domingo, 26 de julio de 2015

Crítica: Del Revés - Inside Out

Título: Del Revés - Inside Out
Año: 2015
Género: Animación - Aventura - Comedia - Drama
Duración: 94 min.
Director: Pete Docter y Ronaldo del Carmen
Guión: Meg Lefauve, Josh Cooley y Pete Docter
Música: Michael Giacchino
Interpretes: Amy Poehler (Mar Bordallo), Phyllis Smith (Beatriz Berciano), Richard Kind (Carlos Ysbert), Kaitlyn Dias (Ángela Arellano), Diane Lane (María del Mar Jorcano), Kyle MacLachlan (Lorenzo Beteta)
Nota: 6,5
Sinopsis: Cuando la familia de Riley se mude a Nueva York los sentimientos de esta entraran en conflicto a tener que enfrentarse a una nueva casa, a un nuevo colegio y sobre todo a perder a sus amigos de siempre y conocer a gente nueva




Crítica:
Vaya por delante; "Del Revés" ("Inside out") es una gran película, una muy buena película destinada al público infantil pero personalmente no me parece que sea esa obra maestra absoluta que dicen muchos que es. Es probable que si que estemos ante la mejor cinta de la Pixar en años (De hecho su mejor película desde el 2010) pero esto no es merito de la cinta de Docter (Codirigida por Ronaldo del Carmen) si no por culpa del bajón creativo de la compañía mas preocupadaen estrenar una cinta cada poco tiempo que en la calidad de sus películas y que ha derivado en cintas tan flojas como "Cars 2" o "Monsters University". Una lastima que la misma compañía que nos dejó esa joya titulada "Wall.E" (Si mucha gente consideró erróneamente que era un gran riesgo que Michel Hazanavicius rodara una película muda en el 2011 olvidándose del trabajo de Guy Maddin o de Esteban Sapir en "La Antena" por citar dos ejemplos, mucho mas riesgo resultaba rodar una película destinada a un público infantil donde durante su primera parte nos encontrábamos con una cinta prácticamente muda. Conseguir que los críos se quedaran embelesados con las aventuras del robot -cuya historia parece que luego fue adaptada para rodar "Memorias de un zombie adolescente", "Warm Bodies"- es un trabajo digno de un genio) o esos memorables 15 primeros minutos de "Up" que hacen que la muerte de la madre de Bambi casi resulte una comedia.


¿Y por que pienso todo esto? Porque aunque la cinta de Docter tiene momentos absolutamente brillantes, porque aunque su película sabe jugar magistralmente con las tonalidades y el color pasando de la luminosidad a la mas absoluta oscuridad según la tristeza se va apoderando de la protagonista: La escena de la niña andando sola por las calles de San Francisco ya justifica el visionado de esta película, ese momento tan triste como bello demuestra una gran planificación a la hora de desarrollar una idea que por otro lado no tiene mucho de novedosa ya que esta no deja de parecerme una puesta al día de "Dentro del Laberinto" ("Labyrinth") de Jim Henson protagonizada por una joven estilosa, guapa y simpática de nombre alegría cuya hiperactividad consiguió sacarme de mis casillas y me hizo pensar en todos los tipos de sustancias a los que esta era adicta (Lo siento pero mi imagen de la felicidad dista mucho de una chica puesta hasta las cejas de prozac) y acompañada de tristeza una chica pequeñita, regordeta y miope que nos deja un muy preocupante mensaje: Guapa, delgada y simpática entonces todo es alegría, gordita, baja y cegata todo es tristeza (Tampoco hay que dejar de pasar por alto la forma de vestir de ambas, mientras una lleva vestido, la otra lleva un jersey de cuello alto como intentando ocultar su cuerpo). Aunque Asco parece la hermana menor de Rizzo en "Grease", que Ira acabará formando parte de "Los Vengadores" y que por supuesto si eres delgado ya eres el paradigma del miedo y del acojonado (En lo referente a este personaje recomiendo ver "Leolo" de Jean Claude Lauzón y la transformación "física" de Fernand el hermano del protagonista, todo un ejemplo sobre la relación entre la debilidad física y el miedo mucho mas elaborado que el mostrado en "Del Revés") es la forma elegida por Docter para representar a la alegría y a la tristeza lo que resulta terriblemente preocupante. En un mundo donde todo parece estar supeditado al físico que una cinta destinada a un público infantil refuerce tan tristes ideas es terriblemente peligroso. Pero no debemos olvidar que estamos ante una cinta producida por la Disney empresa que valora y refuerza los valores tradicionales representados especialmente en la importancia de la familia y que para ciertas mentes retrogradas solo las guapas pueden ser felices.


Dejando de lado las apreciaciones acerca del diseño de las protagonistas de la película y su peligroso mensaje, la historia escrita por Meg Lefauve, Josh Cooley y Pete Docter resulta muy deudora de "Dentro del Laberinto" ("Labyrinth") cinta protagonizada por David Bowie y Jennifer Connelly que fue dirigida por Jim Henson en 1986. En ella, Sarah (Jennifer Connelly) tras quedarse a cargo de su insoportable hermano pequeño y viendo que es imposible que este se calle y se duerma pedirá al Rey de los goblins que se lo lleve. Este haciendo caso de la suplica de la chica accede a la petición de esta. Cuando la joven se de cuenta del error cometido se encontrará con que la única forma de recuperar a su hermano es llegar hasta el castillo del Rey que se encuentra situado en el centro del laberinto antes de 13 horas momento en el que su hermano se convertirá en un goblin. Puede que al leer la sinopsis de la cinta de Henson resulte llamativa la comparación pero son varias las ideas que comparten ambas cintas. No solo las bolas de cristal son fundamentales en ambas películas: Si en "Dentro del Laberinto", Bowie juega con una bola de cristal que tiene en sus manos durante su visita a Sarah para llevarse a su hermano, en "Del Revés" los sentimientos son almacenados dentro de esferas de cristal. Además las protagonistas de ambas películas se encuentran ante el mismo problema: Tendrán que llegar al centro del laberinto (La composición del almacén de recuerdos es un laberinto tal y como se dice en la película) donde se encuentra el castillo del Rey de los goblins o el centro de control de las emociones de Riley antes de que esta pierda los recuerdos esenciales o el hermano de Sarah se convierta en un goblin y por tanto dejen de ser quienes realmente son. Pero podemos estar tranquilos, en toda aventura que se precie el héroe (en este caso las heroínas) serán ayudadas por extraños seres que se encontraran a lo largo de su periplo; Si en "Dentro del Laberinto" era un enano gruñón de nombre Hoggle quien echaba una mano a Sarah, en "Del Revés" es un ex-amigo imaginario mitad elefante, mitad delfín de nombre Bing Bong y que al menos en España tiene la voz de Homer Simpson (El tema del doblaje es algo llamativo. Es de agradecer que en este caso no se haya destrozado la película contratando a un famoso de turno para poner voz a uno de los protagonistas o a un secundario. Todos tenemos el nefasto recuerdo del trabajo que hizo Dani Martín ex-líder de "El canto del loco" en "Escuela de Rock" - "School of Rock" de Richard Linklater, pero resulta difícil escuchar una voz que tienes muy identificada con un personaje en otro muy distinto. Si Bing Bong tiene la voz de Carlos Ysbert habitual doblador de Homer Simpon, alegría es doblada por Mar Bordallo conocida por, entre otros trabajos, ser la Penny de "The big bang theory".) Por supuesto el esfuerzo de las protagonistas para conseguir su misión se verá envuelto en medio de mil y un peligros y si en "Dentro del Laberinto" teníamos el terrible lago del hedor eterno, en la cinta de Pixar esta el abismo donde van a parar los recuerdos olvidados..


Pero hay que ser honrados y sinceros y reconocer que la cinta de Pete Docter y Ronaldo del Carmen coge ideas de la cinta de Henson para llevarlas a su terreno y jugar con ellas de manera magistral como hace por ejemplo con el concepto de la abstracción, con la imaginación (La escena de alegría y tristeza saltando en el lago de lava nos recuerda al momento en el que Ludo pide ayuda a las rocas para poder cruzar un pantano), los sueños (Resulta curioso que tanto en "Del Revés" como en "They Live" de John Carpenter sea la señal enviada por la televisión la que hace que la realidad se vea distorsionada y los "monstruos" adquieran una forma humana reconocible. Aunque obviamente la cinta de Docter carece de la brutal crítica de la película de Carpenter una de las muestras mas llamativa y salvajes de cine político izquierdista rodado en los años ochenta), la forma en la que olvidamos las cosas (Otra vez volvemos a encontrarnos con la alargada sombra de la película de Jim Henson. Otra vez las protagonistas se topan en su camino con extraños personajes. Si por ejemplo en "Dentro del Laberinto", Sarah se encontraba con dos curiosas puertas que le indicaba mediante unos acertijos como dar con el camino correcto para llegar al castillo del Rey de los goblins, en "Del Revés", alegría y tristeza se cruzarán con esos encargados de eliminar recuerdos que bien podrían formar parte de la cinta de Henson y a nadie le resultaría extraño. Imposible no pensar en las puertas de "Dentro del Laberinto" al ver a tan llamativos personajes) y muy especialmente al mostrar la forma en la que trabaja el cerebro de otras personas (Soberbio el momento en el que vemos parte de la historia desde el punto de vista de la madre y del padre. O el encuentro con ese chico en el partido de Hockey. Docter sabe del potencial de estas escenas y acaba exprimiéndolas para dejarnos en los títulos de crédito finales las escenas mas hilarantes de toda la película)


"Del revés" ("Inside out") es una de esas claras muestras donde la publicidad nubla el juicio del espectador. Si, es cierto que la cinta de Docter es una buena película. Si, es cierto que con esta cinta disfrutaran tanto los hijos como los padres. Y si, es cierto que posee ideas llamativas y sorprendentes. Pero no, no estamos ante una cinta original no solo por todo lo ya comentado acerca de los paralelismos entre "Del revés" y "Dentro del Laberinto" si no porque además la idea de mostrar los sentimientos de forma personificada ya fue mostrada por, por ejemplo, "Los Simpsons"...


..lo que nos tiene que hacer reflexionar ante lo que desde periódicos, telediarios y prensa especializada nos intentan vender como original y novedoso. Nosotros como público no podemos conocer todas las referencias o todas las películas con las que otras cintas, por decirlo de alguna manera, tienen puntos en común pero la prensa especializada si que tendría que tener un poco mas de cuidado con este tipo de detalles lo que nos lleva a pensar que vender un producto tiene mas peso que ser sinceros con el potencial público. "Del revés" muestra la importancia de la tristeza como percutor de la felicidad, ambos sentimientos son necesarios para el correcto desarrollo de la personalidad, igual es por eso que durante los últimos años Pixar nos ha dejado cintas tan flojas y malas solo para que este "Del Revés" destaque. Todos nos sentimos como el grupo de amigos que van a felicitar a Riley tras fallar un gol en un partido de hockey solo que en este caso Riley es la Pixar y el gol fallado es "Cars 2" y "Monsters University". "Del Revés" es una buena película, es una muy entretenida cinta con un peligroso mensaje pero desde luego no es la obra maestra que nos intentan vender.


Lo mejor: La escena de los conceptos abstractos.
Lo peor: Asimilar alegría a ser guapa y ser delgada y tristeza a ser regordeta, pequeña y cegata

martes, 21 de julio de 2015

Crítica: Lava

Título: Lava
Año: 2014
Género: Cortometraje - Animación - Musical - Romance
Duración: 7 min.
Director: James Ford Murphy
Interpretes: Kuana Torres Kahele y Naupa Makua
Nota: 8
Sinopsis: La historia narra el desesperado anhelo de un volcán por encontrar alguien a quién amar.








Crítica:
Es triste que muchas veces los cortometrajes que acompañan a las películas pasen casi desapercibidos por culpa de que los espectadores esperamos ver el último largometraje de Pixar (O de otra productora) antes que ver una pequeña joya de menos de diez minutos. Es triste que nuestra impaciencia nos pueda y todo lo que no sea la película por la que hemos pagado sea considerado como algo secundario. Es triste lo poco habituados que estamos a ver cortometrajes y que nos hace pensar que una historia contada en poco menos de diez minutos no deja de ser algo menor, algo leve que solo sirve para pasar el rato o para rellenar el tiempo. Y es muy pero que muy triste que en los cines solo se proyecten cortometrajes acompañando a ciertas películas (En la mayoría de los casos cintas de grandes distribuidoras) haciendo del corto algo casi inaccesible para la mayoría del público debido a que estos parecen relegados a festivales de cine o a formar parte de los extras de los dvd. Desde hace mucho tiempo los cortos que preceden a ciertas películas infantiles tienen calidad, mucha calidad y en algunos casos mucha mas que las cintas a las que acompañan y gracias a ello hemos descubierto grandes joyas como "Parcialmente Nublado" ("Partly Cloud") de Peter Sohn, "Paperman" de John Karhs y que ganó un Oscar en el 2013 y por supuesto este "Lava".


"Lava" no posee diálogos, toda la historia esta narrada en base a una canción algo que a priori puede resultar tremendamente peligroso porque si esa canción no nos llega, si esa canción no se ajusta al tipo de música que nos gusta no solo puede hacer que el visionado del cortometraje se haga tedioso y aburrido si no que además puede llevar a que el espectador empiece a ver la película sin la energía necesaria. (Aunque en estos casos el mismo cuidado exquisito que se tiene a la hora de animar la historia se tiene a la hora de escoger y arreglar la canción para que llegue al máximo número de personas posibles). La historia de James Ford Murphy recuerda en cierto modo a la del "Paperman" de John Karhs ya que en ambos casos sus personajes masculinos buscan desesperadamente a la persona amada (En un caso una chica con la que el protagonista se ha cruzado en el metro, en el otro el deseo de compartir la vida con alguien y ser feliz como el resto de criaturas que viven al rededor del volcán) haciendo todo lo posible para llamar su atención (Bien sea mediante aviones de papel, bien sea mediante una canción que surge de la lava del volcán). No solo esta idea es común a ambas historias si no que ademas el desarrollo de las mimas es similar (Lo que puede ser extrapolable a todo el cine romántico en general)


Todas las historias de Disney/Pixar juegan peligrosamente con elementos que pueden emocionar al espectador pero que pueden caer en lo ridículo si no son usados en su justa medida (Algo que en las cintas de la Disney se puede observar especialmente en todo lo referente a la familia)  y este no es un caso aparte, Por mucho que nos llegue la historia, por mucho que ese volcán que por momentos parece familia lejana de Jabba the Hut nos emocione, el corto de Murphy corre el riesgo de caer en lo ñoño, de ser peligroso para los diabéticos por su exceso de azúcar pero... da igual.. todo es tan bonito, todos nos sentimos tan identificados con el volcán que es absolutamente imposible no disfrutar de esta pequeña joya. De obligada visión.



Lo mejor: Lo bonito que resulta el conjunto
Lo peor: Corre el riesgo de caer en lo ñoño

martes, 14 de julio de 2015

Crítica: Terminator Génesis - Terminator Genisys

Título: Terminator Génesis - Terminator Genisys
Año: 2015
Género: Acción - Ciencia Ficción
Duración: 126 min.
Director: Alan Taylor
Guión: Laeta Kalogridis y Patrick Lussier
Música: Lorne Balfe
Interpretes: Arnold Schwarzenegger, Jason Clark, Emilia Clark, Jai Courtney, J.K Simons, Dayo Okeniyi, Matt Smith, Byung-hun Lee, Michael Gladis, Sandrine Holt, Wayne Bastrup
Nota: 5
Sinopsis: John Connor envia a Kyle Reese a 1984 con la idea de proteger a su madre, Sarah Connor de un Terminator enviado por Skynet para acabar con ella. Pero cuando este aparece en 1984 nada es como el esperaba...




Crítica:
Recordad: Hollywood es Skynet. Al escribir estas líneas temo que un abogado sea enviado desde el futuro por la Paramount Pictures para evitar que esta crítica vea la luz. Puede que en alguna línea temporal haya gente que lea esto y lo recuerde. O puede que no y que caiga en el olvido porque simplemente este ahora nunca existió. La preocupante falta de ideas de la poderosa industria cinematográfica americana mas obsesionada en conseguir que las películas funcionen bien en taquilla (De ahí que por ejemplo que al menos en España se hiciera una proyección especial un día antes del estreno, una forma de ganar una sesión mas al fin de semana y así poder conseguir unos mejores resultados de taquilla) que en ofrecer películas de calidad, que parece mas obsesionada en rodar remakes, reboots, precuelas, trilogías o innecesarias secuelas de famosas sagas, esta destrozando sin ningún tipo de escrúpulo el gran recuerdo que muchos tenemos de cintas con las que crecimos y destrozando también el sentido del espectáculo que muchos disfrutamos viendo en la pantalla grande de una sala de cine. Sin ir mas lejos ahí esta el ejemplo de "Terminator: Salvation", de "Indiana Jones y el templo de la calavera de cristal" ("Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull") o la muy reciente nueva versión de "Poltergeist". En esta línea temporal, el 29 de agosto de 1997 sucedió mucho tiempo antes cuando Hollywood perdió la imaginación y empezó a creer que era mejor ir sobre seguro que arriesgar. Hoy en día no son las maquinas las que dominan al cine si no una grave y preocupante falta de ideas y una obsesión por la taquilla. Es así de claro y así de triste. Hollywood es Skynet y necesitamos un John Connor.


Tras la nefasta y muy aburrida "Terminator Salvation" dirigida por McG, uno de los peores directores que han surgido de la industria de Hollywood en los últimos años y que se enfrentaba al difícil reto de rodar una cinta de la saga de "Terminator" sin su estrella principal: Arnold Schwarzenegger (Recordemos que la carismática Linda Hamilton no participó en la tercera entrega) intentando compensarlo con un gran reparto (Christian Bale, Anton Yelchin, Helena Bonhan-Carter, Bryce Dallas Howard, Michael Ironside junto con un Sam Worthington que vivía el mejor momento de su carrera y que parece que por desgracia no supo aprovechar) pero cuyo resultado final se veía lastrado por una realización monótona (Por mucha acción que tuviera la cinta, la película resultaba demasiado impersonal) que no aportaba nada nuevo a una saga que parecía agonizar tras una muy decepcionante tercera parte titulada "Terminator 3: La rebelión de las Maquinas" ("Terminator 3: Rise of the Machines") de Jonathan Mostow y donde eso de "Salvation" que apostillaba el título de la cinta dirigida por McG parecía ser solamente una ironía o un chiste a costa de las esperanzas del espectador (Lo mismo que ocurre con "Terminator Génesis" y esa escena donde cogiendo la palma de la mano, un dedo traza una línea y una voz comenta que hay que seguir adelante. Con tantos saltos temporales, con los nuevos presentes y futuros, esta idea parece querer continuar con la ironía mostrada en el título de la cinta de McG), ahora nos llega la que ya es la quinta entrega de la mítica "Terminator" y que junto con su espectacular secuela dirigida por el propio Cameron siete años después pasaron a formar parte por méritos propios de la historia del cine. Si algo sorprende de la cinta dirigida por Alan Taylor ("Palookaville", "Thor: El mundo oscuro") es que "Terminator Génesis" es a la saga de "Terminator" lo mismo que "Fast & Furious: Aún mas rápido" ("Fast & Furious") a la saga de carreras de coches tuneados protagonizada por Vin Diesel y el malogrado Paul Walker. Si el guionista Chris Morgan desplazó la de línea temporal la acción de "A todo gas: Tokio Drift" ("The fast and the furious: Tokio Drift"), ahora son Laeta Kalogridis y Patrick Lussier los que no desplazan si no que literalmente borran a "Terminator Salvation" de la saga. Por desgracia nosotros los espectadores somos capaces de recordar dos líneas temporales distintas (Nuestros traumas nos persiguen) lo que se traduce en el terrible recuerdo de la cinta de McG y se convierte en una dolorosa pregunta: ¿Acabarán de alguna manera recuperando a la cinta de McG dentro de la saga de "Terminator" tal y como hicieron con "A todo gas: Tokio Drift" o la apartaran definitivamente como una rareza que rompía demasiado con el resto de las cintas de "Terminador"? Esta pregunta que tras ver la película de Taylor podría resultar un tanto extraña, no lo es tanto ya que al jugar con los viajes en el tiempo, con los nuevos presentes, los futuros por reescribir y con las paradojas temporales cualquier cosa es posible...


Es difícil, muy difícil hablar de una película como esta sin relevar algún dato que pueda considerarse spoiler aunque tras ver el trailer y el póster de la película es casi imposible superar lo que han hecho los publicistas ya que otra vez nos encontramos ante otro de esos trailers que no  solo cuentan gran parte de la trama si no que además también desvelan alguna que otra sorpresa. "Terminator Génesis" posee dos partes claramente diferenciadas, una primera realmente soberbia donde Taylor se apunta al revival ochentero que parece que vivimos últimamente, en la que juega de manera magistral con la cinta original de Cameron y donde realiza claros guiños a la segunda parte de la saga (Especialmente con esa frases "Come with me if you want to live") y que consigue que los mas fieles seguidores de las cintas de Cameron disfruten a pesar de ciertas incoherencias en la historia que plasma en imágenes. Por desgracia esta idea no da para mas y hay que llenar poco mas de dos horas de metraje (Si es preocupante la falta de ideas aún lo es mas la obsesión por hacer películas largas aunque no haya mucho que contar) lo que hace que la película se vaya desinflando poco a poco y donde Kalogridis y Lussier en lugar de construir un guión con fuerza tratando de jugar con los conceptos tan bien planteados en la primera parte de la cinta, se dedican a utilizar los giros de guión para sorprender al espectador ya que parece ser que esta es la única manera de evitar que el sopor se acabe adueñando de estos. Puede que lo peor no sean esos giros de la historia que no acaban por funcionar, ni algún error de casting, ni ese nuevo Terminator mitad robot mitad maquina que no consigue que nos olvidemos del T-1000 (Y mas si vemos que en "Terminator Génesis", es el actor sur coreano Lee Byung-hun la persona encargada de dar vida a tan terrible maquina. Byung-hun que ya ha participado en varias cintas en Hollywood como las dos entregas de "G.I. Joe" o "Red 2" y ha rodado en su país grandes películas como "A bittersweet life", "I Saw the devil" o "El bueno, el malo y el raro" todas ellas dirigidas por Kim-Jee Woon director que curiosamente se puso detrás de las cámaras para rodar la vuelta de Schwarzenegger a un papel protagonista en el cine con la muy entretenida "El último desafío" - "The last stand") si no que lo peor es que "Terminator Génesis" acaba derivando en una suerte de pseudo versión del "Resident Evil" de Paul W. S. Anderson. Resulta tremendamente triste y desolador que una saga que lo ha sido todo para el cine de ciencia ficción reciente, que nos ha dejados dos de las mejores películas de este género acabe agonizando de esta manera y lo que sería normal: que las cintas de Anderson tomaran como referencia a las de terminator acaba en manos Kalogridis y Lussier en otro de esos improbables giros de guión y son estas las que toman como referencia al cine de Anderson. Tan simple, tan decepcionante todo como darse cuenta que Skynet no deja de ser algo parecido a la Reina Roja de "Resident Evil". Aquello a lo que todos tenemos miedo, aquello que consideró al hombre como una amenaza e intentó destruirlo acaba derivando en una idea extraída de una cinta mediocre, lo que por desgracia acaba demostrando ante que tipo de película estamos: Una brillante idea alargada hasta la saciedad donde los guionistas han sido incapaces de sacar provecho de las ideas planteadas en la primera parte de la cinta (Uno de los mas claros ejemplos es el desaprovechadisimo personaje de J.K Simons que parece seguir la línea del interpretado por Earl Boen en la segunda y tercera entrega de la saga pero del que se podía haber sacado mucho mas provecho y mas sabiendo el gran actor con el que contaba Taylor para el papel o esos policías interpretados por Michael Gladis y Sandrine Holt a los que de repente perdemos de vista). La historia de Kalogridis y Lussier tiene los suficientes elementos como para hacer de esta película algo como mínimo interesante y no como una mera sucesión de escenas de acción (Ninguna realmente espectacular) y que nos deja un clímax final realmente flojo y predecible. Si quitamos a la cinta de McG de la saga tenemos que ya se nos ha contado cuatro veces la historia de dos robots que viajan en el tiempo para matar o defender a Sarah Connor (E hijo, allegados, etc..) y tenemos que en tres de ellas -"Terminator 2: El día del juicio", "Terminator 3: La rebelión de las maquinas" y esta "Terminator Génesis"- los protagonistas han intentado volar por los aires las empresas o los lugares donde se encontraba Skynet o que servían para que este evolucionara de la manera que lo hacía. Personalmente me gustaría que esta saga fuera capaz de ofrecer algo nuevo, de no caer en los tópicos y arriesgar, hacer lo que hizo Cameron en 1991 rodando una cinta que dejó con la boca abierta a medio mundo, por desgracia este "Terminator Génesis" intenta alargar el éxito aprovechándose de volver a contar con Arnold Schwarzenegger como protagonista. Un lastima.


Pero por desgracia esta cinta tiene otro grave problema y ese no es otro que el alto concepto que esta película tiene de si misma. La película de Taylor es una cinta que no se puede definir ni como precuela ni como secuela de las cintas que formaban parte de la saga de Terminator, la película de Taylor es una cinta que envuelve a todas ellas y por momentos la película sucede antes, durante y después (aunque en distintas líneas temporales). Kalogridis y Lussier saben que jugar con los viajes en el tiempo, con las diversas líneas temporales que pueden producirse y todas las paradojas que ello conlleva hacen que la película ya tenga la etiqueta de difícil o no accesible, pero no hemos dejarnos llevar por las apariencias, no hemos de comernos la cabeza ante todo aquello que no acaba de encajar o ante modificaciones de sucesos pasados, presentes y futuros que cambian el rumbo de la historia. No, bajo la aparente complejidad de "Terminator Géneris" no hay mas que un par de guionistas que pretenden ser complicados, que quieren hacernos creer que su película es mucho mas hermética de lo que parece (Toda cinta que juega con diferentes realidades es considerada compleja. Da igual que Morfeo explique todo a Neo en "Matrix", da igual que una vagabunda cuente la historia de una chica que vivía en Pomona y da sentido a "Inland Empire", si una cinta es de esta catalogada de esta manera se queda con esa etiqueta para siempre aunque haya otras cintas que pueden pasar desapercibidas y que realmente merecerían esta etiqueta), pero no.. por desgracia no hay mucho que decir de la historia y al igual de lo que ocurrió con "Alien Resurrection" deja a la saga en un punto en el cual los productores podrán rodar todas las secuelas que quieran (Sorprendentemente y según los rumores la cinta de Jeunet va a ser la "Terminator Salvation" de la saga). Aunque es inevitable pensar en algún momento en "12 monos" ("12 monkeys") de Terry Gilliam  basada libremente en el cortometraje "La Jetee" de Chris Maker, hubiera sido aconsejable que los guionistas se hubieran empapado de cintas como "Las vidas posibles de Mr. Nobody" ("Mr. Nobody") de Jaco Van Dormael (Ese director con nombre de droga que parece que estaba hasta arriba cuando escribió el guión de esta maravilla), "Donnie Darko" de Richard Kelly, "Primer" de Shane Carruth, esa joya desconocida por muchos titulada "Preguntas frecuentes sobre viajes en el tiempo" ("Frequently asked question about time travel") de Garreth Cavirrich, "Looper" de Rian Johnson y muy especialmente la trilogía de "Regreso al futuro" ("Back to the Future") de Robert Zemeckis poniendo especial interés en la segunda parte, de esta manera se hubieran dado cuenta que no solo hay que intentar que el espectador crea que la película es complicada o este llena de posibles paradojas si no que hay que saber a donde se quiere llegar y como manejar y manipular a aquellas personas que están viendo la cinta para crear en ellos una confusión por aquello que les estamos contando y no porque haya mil y una ideas que se queden en el aire.


Tema aparte es el casting de la película. A todos nos resulta entrañable volver a ver a Arnold Schwarzenegger dando vida a un Terminator a pesar de que el pobre hombre esta ya viejo que no obsoleto y cuyo papel parece casi destinado a "intentar explicar" todo lo que esta sucediendo en la película. Si en muchas cintas tenemos al típico personaje cuya única misión es la aclarar al espectador los hechos, Schwarzenegger parece en principio tener la misma misión (Ademas de proteger a Sarah Connor) solo que usando un lenguaje que lo único que hace es complicar mas las cosas haciendo de la confusión deliberada un hecho que apoya la idea de que los guionistas han creído que su película era mas compleja de lo que realmente es (Puedes contar una idea de una forma tremendamente sencilla y accesible para el espectador o hacerlo de una manera harto complicada para que este no entienda nada -Véase el arquitecto de "Matrix Revolutions"- pero jugar con diálogos de esta manera pueden cansar y mucho al espectador.  Alex Garland se dio cuenta de este problema en "Ex-Machina" y todas esas conversaciones que sonaban rimbombantes que solo podían hacer que el espectador desconectara de la película son cortadas de manera tajante por el director y guionista. Garland considera que su historia tiene suficientes elementos para hacerla interesante al público dejando de lado elementos externos que solo podían jugar en su contra). Personalmente creo un acierto contar con Emilia Clark como Sarah Connor actriz a la que veo en el papel sin ningún tipo de problema pero mas me cuesta creerme a Jason Clarck como John Connor, actor al que parece quedarle un poco grande dar vida al líder de la resistencia o a Jai Courtney como Kyle Reese no tanto porque el recuerdo de Michael Biehn es una losa para cualquier actor si no porque como espectadores no dejamos de pensar eso de: "Que pasada!!! John McClaine es el abuelo de John Connor!!!"


"Terminator Génesis" es una muestra de la decadencia que vive Hollywood. A pesar de contar con todos los elementos necesarios para hacer una gran película, a pesar de dejarnos una sorprendente e impresionante primera hora, la película acaba naufragando de manera estrepitosa.  El trabajo previo de Laeta Kalogridis ("Guardianes de la noche", "Alejandro Magno", "Shutter Island" -Leonardo DiCaprio rodó dos veces en el mismo año la misma película, una la cinta de Scorsese la otra "Origen" de Nolan) o Patrick Lussier (Director y guionista de cintas tan entretenidas como justitas: "Un San Valentín Sangriento 3D", "Furia Ciega") no hacia presagiar lo mejor y por desgracia el guión de "Terminator Génesis" demuestra que estos no eran la mejor opción para escribir la nueva entrega de la saga. Ni si quiera la crítica a nuestra dependencia de la tecnología acaba por funcionar, es fácil recordar la escena de la parada del autobús de los títulos de crédito iniciales de "Shaun of the dead", unos segundos muchos mas críticos y directos que la aparente  mordacidad de la cinta de Taylor (Que mas parece una justificación que otra cosa). Con una primera hora modélica, "Terminator Génesis" acaba derivando en una innecesaria sucesión de escenas de acción con una parte final tremendamente decepcionante. Recomendación: Si alguien va a ver la película... !Por favor! Nada de ver el trailer antes!!!


Lo mejor: La parte de la película que sucede en 1984
Lo peor: La decadencia de la saga

viernes, 10 de julio de 2015

Cortometraje: La Jetée - Chris Marker

Título: La Jetée
Año: 1962
Género: Ciencia Ficción - Drama - Romance
Duración: 28 min.
Director: Chris Maker
Guión: Chris Maker
Interpretes: Jean Négroni, Hélène Chatelain, Davos Hanich, Jacques Ledoux, André Heinrich, Ligia Branice
Sinopsis: Tras una guerra nuclear el mundo ha quedado devastado. Un grupo de científicos llegan a la conclusión de que la única manera de salvar al mundo es enviar a un hombre al pasado.








Con motivo del estreno de "Terminator Génesis" ("Terminator Genisys") de Alan Taylor creemos necesario rescatar el soberbio cortometraje experimental de Chris Maker "La jetée" que no solo fue adaptado libremente por Terry Guilliam según el guión de David Webb Peoples y Janet Peoples en la película "12 Monos", cinta con la que la película de Taylor parece compartir ciertas ideas y que ahora vive una especie de segunda juventud gracias a su conversión a serie de televisión, si no porque además ha influenciado a cintas tan alejadas de la temática fantástica y de los viajes en el tiempo como es el caso de "The Secret society of fine arts" de Anders Ronnow Klarlund, película con la que comparte el tono experimental basado en la idea de estar ambas narradas en base a una serie de fotografías fijas, aunque en el caso de la cinta de Klarlund estas están retocadas digitalmente para dar al espectador una sensación de movimiento (En algunos países la edición en dvd de "The secret society of fine arts" incluye "La Jetée"). A continuación reproducimos el cortometraje de Chris Maker con subtitulos en español y después un pequeño fragmento de la película de Klarlund.

La Jetée


The secret society of fine arts



domingo, 5 de julio de 2015

Crítica: San Andrés - San Andreas

Título: San Andrés - San Andreas
Año: 2015
Género: Acción - Thriller y dicen por ahí que también Drama
Duración: 114 min.
Director: Brad Peyton
Guión: Carlton Cuse
Música: Andrew Lockington
Interpretes: Dwayne Johnson, Carla Gugino, Alexandra Daddario, Ioan Gruffund, Archie Panjabi, Paul Giamatti,  Hugo Johnstone-Burt, Art Parkinson, Will Yun Lee, Kylie Minoge
Nota: 3,5
Sinopsis: Un gran terremoto sacude a la falla de San Andrés (Por supuesto el mayor terremoto jamás visto). Un matrimonio en proceso de separación viajara a San Francisco para salvar a su hija.




Crítica:
Breve manual acerca de como rodar una película de catástrofes.

1.- Elegir una ciudad, región o país del mundo para destrozar. A ser posible hemos de situar la historia en Estados Unidos y hemos de acabar con elementos claramente identificables como La Casa Blanca, la estatua de la libertad, el Golden Gate, etc, etc... cualquier otro sitio que el espectador no consiga reconocer hará que la cinta pierda credibilidad y fuerza. En caso de duda preguntar a Roland Emmerich, el amigo alemán obsesionado con acabar con Estados Unidos en el cine. Ahí están sus películas: "Independence Day", "Gozdilla" (1998), "El día de mañana" ("The Day after tomorrow"), "2012"... que aunque parte de las catástrofes que muestran ocurren a nivel global (La invasión extraterrestre o las diversas formas de abordar el fin del mundo ocurren a nivel planetario) la acción que muestran es casi a nivel local. Emmerich que parece volver una y otra vez sobre las mismas ideas dejó en "2012" una brutal crítica a Estados Unidos mostrando a Méjico como un país que cerraba sus fronteras ante el éxodo masivo de americanos que querían ser acogidos en el país centroamericano. Un espectador que se quede a ver los títulos de crédito finales de "San Andrés" descubrirá que uno de los productores ejecutivos de la película es Toby Emmerich, hermano del actor Noah Emmerich y sin relación con el director alemán. Emmerich es un conocido productor de películas entre las que podemos destacar (Por muy diversos motivos): "Blade II", "El efecto mariposa" ("The butterfly effect"), "Domino" o "Viaje al centro de la Tierra" ("Journey to the Center of the Earth") y que además ha escrito el guión de la muy entretenida "Frecuency" del desaparecido, al menos en lo que a dirección de largometrajes se refiere, Gregory Hoblit (Si hablamos de "el efecto Shyamalan" por justicia tendríamos que hablar también de "el efecto Hoblit" ya que como ocurre con el director de "El sexto sentido" - "The sixth sense"- Hoblit parece que en muchas de sus películas este está mas obsesionado en sorprender al espectador que en la coherencia de la historia que esta intentando contar)


2.- Al situar la historia en Estados Unidos hemos de tener claro que vamos a potenciar cierto tipo de valores como el de la importancia de la familia, el afán de superación y lucha, el amor a una bandera pero sobre todo hay que plasmar un mensaje de esperanza. Para ello habremos de mostrar alguna bandera americana bien clara y visible, mostrar que la gente de bien (A la gente de mal ya nos encargaremos de castigarla para que el público vea que las malas acciones conllevan una terrible pena) es capaz de hacer cualquier cosa con tal de ayudar no solo a sus seres queridos si no a cualquier persona que este en problemas. Si para ello hay que hacer que el presidente americano pilote un caza, se hace. Si para ello hay que hacer que el presidente de un catastrófico parque que no aprende de sus errores pilote -por llamarlo de alguna manera- un helicóptero se hace, si para ello hay que regalar un coche que has robado a un ladrón y que una pobre familia es muy probable que necesite pues se hace. Y si la realidad puede hacernos ver que nuestro mensaje de esperanza y superación se queda en nada pues cogeremos y con muchos efectos especiales, con mucho amor familiar y con una bandera que ocupe media pantalla conseguiremos hacer que el público se olvide de la desastrosa gestión de catástrofes reales como la del huracán Katrina y de todo lo que conllevó la reconstrucción de las zonas afectadas, al fin y al cabo estamos ante una película de acción y no ante una cinta de Ken Loach (Para todos aquellos que quieran conocer un poco mas lo que sucedió después del Katrina recomiendo ver el documental "The yes men fix the world" de Andy Bichlbaum, Mike Bonannon y Kurt Engfehr).


3.- Rodar una escena inicial con un personaje secundario que sirva para advertir de la terrible amenaza que se cierne no solo ante los protagonistas de la película sino también ante una cantidad ingente de almas inocentes. Si esta escena puede servir para presentar a alguno de los protagonistas y hacer que el público sepa que es un autentico héroe, mejor que mejor...


4.- Dotar a la historia de carga dramática. El espectador no ha de pensar en ningún momento que estamos ante una mera sucesión de escenas de acción, de destrucción sin sentido. No, el espectador ha de conocer a los personajes, sentir simpatía por ellos y por las terribles circunstancias que les han llevado a la situación en la que se encuentran. Si para lograrlo es necesario volver a contar la misma historia que hemos visto mil veces en la pantalla grande y situarla en el contexto de una catástrofe pues se hace. Si algo tiene la cinta de Brad Peyton (Para los mas despistados el mismo director cuyo trabajo hasta la fecha parecía condenarle a rodar lamentables segundas partes como en el caso de "Como perros y gatos: La venganza de Kitty Galore" -"Cats & Dogs: The revenge of Kitty Galore" o "Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa" -"Journey 2: The Mysterious Island", película en la que ya trabajó con Dwayne Johnson) es una muy, muy floja historia que muestra a una pareja que se esta divorciando con una hija que no acaba de conectar con el nuevo novio de su madre (Siempre ha de haber un divorcio, siempre ha de haber un nuevo novio, un elemento que desestabilice aún mas a la ex-pareja y que deje claro al espectador que por mucho cariño que estos se tengan es prácticamente imposible que vuelvan a estar juntos) y donde este hará todo lo posible por ganarse la simpatía de la chica (Por desgracia, Peyton nos deja una de las escenas mas tristes y lamentables vistas en mucho, mucho tiempo donde este, interpretado por un Ioan Gruffudd cuyo trabajo en "Los cuatro fantásticos" - "Fantastic Four"- y secuela pareció poner fin a una prometedora carrera, explica porque no ha tenido hijos y donde un poco de sentimentalismo barato y bastante dinero harán que a la chica ya lo le parezca tan mal tipo.) Es la parte dramática la que mas falla en "San Andrés". Todo esta tan visto, todo es tan reconocible que a ningún espectador le puede sorprender que los terremotos sirvan como un elemento catártico para las relaciones familiares. Si en "Crash" de David Cronenberg, donde este adaptaba la novela homónima de James Ballard, Vaughan decía eso de que un accidente de trafico puede ser un hecho mucho mas fecundo que destructivo, lo mismo podríamos llegar a decir de los terremotos de "San Andrés" (Si la cinta del director canadiense poseía un salvaje contenido erótico, la película de Peyton podría definirse casi como porno sentimental). Para los protagonistas, los terremotos serán hechos mas fecundos que destructivos al menos en todo a lo que a relaciones familiares se refiere. Otra vez nos encontramos ante ciertas ideas que parecen recurrentes en el cine de acción y/o aventuras reciente: Los adultos tendrán que ir a buscar a los adolescentes que andan perdidos en medio de una terrible catástrofe. Resulta llamativo que dos cintas estrenadas en los cines con tan poca diferencia de tiempo como son "San Andrés" y "Jurassic World" planteen esta misma idea. Si en la cinta de Trevorrow eran los personajes interpretados por Chris Pratt y Bryce Dallas Howard los que tenían que ir en busca de los sobrinos de ella después de que un dinosaurio-calamar-sapo se escape, en la película de Peyton es esa ex-pareja incapaz de superar un terrible trauma que sucedió hace ya unos años (Momento que será recordado por estos y que tristemente justificará porque a Dwayne Johnson se le apoda "The Rock") quienes tendrán que ir en busca (En lo que parece una yincana por aire, tierra, otra vez aire y agua) de su hija (A pesar del momento en el que parece ser eclipsada por el sentimentalismo barato y por el dinero del novio de su madre, esta es la hija perfecta. No solo es guapa, no solo es inteligente si no que además escucha a sus padres especialmente a el... solo por esto tendríamos que decir que "San Andrés" es una cinta de ciencia ficción ya que en la realidad hijos así no existen, son trucos de perversos guionistas malvados para que sintamos empatía por los personajes) y de un par de amigos de esta: Ben y Ollie (Hugo Johnstone-Burt y Art Parkinson) que para no alejarnos de "Jurassic World" son hermanos y el pequeño vuelve a ser un resabido que no consigue caer simpático al público. (Que no se nos olvide que en "Jurassic World" los dos hermanos también hablan de la posible separación de sus padres)


Pero la acción tampoco acaba por funcionar y es que Peyton no es Emmerich y aunque las películas del segundo resultan por lo general cintas muy, pero que muy flojas son bastante más entretenidas que este "San Andrés". La constante sucesión de escenas de destrucción, de edificios que se caen y de un enorme Tsunami aunque puedan parecer momentos impactantes no lo son tanto y por desgracia volvemos a estar ante otra de esas cintas donde el trailer es muy superior a la película. Desde aquí damos la enhorabuena a la persona o personas que han hecho un trailer como este y que ha conseguido convencernos para volver a ver otra vez una película que ya hemos visto mil veces. Hay un detalle que llama demasiado la atención en la cinta de Peyton y es que por mucho que en Estados Unidos haya recibido la calificación PG-13 (y en otros países la película se mueve mas o menos por la misma calificación) estamos ante una cinta demasiado blanca, demasiado naïf y pura. Ante terremotos tan violentos, ante terremotos tan brutales la cantidad de sangre y de muertos tendría que hacernos apartar la vista de la pantalla, pero es obvio que estamos ante una cinta hecha por y para la taquilla por lo que no hemos de esperar una visión mínimamente realista de lo que pasaría a la gente en una situación así.


5.- Contratar a un actor de reconocido prestigio para que le de caché a la cinta, para hacer creer al público que las interpretaciones también son parte de importante en la película. Podemos coger a Jean Reno para "Godzilla", a un John Cusack en horas bajas para "2012", a Ian Holm para "El día de mañana", a Kate Winslet para "Divergente", Patricia Clarkson para "El corredor del laberinto" ("The maze runner"), a Bryan Cranston para la nueva "Godzilla" o a Paul Giamatti para "San Andrés". Y si este actor puede dar vida a un científico pues mucho mejor porque así el público se creerá lo que dice por muy absurdas que puedan resultar sus palabras y sus reacciones y pensará que es un científico de verdad y no un actor interpretando a un científico. Tampoco debemos olvidanosr de contratar a otros actores que aunque no sean tan famosos o no estén en la cresta de la ola sean reconocibles por el gran público y resulten perfectos para su papel. Tal y como ocurría con Woody Harrelson en "2012" (No, el actor no se interpreta a si mismo en la cinta de Emmerich) o con Ioan Gruffudd en "San Andrés" perfecto como multimillonario egoísta, uno de esos papeles que aparecen y desaparecen de la historia según sea necesario y conveniente para rellenar metraje. Si podemos contar con algún otro actor o actriz para algún sorprendente cameo, mejor todavía. En este caso la aparición de Kylie Minogue sorprende no porque su anterior trabajo en un largo fuera en el "Holy Motors" de Leox Caras y no entendamos que hace en una cinta como esta, si no por la caracterización de su personaje.


6.- No molestarse por la coherencia de la historia ni por las situaciones que en ella se describen. No hemos de preocuparnos porque los científicos descubran que pueden predecir los terremotos con muy poco tiempo de antelación (Ahí esta la escena de la presa Hoover) y que basándose en solo un experimento con éxito anuncien a la prensa su enorme hallazgo. No nos ha de preocupar que tras un devastador terremoto que ha destruido edificios, que ha agrietado calles, destrozando puentes y carreteras, no funcionen los móviles pero la red telefónica de toda la vida siga intacta y que se pueda llamar por teléfono sin problemas. Tampoco nos ha de preocupar que tras uno de los terremotos mas grandes de la historia quede un puente en perfecto estado.. si no.. ¿que vamos a destrozar con el Tsunami? (Momento que hace que nos venga a la cabeza "Lo imposible" - "The impossible" de Juan Antonio Bayona, película que consigue dejarnos un escalofriante tsunami a años luz de lo que hace Peyton en su cinta), ni debemos pensar en los posibles daños que puede sufrir una persona por estar ¿Cuanto? ¿Mas de cinco minutos sin respirar?, tampoco nos debe preocupar que a un helicóptero casi le caiga un edificio encima y siga volando (Curiosamente volvemos a estar ante un helicóptero como parte de la trama tal y como sucedía en "Jurassic World"), ni que será del personaje interpretado por Dwayne Johnson cuando lo despidan por usar un helicóptero de rescate para uso personal, no acudir a su trabajo (Recordemos que es piloto de rescate en situaciones de emergencia) e ir a buscar a su hija (Si cualquiera de nosotros hiciéramos esto, si en  la escena final de "San Andrés" sería una imagen nuestra en la cola del paro) y por supuesto tampoco debemos preocuparnos por la poca lógica de ciertas decisiones de los protagonistas.


Y para acabar un último punto.
7.- Contar con un gran presupuesto. Esta será la única manera de hacer que nuestra película llegue a las salas comerciales y que el público se acerque a ella sin plantearse la poca coherencia de la historia. Venderemos una película llamativa pero totalmente vacía que será archivada en la memoria del espectador porque no nos hemos preocupado demasiado en hacer una cinta que aporte algo nuevo.



En definitiva estas son las directrices que hay que seguir para hacer una película de catástrofes o por lo menos son las directrices que parecen haber seguido para rodar "San Andrés" una cinta bastante floja a todos los niveles, con una duración del todo excesiva y con un par de actores del todo inexpresivos  (Pobre Carla Gugino que no supo aprovechar su trabajo en cintas como "Sin City" o "Watchmen" para relanzar su carrera). Peyton vuelve a dejarnos otra cinta decepcionante, superior a "Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa" cosa que no era precisamente difícil, "San Andrés" es una cinta totalmente prescindible cuya única baza son las escenas de acción lo que hace que su visionado sea obligatorio en pantalla grande ya que imaginamos que en televisión la película perderá la poca magia que tiene...




Lo mejor: La escena inicial del rescate del coche... por decir algo
Lo peor: El esfuerzo titánico por parte de Dwyane Johnson para que broten lagrimas de sus ojos.