domingo, 31 de enero de 2016

Gira española de Calibro 35


Los aficionados a la música y al cine están de enhorabuena. Dentro de su gira europea que les ha llevado a visitar Francia, Alemania, Inglaterra y por su puesto Italia, Calibro 35, el grupo formado por Massimo Martellotta, Enrico Gabrielli, Fabio Rondanini y Luca Nano Cavina tocará en Barcelona (31 de Marzo en el café Marula), Zaragoza (1 de abril - Las Armas) para acabar en Madrid, en la sala Tempo Club el 2 de abril. 


El grupo influenciado por las bandas sonoras de películas italianas de serie B de los años sesenta y setenta y centrado en la música instrumental posee uno de los directos mas impactantes que se pueden escuchar hoy en día como así han demostrado en sus anteriores conciertos en nuestro país como el que pudimos disfrutar en el Explosivo club.



El grupo italiano presentará el que es ya su quinto disco de estudio 'S.P.A.C.E' tras 'Calibro 35' (Su álbum debut publicado en 2008 y que contenía versiones de canciones escritas por Luis Bacalov como 'Summertime Killer' original conocido por muchos por haber formado parte de la banda sonora de 'Kill Bill Volume 2' o Ennio Morricone como 'Trafelato'), 'Ritornano quelli di... Calibro 35' (Publicado en el 2010 donde el grupo volvía a versionar canciones compuestas por artistas de la talla de Morricone o Piero Umiliani), 'Ogni riferimento a persone esistenti o a fatti realmente accaduti è puramente casuale' (2012) y 'Traditori di tutti' (2013). 



La banda además ha participado en la banda sonora del documental 'Eurocrime! The italian cop and ganster films that ruled the '70s' de Mike Malloy, película que fue programada en el Festival internacional de cine fantástico de Sitges en el 2012 dentro de la sección 'Sitges Clàssics - Neo culto focus' pero cuya distribución en España por desgracia ha sido nula. El tema 'Calling all units to Broccolino' fue escogido para formar parte de la película 'Red' de Robert Schwentke protagonizada por Bruce Willis, Helen Mirren y John Malkovich entre otros...



Desde 'La soledad del perro guía' queremos recomendar a todos nuestros lectores que vean a los 'Calibro 35' en concierto ya que su potente directo no dejará indiferente a nadie. Además todos aquellos aficionados a la buena música que pasen por Zaragoza el primer fin de semana de abril están de enhorabuena ya que los días 1 y 2 de ese mes de celebrará en esa ciudad el 'Slap! Indoor 2016' que contará, a la espera de mas artistas confirmados, con los 'Calibro 35' y con 'The Bellrays'. Una oportunidad única para escuchar buena música.


viernes, 29 de enero de 2016

Crítica: Martyrs (2015)

Título: Martyrs (2015)
Año: 2015
Género: Terror - Intriga
Duración: 81 min.
Director: Kevin Goetz y Michael Goetz
Guión: Mark L. Smith según la historia de Pascal Laugier
Música: Evan Goldman
Interpretes: Troian Bellisario, Bailey Noble, Caitlin Carmichael, Toby Huss, Diana Hopper, Elyse Cole, Kate Burton, Lexi DiBenedetto, Taylor John Smith, Jeminay Walker, Melissa Tracy
Nota: 3
Sinopsis: Diez años después de haber sido salvajemente torturada, Lucie dará caza a sus torturadores para ajustar cuentas.





Crítica:
Xavier Gens, Maury y Bustillo, Franck Khalfoun... el cine fantástico francés reciente nos ha dejado grandes nombres que han rodado grandes películas de género (Tampoco hemos de dejar de lado algún desliz bastante sonado. Si Franck Khalfoun dirigió el potentísimo remake del 'Maniac' de William Lustig que se beneficiaba del gran trabajo de Elijah Wood, tres años mas tarde rodó la desastrosa y tremendamente aburrida 'I-lived' que intentaba mostrar el lado mas terrorífico de las apps para móviles y no nos referimos precisamente al consumo de datos. De la misma manera Grégory Levasseur autor de los guiones de 'Alta Tensión' - 'Haute Tension' o del remake de 'Las colinas tienen ojos' - 'The hills have eyes', debutó el año pasado como director con la mediocre 'La pirámide' - 'The Pyramid' que podía acabar resultando una cinta simpática gracias al nefasto recuerdo de 'Así en la Tierra como en el infierno' - 'As above, so below' de John Erick Dowle con la que compartía ciertas ideas). Pero sin duda hay un nombre y una película que destacan por encima de todos, y ese no es otro que el de Pascal Laugier y su 'Martyrs', cinta que no dejó indiferente a nadie por su exceso y brutalidad (La película de Laugier se sabía salvaje y esa idea se explotó publicitariamente algo que despertó el interés de los aficionados al género fantástico por esta cinta pero no así el de las distribuidoras españolas. El hecho de que algunos informativos y prensa escrita se hicieran eco de que en ciertos festivales se tuvieran que poner ambulancias fuera de los cines donde se proyectaba esta película fue una jugada perfecta para hacer crecer el morbo y la leyenda de esta película convirtiéndola casi desde su estreno en una cinta de culto. A veces el intento de publicitar una película por parte de ciertas distribuidoras hace que se produzcan desastres como el de la no-proyección de 'Repo! The Genetic Opera' de Darren Lynn Bousman en el festival de cine fantástico de Sitges. Al final todo el mundo hablaba de la película de Bousman pero no precisamente con cariño. En este caso la cinta si que llegó a los cines españoles con un estreno bastante discreto y unas malas cifras de recaudación)


Diez años después de haber sido salvajemente torturada siendo una niña, Lucie  intentará tomarse la venganza por su cuenta tras encontrar a sus torturadores. El trauma que esta arrastra le hará pensar que esta es la única manera de acabar con los fantasmas que la acechan. Mark L. Smith cuyo nombre parece destacar más que el de los propios directores en los títulos de crédito iniciales de la película pasará a la historia por escribir el mismo año los guiones de 'The Revenant' - 'El renacido' de Alejandro Gonzalez Iñárritu (Cinta nominada a 12 Oscars pero que no incluyen a Smith) y el de esta película (Aunque por mucho que el guionista se haya esforzado nunca podrá superar lo que consiguió Brian Helgeland en 1998, año en el que ganó el Oscar al mejor guión original por 'L.A. Confidential' de Curtis Hanson y el Razzie al peor guión por 'Mensajero del Futuro' - 'The Postman' de Kevin Costner). El trabajo previo de Smith podía llevarnos a pensar que el remake de la cinta de Laugier había caído en buenas manos: Suyos son también los guiones de 'Sin Salida' ('Vacancy') de Nimród Antal y 'Miedos 3D' ('The Hole') de Joe Dante. Por desgracia todo en esta nueva aproximación a la historia de Laugier resulta tremendamente decepcionante, desde la dirección hasta las interpretaciones pasando por el propio guión de la película.


Es cierto que la historia de este 'Martyrs' posee la misma esencia de la cinta del director francés ya que ambas comparten el mismo punto de partida y un desarrollo bastante similar: El trauma de una niña que ha sido torturada salvajemente y que tiempo después de escapar consigue dar con sus captores (Aquí tenemos la primera diferencia, no solo en la manera que los Goetz tienen de tratar esta escena inicial: Los policías entrando en el lugar donde han torturado a la niña parece sacado directamente del 'Seven' de David Fincher, si no que además la forma en la que estos muestran a la chica en el orfanato resulta demasiado torpe y forzada consiguiendo que el espectador se plantee si la cinta va a conseguir arrancar en algún momento. Hay algo que falla ya desde ese momento, por su estética, por la falta de fuerza de aquello que nos están contando, como si los directores consideraran que esta no es mas que otra cinta de encargo que los seguidores más fieles de la película original van a destrozar con saña, así que... ¿Para que esforzarse? Esta idea parece que estuvo en la cabeza de los Goetz durante todo el rodaje algo que se plasma en todos y cada uno de los fotogramas de esta película.


Tras este tan poco prometedor inicio, los seguidores de la película original encontrarán una pequeña puerta a la esperanza. Un pequeño oasis de violencia que les podrá a llevar a pensar que si que hay algo interesante detrás de esta película. La llegada de Lucie a la casa nos hace pensar que podemos encontrarnos con la brutalidad con la que Laugier rodó su película. Esa esperanza dura lo que dura una escena y aunque aquí no esta el niño prodigio del cine francés Xavier Dolan (Actor y director de películas como 'Mommy' o 'Los amores  imaginarios' - 'Les amours imaginaires') este momento si que posee esa violencia seca y directa que tanto deseamos en una cinta como esta. Y aquí se puede decir que se acaba este 'Martyrs'...


Por mucho que Smith y Goetz intenten seguir la idea original de la cinta de Laugier esta posee sutiles cambios que en ningún caso mejoran a la película original (Mucho se habla acerca de lo innecesario de este remake. El mercado americano parece demasiado obsesionado con  transformar cintas de otras nacionalidades pasándolas por su peculiar filtro. Son pocas las películas que sobreviven con dignidad a este traumático proceso, son muchas las cintas que han sido destrozadas aunque también hay que ser justos y reconocer que ciertas obras aunque no mejoran al original si que resultan dignos remakes, uno de los casos recientes mas famosos es el de la película 'Déjame entrar' - 'Let me in' de Matt Reeves. Hemos de reconocer que también otros países acaban realizando remakes de cintas americanas aunque esto suele ser menos habitual. Los casos mas sonados son los de la china 'Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos' - 'San qiang pai an jing qi' - de Zhang Yimou que se basaba en la opera prima de los hermanos Cohen 'Sangre fácil' - 'Blood Simple', y del remake japonés de la cinta de Clint Eastwood 'Sin Perdón' - 'Unforgiven' que de la mano de Lee Sang-il y protagonizada por Ken Watanabe se convirtió en 'Yurusarezazu mono'). El guionista y los directores no solo acaban suavizando la brutalidad de la película (Algo que va en contra no solo de lo que Laugier contó en su cinta si no que además rompe de forma radical con el espíritu de la película) si no que además cambian ciertas ideas y situaciones en las que se ven envueltas las protagonistas (Ni Smith ni los Goetz parecen querer que la gente acabe pensando que son los nuevos Gus Van Sant y que su película no deje de ser lo mismo que hizo el director americano con su remake de 'Psicosis' - 'Psycho', cinta rodada como no podía ser de otra manera con otros actores pero calcada plano a plano, eso si en color).


Los Goetz se muestran demasiado torpes a la hora de dotar a su película de ritmo. Tras la famosa escena inicial en la que Lucie irrumpe en la casa, esos son incapaces de hacer que el espectador entre en la película por culpa de tiempo (A todas luces excesivo) que estos dedican a las dos protagonistas: Lucie y Anna, y porque el espectador no deja de tener la sensación de estar ante uno de los grandes errores de casting del año. Si bien Troian Bellisario (Lucie) no consigue que nos olvidemos de Mylène Jampanoï a pesar de sus esfuerzos de esta por sacar a su personaje adelante, es Baile Noble la que nos hace pensar que en ciertos momentos no sabe donde está ya que esta parece basar su interpretación en poner constantes caras de alucinada y poco mas...


Mark L. Smith y los hermanos Goetz ruedan una cinta que intenta respetar de alguna manera la historia de la película original pero sin la fuerza, la garra y la brutalidad de la cinta de Laugier. Los cambios introducidos por Smith intentan que este 'Martyrs' nos ea simplemente una copia edulcorada de la original pero que nos dejan escenas absolutamente vergonzosas y que demuestran la enorme torpeza tanto del guionista como de los directores (La manera que tienen Kevin y Michael Goetz de cerrar esta película es realmente chapucera como si estos hubieran querido que el despropósito en el que se han visto envueltos se acabara lo antes posible. El guión de Smith posee los mismos fallos que la obra original junto con errores del propio guionista, escenas que están demasiado forzadas o donde se dejan demasiadas cosas al azar para que la historia avance por donde este quiere. A esto hay que sumar la sensación de que todo esta excesivamente explicado, algo que parece ser habitual en la mayoría de remakes americanos. Solo hay que recordar la escena final de 'The Ring' de Gore Verbinski donde se nos explica porque la maldición de Samara se cumple pasados siete días. La sutilidad de la cinta de Hideo Nakata echada a perder por culpa de una escena)


'Martyrs (2015)'  es una cinta prescindible que no va a gustar a los seguidores de la película original (Cinta que para bien y para mal ha marcado un antes y un después dentro del cine fantástico reciente. Sin ir mas lejos la fallida 'Let us prey' de Brian O'Malley que comparte bastantes ideas con 'Last Shift' de Anthony DiBlasi se acerca a la cinta de Laugier por la forma en la que este director muestra el trauma de la protagonista que al igual que le ocurrió a Lucie fue secuestrada cuando era pequeña) pero tampoco tiene elementos suficientes para enganchar a un público que no conozca la película en la que se basa. Prescindible y muy, muy aburrida.



Lo mejor: El breve momento donde pensamos que la película va a levantar el vuelo.
Lo peor: El resto. Las protagonistas, las escenas en el orfanato, el cura, lo aburrido que resulta todo, la escena final, lo innecesario de este remake...

domingo, 24 de enero de 2016

Crítica - La quinta ola - Diferencias entre la novela y la película

Título: La quinta ola - The 5th wave
Año: 2016
Género: Ciencia Ficción - Aventuras
Duración: 120 min.
Director: J Blakeson
Guión: Susannah Grant, Akiva Goldsman y Jeff Pinker según la novela de Rick Yancey
Música: Henry Jackman
Interpretes: Chlöe Grace Moretz, Nick Robinson, Zackary Arthur, Maria Bello, Alex Roe, Maika Monroe, Liev Schreiber, Ron Livinstone, Nadji Jeter, Cade Canon Ball, Alex McNicoll
Nota Película: 3,5
Nota Novela: 4
Sinopsis: Cassie es una chica normal cuya máxima preocupación es que el chico guapo del instituto se fije en ella. El día que una extraña nave orbite alrededor de la Tierra su vida y la de el resto de personas del planeta cambiará de forma dramatica.



Crítica:
Seamos sinceros desde la primera línea de esta crítica/análisis de 'La quinta ola' ('The 5th wave') de J Blakeson, es decir admitamos que el mayor problema de esta película (De los muchos que tiene) no es otro que el material de base del que parte: La novela de Rick Yancey. La cinta dirigida por Blakeson (Autor de 'The Descent: Part 2', una interesante cinta de terror que no estaba a la altura de su predecesora. La película de Neil Marshall jugaba de manera muy inteligente con los sustos tal y como hicieron Jaume Balaguero y Paco Plaza con su 'Rec' dos años mas tarde. La cinta protagonizada casi exclusivamente por un grupo de mujeres tenía un final que no dejaba posibilidad a rodar una segunda parte -al menos no en los términos en los que Blakeson grabó su película- pero la distribuidora americana cambió el final de la misma lo que hizo que si que fuera posible esta secuela) se basa en un guión escrito por Susannh Gran ('Erin Brockovich', '28 días' - '28 days'), Akiva Goldsman ('Soy Leyenda' - 'I am Legend', 'Una mente maravillosa' - 'A beautiful mind') y Jeff Pinker ('Fringe', 'Alias', 'Lost') que adapta la muy floja novela de Rick Yancey, obra que toma demasiados elementos de otros libros y películas para mezclarlos sin demasiada lógica y convertirse en un producto destinado a ser otro éxito prefabricado para adolescentes y que en cuanto a su adaptación al cine se aprovecha de la moda que vivimos por las trilogías que mezclan elementos distopicos y amorosos con la ciencia ficción como es el caso de 'Los juegos del hambre' ('The hunger games'), 'Divergente' ('Divergent') o 'El corredor del laberinto' ('The Maze Runner') y donde todas parecen estar cortadas por el mismo patrón.


La vida de Cassie Sullivan es la típica de cualquier estudiante de instituto donde su mayor preocupación consiste en que el chico guapo y popular se fije en ella (Son muchos y múltiples los cambios que se observan entre la novela de Yancey y la película de Blakeson y creo que sobre este punto es conveniente detenernos un poco. La idea de hacer esta reflexión al hablar sobre los deseos de Cassie no es por casualidad. Es imposible ser fiel a una novela, siempre o casi siempre las historias pierden algo de su esencia en su salto a la gran pantalla pero es ahí donde entra el trabajo de los guionistas, de las personas encargadas de hacer que el paso del papel al fotograma sea lo menos traumático posible. Siempre pongo como ejemplo la adaptación de la novela 'Déjame entrar' que el propio John Ajvide Lindqvist escribió para la aclamada película de Tomas Alfredson. Lindqvist dejó de lado todo lo que sobraba en su novela -que lo había y era mucho- para centrarse en lo que realmente importaba: La historia de amor entre sus dos protagonistas. Grant, Goldsman y Pinker se toman ciertas licencias a la hora de adaptar la novela de Yancey pero intentan reflejar la mayoría de las situaciones importantes que el autor describe en su novela, lo que hace que la cinta de Blakeson se vaya hasta las casi dos horas de duración consiguiendo que el espectador se quede con la sensación de que se ha pasado por todo de una manera demasiado rápida y sin ningún intento por profundizar en los hechos), el día que una extraña nave orbite alrededor de la Tierra su vida y la de toda la humanidad cambiará de forma dramática: Una invasión alienígena ha comenzado sin prisa pero sin pausa.


Es desde la misma escena inicial donde nos damos cuenta de que los guionistas y por tanto el director han cambiado sutiles ideas y elementos de la historia que nos hacen presagiar que esos cambios no serán los únicos (El hombre del crucifijo que Cassie se encuentra en una gasolinera va vestido como una persona mas, mientras que en la novela es un militar. Cassie esta obsesionada con la imagen idílica del chico que le gusta, un Ben Parish interpretado por Nick Robinson que es incapaz de transmitir esa exagerada obsesión que tiene la Cassie de la novela por él y donde su increíble sonrisa capaz de conseguir cualquier cosa brilla por su ausencia. Blakeson muestra a un Parish que sabe quien es Cassie y que la conoce algo que rompe con la 'relación' que se establece entre estos dos personajes en la novela ya que el chico desconoce la existencia de esta por mucho que ella intentara establecer conversación con el en el autobús escolar utilizando a sus hermanos como excusa) y donde se nos deja claro que lo que el lector cree importante e interesante no coincide con la idea que tienen los guionistas y el director.


Dejando de lado el primer capitulo de la novela de Yancey y que sirve de prologo a la historia, el escritor llena la primera parte de la misma, donde se narra mediante el recurso de los flashbacks la llegada de la nave nodriza y las cuatro primeras olas, de homenajes mas o menos explícitos a muchas películas de género (Yancey nombra a 'La guerra de las galaxias' - 'Star Wars' y su estrella de la muerte, a 'Terminator' y Skynet, a 'Encuentros en la tercera fase' - 'Close encounters of the Third Kind', a 'Star Trek', a 'E.T' o incluso a 'Alicia en el país de las maravillas' - 'Alice in Wonderland' algo que desde 'Matrix' parece ser un signo de distinción para muchas películas o incluso a 'El mago de Oz' - 'The Wizard of Oz' a la que se harán varias referencias a lo largo de la novela tanto a su personaje principal Dorothy como al camino de baldosas amarillas pero no así en la película) algo que hace las delicias de los aficionados a la ciencia ficción (Nada mas entretenido que leer o descubrir referencias a grandes películas y/o novelas. A las ya mencionadas hay que añadir unas cuantas mas como es el caso de 'Battle Royale' novela de Koushun Takami llevada al cine por Kinji Fukasaku y de la que no solo Yancey toma ciertos elementos para su historia ya que hay que recordar que 'Los juegos del hambre' de Suzanne Collins no deja de ser una versión light de la brutal historia de Takami. Incluso James Dashner autor de 'El corredor del laberinto' parece estar presente en 'La quinta ola', sus novelas pertenecientes a 'La doctrina de la mortalidad' comparten con la obra de Yancey varias ideas haciendo imposible no pensar que existe un paralelismo entre Kaine y el comandante Vosch. Tampoco debemos pasar por alto a uno de los grandes clásicos de la ciencia ficción y ese no es otro que 'Los ladrones de cuerpos' de Jack Finney pero ni Yancey ni Blakeson son capaces de transmitir la psicosis que si lograba Finney en su novela) y donde el autor nos cuenta los mas interesante de la historia: La llegada y los primeros ataques alienígenas. Por desgracia Blakeson pasa demasiado rápido (Una constante en la película) por estos hechos tan cruciales e interesantes. La llegada de esa nave que orbita alrededor de la Tierra y que en cierto modo nos recuerda a la mítica serie 'V' deja en el espectador una cierta sensación de decepción ya que el director es incapaz de transmitir la curiosidad y el miedo por aquello que esta ocurriendo, sentimiento que crece al ver como este trata la tercera ola: La Peste.


El director muestra la primera ola como si fuera una escena mas de esa propaganda religiosa new age titulada 'Señales del Futuro' ('Knowing') de Alex Proyas para luego acercarse a la desastrosa 'San Andrés' ('San Andreas') de Brad Peyton con una espectacular escena de un gran Tsunami (Es aquí donde empiezan las incoherencias mas llamativas de la novela de Yancey y que los guionistas y el director trasladan a la película, ya que si lo que quieren los extraterrestres es quedarse con el planeta protegiéndolo de la acción humana no parece muy lógico lanzar un enorme peso sobre una placa tectónica para que se produzca un gran terremoto y genere un enorme tsunami que arrase con todo lo que se encuentre a su paso). Pero la mayor decepción es la forma en la que Blakeson muestra la terrible plaga que acabará con la mayoría de la población terrestre. Si bien es cierto que en la película se mantiene la idea de los pájaros como medio transmisor de la enfermedad, se obvia toda referencia al ébola (Los síntomas narrados por Yancey están mas cerca de la terrible enfermedad que parece que solo nos importa si llega a Europa o Estados Unidos que de la gripe aviar. En este punto hay que volver a hablar sobre los cambios sufridos por la novela en su salto a la gran pantalla. Blakeson no tiene reparo a la hora de mostrar a una niña de dieciséis años matando a quemarropa a un hombre desarmado pero si a la hora de hablar del ébola o de mostrar a sus personajes rezando cambiando la oración que repiten cada noche zombie y Sammy por una canción, un detalle este último que como mínimo llama la atención y lo dice una persona como yo que no se considera precisamente religioso)


La terrible enfermedad sobre la que pasa por encima Blakeson no solo sirve para entender la forma de evolucionar de Cassie y su familia si no también la de Ben Parish (Me quedo con la duda de si alguien que no haya leído la novela en la que se basa esta película entenderá claramente porque a este personaje lo apodan zombie) y la de Evan Walker (Parece ser obligatorio desarrollar una historia de amor en toda película o novela hecha por y para adolescentes. Si la saga 'Crepúsculo' - 'Twilight' contaba el lío amoroso entre Bella, Edward y Jacob, ahora Yancey y por lo tanto Blakeson enseñan lo que parece que se va a convertir en otro triangulo amoroso y donde al menos en lo que a físico se refiere el pobre Ben Parish tiene todas las de perder, algo que el director se recrea en mostrar)


Por desgracia lo más interesante de la novela y por tanto de la película es tratado de manera muy esquemática. No solo todo en 'La quinta ola' queda simplemente perfilado si no que además el director y los guionistas cambian demasiados detalles de la historia para que los personajes nos transmitan cierta simpatía (El motivo de porque la familia se separa y el porque de Cassie para mantener su promesa cambia de forma radical en la película aunque es la forma en la que Cassie y Evan Walker se conocen lo que mas puede sorprender al lector que decida ver la película de Blakeson). Aún así este esquematismo acaba, sorprendentemente, beneficiando a ciertos momentos de la película ya que esta diluye las peores partes de la novela en medio de una historia que parece llevar el piloto automático puesto. Yancey se pierde completamente a la hora de desarrollar la historia del hermano de Cassie y Zombie en su intento por contarnos las desventuras de estos dos personajes rescatados por los soldados. Si en la novela nos encontramos con varios capítulos que son demasiado parecidos a 'El juego de Ender' ('Ender's game') de Orson Scott Card junto con algunos pasajes que parecen extraídos directamente de 'La chaqueta metálica' ('Full metal jacket') de Stanley Kubrick (Tanto por la forma en la que Yancey describe al sargento Reznik como por la manera en la que zombie llega a ser jefe del pelotón que recuerda claramente a como el recluta bufón consigue exactamente lo mismo, llegando al fatídico encuentro con un francotirador). Si todo aquello que nos cuenta Yancey en su novela no tiene ningún tipo de sentido ni justificación, al menos en la película al resultar todo tan esquemático el espectador no tiene casi tiempo de plantearse la poca lógica de la historia.


'La quinta ola' tampoco mejora a la hora de narrarnos el encuentro entre Cassie y Evan Walker. Yancey vuelve, como en el caso anterior, a dedicar varios capítulos a la relación que se establece entre estos dos personajes, en especial a las dudas que surgen en la chica y que el escritor se dedica a justificar con frases totalmente absurdas como las que hacen referencia a las cutículas de Walker (Se puede expresar la misma idea de otra manera) Blakeson vuelve a pasar demasiado rápido por encima de esta historia y sorprende que si la mayor parte de la relación entre ambos se establece dentro de la casa de Walker, el director dedique bastante tiempo a ver a los dos personajes caminar en busca de la forma de cumplir la promesa de la chica (Es posible que algunos espectadores puedan llegar a pensar que nos encontramos ante una versión edulcorada de 'The Road' novela de Cormac McCarthy llevada al cine por John Hillcoat) Es cierto que Yancey satura al espectador con esta parte de la historia, con las dudas de Cassie pero Blakeson no profundiza demasiado en ellas lo que hace que tengamos la sensación de que algo falla, de que se están olvidando de contarnos una parte importante de la historia (Algo parecido sucede con la forma de pensar de Hacha, sus ideas son apuntadas en un par de momentos en la novela de Yancey pero son soltadas de golpe en la película sin demasiado tiempo para plantearse si sus argumentos tienen lógica o no) Algo falta, algo se echa de menos para poder entender ciertas reacciones de los personajes sumado a que en esta parte de la historia, el espectador que haya leído la novela notará que se ha suavizado y mucho el personaje de Walker para que nos sea mucho mas fácil empatizar con el y entender los sentimientos de Cassie.


Son múltiples los cambios que sufren los personajes en lo que al salto a la gran pantalla se refiere. A los ya mencionados hay que sumar la forma en la que Blakeson muestra a Tacita, la psicópata niña de siete años que en la película queda reflejada como una cría mas sin ningún tipo de problema mental, la manera en la que los guionistas han fusionado a la doctora Pam y al sargento Blakeson en un mismo personaje lo que rompe con la idea de que los críos que llegan a la base militar se encuentran una persona cercana y amable que hace que su primera toma de contacto con la base sea mas digerible. No deja de ser Hacha el personaje que puede resultar más fiel al original (Al menos en cuanto a secundarios se refiere) pero vuelve a llamar la atención la manía de Hollywood por mostrar a todo personaje femenino duro y seguro de si mismo como una prima lejana de Miércoles Addams. Es cierto que en la novela de Yancey este describe a su personaje como una chica dura y de piel muy blanca pero.. ¿Era necesario recalcar esta idea pintando los ojos de la chica de esa manera?. A Hacha le da vida en la gran pantalla una irreconocible Maika Monroe conocida por muchos por ser la protagonista de una de las mas llamativas cintas de terror de los últimos años: 'It follows'.


La novela de Yancey comienza con fuerza y se va apagando de una manera preocupante convirtiéndose en una aburrida mezcla de 'El juego de Ender' y 'La huésped' ('The host') de Andrew Niccol. La película de Blakeson resulta demasiado esquemática, en donde todo queda simplemente perfilado y nada analizado con profundidad, por desgracia tanto en la novela como en la película tenemos la sensación de que algo falla, de que algo falta y ambas acaban por aburrir tanto al lector como al espectador. Prescindibles.


Lo mejor: Cuando se me ocurra algo lo escribiré...
Lo peor: Lo aburrido que resulta todo

martes, 19 de enero de 2016

Crítica: Im Keller - En el sótano

Título: En el sótano - Im Keller
Año: 2014
Género: Documental
Duración: 81 min.
Director: Ulrich Seidl
Guión: Ulrich Seidl y Veronika Franz
Interpretes: Fritz Lang, Alfreda Klebinger, Manfred Ellinger, Inge Ellinger, Josef Ochs, Alessa Duheck, Gerald Duheck, Cora Kitty, Peter Vorukev, Walter Holzer,
Nota: 8
Sinopsis: Documental que trata sobre aquello que la gente guarda y hace en sus sótanos.








Crítica:
Ulrich Seidl conocido por muchos por su trilogía del paraíso y por 'Import Export' nos trae un llamativo e interesante documental no exento de morbo que hará las delicias de todos aquellos espectadores que buscan otro tipo de cine, un cine alejado de lo comercial pero lo suficientemente estimulante para que una propuesta tan bizarra como esta les enganche durante los poco mas de ochenta minutos que dura esta película. Seidl explora todo aquello que la gente guarda y hace en los sótanos de sus casas. El director austriaco muestra toda una extensa gama de personajes de lo mas variopinto cuyas historias seguiremos con desigual interés pero que al final nos dejará la sensación de estar ante uno de los documentales mas llamativos, excesivos e interesantes de hemos visto en mucho tiempo y donde Werner Herzog bien podría rodar un spin-off de varios de sus protagonistas.


La idea de este documental no es hacernos creer que si nuestra vida es un fracaso no pasa nada porque hay gente que esta peor que nosotros (Al leer esta frase en Twitter no pude dejar de pensar en 'Una paloma se posó en una rama para reflexionar sobre la existencia'. Los personajes de la cinta de Roy Andersson bien podrían formar parte del documental de Seidl y viceversa. A nadie le resultaría extraño que viéramos que guarda en el sótano del albergue uno de esos vendedores de artículos de broma, del mismo modo la escena de las tres mujeres mirando a la cámara a lado de varias lavadoras podría ser una imagen de cualquiera de los sketches de la película de Andersson. La cinta del sueco ganó el premio a la mejor comedia en los premios del cine europeo, lo que me lleva a rebautizar a la película de Andersson con el título 'Un premio a la mejor comedia europea me hizo reflexionar sobre la existencia' ya que no entiendo como una cinta con un tono tan deprimente como esta llena pueda ser considerara una comedia) si no una forma de explorar y conocer a las personas a través de sus gustos y aficiones. (Podemos juzgar con excesiva dureza a los protagonistas de este documental pero queda claro que ninguno se considera infeliz. Desde ese adicto a las prostitutas que se siente muy orgulloso de su gran poder eyaculador pasando por esa aficionada al bondage mas extremo y llegando a ese hombre amante del nazismo, ninguno de ellos se muestra triste, ni se considera un fracasado)


Tampoco es un documental que de alguna manera pueda justificar porque el mundo se esta yendo al garete. Seidl no juzga ni justifica a las personas que muestra en su película, no valora si sus aficiones tienen sentido o si las comparte con ellos, simplemente les deja hablar y que sea el espectador el que juzgue. Y si, muchas de las aficiones que se muestran pueden hacer que nos posicionemos en contra de los protagonistas del documental o que los consideremos desde nuestro punto de vista unos fracasados o directamente locos, Seidl consigue que esa capacidad de juzgar a los demás se vuelva en nuestra contra. El director austriaco habla de las apariencias, de como aquel que consideramos 'normal' puede esconder ocultas aficiones que pocos tolerarían... Y es aquí donde Sield consigue que los demás nos puedan ver con la misma mirada con la que vemos a sus personajes: ¿Ese chico que esta sentado dos butacas a mi izquierda, que esconderá en su sótano? ¿Acaso no ocultamos todos algo?


Pero Ulrich cae en lo morboso, en el mundo del sexo mas extremo (Dominación, bondage), en la añoranza de un aficionado a la música, al alcohol y a Hitler, en el anhelo del sueño de juventud de un frustrado cantante de ópera (Algo que refuerza la idea de que Ulrich ha profundizado demasiado en el morbo que pueden generar los protagonistas del documental y que se observa desde el principio del mismo con, por ejemplo, la racista conversación acerca del Islam) o en la forma que tienen de acercarse a la soledad (Esa mujer que guarda en el sótano de su casa diversos muñecos a los que se dirige como si fueran sus propios hijos). Aunque el director austriaco intenta de una manera un tanto forzada que el espectador que se acerque a su película no lo haga solo por el morbo mostrando a gente que tiene grandes maquetas de tren, que toca la batería, etc, etc... Ulrich no lo consigue y muchos de los espectadores que se vean esta cinta lo harán simplemente por el morbo.


Ulrich muestra una cuidadísima y notable puesta en escena. La obsesión por el encuadre y la simetría de la que hace gala el director austriaco es digna de estudio y solo comparable a la forma en la que Wes Anderson rueda casi cada plano de sus películas. Tan estudiado y calculado esta cada plano de 'En el sótano' que Ulrich consigue que incluso que la marca que se forma en la unión de dos paredes de alinee casi perfectamente con la raya del pelo de uno de los protagonistas del documental.


Ningún plano ni ningún detalle parece dejado al azar o haber sido grabado sin ningún tipo de sentido. Todo parece planificado al milímetro. 'En el sótano' es uno de esos documentales del todo estimulantes donde puedes seguir viendo ideas que pudieron pasar por alto en un primer visionado. Sirva como ejemplo un par de ideas mostradas por Ulrich en su película. La primera de ellas es la obsesión que tiene este de situar a algunos de sus personajes relacionados con el sexo cerca de esquinas lo que hizo que me acordara de una de las más sutiles y bonitas portadas de 'Lolita' de Nabokov. Sin dejar de lado el sexo de la película tampoco hemos dejar de pasar por alto el detalle de que aquella que se considera sumisa es entrevistada pero aquel que es un mero esclavo no.


La siguiente idea es esa escena grabada desde el sótano de Josef Ochs, ese aficionado a la música, al alcohol y a Hitler donde se ve a su banda tocar en la calle. 'En el sótano' muestra todo aquello que las personas ocultan a la vista de otros (Que ocultan a personas que no forman parte de su circulo cercano). En un solo plano Ulrich muestra desde ese lugar donde se esconden los secretos más oscuros de las personas lo que a otros nos permiten ver, el director enseña la dualidad de sus personajes, un perfecto resumen de su película en un solo plano..


Ulrich graba impactantes monólogos como el de la mujer adicta al bondage mas extremo que sorprenderá a propios y extraños (Otros conseguirán que se nos escape alguna sonrisa como las explicaciones de ese adicto al sexo con prostitutas), junto con escenas que harán que en algún momento tengamos que apartar la vista de la pantalla (La posición de sumisión total de ese marido/esclavo nos deja varios de los momentos mas impactantes de toda la película). 'En el sótano' es uno de esos documentales que tiene que tener una segunda parte, tal y como ocurrió por ejemplo con 'Los espigadores y la espigadora' ('Les glaneurs et la glaneuse') de Agnès Varda donde los espectadores nos quedábamos con ganas de saber que sería de la vida de los protagonistas después del documental. Del mismo modo queremos saber como reaccionará la gente al ver a ese guarda de seguridad que tiene una relación de sumisión con su esposa, que pensará la gente al cruzarse en la calle con una mujer aficionada al sexo mas salvaje, si los conocidos de esa mujer que tiene muñecos de bebes en su casa la trataran con compasión o pena, si alguien se cambiará de acera al encontrarse con una persona que añora a Hitler o si algún ávido productor con ganas de montar un negocio fácil se acercará a ese cantante de ópera frustrado para aprovecharse de el. Igual que un personaje del documental de Varda, Ulrich recolecta secretos para mostrárnoslos.


Al llegar la noche, las calles quedan envueltas en la oscuridad y la luz de los sótanos se enciende. Los personajes que Seidl nos presenta este documental viven presos de sus aficiones. El director austriaco cierra su película de manera soberbia y nos deja uno de los más interesantes documentales vistos en mucho tiempo. Muy interesante y recomendable.


Lo mejor: La sugerente estética del documental. Lo llamativo de la propuesta.
Lo peor: El documental acaba acercándose a lo morboso (En cuanto a sexo se refiere, claro) 

domingo, 17 de enero de 2016

Crítica: El último cazador de brujas - The last witch hunter

Título: El último cazador de brujas - The last witch hunter
Año: 2015
Género: Acción - Fantástico 
Duración: 106 min.
Director: Breck Eisner
Guión: Cory Goodman, Matt Sazama y Burk Sharpless
Música: Steve Jablonsky
Interpretes: Vin Diesel, Rose Leslie, Elijah Wood, Ólaruf Darri Olafsson, Rena Owen, Julie Engelbrecht, Michael Caine, Isaach De Bankolé, Joseph Gilgun, Lotte Verbeek, Inbar Lavi
Nota: 4,5
Sinopsis: Durante mas de ochocientos años Kaulder ha conseguido que la frágil tregua entre el bien y el mal se mantenga pero una oscura amenaza se cierne sobre el y toda la gente que le rodea para conseguir que el mal se adueñe del mundo...




Crítica:
Decepcionante cinta protagonizada por Vin Diesel que por momentos parece estar mas cercana a 'El aprendiz de Brujo' ('The Sorcerer Apprentice') de Jon Turteltaub que a la gran película de acción y aventuras que muchos esperábamos de ella. Si Darren Aronosky centraba su 'La fuente de la vida' ('The Fountain')  en la búsqueda de el árbol de la vida, Eisner sitúa el comienzo de la historia que quiere contarnos en un tétrico árbol que bien podría denominarse 'el árbol de la muerte'. No solo su aspecto llevará al espectador a este pensamiento si no que además todos los acontecimientos que han tenido como epicentro dicho lugar reforzaran esta idea. Si Alex Garland cogió 'Horizonte Final' ('Event Horizon') y la llevó a la luz en 'Sunshine', Eisner toma el árbol de Aronosky y lo lleva a la más absoluta oscuridad. 'El último cazador de brujas' ('The Last witch hunter') se aleja de la pretenciosidad de 'La fuente de la vida' (Obviamente esa no es la intención de esta película. Por otro lado el alto concepto que tiene Aronosky de su película en particular y de su cine en general jugó en contra de esta cinta. Aunque en su momento fue repudiada por muchos 'La fuente de la vida' es una obra que merece la pena volver a ser vista y disfrutada) para adentrarse en un tipo de cine demasiado infantil haciendo de esta cinta una película que puede ser fácilmente disfrutada por un público adolescente pero cuya propuesta no resulta todo lo interesante y estimulante que el resto de espectadores podría esperar de una película como esta.


Tras matar a la malvada reina de las brujas, esta maldecirá (Como no podía ser menos) a su asesino con la vida eterna para que así este viva con el constante recuerdo de la perdida de su mujer y su hija (Kaulder al igual que Logan en 'Lobezno inmortal' - 'The wolverine' puede decir eso de: 'La eternidad puede ser una maldición'). Eisner traslada, tras los diez primeros minutos de película donde se nos muestra a un Vin Diesel con una casi constante cara de alucinado y una muy llamativa caracterización de una malvada reina bruja, a la época actual para desarrollar la idea de la frágil tregua existente para controlar el uso de la magia (Tema que con alguna variación es recurrente en el cine fantástico y que podemos encontrar por ejemplo en 'Guardianes del Día' y 'Guardianes de la noche' películas que dieron a conocer internacionalmente a Timur Bekmambetov). Kaulder al que da vida (eterna) Vin Diesel es el encargado de mantener la tregua ayudado por una extraña hermandad de sacerdotes que aunque no tienen un telar del destino que les indica el nombre de las personas a las que han de matar, si que tienen un artefacto metálico que da vida a una especie de árbol o roca gigante encargado de encarcelar a todos aquellos magos cuyos actos han  podido romper la tregua existente. (Si en 'Cronos' de Guillermo del Toro, su protagonista se hace una extraña forma de escarabajo que puede dar la vida eterna a su propietario, en 'El último cazador de Brujas', Eisner muestra a su maquina como una especie de bicho que  no da la vida eterna si no que 'la arrebata' manteniendo en prisión a todos aquellos que considera culpables).


Eisner parece seguir el ejemplo de 'Fringe' para presentarnos al personaje en la época actual. Si en el episodio piloto de la serie de culto un extraño suceso ocurría en un avión comercial en pleno vuelo servía para situarnos en la historia y conocer a Olivia Dunham, en 'El último cazador de brujas', el director y los guionistas vuelven a utilizar este medio de transporte para dar comienzo a la película tras lo que podemos considerar como un prologo situado en la Edad Media (Parece ser que el miedo que muchas personas reconocen tener a volar  sirve para que muchos autores sitúen parte de las tramas de sus historias fantásticas y de terror en los aviones. Al caso ya mencionado de 'Fringe' o de 'El último cazador de brujas', podemos sumar el de 'The Strain' trilogía de novelas escritas por Guillermo del Toro y Chuck Hogan que ha sido adaptada a la televisión con bastante éxito, pero sobre todo hay que mencionar a 'En los límites de la realidad' - ''Twilglight zone' donde la historia interpretada por John Lithgow y basada en la historia corta 'Pesadilla a 20.000 pies' de Richard Matheson parece ser homenajeada en la cinta de Eisner cuando el personaje interpretado por Vin Diesel en medio de una terrible tormenta al mirar por la ventana y echar su aliento no verá un monstruo destrozando el motor del avión si no una clara señal de la mala utilización de la magia por parte de una bruja).


En 'El último cazador de brujas', Eisner se rodea de un buen reparto sobre el que hay que hacer al menos tres consideraciones. La primera es acerca de lo desaprovechados que resultan Rose Leslie, Ólaruf Darri Olafsson e Issach De Bankolé. En el caso de Leslie volvemos a encontrarnos con ese personaje femenino construido simplemente para acompañar al héroe principal, resultando todo demasiado forzado e ilógico. La protagonista de la interesante 'Honeymoon' de Leigh Janiak (Otra de esas películas que vuelven a hablar, al menos en cierto modo, de la descomposición en vida como ocurría en el caso de 'Thanatomorphose' de Eric Falardeau y 'Contracted' de Eric England) da vida a un personaje plano y sin matices. El caso de Olafsson puede resultar más sangrante por el simple hecho de no encontrarnos ante el gran malvado que esta película necesitaba, siendo del todo decepcionante el enfrentamiento entre Belial (Olafsson) y Kaulder (Diesel). Si en el caso de Chole (Rose Leslie) nos cuesta entender los motivos por los que esta decide ayudar a la persona encargada de matar a las personas de su clase y causante de que su vida se desmorone, en el de Belial y su particular cruzada todo resulta demasiado esquemático. Tampoco podemos dejar de lado a Isaach De Bankolé, actor que ha trabajado varias veces con el icono del cine indie por excelencia Jim Jarmusch y que nos deja un personaje que parece sacado directamente de la muy decepcionante 'Dylan Dog: Los muertos de la noche' ('Dylan Dog: Dead of Night') película protagonizada por un Brandon Routh que intentaba hacer que su carrera despegara tras la floja 'Superman Returns' de Bryan Singer pero que solo consiguió hacer mas grande la tumba del actor. Por desgracia el aroma de la adaptación de los comics de Dylan Dog esta demasiado presente en 'El último cazador de brujas' haciendo que esto sea un lastre demasiado difícil de superar.


La segunda consideración es acerca del trabajo de Michael Caine en 'El último cazador de Brujas'. Si en el caso de Rose Leslie su función es simplemente la de acompañar al héroe principal (Aunque los guionistas jueguen con la idea de hacer de esta poco menos que una especie de mutante. A nadie le debería extrañar si en la próxima cinta de Singer sobre los X-Men viéramos a Chloe en plena acción), en el de Caine su función parece ser simplemente la de interpretar de nuevo a Alfred el fiel sirviente de Bruce Wayne. Si la cruzada contra el mal de Wayne empieza cuando sus padres son asesinados delante de el, la de Kaulder comienza cuando son su mujer y su hija las que mueren. La riqueza de la que hacen gala ambos (Bien sea por herencia familiar o por el apoyo de una facción religiosa sumado a todo lo que ha podido ahorrar o invertir en 800 años. Los dos cuentan con 'modestas' y humildes moradas) ayudan a sus propósitos y cuentan con una figura como Alfred o Dolan 36 que van mas allá de su función encomendada (Mayordomo o fiel ayudante) para ser poco menos que una nueva figura paterna. Desde este punto de vista, 'El último cazador de brujas' y la trilogía de 'Batman' de Christopher Nolan poseen demasiados puntos en común, algo en lo que probablemente nadie se hubiera fijado si Michale Caine no hubiera interpretado exactamente el mismo papel.


En el siguiente párrafo se habla de un fallo muy común en muchas películas, sobre todo en aquellas que nos llegan desde los Estados Unidos. Desarrollar esta idea lleva asociado un SPOILER, si no quieres leerlo te pedimos que saltes directamente al siguiente párrafo. COMIENZO DEL SPOILER. Muchas cintas americanas comenten un grave error que ya desde el principio de la película puede considerarse como spoiler y ese no es otro que el casting de la película. 'El último cazador de brujas' es publicitada con los nombres de Vin Diesel, Rose Leslie y Elijah Wood, la poca consistencia e importancia del papel de Wood nos hacen pensar que nadie va a contratar a un actor como este por un tema meramente publicitario y mas si se tiene en cuenta que el personaje que interpreta Wood tiene o debería tener una importancia capital dentro de la historia que nos cuenta la película, lo que nos pone sobre aviso sobre las intenciones de este. Esto se hubiera solucionado si los guionistas de esta cinta hubieran hecho que el personaje interpretado por Wood formara parte de la historia de una manera mas activa lo que podría desactivar el factor sorpresa (El personaje de Wood nos deja además lo que parece un muy decepcionante guiño a Harry Potter, ya que los guionistas de esta película parecen haber querido mostrar que hubiera sido de Potter si hubiera elegido el camino del lado oscuro).Toda película donde hay tres grandes actores y uno de ellos no hace gran cosa nos ha de poner sobre aviso y pensar que el personaje interpretado por ese actor tiene mucho que decir o hacer (El cine de Fincher debe ser estudiado por muy diversos motivos. El director americano supo que poner el nombre de Kevin Spacey en los títulos de crédito iniciales o en el póster de la película haría que el espectador estuviera esperando la aparición de este con la consiguiente perdida de la sorpresa con lo que el nombre del actor solo se puede ver al final de la cinta) FIN DEL SPOILER


La sombra de Richard Mathesson no solo esta presente en la escena del avión con la que Eisner abre la película en la época actual. La adaptación de la novela 'Soy Leyenda' que perpetró Francis Lawrence con una película hecha por y  para la medida de Will Smith también esta presente en 'El último cazador de Brujas' ya que ambas cintas comparten una misma escena (los protagonistas armados andando por ciudades desoladas que han sido presa de la vegetación y donde hay gran cantidad de vehículos abandonados) pero con desarrollos diferentes.



'El último cazador de brujas' es una cinta que a pesar de lo decepcionante que resulta en conjunto, se puede ver y su cerca de hora y tres cuartos de duración se pasan más o menos rápido. Para ver una cinta como esta hay que dejar de lado la imagen que muchos tenemos de Diesel como protagonista de la saga de 'The Fast and furious' y pensar que estamos ante una cinta destinada a un público mayoritariamente adolescente. Con un gran diseño de una reina bruja a la que Eisner parece no saberle sacar provecho y con un tufillo a 'Dylan Dog: Los muertos de la noche' e incluso a 'Constantine' por lo decepcionante de su propuesta (Cinta dirigida también por Francis Lawrence), 'El último cazador de brujas' no ofende pero tampoco es la película que muchos esperábamos.


Lo mejor: El maquillaje de la Bruja.
Lo peor: Esperábamos mucho mas de ella. El tono demasiado infantil de la película.

sábado, 9 de enero de 2016

Crítica: Point Break: Sin Límites

Título: Point Break: Sin Límites
Año: 2015
Género: Thriller - Acción
Duración: 114 min.
Director: Ericson Core
Guión: Kurt Wimmer
Música: Junkie XL
Interpretes: Édgar Ramírez, Luke Bracey, Teresa Palmer, Ray Winstone, Matias Varela, Clemens Schick, Tobias Santelmann, Max Thieriot, Delroy Lindo, Nikolai Kinski, Glynis Barber
Nota: 4
Sinopsis: Un joven agente del FBI en practicas se infiltrará en una banda de ladrones amantes de la naturaleza cuya motivación para cometer los robos no tiene ningún tipo de sentido para sus superiores.





Crítica:
En 1991 Kathryn Bigelow que ya había dejado claras muestras de su talento con 'Los viajeros de la noche' ('Near Dark') y 'Acero Azul' ('Blue Steel') rodó una película que se convirtió casi desde el momento de su estreno en una cinta de culto. En ella un todavía desconocido para muchos Keanu Reeves (Hasta ese momento sus papeles mas destacados habían sido en 'Las amistades peligrosas' - 'Dangerous Liaisons' de Stephen Frears y 'Las alucinantes aventuras de Bill y Ted' - 'Bill & Ted's excellent adventure' de Stephen Herek) daba vida a un joven policía de nombre Johnny Utah que se infiltraba en una banda de surferos ladrones comandada por Bodhi (Nombre que sirvió para la creativa traducción del título en España) interpretado por un Patrick Swayze cuya carrera estaba en su punto mas alto (En 1987 dio vida a Johnny Castle en la mítica 'Dirty Dancing' de Emile Ardolino y solo un año antes de 'Le llaman Bodhi' fue Sam Wheat en la emotiva 'Ghost' de Jerry Zucker, si el mismo director que junto con David Zucker y Jim Abrahams rodó cintas como 'Top Secret' o 'Aterriza como puedas' - 'Airplane'). Hoy en plena decadencia de ideas por parte de Hollywood, nos llega el innecesario pero esperado (La curiosidad mató al gato) remake de la cinta de Bigelow. Por desgracia el acercamiento de Ericson Core a la historia de Utah y Bodhi no va a ir saco de grandes remakes como es el caso de 'The Thing' de John Carpenter o 'Déjame Entrar' ('Let me in') de Matt Reeves si no que se suma a ese grupo de desastrosas revisitaciones de clásicos que no aportan nada nuevo y que solo consiguen que nos preguntemos una y otra vez: ¿Porque sigue Hollywood con la manía de destrozar películas y no arriesgarse con nuevos talentos?


Bajo el estilo videoclipero de 'Point Break: Sin Límites' hay una exasperante filosofía new age capaz de poner de los nervios al espectador mas entregado, llevándole a pensar que seria mas entretenido ver a Samsara abrazando árboles si con la entrada los cines nos hubieran regalado un peta. La sucesión de escenas mas o menos espectaculares (Volvemos a estar ante otro de esos casos donde el trailer promete mucho mas de lo que la película ofrece) están hilvanadas con algo que quieren hacernos creer que es una historia y donde Delroy Lindo y Ray Winstone deambulan cuan zombies en dos papeles secundarios que suponemos que les habrán reportado una buena cantidad de dinero ya que artísticamente su trabajo no pasa de ser discreto (Mas que nada porque sus papeles no tienen mucha entidad y por supuesto ningún matiz)


La cinta dirigida por Ericson Core que también se encarga de la fotografía de la película, vuelve a contarnos la historia de un joven policía infiltrado en un grupo de delincuentes cuyas motivaciones para cometer delitos no resulta del todo clara para los mandos del FBI. El guionista toma como base el guión escrito por Rick King y W. Peter Iliff pero situando a los protagonistas en pleno siglo XXI. ¿Y como se hace esto, os preguntareis? Pues haciendo constantes referencias a youtube (El Utah protagonista de 'Point Break: Sin Límites' es un joven temerario que tiene "mas huevos que talento" y que graba sus hazañas para subirlas a youtube lo que le dará fama -algo que Wimmer no consigue explotar de forma correcta ya que no dejamos de pensar como es posible que alguien tan famoso dentro del mundo del deporte extremo desaparezca durante siete años sin dejar rastro. Core que parece que va a jugar con esta idea la acaba desperdiciando de manera preocupante- y suculentos contratos. Core abre su cinta con una escena que parece extraída directamente de 'Máximo Riesgo' - 'Cliffhanger' de Renny Harlin que deja claro ante que tipo de película estamos: Una cinta llena de referencias a otras películas pero que no consigue imitar de ninguna manera a su referente haciéndonos pensar que 'Point Break: Sin Límites' mas que un remake es un copy-paste rodado sin pasión ni alma) y consiguiendo que Steve Aoki realice un cameo interpretándose a si mismo y que nos deja uno de los momentos mas lamentables de la cinta (Junto con todos aquellos en los que el personaje interpretado por Teresa Palmer abre la boca... cada absurda línea de dialogo que la pobre actriz tiene que decir solo consigue que el espectador se agache avergonzado en la butaca deseando que esta despida a su agente y pida una orden de alejamiento)


Los referentes de la cinta de Core no se quedan ni mucho menos en 'Máximo Riesgo' ('Cliffhanger'). Es clara la influencia de 'El club de la lucha' ('Fight Club') de David Fincher en 'Point Break: Sin Límites'. Utah el policía con la peor táctica para infiltrarse en una banda de ladrones ya que su constante acoso y derribo parece mas propio del Señor Grey y sus sutiles tácticas de seducción que de un intento por pasar desapercibido y no levantar ningún tipo de sospecha nos deja una escena que parece sacada directamente de la mítica cinta de Fincher, pero tal y como ocurría con la película de Harlin, la escena rodada por Core deja mucho que desear y aquello que parece que este va a ofrecernos se acaba quedando en otra escena mas del montón, otra escena que hemos visto una y mil veces pero sin chispa ni gracia. Y lo que es peor, Core consigue que una pelea nos aburra.


El año pasado, James Wan rodó una de las cintas mas entretenidas y excesivas que hemos visto en mucho tiempo consiguiendo que la séptima entrega de la saga protagonizada por Vin Diesel y el malogrado Paul Walker fuera sin ningún tipo de dudas la mejor película de todas. 'Fast & Furious 7' que se beneficiaba no solo de unos malos de altura (Jason Statham y Djimon Hounsou) si no también de su sano desprecio a la lógica y a las leyes de la física mas elemental,  acabó convirtiéndose un gran éxito de taquilla (y sorprendentemente obtuvo también buenas críticas por parte de la prensa especializada algo que resulta llamativo ya que este tipo de películas suelen ser despreciadas por muchos críticos que parecen considerar el cine de acción, como también ocurre con las comedias, como un cine menor). Solo era cuestión de tiempo que encontráramos referencias a esta película en otras cintas, lo que sorprende y mucho es que estas hayan llegado tan pronto. Core que fue director de fotografía de la primera cinta de la saga 'The fast and the furious: A todo gas' dirigida por Rob Cohen en el 2001 parece tomar la idea mostrada por Wan de situar una persecución en una estrecha carretera de montaña. Lo que puede quedar como una simple coincidencia se convierte en una clara referencia cuando los protagonistas en otro momento de la película y analizando el terreno llegan a la conclusión de que el mejor sitio para cometer un atraco es una peligrosa carretera sin posibilidad de escape ya que nadie sospechara nada, dialogo que parece extraído palabra por palabra de la película de Wan. Core y Wimmer vuelven a coger ideas ya vistas y las meten en su película sin ningún tipo de reparo.


Pero si hay una película con la que 'Point Break: Sin Límite' guarda un peligroso parecido esa no es otra que la desastrosa 'Fuego, nieve y dinamita' ('Feuer, eis & dynamit') dirigida por Willy Bogner en 1990 y que contaba en uno de sus papeles con nada mas y nada menos con Roger Moore (La película fue publicitada en España con la frase: "El equipo especialista de James Bond vuelve con la carrera mas loca del siglo"). La cinta de Bogner al igual que ocurre con la de Core no dejaba de ser una sucesión de escenas de acción sin ninguna historia que contar (Si en 'Point Break: Sin Limites' estamos ante unos ladrones amantes de la naturaleza cuyas motivaciones ni entiende el FBI ni el espectador, en 'Fuego, nieve y dinamita', la excusa es ganar una competición deportiva). Vi la cinta de Bogner cuando se estrenó comercialmente en España (Si..si.. lo hizo) y reconozco que siendo un crío disfrute enormemente. Igual eso es lo que eché en falta como espectador al acercarme a 'Point Break: Sin Límites', esa inocencia con la que vi 'Fuego, nieve y dinamita' y que consiguió que una mala película me entretuviera. Es muy probable que la cinta de Core resultara un (poco) mas entretenida si este no hubiera querido rodar un remake de la cinta de Kathryn Bigelow  y hubiera rodado simplemente una cinta de acción sobre deportes extremos.


'Point Break: Sin Límites' tampoco deja de lado, como no podía ser de otra manera, a la cinta original. No se puede hablar de Bodhi y de Utah sin hacer referencia al surf, algo que Core como director y Wimmer como guionista saben e intentan reflejar en alguna de las escenas de la película. Tampoco se olvidan de otro de los sellos característicos de la cinta de Bigelow y eso no es otra cosa que la forma que tienen los ladrones de atracar tapándose la cara con mascaras de presidentes americanos. Aunque aquí esta idea no deja de ser algo residual si que vemos claramente el rostro de Obama parodiando su famoso 'yes, we can'. Los seguidores mas fieles de la película original reconocerán mas guiños a la obra de Bigelow como cuando el personaje interpretado por Luke Bracey dispara al ciego gritando de la misma manera que hacia Keanu Reeves en 'Le llaman Bodhi'


Resulta totalmente decepcionante la forma en la que Core desarrolla la relación entre los personajes. A los ya comentados Samsara interpretado por Teresa Palmer que nos deja una escena que parece extraída directamente de 'El gran azul' ('The big blue') de Luc Besson y no consigue borrar el recuerdo de Lori Petty (Actriz que 4 años después de protagonizar la película de Bigelow rodó una muy decepcionante adaptación de 'Tank Girl' de la mano de Rachel Talalay) y Pappas (Ray Winstone) que tampoco consigue que olvidemos a Gary Busey (Aquí la relación entre Pappas y Utah no deja de ser algo que sirve simplemente para justificar que el agente del FBI en practicas pueda viajar hasta Europa para investigar una pista en la que solo cree el y su jefe) hay que sumar que Core no consigue transmitir la amistad/respeto/desafío existente entre Utah y Bodhi que Bigelow mostraba en la cinta original haciendo que la relación entre ambos personajes resulte demasiado artificial y forzada.


'Point Break: Sin Límites' es una floja y decepcionante cinta que mezcla ideas de la película original con escenas que muestran escenas de deportes extremos pero sin la espectacularidad que esperábamos y que creíamos que íbamos a encontrar al ver esta película en la pantalla grande. La cinta de Core no posee ningún tipo de historia si no una simple anécdota que sirve para hilvanar las escenas de acción algo que hace que las casi dos horas de película nos acaben aburriendo profundamente. Hay un detalle en la película de Core que llama la atención y ese no es otro que la idea de hacer que Édgar Ramírez y Bodhi compartan lugar de nacimiento: Venezuela, lo que sumado a las veces que los policías recalcan la obsesión de la banda comandada por este por robar a empresas americanas o con intereses comerciales con Estados Unidos nos deja un mensaje propagandístico mas propio de otra época y de otro tipo de cine. Cuando nos acercamos a una película como esta queremos ver acción y espectáculo, no propagada, por desgracia Core fracasa al ofrecernos lo que esperábamos de esta película.


Lo mejor: A pesar de su previsibilidad, la escena de la escalada
Lo peor: El personaje de Samsara, la fiesta en la montaña con Steve Aoki...