleza. Veremos a seres humanos correr sin alejarse de las realidades mas inquietantes de su existencia." Hofmann rueda esta idea con calma, con demasiada calma y con una escasez de diálogos a lo que gran parte del público no esta acostumbrado, el director mejicano ha arriesgado al máximo con esta película y por desgracia no ha salido tan redondo como seria deseable.


Durante el visionado de "Halley" me fue imposible no acordarme de "Whisky" la obra maestra de Rebella y Stoll, película que muchos consideran como la versión uruguaya del cine de Kaurismaki. En ella el jefe de una pequeña empresa familiar le pedirá a una de sus empleadas que se haga pasar por su mujer durante la visita de su hermano. Es obvio que argumentalmente ambas cintas están a años luz pero las propuestas de Rebella, Stoll y Hofmann coinciden no solo en la lentitud de la que hacen gala ambas cintas (Aunque en el caso de "Whisky" esta es mucho mas digerible que en el de "Halley") si no que sobre todo  nos encontramos con dos personajes principales que muestran una carencia absoluta para comunicarse con las personas que les rodean (En el caso de "Halley" habría que plantarse hasta que punto esto es causa o efecto de la situación en la que se encuentra el protagonista y en ambos casos no dejamos de estar ante dos personas que de algún modo no dejan de estar muertas en vida). Tanto el personaje interpretado por Andrés Pazos en "Whisky" como el interpretado por Alberto Trujillo en "Halley" comparten esa dificultad para comunicarse y en ambos casos podemos verlos sentados en una mesa con mas gente incapaces estos de decir una sola palabra de forma natural. Ambas cintas tratan un cierto aislamiento, una cierta incapacidad para relacionarse con los demás aunque obviamente con motivos y desarrollos totalmente diferentes.


Hofmann nos deja en "Halley" una irregular cinta que junto con momentos vacíos que pueden hacer que mas de uno no consiga entrar en la película nos deja otros realmente soberbios como el encuentro del protagonista con el forense, momento impagable que por si solo justifica el visionado de la película (Escena tan llamativa como el extraño cuadro que hay colgado en la pared) Pero hay un par de detalles, dejando de lado el ritmo de la cinta, que al espectador pueden hacerle establecer un barrera con la propuesta de Hofmann: Uno de ellos el de menor importancia son esas imágenes de los clientes del gimnasio, por mucho que el director diga que "La película explora como encubrimos la fragilidad de nuestros cuerpos bajo una idealización patológica de la belleza" estas imágenes nos apartan mas de esa idea antes que acercarnos a ella lo que puede dificultar la compresión de aquello que el director nos quiere contar. El otro detalle de mayor importancia es la imposibilidad de creernos que su jefa del gimnasio pueda sentir algún tipo de interés por el protagonista de la película haciendo de esa parte de la cinta algo necesario para entender el porque del título de la misma pero absolutamente inverosímil.(Supongo que a mas de uno esta frase le llamará potentemente la atención: ¿como puede ser que en una película donde el protagonista es un muerto en vida alguien hable de verosimilitud? Básicamente porque tomando como cierta la premisa fantástica de la película las relaciones entre los personajes que tienen que tener poco de fantásticas y mucho de reales y en este caso, por desgracia, esto no es así y no resultan para nada creíbles)


"Halley" es una interesante cinta en la que el espectador debe saber que se va a encontrar antes de empezar a verla. Su ritmo pausado puede jugar en su contra (Todavía me sorprende que en el Festival Internacional de Cine de Sitges se programara esta película en una maratón nocturna) y la metáfora que el director nos quiere contar no queda tan clara como en el caso de "Thanatomorphose" de Eric Falardeau. No me atrevo a recomendar una cinta como esta no por el punto desagradable que pueda tener si no porque es una de esas películas que hay que ver sin mucho sueño. Que cada uno decida tras leer esto si este es el tipo de cine que le gusta, si es así es muy posible que disfrute de la propuesta de Hofmann si no mejor dedicar el tiempo a ver otra cosa.




Lo mejor: El encuentro del protagonista con el forense
Lo peor: Hay que ser un espectador muy entregado para no abandonar el visionado de la película antes de tiempo

viernes, 28 de noviembre de 2014

Sección de Cortometrajes

A continuación os dejamos una serie de cortos que consideramos que bien sea por su calidad o por la fama que han ido adquiriendo gracias a la cantidad de premios que han ido ganando merece la pena verlos y disfrutarlos. Esperemos que os lo paséis tan bien como nosotros viéndolos...


Dring of the Dead de Mathieu Auvary y Gaël Pouvreau


Multipremiado corto del dúo formado por Mathieu Auvary y Gaël Pouvreau. Los directores explotan el cine zombie que tan de moda esta últimamente para dejarnos un chiste de cuatro minutos y medio de duración que tiene bastante gracia. Auvary y Pouvreau nos demuestran que no hace falta llenar metraje sin sentido si se sabe que se quiere contar y como contarlo.

            


Tuck me in de Ignacio F. Rodó


Si en el caso anterior Auvary y Pouvreau eran capaces de rodar un gran corto en poco menos de cinco minutos, Ignacio F. Rodó logra el mas difícil todavía y nos deja un soberbio corto de un minuto de duración donde este aprovecha al máximo una gran idea poco original para sus detractores pero que consigue dejar en el espectador una sensación bastante extraña en el cuerpo... y al fin y al cabo es lo que queremos con un corto como este...


           


Días sin Luz de Jaume Balagueró


Un año después de su primer corto "Alicia", Jaume Balagueró volvió a sorprendernos con "Días sin Luz" otra muestra de cine enfermizo que tan buenos resultados le dio al director catalán en sus comienzos y que por desgracia con cada nueva película parece que se va perdiendo en pos de la comercialidad. La dramática historia de un niño narrada desde su punto de vista nos hace imposible no acordarnos en ciertos momentos de la obra maestra de Jean Claude-Lauzon "Léolo" aunque las intenciones de uno y otro así como el resultado dista bastante.


                  


The Other Side de Conrad Mess


Visualmente impresionante el cortometraje de Conrad Mess grabado con un Iphone 5. Aunque técnicamente nos encontramos con un corto muy trabajado capaz de deslumbrarnos con su puesta en escena a "The Other Side" le falta algo, le falta la fuerza necesaria como para engancharnos y el doblaje de ciertos personajes no ayuda a que entremos en la historia como realmente sería necesario. Aún así un festín visual como este merece la pena y mucho ser visto.



Treevenge de Jason Eisener


Jason Eisener saltó a la fama gracias al falso trailer que hizo para el proyecto Grindhouse de Quentin Tarantino y Robert Rodriguez que acabó convirtiéndose en un largo bastante cafre y entretenido protagonizado por un Rutger Hauer perfecto para el papel. En "Treevenge" Eisener nos presenta un corto demasiado largo donde una buena idea acaba por diluirse ante un desarrollo demasiado lento, a pesar de todo el director acaba ofreciéndonos todo lo que esperamos de el y nos deja una parte final realmente entretenida.

           


Rare Exports Inc de Jalmari Helander


En el 2010 una pelicula finlandesa demasiado infantil para muchos ganó el premio a la mejor película en el festival de cine fantástico de Sitges. Jalmari Helander desarrolló la idea que mostró en los cortometrajes "Rare Exports Inc" y "Rare Exports Inc. The Official Safety Instructions" dos grandes muestras que en términos generales son superiores a la película que le supuso la consagración internacional. Os dejamos los dos cortos para que los disfrutéis ahora que se acerca la Navidad...





jueves, 27 de noviembre de 2014

Adelanto: Kink El Documental


James Franco es una de esas personas que levantan tantas pasiones como odios. El actor, guionista, director capaz de adaptar a Faulkner en "El último deseo" ("As i lay dying") o en "The sound and the fury", capaz de protagonizar divertimentos como "Juerga hasta el fin" ("This is the End") o "The Interview"  ambas dirigidas por Evan Goldberg y por Seth Rogen otra de esas personas que tiene tantos admiradores como detractores aunque por motivos diferentes a los de Franco (Si Rogen es uno de esos actores capaces de arrancar una risa puede a la vez resultar tan cargante que puede destrozar una película sin problema no hay mas que ver su trabajo en "50/50") también es capaz de mostrar un lado que revela que el actor esta demasiado pagado de si mismo y  Franco esta bordeando la mas absoluta pedantería como mostró con la exposición New Film Gallery donde el actor recreaba las fotografías de Cindy Sherman "Untitled Film Stills", muestra por la que fue destrozado sin ningún tipo de piedad por parte de muchos críticos, no hay mas que ver lo que dijo Jerry Staltz en su artículo en vulture.com indicando que "en este momento, George W. Bush es mejor artista que Franco".


En el año 2013 James Franco se juntó con Travis Mathews para rodar "Interior. Leather Bar" un documental de escasa duración, solo 60 minutos, en los que los directores exploraban como seria el metraje que se quitó de la película "A la caza" ("Cruising") de William Friedkin con Al Pacino en el papel principal para que esta no tuviera la calificación X. "A la caza" fue destrozada en su momento por la crítica y recibió la nominación a peor película, director y guión en los premios Razzies. Ese mismo año pero en su faceta de productor Franco este produjo "Kink" un documental de Christina Voros sobre una de las páginas de bondage mas conocidas a nivel mundial.


La idea del documental según Voros es desmitificar el mundo del bsdm dentro de un grupo que se aleja de la imagen de explotación de todo lo relacionado con el sexo mostrando a parte de las personas que trabajan para kink y enseñando que estas sobre todo aman lo que hacen. Para ello el documental se centra en la compañía fundada en 1997 por Peter Acworth cuya sede se encuentra en el mítico edificio Armony en San Francisco y en base a entrevistas tanto con el propio Acworth como con los modelos (No se habla de ellos como actores y actrices si no como modelos que se esfuerzan en demostrar que son capaces de aguantar todas las torturas a las que son sometidos y que son ellos quienes fijan como se va a rodar) y directores de las películas que allí se ruedan la directora intenta dar esa imagén de Kink, Voros intenta dar una visión global de lo que allí se hace. Según la propia directora, Franco después de grabar en el Armony volvió tan impactado con el lugar, con la gente que decidió que quería rodar un documental allí, para ello reclutó a Voros convencido de que esta quedaría fascinada con la idea de grabar el documental. Tras vencer la resistencia de los trabajadores de kink para hablar debido a la deplorable visión que se tiene de un mundo como este la directora reconoce que el hecho de querer ofrecer una imagen real y objetiva de lo que allí se hace consiguió que estos se abrieran y se mostraran ante las cámaras de un modo muy sincero, mostrándose tal y como son ya que según dice uno de los entrevistados :"La gente pensará que hay psicópatas debajo de las mascaras, muchos de nosotros vamos a casa y somos personas normales"


Tanto por las palabras de Voros como por las de Franco en las diversas entrevistas que han mantenido hablando de la película esta intenta alejarse de la visión morbosa que muchos pueden tener en mente pero a la vez es uno de los motivos por el cual muchos verán este documental. Igual que ocurría con el documental "The Ballad of Genesis and Lady Jaye" muchos se acercaron a el para ver el extraño proyecto sobre la pandroginia que llevaron a cabo Genesis y Lady Jaye descubriendo que  la película hablaba de mucho mas, con mucha mas profundidad de la que a priori se podría pensar (El morbo sobre la pandroginia fue publicitada al máximo por lo que no era de extrañar que la gente quisiera ver este documental exclusivamente por este tema) igual que ocurre con "Kink" que no se queda solo en el morbo para intentar profundizar en las personas.


Pero los detractores de este documental  como hizo Jonh Defore en su reseña critican que Voros de una visión demasiado idealizada del ambiente de trabajo que hay en Kink en lo que parece ser una excepción en lo que al mundo del porno se refiere a lo que hay que añadir falta de profundidad acerca del potencial público que visita estas páginas web, nadie se plantea que puede ocurrir ante tal visión de violencia o como es la gente adicta a este tipo de material. Con todos los pros y los contras, Kink el documental es una obra lo suficientemente interesante para dedicarle un rato y verla y por que personalmente en todo lo que esta metido James Franco me parece como mínimo interesante. Esperemos que podamos ver esta película pronto y que todos podamos opinar por nosotros mismos...



lunes, 24 de noviembre de 2014

Adelanto: A Girl Walks Home Alone At Night


Definida como un western iraní de vampiros con influencias de David Lynch por el soberbio uso de la música y la creación de ambientes y comparada con la estética de ciertas novelas gráficas por el uso del blanco y negro,  "A girl walks home alone at night" fue presentada en el pasado festival de cine de Sitges y supone el debut de su directora Ana Lily Amirpour en el largo. Pero las influencias de Amirpour no solo se quedan en las ya mencionadas sino que ademas esta muestra en su película su predilección por el grupo sudafricano Die Antwoord no solo por uno de los personajes de la cinta si no porque además esta presentó en Sitges su película de una forma poco convencional llevando una camiseta de dicho grupo.



Producida entre otros por Elijah Wood, Amirpour nos presenta la historia de miseria y soledad de varios personajes donde la presencia de una joven que deambula por la ciudad por la noche podrá suponer una amenaza para ellos. "A girl walks home alone at night" no es una película sencilla, no es una película complaciente con el espectador, estamos ante una cinta en la que hay que entrar, que hay que sentir y ante la que nos tenemos que dejar llevar, cerrarnos en banda solo hará que no lleguemos a poder disfrutar de lo que Amirpour nos esta mostrando en pantalla. (La directora nos deja una de las escenas de amor mas bonitas que se ha visto en pantalla grande en mucho tiempo)


Parte de la música que complementa perfectamente a las imágenes ha sido seleccionada por Ali Azimi usando como base el disco de Radio Tehran - 88


Por si todo esto fuera poco el merchandising que rodea a la película no puede ser mas estimulante, desde un monopatín (elemento presente en varios momentos de la cinta) tuneado con motivos de la película...


... hasta un comic de Jon Conrad que se basa en la propia cinta y cuyas viñetas hacen de esta obra uno de esos comics que muchos desearíamos tener ya entre las manos.



Para acabar un par de muestras de porque esta es una de esas películas a las que ha que dedicarle un visionado porque si somos capaces de entrar en ella la disfrutaremos bastante y si no, algo hay en la cinta de Amirpour que hace que esta se quede mucho tiempo en la memoria y solo se desee volver a verla y así poder disfrutarla plenamente.



domingo, 23 de noviembre de 2014

Crítica: Starry Eyes

Título: Starry Eyes
Año: 2014
Género:  Terror - Drama
Duración: 98 min
Director: Kevin Kolsch y Dennis Widmyer
Guión: Kevin Kolsch y Dennis Widmyer
Música: Jonathan Snipes
Interpretes: Alexandra Essoe, Amanda Fuller, Noah Segan, Fabianne Therese, Shane Coffey, Natalie Castillo, Pat Healy, Nick Simmons, Maria Olsen, Marc Senter, Louis Dezseran
Nota: 6,5
Sinopsis: Sarah es una joven aspirante actriz que malvive gracias a un trabajo de camarera que odia. Cuando se presente al casting de una película titulada "The silver Scream" su vida dará un giro radical.





Crítica:

Tras la polémica "Thanatomorphose" de Eric Falardeau, considerada por muchos como una de las películas mas desagradables de la historia del cine, y la interesante aunque fallida "Contracted" de Eric England, comparada de manera un tanto exagerada con el cine del primer Cronenberg, nos llega ahora la visión de Kevin Kolcsh y Dennis Widmyer acerca de la descomposición moral a la que estamos sometidos, bien sea por culpa de nuestro entorno bien sea por la competitiva sociedad en la que vivimos y sobre como esta nos afecta a nivel personal. Es inevitable pensar en ambas cintas al ver el proceso de degradación tanto física como psíquica que sufre la joven protagonista de "Starry Eyes" película que arranca tras presentarnos a Sarah una aspirante a actriz que sobrevive entre casting y casting gracias a un trabajo de camarera que detesta profundamente. Tras presentarse a un extraño casting dirigido por dos personas que solo desean explotar el lado más sádico de la chica, la suerte de esta cambiará radicalmente pero no del modo en que a ella le hubiera gustado...


"Starry Eyes" es una cinta que se toma su tiempo para mostrarnos el terror y el asco. Los directores y guionistas utilizan parte del metraje para hablarnos de la protagonista, de su frustración ante el fracaso que supone no conseguir hacer realidad sus sueños, para mostrarnos la desesperación ante la imposibilidad de lograr lo que añoras en un mundo del todo competitivo. Kevin Kolsch y Dennis Widmyer usan este "Starry Eyes" como una metáfora de lo corrupto y putrefacto que esta Hollywood, una forma de críticar la perdida de valores y el hecho de hacer cualquier cosa por conseguir el éxito, idea que se puede extrapolar, sin ningún tipo de problemas, a la sociedad en general. Esta forma de rodar la película, de acercase a su personaje principal puede hacer que el espectador impaciente no encuentre tan rápido como le gustaría todo aquello que promete "Starry Eyes" y que esta acaba ofreciendo, durante la primera parte de la cinta los directores y guionistas prefieren profundizar en los sentimientos de la protagonista y situarla dentro de su grupo de amigos para que el desarrollo de sus acciones y de las situaciones tengan una lógica dentro de su desesperación. Dotada esta parte de una enfermiza ambientación totalmente deudora del cine de los años setenta y ochenta hará las delicias del Ti West de "House of the Devil" y que gracias a algunas escenas llamará la atención muy positivamente de los seguidores del giallo. Complementando las imágenes con una gran banda sonora hace que Kolsch y Widmyer sean capaces de captar nuestra atención haciendo imposible abandonar el visionado de esta película antes de los títulos de crédito finales.



Aún así los primeros minutos de "Starry Eyes" nos pueden llevar a pensar que la intención de Kolsch y Widmyer esta mas cerca de presentarnos una nueva variación de las ideas mostradas por Steven R. Monroe en su repulsiva "I spit on your grave 2" que de lo presentado por Eric Falardeau y Eric England en sus respectivas películas. Y es que tanto la cinta de Kolsch y Widmyer como la de Steven R. Monroe comparten a una misma protagonista, una joven actriz que fracaso tras fracaso contactará mediante un anuncio con un extraño grupo de personas que si bien en el caso de "Starry Eyes" dirigen un casting para una película en el de "I spit on your grave 2" se ofrecen para hacerle un book fotográfico, en ambos casos estas personas no transmiten precisamente confianza. Es de agradecer que la propuesta de Kolsch y Widmyer se aleje de la brutalidad gratuita y sin sentido (Además de tremendamente machista) de la cinta de Monroe para plantearnos una metáfora en la línea de lo que rodaron Eric Falardeay y Eric England en el 2012 y 2013 respectivamente y narrarnos una historia de miseria y degradación mostrando hasta que punto seriamos capaces de llegar para conseguir todos nuestros sueños.


Las comparaciones con ambas cintas son inevitables pero desde distintas perspectivas y puntos de vista ya que "Starry Eyes" parece tomar ciertas ideas planteadas en ambas cintas para fusionarlas y sin ningún tipo de dudas mejorarlas. Si en "Thanatomorphose" Eric Falardeau nos presentaba a una joven que era el objeto de deseo de su novio y de uno de sus amigos donde lo importante eran los sentimientos de ellos y no los de ella motivo que le llevaba a descubrir que se estaba descomponiendo en vida, idea esta que se reforzaba mediante el uso de imágenes en la que los amantes de la protagonista se reparten como salvajes parte del cadáver de ella, en "Starry Eyes" Kolsch y Widmyer presentan el proceso de degradación de la protagonista de su película, aquí no es el objeto de deseo de dos hombres si no un mero elemento de una sociedad donde si no devoras pasas a ser el devorado, donde tienes que hacer cualquier cosa para conseguir lo que deseas caiga quién caiga. "Starry Eyes" y "Thanatomorphose" comparten la elaboración de una metáfora que se sustenta en base a todo lo que le ocurre a la protagonista.


"Contracted" y "Starry Eyes" comparten no solo la idea del sexo como elemento que dispara el inicio de la necrosis que sufren las protagonistas si no también esa forma de hacer evolucionar a la historia para dejarnos en ambos casos una gran parte final (Si algo queda claro al ver estas tres películas es que tanto Kolsch y Widmyer han aprendido de lo que hicieron Eric England y Eric Falardeau en las suyas para dejarnos un trabajo mas redondo y elaborado). Las películas de England y Kolsch y Widmyer no solo tienen en común el desarrollo de la parte final de la cinta si no que además las protagonistas de las películas trabajan ambas de camareras (Hecho este al que England se saca el lado mas desagradable ya que parece que los directores de "Starry Eyes" parecen mas interesados en seguir desarrollando su metáfora para hacerla eclosionar al final) y sobre todo ambas películas comparten la forma en la que estos directores han grabado a sus protagonistas andando por la calle  (Escenas que nos hacen saltar de una película a otra sin ningún tipo de problema)


Las comparaciones entre estas películas no acaban aquí, las tres cintas comparten lo que parece ser un habitual en el cine malrollero una escena lo mas desagradable posible donde las protagonistas se arrancan las uñas o una escena donde se vea a estas en el baño en su proceso de descomposición (Ojo.. no hay que llevarse a engaño con la también reciente "Honeymoon" de Leigh Janiak a pesar de tener su escena en el baño, de mostrar una cierta necrosis en la protagonista la propuesta de Janiak se aleja radicalmente de lo mostrado por los directores de "Thanatomorphose", "Contracted" y "Starry Eyes") Pero también es cierto que lo mostrado por Kolsh y Widmyer se aleja de lo que nos enseñaron England y Falardeay ya que esta no esta, al menos en apariencia, divida en partes tal y como hacían las cintas de estos. Si en el caso de la película de England la cinta estaba divida en los días que narraban la degradación de la protagonista o si en el caso de la de Falardeay esta estaba dividida en tres capítulos que venían a simbolizar el imparable proceso de necrosis que esta sufre (Estos capítulos eran Despair, Another y Oneself). "Starry Eyes" no esta divida por capítulos al menos aparentemente ya que si que podemos distinguir sin ningún tipo de problemas tres partes claramente diferenciadas.


"Starry Eyes" es una buena muestra de cine malrollero donde sus dos directores y guionistas se muestran capaces de crear sensaciones bastante incomodas en el espectador gracias al gran uso que hacen de la ambientación y de la música. El hecho de que esta cinta no sea una mera película de terror puede llevar a mas de uno a pensar que Kolsh y Widmyer se han mostrando un tanto pretenciosos, pero gracias al gran trabajo de su protagonista y a una inmejorable parte final, "Starry Eyes" es una cinta de obligada visión para todos aquellos amantes del cine desagradable. Y si es posible hacer una maratón con "Thanatomorphose" y "Contracted" pues mejor que mejor.



Lo mejor: El buen pulso de los directores para crear la historia y la atmósfera que la envuelve.
Lo peor:  No dejamos de estar otra vez ante la misma película

viernes, 21 de noviembre de 2014

Crítica: Aux yeux des vivants - Among the Living

Título: Aux yeux des vivants - Among the Living
Año: 2014
Género:  Terror - Thriller
Duración: 90 min
Director: Alexandre Bustillo y Julien Maury
Guión: Alexandre Bustillo y Julien Maury
Música: Raphaël Gesqua
Interpretes: Damien Ferdel, Zacharie Chasseriaud, Théo Fernandez, Fabien Jegoudez, Béatrice Dalle, Francis Renaud, Chloé Coulloud, Anne Marivin
Nota: 6,5
Sinopsis: Tras escaparse de un castigo en la escuela el último día de colegio, tres amigos descubrirán que en los antiguos estudios cinematográficos que hay cerca del pueblo se esconde un terrible asesino. 





Crítica:

Los confirmados próximos directores de "Leatherface" dan un aparente giro radical en su última cinta para rodar una película muy del estilo del cine de los años ochenta que tal y como comentaron estos en la presentación de la película en el pasado festival de Sitges es un tipo de cine que les gusta mucho y que añoran. Y digo aparente giro radical porque si bien es cierto que el dúo formando por Bustillo y Maury se muestra mucho mas comedido que en sus anteriores cintas estos siguen dejándonos ciertos destellos de la brutalidad marca de la casa de la que hicieron gala tanto en "A L'interieur" como en "Livide" y que son especialmente visibles en la escena inicial de "Aux yeux des vivants" protagonizada por una esplendida Béatrice Dalle que parece regalarnos una especie de homenaje a la cinta debut de los directores que se convirtió en una película de culto desde el momento de su estreno.


Al hablar de "A L'interieur" sorprendente y salvaje debut de Maury y Bustillo que ha marcado a muchos en lo que a la hora de plantear y resolver ciertas escenas dentro de una historia de terror (No hace falta mas que comparar esta película con el "Macabre" de The Mo Brothers dúo formado por Kimo Stamboel y Timo Tjahjanto) y de su segunda película "Livide" he dejado patente que a pesar de que ambas me parecen grandes películas (Especialmente la primera) las dos cintas de Maury y Bustillo mostraban cierta morosidad a la hora de plantearnos las historias y a sus personajes ya que estos dotaban a sus películas de un ritmo excesivamente cicatero que hacia que la acción tardara en llegar lo que podía llevar a que un espectador impaciente abandonara el visionado de la película antes de tiempo (Es necesario que los directores y guionistas usen parte del metraje de las cintas para presentarnos a los personajes de sus películas para que así los veamos como seres "reales" y cercanos y suframos con ellos). Ahora Maury y Bustillo parecen haber aprendido parcialmente de digamos ese "error" y para "Aux yeux des vivants" nos regalan una brutal e impactante escena inicial que deja el listón alto, tal vez demasiado alto lo que puede llevar al espectador a sentirse defraudado porque el punto salvaje que muestran los directores en el arranque de su última cinta tarda bastante en volver a aparecer, además la forma en la que estos han resuelto ciertas escenas con una palpable escasez de sangre puede llevarnos a pensar que estamos ante una cinta un tanto naïf  que puede hacer naufragar a esta película por encontrarse en tierra de nadie: Demasiado bestia para un público adolescente (Aunque hoy en día ya están hechos a todo) y demasiado infantil para un público adulto)


Es inevitable pensar en muchas películas con las que crecieron tanto los directores como nosotros en los años ochenta. Imposible no pensar en "Cuenta Conmigo" ("Stand by Me") de Rob Reiner (El mismo que un año mas tarde nos dejaría esa joya titulada "La princesa prometida" - "The Princess Bridge") por tratar las aventuras de un grupo de amigos un verano, si bien en la cinta de Reiner los protagonistas van en busca de un cadáver aquí estos simplemente van a pasar un rato a un antiguo estudio cinematográfico, y por esas gafas de pasta que parecen compartir dos de los personajes de ambas cintas. Imposible no pensar en "Los Goonies" ("The Goonies"), aquí no esta el pirata Willy el Tuerto (On-eye Willie) ni Sloth pero si que tenemos un barco pirata al que por si había alguna duda los protagonistas se suben para regalarnos un plano desde lo mas alto y por supuesto tenemos a nuestro asmático protagonista que necesitará su inhalador cada dos por tres. Tampoco nos es indiferente "El Club de los Cinco" ("The Breakfast Club") si bien en la cinta de Hughes nos encontrábamos ante un grupo de desconocidos que son castigados y será este hecho el que sirva de base para desarrollar toda la película, en "Aux yeux des vivants" los castigados son un grupo de amigos de diferentes estratos sociales. Pero si mientras Hughes se centraba en los personajes, sus motivaciones y sueños aquí esta idea solo sirve hacer avanzar a la historia (Igual que me ocurría al ver "A L'interieur" con el personaje de la enfermera interpretado por Dominique Front que no solo no acababa de convencerme si no que me ponía de los nervios me pasa lo mismo en la nueva cinta de Maury y Bustillo al ver a esta misma actriz en el papel de profesora). Y por supuesto imposible olvidarse de "Dentro del Laberinto" ("Labyrinth") al ver los muñecos que uno de los protagonistas guarda en su cuarto y de la mítica "E.T"no solo por la misma escena si no porque también volvemos a encontrarnos con una fuga en bicicleta (Resulta curioso este momento ya que si se observa con atención resulta demasiado forzado, el protagonista corre en bicicleta a toda prisa y de repente en la siguiente toma este lleva la capucha de la cazadora puesta resulte a todas luces absurdo e ilógico)


Pero no hemos de llevarnos a engaño con la ausencia de sangre, tampoco con la poca coherencia de la historia.. ¿A quién le importa la lógica de lo que nos están contando si hemos entrado en la película de tal manera que nos lo estamos pasando pipa?, tampoco debemos llevarnos a engaño con la forma en la que Maury y Bustillo presentan a sus personajes: No hay profundidad en ellos por mucho que puedan apuntar maneras, por ejemplo en el caso de uno de ellos que tiene claros rasgos psicopáticos (En una de las muchas críticas que leí de "Déjame Entrar" - "Let the right one in" se decía que estábamos ante un gran análisis de la infancia de un futuro psicópata o asesino en serie, esa idea en "Aux yeux des vivants" hemos de descartarla desde el inicio) o por mucho que los tres protagonistas tengan una difícil relación con sus padres (Aunque hay que reconocer en en uno de los casos es mas la rabia que el protagonista lleva dentro que un conflicto real con el padrastro, uno de los personajes que mejor nos caen de toda la película), Maury y Bustillo construyen una cinta muy entretenida que se pasa volando (Probablemente en términos de ritmo la mas conseguida de las tres de los directores) y a la que el espectador puede perdonar la carencia de sangre o las licencias que se toman estos a la hora de construir la historia y que hace que haya momentos que chirríen porque si algo tiene este "Aux yeux des vivants" es que estamos ante un divertimento en algo que parece ser una toma de contacto con las ideas que ambos directores y guionistas podrán desarrollar (Si no hay presiones de la productora) en "Leatherface". Este "Aux yeux des vivants" puede considerarse como un ejercicio de cine nostálgico, una zambullida en el género slasher tal y como muchos lo conocemos.


Si algo tiene "Aux yeus des vivants" es la creación y composición de un gran psicópata cuya presencia física y la forma de moverse ya es lo suficientemente inquietante para generar en el espectador un sentimiento bastante incomodo a eso hay que sumarle esos breves apuntes que recuerdan a alguna escena de "Días sin Luz" de Jaume Balargueró acerca de la concepción del mismo si bien es cierto que aunque este muestra su maestría para matar si que tenemos la sensación de que en algún momento Maury y Bustillo no han sacado el máximo provecho de un personaje así (Y aquí volvemos a encontrarnos con ciertas referencias al cine de los años ochenta o mas bien a la literatura de aquella época ya que le hecho de encontrarnos con un psicópata que en algunos momentos lleva una máscara de payaso nos hace imposible no acordarnos de "It" de Stephen King y adaptada para la televisión por Tommy Lee Wallance aunque el maquillaje del payaso visto en la miniserie dista mucho de la imagen del presentado por Maury y Bustillo). Un psicópata interpretado por Fabien Jegoudez que bien podría dar para proponer un mas que imposible crossover entre la cinta del dúo francés y el "Prometheus" de Riddley Scott.


"Aux. yeux des vivants" posee una brutal escena inicial que nos lleva a pensar que vamos a estar ante un tipo de película diferente. Aunque Maury y Bustillo siguen mostrándose soberbios a la hora de crear ambientes y sensaciones (Ver el primer encuentro bajo tierra de los chicos con el asesino o esa toma de uno de los protagonistas desde detrás del espejo) estos toman un camino por momentos demasiado alejado de la sangre lo que puede suponer una decepción para muchos de los seguidores de "A L'interieur" y "Livide" y que hará que algunos se muestren excesivamente críticos con esta película. Con todo "Aux yeux des vivants" es una muy entretenida cinta que posee un tono nostálgico que hará las delicias de muchos de los que crecimos en los ochenta. Con una muy buena parte final la última cinta de Maury y Bustillo es una película que se disfruta mucho y demuestra la maestría de los directores para crear tensión y hacer que sus películas vayan ganando en fuerza e intensidad. Muy Recomendable.



Lo mejor: La escena inicial con Beatrice Dalle. Ese payaso psicopata
Lo peor:  La por momentos escasez de sangre puede desesperar a los fans mas radicales.

domingo, 16 de noviembre de 2014

Crítica: Interestellar - Interstellar

Título: Interstellar
Año: 2014
Género: Ciencia Ficción - Drama
Duración: 169 min
Director: Christopher Nolan
Guión: Christopher Nolan y Jonathan Nolan
Música: Hans Zimmer
Interpretes: Matthew McConaughey, Mackenzie Foy, Jessica Chastain, John Lithgow, Anne Hathaway, Wes Bentley, Michael Caine, Casey Affleck, Topher Grace, Ellen Burstyn
Nota: 7
Sinopsis: La vida en la Tierra esta condenada. Diversas plagas están acabando con la comida y terribles tormentas de polvo hace que sobrevivir sea cada vez mas difícil. Cooper un ex-piloto comandara una arriesgada misión espacial: Atravesando un agujero de gusano deberá llegar a otra galaxia y encontrar un planeta habitable.




Crítica:
Hay ciertas películas y ciertos directores que levantan tantas pasiones como odios. Hay tantas cintas que son alabadas o criticadas de una forma visceral siempre desde un punto de vista excesivamente subjetivo que es necesario que pase un tiempo para poder juzgarlas de forma justa (Me viene a la cabeza por ejemplo el caso de "Twin Peaks: Fire walk with me" de David Lynch, película que fue destrozada por muchos tras su pase en el festival de cine de Cannes en 1992 y que a día de hoy es una gran obra dentro de la filmografía del director americano, otra muestra de todas las obsesiones de Lynch y que complementa perfectamente a la serie que este creó junto a Mark Frost. Un ejemplo en el sentido contrario sería todo lo que esta moviendo la muy sobrevalorada "What we do in the Shadows" del dúo Jemaine Clement y Taika Waititi. De igual manera cualquiera que seamos habituales de páginas como imdb o filmaffinity podremos observar como cuando se estrenan una de estas cintas las puntuaciones son o bien excesivamente altas o excesivamente bajas y solo el tiempo consigue que estas se estabilicen un poco y así se tenga una visión un poco mas real acerca de la calidad de la cinta.. aunque esto no es una ciencia cierta y no siempre funciona del todo)


Ahora nos llega la última cinta de uno de uno de este tipo de directores: Christopher Nolan. Considerado por muchos como un genio gracias a cintas como "Memento", "Origen" ("Inception") o hasta ahora el último reboot de la saga de Batman con su trilogía acerca del caballero oscuro y donde el director inglés dejaba patente su gran sentido del espectáculo y se mostraba capaz de sacar el máximo provecho de los actores pero que a su vez era capaz de dejarnos una de las muertes mas ridículas de la historia del cine. Pero Nolan es también para muchos un gran farsante, un director que gracias a los grandes actores con los que se rodea y gracias a la gran calidad técnica de sus películas es capaz de ocultar lo flojas y tramposas que al final pueden resultar las historias que cuenta. (Mucha gente se muestra tremendamente crítica con Nolan y esperan cualquier desliz, cualquier declaración que sirva para crucificarle como cuando dijo o pareció decir que las películas no tendrían que tener escenas después de los títulos de crédito finales algo que muchos vieron como un ataque hacía las cintas de la Marvel...)


"Interstellar" es una cinta realmente entretenida dirigida con pulso por Nolan que es capaz de hacer que sus películas por muy largas que sean pasen volando haciendo que cualquier espectador minimamente crítico y con ganas de divertirse se lo pase muy bien en una sala de cine y le perdone al director cualquier tipo de licencia que este se tome (Siempre me sorprende la cantidad de críticas que reciben este tipo de películas de ciencia ficción acerca de los fallos científicos que poseen. Siempre me sorprende porque estamos ante cintas que se inscriben dentro del género de la ciencia ficción.. ¿Por que siempre damos mas peso a la palabra ciencia que a la palabra ficción? Si miramos por ejemplo la definición que viene en la wikipedia veremos que indica que es un género "cuya verosimilitud se fundamenta narrativamente en los campos de las ciencias físicas, naturales y sociales" pero que se considera un "género especulativo... en un marco puramente imaginario")


Si algo sorprende en la última cinta de Nolan no es solo la falta de intriga y misterio que nos deja la primera parte de la película ya que todo resulta decepcionantemente obvio, lo que mas sorprende en el arranque de la cinta es encontrarnos ante unos personajes que recuerdan un tanto a los mostrados por Michael Bay en "Transformers 4". Puede que muchos consideren un sacrilegio hablar de "Interstellar" y "Transformers 4" en la misma crítica pero analicemos lo que hacen ambos directores en sus películas. Si en la cinta de Michael Bay este nos presentaba a un granjero viudo que posee amplios conocimientos en ingeniería que vive en su granja aislado del mundo acosado por las deudas que le pueden hacer perder todo lo que quiere y con una hija con la que vive en un eterno conflicto debido al control al que la somete especialmente en lo que a la forma de vestir se refiere, en "Intersterllar" volvemos a encontrarnos ante un granjero viudo que también posee amplios conocimientos en ingeniería (Obviamente los personajes de Nolan están mas trabajados y resultan mas creíbles que los de Bay,  mientras que el personaje interpretado por Mark Wahlberg era una persona que dejó los estudios después de que su novia en el instituto se quedara embarazada y que parece que su formación ha sido sobre todo autodidacta, el interpretado por McConaughey es un ingeniero que fue piloto por lo cual resulta mucho mas creíble que este sea capaz de programar las cosechadoras para que funcionen a la vez antes de que el personaje de Wahlberg sea capaz de crear todo tipo de cachivaches).Nolan también sitúa a su personaje principal en una granja aislada del mundo pero en este caso no son las deudas las que le acechan si no una terrible plaga y las tormentas de arena que parece condenar la vida en la Tierra, y por supuesto volvemos a encontrarnos con el conflicto paterno filial entre padre e hija. Aunque aquí estamos otra vez ante la dificultad de un padre para criar a sus hijos sin su madre no estamos ante el problema superficial de lo escasa que es la ropa de la hija del protagonista si no ante el odio y la rabia que siete ella por las decisiones tomadas por su padre. Y por supuesto si el hecho que desencadenaba la trama en "Transformers 4" era el descubrimiento de un camión que resultaba ser Optimus Prime, en "Interstellar" cierto descubrimiento hará que la película avance. Pero el cine de Nolan esta a años luz de el de Bay y aunque el segundo posee un gran sentido del espectáculo lastrado por su creencia de que dotar de ritmo a una escena de acción es cambiar de plano cada segundo, Nolan poseyendo también un gran sentido del espectáculo sabe que para llegar al espectador hay que crear unos personajes con fuerza y este junto con su hermano crea unos personajes totalmente creíbles muy bien interpretados que hacen que todo lo que estamos viendo resulte verosímil y donde las reacciones de estos no nos chirríen en ningún caso (Y eso a pesar de que los Nolan utilizan recursos dramáticos una y mil veces vistos...)


Pero si hay un claro referente al ver este "Interstellar" ese es el "Horizonte Final" ("Event Horizon") de Paul W.S. Anderson, cinta idolatrada por muchos amantes del cine de ciencia ficción pero ninguneada por bastantes por estar dirigida por la misma persona que nos ha dejado cintas tan flojas y decepcionantes como "Alien Vs Predator" o la reciente "Pompeya" ("Pompeii"). Pero en el caso de la que fue la tercera cinta del director inglés este consiguió dejarnos no solo su mejor película si no además una muy entretenida cinta que no pierde el interés en los sucesivos visionados y que se beneficiaba de un gran Sam Neill en estado de gracia que parecía complementar el trabajo que ya hizo en la mítica "En la boca del miedo" ("In the mouth of the madness") dos de los mejores papeles del actor australiano (Obviamente hay muchos mas trabajos de Neill que se pueden destacar: "El piano" - "The piano", "La posesión" - "Possession", "Calma Total" - "Dead Calm"... pero en este caso y al igual que ocurría con Bill Pullman con su trabajo en "Lost Highway" ambos actores pueden rodar ya cualquier tipo de película porque ya han conseguido un hueco en el corazón de muchos de los cinéfilos). Si el punto de partida en lo que a personajes se refiere nos recordaba a "Transformers 4" en lo que es el desarrollo de la historia la comparación con "Event Horizon" es mas que evidente, en ella un grupo de científicos establecen un viaje en busca de la nave que tiene el mismo nombre que la película desaparecida hace años pero que de repente vuelve a emitir señales. No solo el hecho de estar en ambas películas ante un grupo de científicos que van tras las señales de radio emitidas por anteriores misiones enviadas a investigar el espacio exterior es común a "Interstellar" y "Event Horizon" si no que además cierto desarrollo de la historia resulta demasiado común a ambas películas sin olvidarnos de que tanto la cinta de Nolan como la de Anderson comparten una misma escena: En "Event Horizon", Sam Neill usando un póster explica que el camino mas corto entre dos puntos no es la línea recta si no que doblando el folio podemos saltar de un punto al otro sin problemas ejemplo que demuestra atravesándolo con un boli, en "Interstellar" vemos exactamente la misma escena cuando Romilly explica porque un agujero de gusano es esférico y no circular ya que este vuelve a coger un papel para proceder del mismo modo que hizo Neill en la cinta de Anderson. (Recuerdo las críticas que recibió "Event Horizon" cuando se entrenó en su momento, muchas de ellas se centraban en la cantidad de jerga pseudo científica de la película que además de las licencias científicas que se tomaban hacía que esta resultara difícil de seguir por parte de ciertos espectadores. Hoy casi 20 años después las críticas que recibe la cinta de Nolan son muy similares, aunque el tiempo avanza parece que ciertas ideas no...). Tampoco debemos olvidar que en "Event Horizon" la propia nave mediante una especie de motor creado por el personaje interpretado por Neill era capaz de crear una especie de agujero de gusano artificial, en "Interstellar" son ciertas personas las que han colocado un agujero de gusano a lado de Saturno, en ambos casos dichos agujeros de gusano son provocados por elementos externos a la propia naturaleza. 


A pesar de todos los referentes que podamos encontrar ya sea con las cintas antes mencionadas o con "Gravity" o "2001: Una odisea del espacio" (No he querido entrar a comparar la cinta de Nolan con estas dos películas porque parece que estamos obligados a hacerlo, en el caso de la cinta de Cuarón la comparación es sencilla sobre todo por la cercanía de ambas cintas lo que puede ser un lastre para que "Interstellar" pueda ganar premios de los llamados importantes en los Oscars, la nominación a la banda sonora para Hans Zimmer la podemos dar por segura y así como unas cuantas nominaciones en los apartados técnicos. Hablar de la cinta de Kubrick y la de Nolan es algo que vemos en casi todas las críticas que se escriben, son múltiples las referencias que se pueden encontrar en "Interstellar" acerca de Kubrick una de ellas por ejemplo es la que trata la llegada del hombre a la Luna), "Interstellar" es una película que hay que ver en pantalla grande, cuanto mas grande mejor. Nolan nos deja un gran espectáculo para todos los sentidos, una gran cinta que se pasa en un suspiro y que aunque se haya podido tomar ciertas licencias científicas ha intentado respetar ciertas ideas como la falta de sonido en el espacio (Aunque el uso de la banda sonora pueda llevarnos a pensar que en algún momento se les ha ido la mano).


"Interstellar" se beneficia del gran trabajo de los actores, empezando por un Matthew McConaughey que tras sus papeles es "Killler Joe", "Dallas Buyers Club" o "True Detective" parece que empieza a ser respetado y muy merecidamente por muchos, siguiendo por una Jessica Chastain una actriz cuya sola presencia hace que la historia gane enteros (Y no solo por ella si no porque la parte de la película en la que ella participa desde mi punto de vista es la mas interesante de la cinta) y donde vuelve a aparece el actor fetiche de Nolan, Michale Cane en un papel que aun siendo mas largo nos recuerda al que ya interpretó en "Origen". Con todo hay algo que preocupa de Nolan y es cierta elefantiasis fílmica, cierta sensación que transmite el director inglés que nos lleva a pensar que este se esta endiosando un tanto en una muestra de falta de humildad lo que hace que muchos estén esperando su gran batacazo como director para destrozarlo (Como productor ya lo ha hecho con la mediocre pero bien intencionada "Trascendence"). Pero si algo queda claro es que todos esos críticos tendrán que esperar y bastante porque mientras Nolan siga rodando tan cintas tan entretenidas como esta seguiremos yendo al cine a disfrutar como enanos. Por cierto.. ¿soy lo el único que echa de menos a Septiembre?




Lo mejor: La gran calidad técnica de la cinta. La banda sonora de Zimmer.
Lo peor: Lo previsible que resulta el conjunto.

domingo, 9 de noviembre de 2014

Crítica: [REC] 4: Apocalipsis

Título: [REC] 4: Apocalipsis
Año: 2014
Género:  Terror 
Duración: 96 min
Director: Jaume Balagueró
Guión: Jaume Balagueró y Manu Díez
Música: Arnau Bataller
Interpretes: Manuela Velasco, Ismael Fritschi, Paco Manzanedo, Críspulo Cabezas, Mariano Venancio, Carlos Zabala, María Alfonsa Rosso, Cristina Aquino, Héctor Colomé
Nota: 4
Sinopsis: Tras ser rescatada del edificio donde sucedieron los hechos de la primera y la segunda parte, Angela despierta en un improvisado laboratorio situado en un barco. Lo que para ella tendría que haber sido el final de la pesadilla sera el comienzo de algo mucho peor.





Crítica:
En el 2007, Jaume Balagueró director de películas tan notables como "Los Sin Nombre" o "Mientras Duermes" pero que venia de rodar un par de cintas un tanto decepcionantes como "Frágiles" o "Darkness" volvió a juntarse con otro de los referentes actuales del cine de terror español Paco Plaza, director de películas tan interesantes como fallidas como "Romasanta" o "El segundo nombre" cinta esta un tanto deudora de la atmósfera mostrada por Balagueró en "Los Sin Nombre", para rodar una nueva cinta después de que estos sorprendieran a medio mundo al dirigir el documental "OT: La película" (Tanto llamó la atención un hecho como este que mucha gente dice que la primera película de terror conjunta de ambos directores no fue "[REC]" si no el documental que grabaron acerca del fenómeno que supuso la primera edición del programa Operación Triunfo en España). Esta película de título "[REC]" resultó una cinta tremendamente entretenida y efectista que provocó que el público saltara en su butaca. En definitiva esta cinta ofrecía todo aquello que un espectador ávido de emociones fuertes desea de una película como esta. A pesar de ser un cinta que se basa principalmente en la tensión y en el susto, hecho que puede hacer que la cinta pierda interés en un segundo visionado, Balagueró, Paco Plaza y Luiso Berdejo consiguieron dejarnos una historia muy entretenida donde los dos primeros en su faceta de directores mostraban como rodar una cinta con ritmo y sobre todo dejaban patente como ser capaces de sacarle el máximo provecho a un género como el found footage que por desgracia últimamente nos ha dado mas decepciones que alegrías."[REC]" guste o no marcó un ante y un después en España en lo que a cine de terror espectáculo se refiere y sus influencias son múltiples, sin ir mas lejos la reciente "Wax" de Víctor Matellano posee no solo cierta atmósfera común si no ya una escena calcada de la cinta de Balagueró y Plaza.


Con un éxito como este solo era cuestión de tiempo que se rodara su secuela (Se llegó a hacer un remake americano: "Quarentine" dirigida por John Erick Dowdle el mismo que recientemente rodó esa lamentable cinta de terror titulada "Así en la Tierra como en el infierno" - "As Above, so below", "Quarentine" resultó a todas luces un innecesario remake que no conseguía transmitir ni la tensión ni el mal rollo de la cinta original para dejarnos una de esas películas que parecen estar rodadas con el piloto automático. Aún así esta cinta tuvo su secuela "Quarentine 2" de John Pogue director que presentó este año en Sitges la muy decepcionante "The Quiet Ones"). Dos años más tarde y otra vez de la mano de Paco Plaza y Jaume Balagueró como directores pero cambiando a Luiso Berdejo por Manu Díez como guionista volvimos al edificio donde sucedieron los fatídicos hechos, pero lo que supuso un soplo de aire fresco en lo que al cine de zombies se refiere se convirtió en una muy decepcionante cinta donde el uso del recurso de las posesiones con parásito de fondo resultó harto ridícula y acabó por romper la magia que nos dejaron Balagueró y Plaza en la primera parte. (Personalmente creo que este intento de ofrecer algo nuevo en el cine de zombies mezclando infectados con poseídos resulta bastante decepcionante y me sigue sorprendiendo que después de ver esta segunda parte se siga considerando a esta saga dentro del género de cine zombie ya que tendría que se cine de poseídos o si acaso de infectados). Y si "[REC]" tenía algo que contar este "[REC] 2" parece que solo tenía historia para rodar un medio metraje y usando el viejo truco de los distintos puntos de vista para contar una misma situación (Llevado al extremo en la muy floja "En el punto de mira" - "Vantage Point" ) y así meter mas personajes en un espacio cerrado evitando que el espectador sucumbiera mas fácilmente al tedio se conseguía llegar a una duración mas o menos estándar.


Pero lo peor llegó en el 2012 cuando esta vez solo de la mano de Paco Plaza como director y recuperando a Luiso Berdejo como guionista nos llegó la tercera película de la saga. En algo que solo podemos definir como un gran truco publicitario estos nos presentaros "[REC] 3: Génesis" donde lo que parecía que iba a ser una película donde se iba a tratar el origen de la infección o de la posesión (De hecho la palabra génesis viene del griego y significa origen o principio) se convirtió en una cinta que sucedía casi al mismo tiempo que las dos primeras de la saga y donde la niña Medeiros verdadero origen de la infección brillaba por su ausencia (Por si teníamos alguna duda en la última "[REC] 4: Apocalipsis" uno de los doctores dice que se han producido dos brotes en Barcelona en las últimas 24 horas, además el foco de la infección de "[REC] y "[REC] 3: Génesis" era el mismo. Esta es la única película de la saga que no esta protagonizada por Manuela Velasco, aquí el personaje femenino fuerte esta interpretado por Leticia Dolera, una actriz que personalmente creo que es capaz de transmitir mucho más que Velasco. Volvemos a encontrarnos algo muy de agradecer, al igual que hizo Neil Marshall en la soberbia "The Descent" o Julian Gilbey en "A lonely place to die" los personajes fuertes son las mujeres). A pesar de lo floja que resultaba la historia era de agradecer el tono cafre de algunas escenas de la película incluida la escena final de la misma que hacía de esta cinta un muy desigual espectáculo que parecía condenar a la saga a una lenta agonía.


Ahora nos llega de la mano de Jaume Balagueró y con Manu Díez que ya colaboró en la segunda parte como guionista la que parece que va a ser la última cinta de la saga (Siempre y por mucho que digan los directores acerca de que no van a volver a rodar mas películas hay que tener cuidado ya que si la taquilla responde siempre hay un motivo para volver a abordar ciertos temas e ideas. Por desgracia parece que a día de hoy este no va a ser el caso ya que "[REC] 4: Apocalipsis" ha tenido el inicio en taquilla mas flojo de las cuatros película de la saga). No estamos ni mucho menos ante la mejor película de las cuatro, es más podemos decir sin ningún género de dudas que la calidad general ha ido cayendo conforme se iban rodando nuevas películas. Después de tres cintas que tratan sobre el mismo tema es difícil ofrecer algo nuevo, algo que llame la atención del espectador... si es que realmente eso es lo que se quiere y no simplemente hacer taquilla. Si las dos primeras cintas transcurrían en un edificio y la tercera en una boda, esta cuarta tendrá como lugar un barco con nombre Zaratustra donde bajo la excusa de tener que mantener a los protagonistas en una cuarentena forzada se esconden varios secretos que estos irán descubriendo a lo largo de la película.


Hay que ser muy claro acerca de lo que han querido hacer Balagueró y Díez con esta cinta. Resulta francamente decepcionante que la última película de la saga no sea mas que un mero ejercicio de cine de terror que toma muchos elementos de "La Cosa" ("The Thing") de John Carpenter y de la saga de "Alien" iniciada por Ridley Scott. De hacer algo nuevo y sorprendente a coger grandes clásicos del cine de terror y fusionarlos sin gracia ni garra para hacer de esta cinta una película que aunque se ve bien acaba por resultar pesada y carente de interés hay un abismo. Y eso que dice uno de los personajes de la cinta y que incluso ha usado el propio Balagueró para justificar que esta es una película mas de tensión que de miedo, eso de "Porque yo soy de Mostoles y allí las cosas se hacen como me salen de los cojones" puede resultar muy graciosa pero aquí no sirve. Es inevitable acordarnos de "La cosa" ("The Thing") a la hora de ver "[REC] 4: Apocalipsis" no solo por la idea de ver a los protagonistas encerrados en un entorno que resultará hostil (Un complejo científico en Alaska o un barco en medio del mar y donde en ambos casos una terrible tormenta pondrá las cosas todavía mas difíciles, aunque sorprende el poco juego que le saca Balagueró de este recurso en esta película) si no también por el hecho de que la amenaza que va acabando con los protagonistas se esconde y oculta en uno de ellos. Por un momento parece que algún personaje va a decir eso de: "Sé que yo soy humano. Y si todos vosotros fuerais una de esas cosas me atacaríais todos juntos ahora mismo, por lo que algunos aún sois humanos. Esa cosa no quiere mostrarse a sí misma. Quiere ocultarse dentro de una imitación. Luchará si tiene que hacerlo pero es vulnerable al descubierto. Si nos captura no tendrá mas enemigos, no quedará nadie para matarla. Y entonces habrá vencido". Pero mientras Carpenter conseguía transmitir tensión en su cinta, Balagueró no consigue ni siquiera acercarse a lo que hizo Carpenter, tal vez porque este aún mostrándose tramposo en el desarrollo de su película es demasiado obvio dejándonos un supuesto misterio que no lo es tanto y hace que un observador minimamente avispado sabrá perfectamente que va a ocurrir en la película. El hecho de la contención de la amenaza de forma que no llegue a sitios poblados también esta presente en ambas cintas, mientras Carpenter la usó como metáfora sobre el miedo real que provocó el Sida a finales de los setenta y principios de los ochenta, Balagueró usa este elemento de manera automática sin profundizar en el y sin, como muchos parecen haber querido ver, usarlo como metáfora acerca del Ébola (Aunque estrenada ahora esta película se rodó mucho antes de que la virulenta enfermedad nos empezará a preocupar a los países desarrollados)


Pero no solo las comparaciones con "The Thing" se quedan en estos dos claros ejemplos, la idea de comprobar con la sangre si la persona este infectada aún siendo un elemento demasiado común al cine de terror hace que las similitudes entre ambas cintas resulten todavía mas obvias. Probablemente el mayor problema de esta cinta es el alto concepto que tiene de si misma, la idea de cerrar la saga por todo lo alto hace que ni el tono cafre de algunos momentos ni la historia ni el sentido del humor rozando la parodia de ciertas escenas acabe por funcionar. Ni el chiste que es clara referencia a "Aterriza como puedas" ("Airplane!") cambiando el original de la cinta de Zucker, Zucker y Abrahams del pescado por la carne, ni tampoco los ya comentados análisis de sangre a los que se les podía haber sacado mucho mas juego, ya que tenemos la sensación de que va a aparecer el Doctor Hibber en pantalla y al igual que en un episodio de los Simpsons va a decir eso de que tras un cultivo rutinario de almas descubre que Bart era el gemelo malvado. (Aquí volvemos a ver que aunque haya elementos sacados o que recuerdan a "The Thing" la sensación que nos transmiten las imágenes rodadas por Balagueró distan mucho de las de Carpenter ya que al ver la cinta rodada por este nunca se nos ocurriría pensar en el Doctor Hibber cosa que si que ocurre en este caso) Y por supuesto imposible no acordarnos de Nauls interpretado por T.K. Carter al ver al cocinero de "[REC] 4: Apocalipsis"


Los guiños a la saga "Alien" también están presentes en esta cinta como ya ocurría en películas anteriores. Sin ir mas lejos el uso de las cámaras subjetivas de los policías o sus incursiones en los altillos de  por ejemplo "[REC] 2" están rodadas de manera muy similar en "Aliens" de James Cameron, la para muchos mas espectacular cinta de la saga, de igual manera que ocurría en la segunda parte en "[REC] 4: Apocalipsis" ciertas escenas y ciertas formas de mostrar a los personajes en alguno de los pasillos nos hace inevitable volver a acordarnos en este caso de la cinta de Cameron. Pero si hay algo que evoca especialmente el recuerdo de dicha cinta es el hecho del despertar y la reclusión de la protagonista, momento en el que ambas cintas están claramente relacionadas. Y si en el caso de "The Thing" nos era inevitable acordarnos de Nauls, aquí es imposible no acordarse de Brett (Harry Dean Stanton) al ver a alguno de los protagonistas de esta cinta.


Es una lastima la gran cantidad de elementos que desvían el centro de atención del espectador y que en muchos casos son capaces de sacarle a este de quicio (El mas claro ejemplo es esa mujer desmemoriada que sirve para justificar la presencia de "[REC] 3: Génesis" dentro de la saga, elemento con el que parece que se quiere dar una cierta continuidad a la misma) o esas absolutas incoherencias a la hora de construir la historia (Esta gente es capaz de montar una mega operación en el centro de Barcelona movilizando a todo Dios para que entre un cura a buscar a la niña Medeiros pero han de contratar el barco de un Don nadie a punto de jubilarse.. ejem... e instalar un laboratorio científico repleto de médicos y militares pero incapaces de contratar a un informático decente capaz de instalar un sistema a prueba de hackers de tres al cuarto.). Es de agradecer la presencia de Ismael Fritschi protagonista de "La caja de Pandora" genial corto de Daniel Hérnadez Torrado en uno de los papeles protagonistas, probablemente en uno de esos papeles agradecidos que caen simpáticos al publico. Manuela Velasco sigue en su línea y personalmente cada vez que grita me pone de los nervios. El resto del casting resulta excesivamente desigual ya que junto a buenas interpretaciones nos encontramos otras difícilmente creíbles.


En definitiva este "[REC] 4: Apocalipsis" es una manera bastante floja de cerrar una saga que se inicio con una cinta que marcó un antes y un después. Por desgracia el intento de hacer taquilla ha hecho que la calidad de las siguientes cintas que se rodaron fuera decayendo de manera notable. A pesar de que a esta cinta le cuesta arrancar podrá gustar a los seguidores mas fanáticos de la saga, el resto mejor abstenerse. 




Lo mejor: El nuevo uso para un motor de lancha
Lo peor: La superviviente de la boda. La poca lógica que tiene toda la historia.