jueves, 29 de octubre de 2015

Crítica: Hitman: Agente 47 - Hitman: Agent 47

Título: Hitman: Agente 47 - Hitman: Agent 47
Año: 2015
Género: Acción - Thriller
Duración: 96 min.
Director: Aleksander Bach
Guión: Skip Woods y Michael Finch según una historia del propio Woods
Música: Marco Beltrami
Interpretes: Rupert Friend, Zachary Quinto, Hannah Ware, Thomas Krestchmann, Cirian Hinds, Jürgen Prochnow, Rolf Kanies, Dan Bakkedahl, Jerry Hoffmann, Johannes Suhm
Nota: 4
Sinopsis: Un asesino ayudará a una mujer a dar con su desaparecido padre que tiene la clave para reactivar un proyecto para crear un ejercito de asesinos de élite.






Crítica:
En el año 2007 un prometedor cineasta llamado Xavier Gens que venía de impactar a medio mundo con su brutal y salvaje 'Frontier(s)' se encargó de adaptar la saga de videojuegos de Eidos Interactive protagonizada por el agente 47 a la gran pantalla. La cinta protagonizada por Timothy Olyphant supuso una tremenda decepción debido a que el director francés se mostró incapaz de realizar una película con su sello propio (Las escenas marca de la casa solo eran visibles en ciertos momentos de la cinta) para dejarnos una impersonal película producida por la todopoderosa Europacorp y donde muchas escenas podrían ser usadas en otras películas producidas por la empresa fundada por Luc Besson casi sin que nadie lo notara. (Robert Knepper rodó solo un año después de 'Hitman: Agente 47' otra producción de la Europacorp en este caso 'Transporter 3' de Oliver Megaton, con un papel con bastantes similitudes con el que interpretó en la cinta de Gens. La saga iniciada por Louis Leterrier comparte con 'Hitman' la idea de mostrar ciertas escenas donde el protagonista conduce acompañado de una joven chica a la que por muy diversos motivos decide proteger, a lo que hay que sumar que ese policía interpretado por Dougray Scott parece una extensión del inspector Tarconi -Francois Berléand- no solo porque este, a pesar de ser aparentemente el enemigo del protagonista, acaba ganándose el respeto no solo del agente 47 -como lo hacia Tarconi con Frank Martin- si no también el de todo el público. Es inevitable pensar que si la cinta de Gens hubiera tenido mas secuelas la relación entre Mike Whittier -Dougray Scott- y el agente 47 hubiera seguido una evolución muy parecida a la de Tarconi y Martin. Si 'Transporter 3' y 'Hitman' compartían además una escena de acción en un tren, tampoco podemos dejar pasar de largo a 'Leon: El profesional' de Luc Besson ya que la forma en la que la policía toma la casa del personaje interpretado por Jean Reno recuerda bastante al asalto de la habitación del hotel en la que se hospeda el agente 47).


Ahora y de la mano de un desconocido Alexsander Bach nos llega una nueva versión de las aventuras del agente 47 que solo comparte con la cinta dirigida por Xavier Gens el trabajo del guionista Skip Woods (Autor también de los guiones de películas como la entretenida 'El equipo A' - 'The A-Team' de Joe Carnahan o la desastrosa 'X-Men orígenes: Lobezno' -'X-Men origins: Wolverine' de Gavin Hood) y donde la Europacorp ya no esta detrás de la producción de esta película. Por desgracia la cinta de Bach no esta a la altura de la de Xavier Gens y aunque su poco mas de hora y media se pasa volando nos encontramos ante una película sin grandes escenas de acción (De esas que se quedan grabadas en la memoria colectiva del los espectadores), sin grandes momentos (La escena del tiroteo en medio de la ciudad con el coche rodeado de enemigos promete mas de lo que ofrece dejándonos una clara muestra de lo que es esta película: Un claro quiero y no puedo) y por supuesto y tal y como ocurría en la cinta de Gens, con una historia que no va mas allá de una mera anécdota que solo sirve para hacer de 'Hitman: Agente 47' una extraña mezcla de otras cintas como pueden ser 'John Wick', 'Terminator 2: El juicio final' ('Terminador 2: The judgment day') y de una manera muy especial de la serie 'Fringe'. Coger ideas de cintas como estas podría haber dado como resultado una película realmente entretenida pero por desgracia todo esta hecho sin el menor sentido y coherencia, algo que ya se apreciaba en varias escenas del anterior guión escrito por Woods para narrar las aventuras del agente 47 y que aquí se observa en todo su esplendor y de forma generalizada.


En el año 2014, Chad Stahelski y David Leitch dirigieron una muy interesante cinta de acción titulada 'John Wick'. La película claramente influenciada por cintas como 'The Raid' de Gareth Evans (Por su forma de mostrar la violencia seca y directa) y 'Red' (Por esa manera de tratar el mundo de los espías y de los asesinos a sueldo. Todo lo relacionado con el hotel donde se hospeda Wick podría estar sacado de la cinta de Robert Schwentke y a nadie le resultaría extraño) no encontró hueco en las carteleras españolas (Algo absolutamente vergonzoso) yendo directamente al mercado doméstico. Son las primeras escenas de 'Hitman: Agente 47' las que dejan claro que Bach ha intentado huir de la inevitable comparación con la cinta dirigida por Gens, alejarse de la marca Europacorp para tomar a la película de Stahelski y Leith como clara referencia gracias a esas escenas donde se muestran disparos a quemarropa y cuerpos que se parten (No literalmente) al golpearse contra las barandillas de las escaleras. Mientras la cinta de Bach parece intentar seguir la estela de 'John Wick', la película de Gens muestra una violencia mas festiva y es gracias a esto donde por momentos se puede apreciar que detrás de 'Hitman' esta la misma persona que rodó 'Frontier(s)'.


Es cuando Bach se dedica a desarrollar la historia planteada por Skip Woods cuando el parecido con la serie 'Fringe' se hace patente y no solo porque tanto la serie como esta película hayan contado con con los actores que interpretaron a Spock para un papel destacado (Si en 'Hitman: Agente 47' tenemos a Zachary Quinto, en 'Fringe' nos encontrábamos con Leonard Nimoy) o por el hecho de que el agente 47 parezca directamente un observador (Amos muestran una gran falta de empatía por la gente salvo en ciertas y especiales situaciones como puede ser en el caso de Peter Bishop -Joshua Jackson- y en el de Katia -Hannah Ware-. Es claro que muchos seguidores de la saga del los videojuegos podrán decir que antes que Septiembre existió Hitman) si no y muy especialmente por la creación de ese científico que por culpa de los experimentos realizados se ha visto obligado a retirarse de la vida pública (Escondido en algún lugar del mundo o ingresado en un psiquiátrico tras haber pedido que le extraigan varias partes de su cerebro) y por ese edificio donde trabaja Le Clerq que hace imposible no acordarnos de Massive Dynamics.


Es el personaje interpretado por Cirián Hinds el que nos recuerda a Walter Bishop (John Noble) ya que ambos comparten el peso de haber cambiado el mundo por culpa de sus peligrosos experimentos (En el caso de Litvenko -Hinds- por haber sido capaz de modificar el adn para crear una serie de asesinos mas inteligentes y mas fuertes que el común de los humanos, además sin aparentemente ningún tipo de sentimiento, un arma en extremo peligrosa si cae en malas manos, y en el de Bishop por haber abierto un agujero entre dos universos paralelos que parece derivar en que estos no pueden coexistir al mismo tiempo). Amos científicos son padres y ambos son padres ausentes ya que por diversos motivos acabaron dando la espalda a sus hijos y son estos los que de una manera u otra acaban acercándose a ellos (En el caso de 'Hitman: Agente 47' por el simple hecho de buscar respuestas, en el de 'Fringe' por la obligación de ayudar al FBI y así evitar que se revelen ciertos y oscuros hechos que ocurrieron en el pasado). Pero si algo sorprende tanto en el caso de Litvenko como en el de Bishop es la importancia de las flores para que estos encuentren cierta paz y pongan los asuntos en su sitio. Si una orquídea es pieza fundamental para el encuentro entre Litvenko y Katia, es un tulipán blanco la que sirve a Walter Bishop para encontrar el perdón que tanto anhela.


Pero las comparaciones con la serie producida por J.J. Abrams, Roberto Orci y Alex Kurtzman entre otros no acaban aquí, ya que Katia no deja de ser una extraña mezcla entre Peter Bishop (Por la relación antes mencionada) y Oliva Dunham cambiando el cortexiphan por otros extraños experimentos y posiblemente sustancias psicotrópicas. Katia, a la que da vida Hannah Ware, se comporta en muchos momentos como Dunham y el proceso de entrenamiento al que la somete el agente 47 parece extraído directamente del que David Robert Jones -Jarred Harris- realiza con el personaje interpretado por Anna Torv. Tampoco hay que dejar de lado la especial percepción de la realidad que tienen ambas, algo que serán capaces de usar en su propio beneficio.


Pero si estas comparaciones pueden resultar extrañas o incluso excesivas mas lo será el hecho de que la ver 'Hitman: Agente 47' parezca tomar ideas extraídas directamente de 'Terminator 2: El día del juicio' ('Terminator 2: Judgment day') para construir a ese malvado al que por desgracia Bach parece no sacarle el provecho que sería necesario. John Smith no es un T-1000 pero ese asesino con una extraña coraza intracorpórea parece un primer prototipo fallido de un fusión entre el robot interpretado por Robert Patrick y un matón cualquiera.


Siempre he pensado que la cinta de Xavier Gens era una floja película de acción que no reflejaba el potencial del director francés sobretodo y muy especialmente debido a estar ante una cinta producida por Luc Besson (Figura capaz de eclipsar a cualquiera). Tras ver la cinta de Bach recuperé la película de Gens y si algo bueno tiene 'Hitman: Agente 47' es que consigue que 'Hitman' brille y entretenga mucho mas de lo que lo hace la cinta de Bach. 'Hitman: Agente 47' a pesar de que se pasa rápido no tiene nada que vaya a hacer que esta película se quede en la memoria del espectador (Aunque esta claro que esa no era su intención) pero que tampoco aburre soberanamente. Con un Rupert Friend que no consigue que nos olvidemos de Timothy Olyphant y que desde mi punto de vista es uno de los grandes misscasting del año, 'Hitman: Agente 47' es una de esas cintas que pueden llegar a disfrutar los mas fans del cine de acción, el resto mejor abstenerse.



Lo mejor: Que consigue revalorizar la película de Xavier Gens
Lo peor: La sensación de que todavía nadie ha sabido sacar provecho a Hitman

domingo, 25 de octubre de 2015

Crítica: The Vatican Tapes - Exorcismo en el Vaticano

Título: The Vatican Tapes - Exorcismo en el Vaticano
Año: 2015
Género: Terror - Thriller
Duración: 91 min.
Director: Mark Neveldine
Guión: Michael C. Martin, Christopher Borrelli según una historia de Borrelli y Chris Morgan
Música: Joseph Bishara
Interpretes: Olivia Taylor Dudley, Michael Peña, Dougray Scott,  John Patrick Amedori, Alison Lohman, Djimon Hounsou, Kathleen Robertson, Daniel Bernhardt
Nota: 3,5
Sinopsis: Tras sufrir un extraño y grave accidente, Angela despertará del coma transformada. Su extraño comportamiento tendrá explicación cuando un sacerdote se percate de que algo raro le pasa a la chica.




Crítica:
Uno de los mayores reclamos de una cinta como 'The Vatican Tapes' no es su interesante reparto encabezado por Michael Peña y Dougray Scott y donde aparece brevemente Djimon Hounsou (Que lastima lo de Michael Paré, el que fuera protagonista de cintas como 'El experimento Philadelphia' - 'The Philadelphia experiment'- o 'Calles de Fuego' - 'Streets of fire' se arrastra por producciones tan mediocres como esta de la que ahora nos ocupamos), tampoco el hecho de estar ante otra cinta de posesiones (Que tan de moda parecen estar últimamente y donde casi ninguna de las películas que hemos podido ver aporta nada nuevo) si no el hecho de encontrarnos a Mark Neveldine, director de cintas tan desquiciadas, cafres y poseedoras de un estilo visual un tanto peculiar como 'Crank: Veneno en la sangre' ('Crank'), 'Crank: Alto Voltaje' ('Crank: High Voltage'), 'Gamer' o el intento de revitalizar la saga de Ghost Rider con 'Ghost Rider: Espíritu de venganza' ('Ghost Rider: Spirit of vegeance'), dirigiendo una película en apariencia sobria y de ritmo contenido (Además de ver si es capaz de  rodar una cinta sin Brian Taylor con quién codigirió las cintas antes mencionadas) ¿Habrá conseguido Neveldine salir airoso del envite?


La respuesta a tan sencilla pregunta es más complicada de lo que parece. Y es complicada porque si, Neveldine ha conseguido rodar una cinta sobria, contenida, alejada del alarde visual del que el director hacía gala en sus anteriores películas (Hay que ser honrados y reconocer que el espectador se va a encontrar con planos y encuadres marca de la casa, como si la fiera que Neveldine lleva dentro no hubiera podido ser domesticada de ninguna de las maneras. Dos claros ejemplos de ello son la conversación que mantienen los personajes de Michael Peña y Dougray Scott en la iglesia o la escena donde se muestra la locura colectiva en el psiquiátrico) pero donde sacrifica esos espectáculos violentos, cafres y sin sentido con los que tanto disfrutábamos para dejarnos una cinta aburrida y tediosa cuyo desarrollo deja en muchos casos una clara muestra de torpeza narrativa por parte del director (Da igual que sus anteriores cintas no estuviesen contadas correctamente ya que eso les daba un encanto especial, da igual que no hubiera coherencia porque estábamos ante películas espectáculo donde la acción primaba por encima de todo. El problema reside cuando en 'The Vatican Tapes' el director quiere contarnos una historia pero este nos deja escenas mal montadas y explicadas haciendo pensar al espectador que alguien se ha dejado parte de la película en la mesa de montaje -Cosa que es de agradecer porque si esta cinta hubiera durado un poco mas sería para cortarse las venas- Mientras que el director pierde mucho metraje en contarnos la relación entre la protagonista, su padre y su novio o los primeros síntomas de su posesión, este pasa rápido, muy rápido por otros momentos en los que sería necesario profundizar como sería la aceptación del padre y del novio de la posesión de Ángela o la forma en la que el Vaticano acepta que están ante un caso real de posesión -El hecho de ver unos vídeos grabados por las cámaras de seguridad o ver grabaciones de las sesiones con una psiquiatra no son pruebas suficientes-) o por su poca habilidad a la hora de dirigir a sus actores (Vale, Neveldine y Taylor nunca han brillado por su gran dirección de actores ya que sus anteriores películas tampoco lo necesitaban. Si, es cierto que han trabajado con gente como Nicolas Cage, Jason Statham o Gerard Butler entre otros pero la forma que tiene el director de hacer que Djimon Hounsou interprete a ese sacerdote que mas bien parece un matón de sacristía que un cura es de juzgado de guardia, a lo que hay que sumar que su personaje parece sacado directamente de las cintas protagonizadas por Noah Wyle, 'El bibliotecario: En busca de la lanza perdida' y 'El bibliotecario 2: El mapa del rey Salomón')


No hay mucho que decir acerca de la historia Neveldine tiene entre manos (Parece que vamos a estar ante otra de esas películas que va a seguir la peligrosa senda del found footage o del mockumentary gracias a la forma elegida por el director de plasmar ciertos momentos como la fiesta de cumpleaños de Ángela donde son fundamentales los móviles o todas las grabaciones de las cámaras de seguridad del hospital, pero que al final se aleja de este referente para transitar por caminos mas o menos clásicos dentro de este tipo de cine): Una chica empezará a sufrir un extraño comportamiento, tras un terrible accidente de tráfico y estar cuarenta días en coma, esta despertará pero algo dentro de ella habrá cambiado. Su padre y su novio (Al que por supuesto el primero no soporta) notarán estos preocupantes cambios. Con la ayuda de un ex-militar metido a cura tras los terribles crímenes que vio estando de servicio en Irak intentarán ayudar a la chica (Resulta tremendamente vergonzosa la construcción de los personajes de Dougray Scott y especialmente la del interpretado por Michael Peña. Si el primero parece un duro militar obsesionado por proteger a su hija a cualquier precio, el segundo ha de ser alguien que se gane el respeto de este así que los guionistas debieron pensar que nada mejor que ambos personajes tuvieran algo en común y parece ser que nada une mas que el ejercito aunque al espectador le resulte ridículo. Llama la atención la moda que vivimos últimamente en lo que a los sacerdotes en el cine se refiere. Si antiguamente nos encontrábamos con curas con problemas de fe -Ahí esta por ejemplo interpretado por Jason Miller en 'El Exorcista'- ahora estamos ante personas que por diversos motivos acabaron metiéndose en el sacerdocio. Al personaje interpretado por Michael Peña hay que sumar el del ex-drogadicto interpretado por Édgar Ramírez en 'Deliver us from Evil') para ello Neveldine recurre a todos los tópicos posibles como la presencia de cuervos (Es de agradecer que estos no salgan por la boca de ningún de los personajes) o las extrañas presencias que se pueden ver en las cintas de vídeo o que los protagonistas sienten cerca de ellos.


Los siguientes párrafos debido a ciertas comparaciones pueden llevar implícitos ciertos SPOILERS. Sorprende que Neveldine en la película que supone su debut en solitario vuelva sobre ciertas ideas sobre las que ya trabajó con Taylor en 'Ghost Rider: Espíritu de venganza' ('Ghost Rider: Spirit of vengeance') con el personaje de Danny y los exorcismos, resulta inevitable pensar en los paralelismos existentes entre este y Ángela lo que nos lleva a pensar que ciertas ideas que este desarrolló en su anterior cinta han sido tomadas para la elaboración de guion de su nueva película (Hay que apuntar que los guionistas de ambas películas son distintos). Del mismo modo resulta imposible no pensar en la novela 'Superviviente' ('Survivor') de Chuck Palahniuk al ver 'The Vatican Tapes' ya que ambas comparten la idea de presentarnos a cierto personaje como una especie de mediático Mesías. Si bien en el caso de la novela de Palahniuk estamos ante una crítica de la fama y de la sociedad actual, en el caso de la cinta de Neveldine nos encontramos ante una película que intenta jugar de una manera bastante chapucera con ciertos conceptos religiosos como son el tiempo de Jesús vagó por el desierto, la santísima trinidad o ciertos pasajes de la Biblia. Esta comparación con la novela de Palahniuk hace que 'The Vatican Tapes' consiga distinguirse mínimamente de otras películas parecidas y a pesar de su torpeza narrativa (Que se vuelve a notar de manera preocupante en su parte final) deja una curiosa sensación en el espectador.


'The Vatican Tapes' toma ciertos elementos de películas que tratan el tema de los exorcismos. Uno de los ejemplos mas claros lo podemos ver en los título de crédito iniciales donde Neveldine nos deja una escena que parece sacada directamente de 'Devil Inside' de William Brent Bell donde parece volver a mostrarnos que para dar vida en la pantalla grande a una poseída hay que ser contorsionista. Pero las similitudes con la cinta de Brent Bell no solo se quedan en este detalle, la influencia de la figura materna por presencia o por omisión es realmente importante en ambos casos, obviamente desarrollada de distinta manera. Es en la cinta de Neveldine cuando llegamos a recordar de una manera muy leve 'La profecía' ('The Omen') de Richard Donner debido al extraño nacimiento de la protagonista y de igual manera 'El Exorcista' ('The Exorcist') esta presente en esta película gracias al cardenal interpretado por Peter Anderson que igual que ocurría con el Padre Lankaster Merrin (Max Von Sydow) ya se había encontrado tiempo atrás con el demonio que intenta echar del cuerpo de la protagonista vía un poco ortodoxo exorcismo. Hay que dejar claro que la película de Neveldine dista mucho de las cinta de Fridekin, Donner y de la irregular novela de Palahniuk pero se parece bastante tanto en pretensiones como en el resultado final de la película de Brent Bell.


En resumen, 'The Vatican Tapes' es una cinta aburrida, carente de interés y de fuerza. Alejada del tipo del cine al que Neveldine nos tiene acostumbrados su nueva película es una de esas cintas totalmente prescindible que no funciona ni para una tarde de domingo lluviosa sin nada que hacer. Una decepción.



Lo mejor: La idea final de la película (Por decir algo)
Lo peor: El resto, totalmente prescindible.

martes, 20 de octubre de 2015

Crítica: Regresión - Regression

Título: Regresión - Regression
Año: 2015
Género: Drama - Thriller 
Duración: 106 min.
Director: Alejandro Amenabar
Guión: Alejandro Amenabar
Música: Roque Baños
Interpretes: Ethan Hawke, Emma Watson, David Thewlis, Aaron Ashmore, Devon Bostick, Dale Dickey, Lothaire Blueteau, David Dencik, Adam Butcher, Peter MacNeill,
Nota: 4
Sinopsis: El detective Kenner se enfrenta al caso mas complicado de su carrera: En plena psicosis creada por los cultos satánicos, deberá investigar los abusos que ha sufrido una adolescente por parte de su padre quién no recuerda nada de lo ocurrido.






Crítica:
Amenabar juega a ser Friedkin, tontea con 'Líbranos del Mal' y 'Sinister' y al final le sale una extraña mezcla en la que también hay componentes de 'Tesis' pero sobre todo de 'Mindscape'. Con una factura técnica absolutamente impecable, el realizador madrileño rueda una cinta ambiciosa pero carente de pasión, de alma, siendo incapaz de conectar con el espectador cuyo interés va decayendo conforme avanza el metraje de la película. La propuesta de Amenabar de mezclar los ritos satánicos con los abusos sexuales y la histeria colectiva no queda plasmada en pantalla de forma correcta ya que todo resulta demasiado frío y distante haciendo que la evolución del personaje interpretado por Ethan Hawke (Que parece ser simplemente una extensión del que ya interpretó en 'Sinister' cambiando su trabajo de escritor por el de policía y su obsesión por investigar un terrible crimen cometido en la casa a la que se ha mudado por los abusos sufridos por una joven por parte de su padre) resulte demasiado forzada haciendo que al espectador le llame la atención como este va cambiando a lo largo de la historia. Puede que 'Regresión' nos impactara si no fuera por 'Sinister', puede que 'Regresión' fuera un buen análisis de la psicosis colectiva si no fuera por 'Líbranos del Mal', puede que 'Regresión' jugara con notable maestría con la hipnosis si no hubiera sido porque muchas de las ideas que plantea Amenabar ya se encontraban en el 'Mindscape' de Jorge Dorado (No tengo ni idea de que pensará Dorado en estos momentos, pero si yo fuera el no me haría mucha gracia que habiendo rodado una cinta con Mark Strong, Taissa Farmiga y Brian Cox que posee muchos puntos en común con la cinta de Amenabar ni la crítica ni el público respaldaran una propuesta como la suya) y puede que 'Regresión' planteara una reflexión sobre los medios de comunicación y la influencia que tienen en nosotros si esto no lo hubiera hecho antes el propio Amenabar con su 'Tesis'. Por desgracia y como parece ser habitual en el cine del director madrileño todo suena muy visto y encima de una manera a la que al público le es muy difícil empatizar con alguno de los protagonistas.


Amenabar y Friedkin

Siempre se ha dicho que el cine de Amenabar esta directamente influenciado por el de Steven Spielberg debido sobre todo a su gran sentido del espectáculo sin dejar de lado el sentimentalismo mas rancio. Ahora Amenabar parece querer distanciarse de su maestro y emular a William Friedkin y su mítica 'El exorcista'. Son claras las influencias de la película de este al ver 'Regresión', tanto por la forma de representar a esa secta satánica (Especialmente en el caso del primer plano de uno de los participantes en los rituales) y por la escena del salto por la ventana de uno de los personajes de la cinta, haciendo que estos dos momentos nos remitan sin ningún tipo de dudas a la película de Friedkin.


Amenabar y Derrickson (I)

Lo que mas sorprende de la última cinta de Alejandro Amenabar es que a pesar de las influencias u homenajes a la película de Friedkin es que este haya decidido subirse al carro del cine de Scott Derrickson y seguir la estela de sus dos últimas cintas ('Sinister' y 'Líbranos del Mal' - 'Deliver us from evil') lo que hace que objetivamente, 'Regresión' resulte una grandisima decepción. Scott Derrickson dirigió en el año 2005 una apreciable cinta de terror titulada 'El exorcismo de Emily Rose' ('The exorcism of Emily Rose') para tres años después ponerse detrás de las cámaras para dejarnos un aburrido e innecesario remake de 'Ultimátum a la Tierra' ('The day the Earth stood still') de Robert Wise. Sorprendentemente Derrickson se recuperó de las malas críticas y en el 2012 rodó una muy interesante y estimulante cinta de terror titulada 'Sinister' que se beneficiaba de un gran Ethan Hawke, de una malsana ambientación complementada por una excelente banda sonora compuesta por Christopher Young pero que cometía el mismo error que 'Insidious': Una mala caracterización de los fantasmas que hacía que muchos de los seguidores mas fieles al género rechazaran la película de Derrickson. La cinta de ritmo pausado y que mantenía la tensión hasta el final de la misma gracias al interés creciente de la historia y una buena dosificación de los sustos parece haber servido a Amenabar para construir a su personaje principal y que además tiene al mismo actor: Ethan Hawke. En ambos casos tanto Derrickson como Amenabar cuentan como la obsesión del personaje interpretado por Hawke les va consumiendo poco a poco, haciendo que se replanteen que es verdad y que no, afectando a su vida personal y profesional. Amenabar cambia las cintas que encuentra Ellison Oswalt en su casa y que este ve de forma compulsiva por las grabaciones de las declaraciones de los acusados y los testigos y en ambos casos los libros son fundamentales para apoyar la forma en la que la obsesión de los personajes va creciendo conforme avanza la historia. (Llama la atención que Amenabar no haya sido consciente de las mas que obvias comparaciones que iban a existir entre su película y la de Derrickson tanto por la atmósfera de ambas como por compartir protagonista. O no le importó o pensó que eso haría que la gente hablara más de su película... Por si lo de telecinco no fuera suficiente).


Amenabar y Derrickson (y II)

A pesar de compartir ese personaje principal con 'Sinister', Amenabar parece no olvidarse del cine de Derrickson y vuelve a tomar otra de sus películas como referencia para construir la historia que tiene entre manos. Dos años después de 'Sinister', Derrickson se volvió a poner detrás de las cámaras para dirigir 'Líbranos del Mal' ('Deliver us from evil') una cinta demasiado deudora del 'Seven' de David Fincher y que bajo la aparente historia que trataba acerca de poseídos (Y pintores para mas inri) se encontraba todo un tratado acerca de la psicosis colectiva, acerca de como una persona puede verse influenciada por las ideas de otra. Derrickson tomó para su película una pareja antagónica para investigar esos extraños casos de agresiones que se están produciendo por la ciudad (Recordemos que el personaje interpretado por Eric Bana responde junto con su compañero a una llamada de malos tratos, mientras que el personaje interpretado por Ethan Hawke en 'Regresión' investigará una agresión sexual a una joven. Ambas películas toman las agresiones a mujeres como base para empezar a desarrollar sus historias), si en su caso nos encontrabamos con Sarchie (Eric Bana) un policía con graves problemas familiares y Mendoza (Édgar Ramírez) un ex-yonki metido a cura ahora Amenabar los cambia, al menos en apariencia por un policía (Ethan Hawke) divorciado (Sus obsesiones parecen que ya le han costado su matrimonio) y un psicólogo interpretado por David Thwelis pero a diferencia de lo que ocurría con la cinta de Derrickson, de este personaje no vamos a saber demasiado ya que Amenabar parece no sentirse interesado por el partener de Hawke. Ambas cintas parecen de una manera u otra profundizar en el fenómeno de la psicosis colectiva, en como el germen de una idea se puede transmitir a un grupo. Si bien Derrickson trataba esta historia de una manera encubierta dando mas peso al tema sobrenatural, Amenabar se muestra mas claro a la hora de mostrar esta idea hablando de una supuesta fiebre por los rituales satánicos que se extendió por Estados Unidos durante los años ochenta. Resulta sorprendente que mientras un director trata claramente la psicosis colectiva y el otro la intenta ocultar es el segundo el que mejor refleja como una idea se puede inocular en la mente de personas que están predispuestas a creer cualquier cosa.


Amenabar y Jorge Dorado

En el año 2013, Jorge Dorado, dio su salto al largometraje dirigiendo una cinta con un gran reparto internacional: Brian Cox, Taissa Farmiga (Ahora de moda con 'The final girls'), Mark Strong, Noah Taylor, Indira Varma y Alberto Ammann. Esta película de título 'Midscape' no fue recibida con el apoyo necesario por parte de la crítica y del público aguantando poco tiempo en cartel. Un experto en introducirse en la mente de otras personas aceptará un nuevo caso para tratar a una joven chica traumatizada por una terrible experiencia. Solo con leer esta breve sinopsis de la cinta de Dorado cualquier espectador que haya visto 'Regresión' se dará cuenta de las similitudes existentes entre ambas historias, si bien es cierto que la cinta de Dorado tiene un componente que podríamos definir como mas fantástico (La forma de tratar al personaje de Mark Strong y su capacidad para meterse en la mente de las personas) ambas cintas juegan con la idea de los recuerdos, sus modificaciones y sus posibles manipulaciones (Voluntarias o no) para alterar la realidad. Esperemos que el respaldo que ha encontrado la cinta de Amenabar se refleje en un interés por parte del espectador en recuperar 'Midscape'.


Amenabar y Amenabar

Por mucho que el cine de Alejandro Amenabar este lleno de ideas u homenajes a otros directores y otras películas (A las referencias ya comentadas hay que sumar que esas personas que observan al personaje interpretado por Ethan Hawke por la calle parecen extraídas de 'La invasión de los ultracuerpos' - 'The invasion of the body snatchers' de Phillip Kaufman) resulta sorprendente (en el peor de los sentidos) que sea el propio Amenabar quién tome a su cine como referencia. Y es que por desgracia 'Regresión' no solo tiene una escena calcada de su opera prima ('Tesis' cinta que es sin duda alguna su mejor película) en un hospital con toda la gente mirando embobada la tele (Si Amenabar quería volver sobre la misma idea lo podría haber hecho de otra manera, no hacía falta coger volver a rodar la misma escena que en 'Tesis') si no que ademas vuelve a caer en el mismo error que cometía en aquella: un exceso de posibles culpables, un exceso de escenas que hacen que el espectador dude acerca de quien es el bueno y quien es el malo y varias escenas que desvían intencionadamente la atención del espectador.. Por desgracia Amenabar cree que crear tensión es saturar por momentos al espectador y nada mas lejos de la realidad. Pero este no es el único fallo sobre el que vuelve el director madrileño, la falta de personajes fuertes que empaticen con el espectador y que hagan que sus películas no pierdan fuerza con cada nuevo visionado sigue estando presente como en todo el cine de Amenabar. Por mucho que nos puedan gustar sus películas hemos de reconocer que es muy difícil volver a ver una de sus cintas, Amenabar debería estudiar profundamente 'Sospechosos Habituales' ('The usual suspects') de Bryan Singer y tomar nota de ella.


Amenabar y John Carpenter

Uno de los momentos que mas llaman la atención al espectador es la cárcel donde se sitúa parte de la acción. Ahora que Carpenter vuelve a estar de moda gracias a su excelente disco 'Lost Themes', porque varias de sus composiciones han sido tomadas por Gaspar Noé para la banda sonora de su película 'Love' y por haber ganado una demanda por el plagio que supuso  la película 'MS1: Máxima seguridad'  es bonito ver como Amenbar (De forma consciente o no) ha rodado en la misma cárcel donde Carpenter grabó su mítica 'En la boca del miedo' ('In the mouth of the madness').


'Regresión' es una cinta francamente decepcionante que se empieza a ver con ganas y se acaba mirando el reloj porque lo que nos esta contando Amenabar no nos interesa lo mas mínimo. La historia que este tiene entre manos se desinfla demasiado rápido y los referentes del director son tan obvios que impiden que esta cinta encuentre su espacio (Si realmente se quería que esta cinta tuviera su propio espacio cosa que pongo en duda). Demasiado fría para hacer sentir algo al espectador.


Lo mejor: El comienzo de la película que deja las expectativas muy altas.
Lo peor: La película parece una mezcla de muchas cintas pero sin alma ni pasión.

domingo, 18 de octubre de 2015

Resumen del Festival Fantástico de Sitges 2015


Es prácticamente imposible ver todas las cintas que compiten en la sección oficial de un festival como Sitges ya que este año han sido alrededor de 36 cintas las seleccionadas, a eso hay que sumar la gran cantidad de películas interesantes que se pueden ver en el festival y tienen una vida comercial un tanto limitada (Al menos y por desgracia en España). Es por eso que hemos hecho una pequeña selección de películas que hemos visto estos días y que a continuación os resumimos brevemente...


'Tag' de Sion Sono




El director japones presentó este año tres películas: 'Love & Pace', 'The Virgin Psychics' y 'Tag'. Si la primera reconcilió a parte del publico y de la crítica con el cine de Sono, esta 'Tag' hizo que para muchos la fractura existente con el cine de este se ampliara hasta limites prácticamente irreconciliables. La misma persona que hace años nos dejó cintas como 'Love Exposure', 'Cold fish' o 'Why don't you play in hell?' nos regala un sinsentido sin gracia donde solo su anécdota inicial y la cantidad de muertes y violencia gratuita que desprende la película consigue que el espectador este despierto durante sus poco mas de ochenta interminables minutos. Una tremenda decepción.Nota: 3



'Baskin' de Can Evrenol


En el 2013, Can Evrenol presentó su aclamado cortometraje 'Baskin'. Dos años después llega su polémica conversión al largometraje. Y digo polémica porque esta es una de esas cintas que no dejan indiferente a nadie. O gusta o se odia y muy probablemente quien mas la odie sean los seguidores de la obra original. Con una impecable factura técnica y deudora de grandes cintas como son: 'Reservoir Dogs', 'Inception' o 'Los sin nombre', Evrenol nos deja una película a la que le cuesta llegar a su clímax perdiéndose en innumerables diálogos plagados de humor que resultan frescos pero que distan y mucho de lo que el espectador quiere de una cinta como esta. Con un enorme Mehmet Cerrahoglu, la parte final de 'Baskin' hará las delicias de los amantes de las sensaciones malsanas. Nota: 6


'The Gift' de Joel Edgerton


Notable debut en la dirección del australiano Joel Edgerton que nos regala una cinta cuya historia inicialmente nos recuerda mucho a los típicos telefilmes de sobremesa de fin de semana pero que acaba alejándose de tan preocupante referencia para acercase a otras propuestas mucho mas interesantes. A nadie le debería resultar extraño que esta película se titulara 'Sympathy for Mr. weirdo Gordo'. Edgerton ganador del premio al mejor actor en el festival debería compartir el galardon con sus compañeros de reparto tanto con Rebecca Hall como con un sorprendente Jason Bateman que demuestra que detrás del actor protagonista de cintas como 'Hancock' o 'El cambiazo' ('The Change-up') hay un grandisimo actor. Nota: 8



'Cooties' de Jonathan Milott y Cary Murnion


Decepcionante y aburrida cinta dirigida por el tándem Milott y Murnion. Con una muy interesante premisa: Los niños de un instituto se convierten en zombies ávidos de sangre y venganza, con unos actores mas que interesantes entre los que destaca como no Elijah wood, los directores se muestran incapaces de llevar a buen puerto todas esas buenas ideas, se muestran incapaces de sacar el máximo provecho a sus actores (Lo de Alison Pill es de juzgado de guardia) y lo que es peor nos dejan una cinta demasiado irregular donde muchos de los chistes no funcionan. Prescindible. Nota: 4


'Contrated: Phase II' de Josh Forbes


Tras el gran final de su antecesora, Josh Forbes intenta contarnos lo que ocurre después de que Samantha ataque a su madre en medio de la calle. Por desgracia el intento este por querer distanciarse de la línea marcada por Eric England  fracasa, lo que hace que esta película que no acabe por funcionar ni como cinta de infectados ni como película de psicóptas, hecho este que hace que todo lo que propuso England en la primera parte se desperdicie de una manera francamente preocupante. Solo para muy fans del género. Nota: 4,5



'Inner Demon' de Ursula Dabrowsky



Interesante cinta de Ursula Dabrowsky que se beneficia del gran trabajo de su protagonista, una Sarah Jeavons para la que esta cinta supone su debut en la pantalla grande, pero que resulta lastrada por un ritmo un tanto timorato y de un giro final que no ayuda en nada a la historia. Dabrowsky podía haber contado lo mismo, podía haber cerrado su película de una manera mas redonda y coherente pero parece que el efectismo le gana y acaba dejando una extraña sensación en el espectador. Nota: 5



'Seven' de David Fincher


Poco se puede decir nuevo acerca de la mítica cinta dirigida por David Fincher en 1995, película que a día de hoy sigue transmitiendo mal rollo y angustia en el espectador. La cinta homenajeada por el festival (Se ha publicado un libro sobre la película con el título: 'Seven: Los pecados de David Fincher' coordinado por Desireé de Fez y cuya escena final ha servido para el anuncio de este año) es una obra de referencia para muchos autores, uno de los mas claros ejemplos es el trabajo de Scott Derrickson en 'Libranos del Mal' ('Deliver us from evil'). Nota: 9




'Love 3D' de Gaspar Noé


Si algo tiene el cine de Gaspar Noé es que no deja indiferente a nadie, si algo tienen sus películas es que la polémica que estas suscitan es la mejor publicidad para llamar la atención del espectador. Y esta 'Love 3D' es un compendio de todo lo mejor y todo lo peor del cine de Noé, o se ama o se odia, o el espectador verá en ella una reflexión sobre el amor o creerá simplemente que esta cinta carece de historia y que por ello Noé dota a su película en un hermoso envoltorio complementándolo con una gran banda sonora. Como fan del cine de Noé solo puedo quitarme el sombrero ante esta cinta y a pesar de pensar que a este se le ha ido la mano con el metraje, 'Love 3D' es una cinta del todo recomendable. Nota: 7



'La próxima vez apuntaré al corazón' de Cèdric Anger


Una de las frases mas repetidas durante el festival de este año fue la de decir que esta no es una película muy de Sigtes, donde no hay mucha sangre ni mucho terror. Si la primera vez que oí esa frase fue en boca del catalán Eduard Grau (Director de fotografía de 'The Gift') el siguiente en decir casi lo mismo fue Cèdric Anger al presentar su película 'La próxima vez apuntare al corazón' cinta con el titulo mas bonito del todo el festival. Resulta imposible imaginarse la película de Anger sin el trabajo de Guillaume Canet, sin duda alguna el es la película. Soberbio el trabajo del actor francés que consigue dar vida a un psicópata muy especial ya que es el mismo quien tiene que investigar sus propios asesinatos. De ritmo pausado, la cinta de Anger resulta un muy interesante acercamiento a la mente de un asesino en serie y que curiosamente esta basada en hechos reales. Nota: 6,5




'Bound to Vengance' de José Manuel Cravioto


Premio a la mejor película en la sección Midnight X-Treme. El argumento de la cinta de Cravioto se puede aproximar (al menos a priori) al de cintas como 'I spit on your grave' de Steve R. Monroe. Una joven conseguirá escaparse de su captor para tomarlo a el como rehén. La cinta que cuenta el periplo de la chica durante una noche se complementa con flashbacks para darnos a conocer la historia de esta. Cravioto rueda una cinta que va de menos a mas, demasiado deudora de un estilo propio de videoclips pero que resulta una muy interesante cinta protagonizada de manera soberbia por Tina Ivlev. Nota: 6



'Frankestein' de Bernard Rose


Innecesario nuevo acercamiento al mito de Frankestein. Rose que por desgracia en su presentación en Sitges desveló un detalle importante en la forma de crear al monstruo en su película, sitúa la acción en la actualidad. A pesar de estar ante una cinta dirigida por la misma persona que en 1992 nos dejó 'Candyman: El domino de la mente' no encontramos ni un rasgo del ingenio ni de la chispa que hizo famoso al director. 'Frankestein' es una muy decepcionante cinta, tremendamente aburrida y que a pesar de contar con un gran reparto: Tony Todd, Carrie-Anne Moss y Danny Houston, Rose se muestra incapaz de sacarle provecho. Nota: 3


'Endorphine' de André Turpin


En la presentación de su película Turpin dijo que esta esta una cinta complicada. Puede que este en lo cierto o puede que el director tenga un alto concepto de su película. Son claras las similitudes con 'Las posibles vidas de Mr. Nobody' de Jaco Van Dormael o incluso del 'Enemy' de Denis Villeneuve lo que hace que para un espectador aficionado a este tipo de cine la aparente complejidad de esta película se quede mas en un intento de hacerle creer que esta ante algo difícil de entender que ante una película realmente complicada.  Aún así, 'Endorphine' es una muy interesante y estimulante cinta que consigue que al acabar esta vuelva a caer en tus manos para poder verla otra vez. Muy interesante. Nota: 7




'The Assassin' de Hou Hsiao-Hsien


Lo siento, la nueva cinta de Hou Hsiao-Hsien me pudo, me ganó. Reconozco su estudiadisima puesta en escena y su brillante fotografía pero su pausado ritmo y sus pocos diálogos consiguieron que no entrara en ningún momento en la película Hou Hsiao-Hsien. 'The Asssasin' es una de esas cintas que demuestran que existe una gran brecha entre gran parte del público y de la crítica. Yo, personalmente, me sigo quedando con el Hou Hsiao-Hsien de 'El maestro de marionetas'. Nota: 5



'Nina Forever' de Ben y Chris Blaine


Interesante y apreciable cinta dirigida por Ben y Chris Blaine y protagonizada con notable acierto por Abigail Hardingham y Cian Barry pero en la que la forma elegida por estos para presentarnos a la novia fallecida del protagonista juega en contra de lo que estos realmente intentan contar: El duro proceso de superación de la perdida de un ser querido. La cinta que mezcla el humor con el drama se ve muy bien a pesar de que un metraje un poco mas ajustado habría sido un punto a favor del resultado final. Nota: 6




'Stung' de Benni Diez


Entretenida cinta dirigida por Benni Diez a la que le hubiera venido muy bien un poco de mas mala leche y mas de humor negro tal y como demuestra Diez en la última escena de la película. Por desgracia un comienzo un tanto flojo y un protagonista que parece emular a Simon Pegg juegan en contra del resultado final de la cinta haciendo de esta un simple espectáculo para pasar un buen rato y olvidar rápidamente. Nota: 5




'The legend of Barney Thompson' de Robert Carlyle


Comedia negra dirigida por Robert Carlyle que promete mas de lo que da pero cuyo resultado final es ciertamente entretenido. Carlyle que es perro viejo se rodea de grandes actores para su debut como director en el largometraje: Ray Winstone, Martin Compston ('Dulces dieciséis') y sobre todo de una Emma Thompson a la que Carlyle le regala su mejor papel el mucho tiempo y con el que la actriz parece haber disfrutado mucho. A pesar de que a la historia se le podría haber sacado mucho mas juego (Probablemente en unas manos mas expertas esto hubiera sido un hecho), 'The legend of Barney Thompson' se ve muy bien y con una sonrisa en la cara. Nota: 6



'Cementery of Splendour' de Apichatpong Weersethakul



Con el cine del tailandés Apichatpong Weersethakul no hay termino medio, o se ama o se odia. El ganador de la palma de oro en Cannes en el 2010 con 'Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas' nos presenta su nueva cinta donde el director vuelve a mostrarnos parte de sus obsesiones: El ejercito y enfrentamiento entre la tradición y la modernidad de una sociedad profundamente espiritual. Un hospital donde se encuentran internados un grupo de soldados que sufren una extraña somnolencia sirve de pretexto para Weersethakul para dejarnos una hermosa cinta en la que hay que dejarse llevar para disfrutarla completamente. Nota: 8


'Demon' de Marcin Wrona


El malogrado Marcin Wrona se acerca al mito del dibbuk. Como ya hizo Jan Hrebejk en 'Honeymoon' ('Líbánky') una presencia desestabilizará la celebración de una boda pero si en el caso de la cinta de Hrebejk esta es un antiguo compañero (Algo que emparenta a esta cinta con 'The Gift') en el de la película de Wrona es un espíritu que poseerá el cuerpo del novio. Con una impecable factura técnica y una impresionante fotografía (La cinta se ha hecho con el premio a la mejor fotografía en el festival de cine de Sitges),  Wrona nos deja una gran cinta con escenas y personajes memorables. Nota: 7,5



'Cop Car' de Jon Watts



Tras una decepcionante 'Clown', Jon Watts nos deja una cinta sencilla, pequeña y humilde, tal vez demasiado. Tal y como ocurría con 'Bound to Vengance' la cinta de Watts va de menos a mas llegando a una parte final realmente interesante, lastima que el director no tenga historia para llenar los 88 minutos que dura su película y nos deje un inicio demasiado alargado y aburrido. Sorprende leer en la sinopsis oficial del festival que Kevin Bacon da vida a un autoritario psicópata algo bastante alejado de las motivaciones reales de su personaje en esta película. Nota: 5



'Me quedo contigo' de Artemio Narro


Sebastian Silva presentó en el año 2013 su película 'Magic Magic', en ella su protagonista una joven americana interpretada por Juno Temple de viaje por Chile con los amigos de una amiga empezará a perder la cabeza sin motivo aparente. Ahora Narro presenta a una chica española que esperando que su prometido se reúna con ella en México realizará un viaje con las amigas de este y aunque alejado de la forma en la evolucionaba el personaje interpretado por Temple en la cinta de Silva, esta también acabará perdiendo la cabeza. Narro plantea su cinta como una especie de versión propia del movimiento dogma lo que por momentos juega en contra tanto del ritmo de la película como del interés del espectador ante lo que Narro nos esta intentando contar. Si se consigue superar la primera media hora se puede disfrutar de 'Me quedo contigo' si no mejor salir de la sala y tomar una cerveza. Nota: 4,5


'Miss Hokusai' de Keiichi Hara




Ganadora del premio a la mejor película en la sección 'Anima't' del festival, 'Miss Hokusai' de Keiichi Hara nos deja una preciosa cinta en la que es difícil entrar. El virtuosismo técnico mostrado por Hara no suple la frialdad del conjunto algo que se puede apreciar muy especialmente en todo lo relacionado con la hermana ciega de la protagonista. Aburrida y tediosa, una lastima. Nota: 4



'The Final Girls' de Todd Strauss-Schulson




Junto con 'The Invitation' de Karyn Kusama, 'The final girls' es la gran ganadora de esta edición del festival llevándose los premios al mejor guión y el premio especial del jurado. La cinta dirigida por Todd Strauss-Schulson se beneficia no solo del revival ochentero que parece que vivimos últimamente si no también y muy especialmente del trabajo realizado por Drew Goddard con su famosa 'La cabaña en el bosque' ya que ambas cintas transitan por los mismos caminos: La desmitificación de las señas de identidad de los slashers (De hecho Thomas Middletich realiza casi el mismo papel que Fran Kranz en la película de Goddard y que Jamie Kenedy en 'Scream'). 'The final girls' no es esa genial cinta que muchos esperábamos por culpa de toda la carga emocional que queda reflejada en la relación madre e hija que nos deja los momentos mas flojos de la historia y que en muchos momentos rompe el ritmo de la película. Nota: 6,5


domingo, 4 de octubre de 2015

Crítica: Extinction

Título: Extinction
Año: 2015
Género: Drama - Terror
Duración: 110 min.
Director: Miguel Ángel Vivas
Guión: Alberto Marini y Miguel Ángel Vivas según la novela de Juan de Dios Garduño
Música: Sergio Moure
Interpretes: Matthew Fox, Jeffrey Donovan, Quinn McColgan, Clara Lago, Valeria Vereau, Eduardo Fedriani
Nota: 4
Sinopsis: Tiempo después de que un virus convirtiera a la gente en una especie de zombies, Patrick y Jack viven enfrentados por viejas rencillas del pasado. Pero el odio que sienten el uno por el otro no será su único enemigo..






Crítica:
Si algo deja claro 'Extinction' es que 'Secuestrados' fue un simple espejismo dentro de la carrera de su director, el español Miguel Ángel Vivas. La absolutamente brutal y salvaje cinta protagonizada por Fernando Cayo y Manuela Vellés entre otros y que se inscribe dentro del subgénero conocido como 'Home invasion', impactó no solo por la crudeza de sus imágenes sino también por la notable maestría mostrada por Vivas a la hora de rodar su película, grabada mediante una serie de planos secuencia para narrar el infierno que vive una familia que ha sido secuestrada por un grupo de ladrones. Sin llegar a lo que hizo Haneke en su 'Funny Games', Vivas conseguía que ningún espectador se quedara indiferente ante lo que nos estaba contando. Tan violenta propuesta se alejaba de forma radical de su primera y decepcionante película: 'Reflejos' ('I'll see you in my dreams') que se beneficiaba de un gran tráiler (Lo que hizo que la cinta despertara el interés del espectador) pero cuyo desarrollo dejaba bastante que desear haciendo de su visionado algo tedioso y bastante aburrido. Ahora nos llega la que es su tercera película, una ambiciosa 'Extinction' protagonizada por un Matthew Fox que será siempre recordado por haber sido el protagonista de la mítica serie 'Lost' al que acompañan un Jeffrey Donovan que no se sabe si esta sobreactuando o si el pobre no tiene ni idea de como interpretar a su personaje en ciertos e importantes momentos, una pequeña Quinn McColgan que devora a todos sus compañeros y una Clara Lago cuyo personaje parece estar metido en la historia para forzar a está a que avance mas que porque esta realmente lo justifique.


Desde hace ya un tiempo tanto el cine, la literatura en todas sus variantes o la televisión vive un resurgimiento de la cultura zombie que a día de hoy corre el riesgo de saturar al espectador. Son cientos los libros, los comics, las novelas gráficas, películas que se acercan al zombie desde diversas perspectivas y variantes, desde los muertos vivientes de toda la vida (Ahí están las últimas películas de Geogre A. Romero - 'Diary of the dead' y 'Survival of the dead' - que aún siendo de lo mas flojo de la filmografía del mítico director no dejan de ser cintas dirigidas por el conocido como el padre el género - al menos tal y como lo conocemos en la actualidad-, los comics de Robert Kirkman o las novelas, por ejemplo, de Carlos Sisi) hasta lo que podríamos definir como infectados (Un claro ejemplo es '28 días después' del tandem Boyle-Garland o los asesinos y violadores del 'Crossed' de Garth Ennis).


Ahora es Miguel Ángel Vivas el que se sube al carro para adaptar al cine la novela de Juan de Dios Garduño 'Y pese a todo' que aún manteniéndose fiel a ciertas ideas de la historia original (El enfrentamiento entre los dos protagonistas. Otra vez parece que volvemos a estar ante eso de que el hombre es un lobo para el hombre y por momentos casi la mas temible y salvaje amenaza) deja bastantes ideas en el aire (El proceso de locura que sufre el personaje interpretado por Matthew Fox representado por esa voz que se escucha en la radio, está mejor explicado en la novela de Garduño que en la cinta de Vivas. A pesar de que en ambos casos esta es una de esas ideas por las que tanto Garduño como Vivas parecen pasar demasiado rápido, con demasiada cautela, es en la obra de Garduño donde este profundiza en la juventud de dicho personaje explicando al lector el peso que la figura paterna tuvo en la educación de este. El hecho de que Vivas no profundice en el personaje de la misma manera en la que lo hacía Garduño deriva en que ese momento, esa conciencia que despierta, quede como una rareza dentro de la cinta, un brote psicótico del todo desaprovechado que parece mas una escena puesta en la película porque estaba en la novela original que porque esta tenga una evolución lógica dentro de la historia) y por demasiadas referencias a otras cintas lo que hace que 'Extinction' parezca mas una mezcolanza de ideas que una película que quiera encontrar su lugar propio y dejar su marca en el espectador.


En la introducción de la novela de Garduño, el escritor David Jasso, autor entre otras de 'Disforia', 'Día de Perros' o 'La Silla', habla acerca de lo difícil que es para los escritores no absorber ideas que se van encontrando en otras novelas, películas, etc.. reconociendo que en 'Y pese a todo' se pueden encontrar referencias a 'Soy leyenda'. (Algo que resulta como mínimo llamativo ya que si de alguna manera podemos pensar que la novela de Garduño esta influenciada por la obra de Richard Mattheson -Esos protagonistas aislados acosados por unas terribles criaturas- es la lamentable versión de Francis Lawrence hecha por y para la medida de Will Smith la que parece ser tomada por Vivas como referencia. La novela de Mathesson ha conocido varias adaptaciones a la pantalla grande, las mas remarcables por diversos motivos son 'The last man on Earth' de Ubaldo Ragona y protagonizada por Vincent Price -Recordemos que Mathesson adaptó al cine 'La caída de la casa Usher' de Poe para la película que dirigió Roger Corman y que protagonizó el propio Price-, 'El último hombre vivo' de Boris Sagal que aunque alejada de la novela de Mathesson resulta una muy entretenida cinta protagonizada por Charlton Heston y la ya citada cinta de Lawrence. Es sobre todo en el diseño de las criaturas donde Vivas parece tomar a la cinta de Lawrence y también a '30 días de la oscuridad' de David Slade como referencia algo del todo decepcionante. Si bien en la cinta de Slade tenemos a ese gran vampiro interpretado por Danny Houston, en la de Lawrence nos encontramos con esos seres creados digitalmente que hacen daño a la vista cada vez que estos aparecen en pantalla -El uso de efectos digitales en muchos casos esta matando la magia del cine, las películas de Vivas y de Lawrence son dos claros ejemplos de ello-. Tampoco debemos olvidar que en la novela de Mathesson los vampiros conocen perfectamente donde vive el protagonista y estos le acosan de todas las maneras posibles resultando una amenaza a todos los niveles -Es claro el componente sexual de algunas de las insinuaciones- mientras que tanto en la cinta de Lawrence como en la de Vivas las criaturas no dejan de ser una amenaza en lo que a violencia física se refiere. La carga psicológica viene derivada en el caso de 'Extinction' de los problemas personales que arrastran los dos protagonistas. Muy cogido por los pelos podemos encontrar cierto paralelismo entre la novela de Mathesson y la película de Vivas gracias a los personajes de Robert Neville y su vecino Ben Cortman convertido en vampiro que se enfrenta y amenaza al primero, aunque ninguno de los dos se ha convertido en una temible criatura, los vecinos Patrick y Jack viven su propio enfrentamiento particular), y a otras cintas como 'La carretera' de John Hillcoat (Por el ambiente apocalíptico y la relación entre un padre y su hijo) o incluso a 'Dos hombres y un destino' (Parece ser una constate hablar de la estructura de western que parece poseer tanto la novela como su adaptación al cine)....


... pero resulta sorprendente que Jasso haga mención a '28 días después' ('28 days later') en el prologo de la novela debido a que este 'paralelismo' esta mas presente en la película de Vivas que en la novela original de Garduño (Aunque en ambos casos el origen de la infección parece ser un virus manipulado por el hombre) y es aquí donde nos encontramos el problema entre los referentes, las ideas tomadas y prestadas de otros para modificarlas ligeramente (Y sin tan ligeramente también) para plasmarlas en otra película (Siempre podemos decir que es un homenaje que queda muy bien que si a Tarantino esa excusa le queda le sirve porqué no va a funcionarle a todo el mundo). Se ha dicho muchas veces desde aquí que la cinta de Danny Boyle fue una de esas películas que sirvieron para el resurgimiento del fenómeno zombie (A pesar de que esta cinta trata sobre infectados y una cepa del virus de la rabia) que con un planteamiento inicial muy intersante (Los comics de 'The Walking dead' de Kirkman toman el mismo punto de partida: Un joven se despierta solo en la habitación de un hospital en una ciudad asolada) acababa desinflándose de manera preocupante, dejándonos una parte final donde tanto Boyle como Garland daban la sensación de no saber como hacer avanzar a la historia de manera correcta. Es cuando Jim (Cillian Murphy) y sus compañeras llegan a una gran casa habitada por militares cuando la acción explota llevando a la película de Boyle a su clímax final. Es aquí donde Garland sitúa a un infectado que ha sido capturado por los militares con la idea de ver cuanto tiempo necesita para morir de inanición. No solo Vivas toma 'prestada' esa escena de la cinta de Boyle si no que además (Y a diferencia de la novela ya que este pasaje no esta) hacer avanzar a la historia hacia su clímax final (Resulta llamativo los sutiles cambios que se producen con el personaje interpretado por Clara Lago en la cinta de Vivas. Si bien tanto en la novela como en la película este personaje parece metido con calzador para hacer avanzar a la historia debido al estancamiento de la misma, algo que podríamos decir que ya hizo Garland con los militares en '28 días después'. Parece que ni Garduño ni Vivas sabían como hacer evolucionar el conflicto entre los dos hombres y el problema existente con esas extrañas criaturas que los acechan, es en la novela donde este personaje posee una mayor lógica y coherencia en base a los hechos que le han sucedido a este antes y los que sucederán después).


'Extinction' bien podría ser vista como una especie de spin off del 'Amanecer de los muertos' ('Dawn of the dead') de Zach Snyder, llevando las ideas de este un poco mas lejos, intentando dar respuestas a lo que podría ocurrir con los supervivientes de esa pandemia zombie después de un tiempo (Notable diferencia existente en lo referente al tiempo transcurrido entre el inicio de la pandemia en la novela y en la película. Si bien en la novela todo parece transcurrir un año después -algo que parece mas lógico y coherente en lo que a las reservas de alimentos se refiere- en la película ese tiempo se puede controlar gracias a la edad de la niña -lo que demuestra que en la cinta de Vivas ha pasado mas de un año- lo que hace prácticamente imposible que haya tantos alimentos sin caducar. De igual manera resulta sorprendente la forma que tiene Vivas de mostrar las casas en las que viven los protagonistas de su película. En un mundo congelado y con temperaturas extremas las dos familias no tienen ningún problema para tener electricidad y mantener sus casas calientes a pesar de que Garduño en su novela insiste una y otra vez en la necesidad de los protagonistas de no malgastar la electricidad y de mantener las casas calientes -hay parte de las viviendas de no usan justo por ese motivo- en la adaptación al cine este no parece ser un motivo de preocupación). Resulta imposible no acordarse del gran remake que hizo Snyder de la cinta original de Romero al ver el inicio de la cinta de Vivas, no solo por la forma de mostrar a estos infectados (o en este caso mutantes. Es una constante en el cine de zombies y/o infectados que no se expliquen las causas que han llevado que los no muertos vuelvan a la vida o que los infectados propaguen una terrible enfermedad -hay que ser honrado y reconocer que en algunos casos si que se explican dichas causas como es por ejemplo el caso de 'The return of the living dead' de Dan O'Bannon- y mientras Vivas pasa por alto todo tipo de explicación, Garduño explica con todo lujo de detalles cual es el origen de las criaturas algo que de alguna manera nos hace acordarnos de 'Paciente Cero' de Jonathan Maberry) si no también porque ambas cintas poseen una escena inicial (o parte de dicha escena) donde se utiliza el típico autobús americano escolar amarillo. Si no fuera porque Vivas sitúa a su autobús en medio de la noche a nadie le resultaría extraño que ese fuera el autobús detrás del que para Sarah Polley su coche justo antes de los títulos de crédito de la cinta de Snyder. Por desgracia esta es casi toda la acción que vamos a encontrar en 'Extinction' ya que Vivas parece más interesado en explorar los sentimientos de los dos protagonistas enfrentados por hechos ocurridos en el pasado que en rodar una cinta de terror. Por desgracia y a pesar de los flahsbacks que van explicando los motivos del enfrentamiento, Vivas transmite este enfrentamiento con el piloto automático puesto, sin, por desgracia, mucha pasión.


Es una lastima la forma en la que Vivas explora el conflicto existente entre los dos hombres enfrentados, es una lastima que Jeffrey Donovan no sepa como actuar en ciertos momentos lo que resta credibilidad a los hechos, es una lastima que la película este tan mal editada que lleve a que ciertos flashbacks rompan el ritmo de la cinta y alguno de ellos resulte demasiado forzado (No por el hecho de lo que cuenta si no por el momento elegido por Vivas para hacerlo) como también lo es el hecho de que Vivas parece que haya querido jugar a ser Spielberg (Si en 'Y a pesar de todo', Garduño llena su novela de referencias a Stephen King -aunque alguna de ellas pueda resultar un tanto despectiva por la forma de hablar del escritor-  uno de los grandes autores de novelas de terror que existe actualmente, Vivas parece querer llevar este homenaje de la literatura al cine y para ello este emula lo que hizo el director americano en 'La lista de Schindler' con la famosa escena de la niña con el abrigo rojo. Aunque 'Extiction' no esta rodada en blanco y negro esta tiene un tono oscuro y lúgubre lo que deriva a que como ocurría en la película de Spielberg, el abrigo rojo de la niña protagonista destaque por encima de todo y de la misma manera Vivas parece querer simbolizar la pureza, la esperanza y la inocencia de una niña en un mundo que no entiende y que intentará crear puentes entre su padre y ese extraño vecino, a la postre la única persona fuera de su núcleo familiar que conoce). No solo Garduño profundiza mas en las relaciones entre los personajes masculinos si no también en la de Patrick (Matthew Fox) con su perro -su única esperanza, lo único que le mantiene cuerdo- lo que hace que todo resulte mas redondo y creíble (El hecho de que este no viaje en el autobús para huir del pueblo hace que el lector tenga una mejor visión del enfrentamiento entre los protagonistas y la forma de afrontar los hechos) pero en el caso de la cinta de Vivas todo resulta mas forzado, menos coherente y sobre todo mucho mas aburrido.


No hay explicación en 'Extinction' del origen del virus que ha convertido a la gente en extraños mutantes, no hay explicación de porque el frío se ha adueñado de la Tierra (Creo que Jason Friedberg y Aaron Seltzer deben estar frotándose las manos con eso de rodar una nueva spoof movie que mezcle 'Extinction' y 'Snowpiercer') a diferencia de lo que ocurre en la novela donde de una manera mas o menos satisfactoria para el lector se explican los hechos. Resulta llamativo ver al personaje interpretado por Matthew Fox en medio de la ciudad asolada por un extraño virus, lo que hace que nos venga a la cabeza el inicio del '12 monos' ('Twelve monkeys') de Terry Gilliam o que si en 'El imperio del fuego' ('Reing of fire' de Rob Bowman) narraban 'Star Wars' como si fuera una obra de teatro, aquí cuentan 'E.T.' como si fuera un cuento. Vivas ha cambiado el original 'Juan sin miedo' por 'E.T.' (Spielberg aparece de nuevo) en lo que parece ser una concesión al mercado americano y un guiño al director. No hay nada en la parte dramática de la película que nos llegue, no hay nada en el enfrentamiento de los dos protagonistas que nos interese, solo la pequeña Quinn McColgan nos consigue sacar del tedio y el personaje interpretado por Clara Lago pierde el poco sentido que tenía en la novela original. Una cinta realmente decepcionante y prescindible. Para todo aquel que quería ver una historia que mezcle el drama con el cine de zombies recomiendo ver 'La Carrera' de Christopher Cartagena, una pequeña obra maestra que no dejará indiferente a nadie.



Lo mejor: Una voluntariosa Quinn McColgan.
Lo peor: Lo aburrido que resulta el conjunto. El diseño de las criaturas. Los flashbacks. La polémica creada por el propio director acerca de la decisión de la productora por no estrenar la película en versión original para cuando la taquilla respondió el primer fin de semana agradecer a la productora el gran estreno de su película.