viernes, 25 de marzo de 2016

Crítica: Consumidos - Consumed

Título: Consumidos - Consumed
Publicado en España: Enero 2016
Género: Thriller - Terror - Drama
Páginas: 360 
Autor: David Cronenberg
Nota: 6
Sinopsis: Dos periodistas sin muchos escrúpulos, Naomi y Nathan, tienen entre manos dos artículos impactantes. Ella investiga el brutal asesinato de la filosofa francesa Célestine Arosteguy cuyo cuerpo fue devorado en parte por su marido, él, a un oscuro médico, el doctor Molnár y sus poco ortodoxos métodos. Ambos llevarán sus investigaciones demasiado lejos involucrarse en ellas de manera personal.




Crítica:
Todos aquellos que creen que David Cronenberg se ha domesticado demasiado con sus últimas películas como 'Un método peligroso' (''A dangerous mind'), 'Map to the stars' o 'Cosmopolis' (A pesar de que la novela de Don DeLillo parecía escrita para que el director canadiense la adaptara a la pantalla grande, algo fallaba en la película, lo que sumado a la elección de Robert Pattison como protagonista, algo que no fue bien visto por muchos seguidores del director a pesar de que hay que reconocer que la idea de que a Eric Parker lo interpretara un actor como Pattison tenía mucho más trasfondo del que parecía, hizo que la cinta no contara con el respaldo del público) van a encontrarse en 'Consumidos' con una historia que lleva el sello del director, es decir una historia cien por cien Cronenberg donde este muestra muchas de sus obsesiones que ha plasmado en la mayoría de sus películas: La tecnología, el sexo y la modificación del cuerpo, de la carne. Pero por desgracia la novela se sigue con desigual interés debido a la sensación que tiene el lector de que al director metido a escritor se le ha ido de las manos la parte final de su historia y todas aquellas ideas desarrolladas hasta ese momento con soltura y que conseguían enganchar a todo aquel que tuviera esta novela en sus manos, acaba convirtiéndose en una muy densa historia donde la obsesión de este por hablar de Corea del Norte no acaba por cuajar como sería necesario y hace que esta no sea una novela tan redonda como nos gustaría.


'Consumidos' cuenta la historia de una pareja de periodistas que no tienen muchos escrúpulos. Ella, de nombre Naomi Seberg, investiga el terrible asesinato de una celebre filosofa francesa llamada Célestine Arosteguy que fue devorada en parte por su marido. Él, Nathan, se trasladará a Rumanía para realizar un reportaje sobre el doctor Molnár, un extraño médico acusado de tráfico de órganos y que tienen unos no menos extraños métodos para tratar el cáncer. La novela, planteada desde el punto de vista de los dos periodistas, no solo nos remite al cine del director canadiense o a la película por su hijo 'Antiviral', si no también al 'American Psycho' de Bret Easton Ellis por la obsesión que muestran los personajes por explicar con todo lujo de detalles todos los productos tecnológicos que utilizan. El protagonista de la novela de Easton Ellis, Patrick Bateman, contaba en detalle todas los productos que le rodean y que este utiliza, Cronenberg parece hacer evolucionar esta idea y trasladarla de la época 'yuppie' a la época actual, era dominada por internet y la obsesión tecnológica, lo que deriva en que en 'Consumidos', sin llegar a lo que hacía el autor americano en su novela (Algo que frenó a mas de un lector para acabar la novela debido a todos esos párrafos y páginas llenas de lo que consideraban simplemente publicidad y rompían el ritmo de la historia. Hay al menos tres tipos de personas que han tenido un ejemplar de 'American Psycho' en sus manos. Aquellos que no han podido acabarlo, aquellos que lo han leído y un tercer grupo en el que están todos aquellos lectores que han 'acabado' el libro pero saltándose todas las páginas y párrafos llenos de descripciones, algo que servia para recalcar la personalidad obsesiva y enfermiza del protagonista) vuelve a centrarse en esa idea pero fijándose en los ordenadores, cámaras fotográficas y todo tipo de objetivos para estas últimas.


En toda novela o película donde se cuentan dos historias paralelas es normal que tanto el lector como el espectador sigan ambas con desigual interés y esto es algo que también sucede en 'Consumidos'. Personalmente conecté mas con la historia de Nathan y su acercamiento a la figura del 'Mad doctor' (Otra de esas ideas recurrentes que plasma el director en su novela. El doctor Molnár bien podría ser el doctor Dan Keilod que convierte a Marilyn Chambers en una mujer sedienta de sangre en 'Rabia' -'Rabid', o el doctor Emil Hobbes, cuyos experimentos convierten en 'Vinieron de dentro de' -'Shivers- a los habitantes de un edificio en criaturas sedientas de sexo que van propagando un parásito de unos a otros. Su fascinación por lo que podría considerarse como cirugía extrema lo enlaza con estos dos precedentes y con alguno mas de la filmografía del director. Llegados a este punto hay que pararse a pensar en la idea de la enfermedad por transmisión sexual. Si en 'Consumidos' nos encontramos con la enfermedad de Roiphe, idea que acaba diluyéndose en la trama y perdiendo su aparente importancia, en, como ya se ha dicho, 'Vinieron de dentro de', la amenaza se transmiten vía sexual)


Un accidente puede ser un hecho mucho mas fecundo que destructivo. Esta idea está presente en 'Crash' (Notable y perturbadora adaptación de la novela de James G. Ballard que rodó el director. Sobre este punto hay que hacer dos consideraciones. La primera es que según se dijo en su momento, Cronenberg se hizo con los derechos de 'Crash' al no poder hacerse con los de 'American Psycho', algo que al leer 'Consumidos' y ver la forma en la que este plasma las obsesiones de los protagonistas no resulta descabellado. La siguiente consideración a tener en cuenta es acerca de ver que ha hecho el gran Ben Wheatley con su 'High-Rise', adaptando otra vez una novela de Ballard que lleva en nombre de Cronenberg en cada una de sus páginas) y también en la relación entre Nathan y Dunja, paciente del doctor Molnár a la que este le inyecta diversas cápsulas radioactivas para tratar el cáncer que padece. '¿Crees que podía crearse una nueva estética, la estética del cáncer? Las mujeres pedirían a sus médicos que les implantaran falsos ganglios bajo la mandíbula y el cuello, y en las axilas, y en las ingles'. Y todo ello, tal y como dice el autor, cambiando 'el sentido de la estética para adaptarse a su nuevo cuerpo'.


La evolución de la historia de Nathan puede acabar recordando al lector la famosa novela de John Fowles 'El Mago'. La visita que este realiza al doctor Roiphe (Que como ya hemos visto tiene el honor de haber bautizado una enfermedad de transmisión sexual con su nombre) y su hija Chase nos lleva a acordarnos del 'triangulo' que se establece entre Nicholas Urfe, Maurice Conchis y Lily Montgomery, ya que en muchos momentos podemos tener la sensación de que Roiphe esta sometiendo a Nathan al mismo juego al que sometió Conchis a Urfe. Tampoco debemos dejar de lado la forma en la que Urfe conoce a Conchis y Nathan a Roiphe, si el primero lo hace tras abandonar a su novia Alison Kelly, el segundo lo hace después de ponerle los cuernos acostándose con una enferma de cáncer terminal.


Es la historia de Naomi la que en cierto modo acaba defraudando mas al lector conforme Cronenberg va dándole mas peso a esta dejando un tanto de lado la historia de Nathan. Llama la atención que una periodista que investiga el asesinato de una filosofa francesa no este mínimamente informada del tema que esta tratando, ya que hasta bien avanzada la historia esta no lee los libros que esta, junto con su marido, ha escrito (Libros con títulos tan sugerentes como: 'Dinero de ciencia ficción' que nos hace pensar en la rata como nueva moneda de 'Cosmopolis', Consumismo apocalíptico: manual de instrucciones' y 'Sangre laborar: Marx y el horror'). Tal es desconocimiento que tiene Naomi Seberg sobre el tema que llegado a un punto esta reconoce que no sabe que es 'Das Kapital' de Karl Marx, algo que hace que esta parte de la historia pierda verosimilitud y fuerza. La parte de la novela que a priori podía tener mas elementos para captar la atención del espectador (El porqué Célestine fue devorada parcialmente por su marido, ese pecho supuestamente infestado de insectos, las constantes orgías de los filósofos con sus alumnos y la influencia que ejercen sobre estos...) acaba saturando al lector debido a una parte final que, aunque llega a cotas realmente interesantes sobre todo al hablar de Cannes y 'El juicioso uso de los insectos (Con sus mensajes que hace que  en cierto modo nos acordemos de 'Videodrome') se pierde con toda una serie de explicaciones e historias relacionadas con Corea del Norte que acaban cansando a mas de un lector.


Son múltiples las ideas que podemos encontrar en 'Consumidos' relacionadas con las películas tanto del director (La condición tecnológica-industrial del ser humano nos puede volver a remitir a 'Crash'. Esa carpeta de fotos que lleva el título de 'archivo del horror corporal' donde uno de los protagonistas guarda imágenes de las partes del cuerpo que le dan miedo hace que nos acordemos del armario del baño donde Seth Brundle guarda diversas partes de su cuerpo. El pecho infestado de insectos nos trae a la cabeza 'Inseparables' -'Dead Ringers'- y las mujeres mutantes con anomalías vaginales. Si en la película de Cronenberg, Beverly decide fabricar instrumentos quirúrgicos especiales para tratar dichas anomalías, la manera de enfrentarse a los insectos que viven dentro del pecho resulta también bastante radical y enfermiza. E incluso ese pecho puede hacernos pensar en la próstata asimétrica de  Eric Parker en 'Cosmopolis'), como de su hijo Brandon Cronenberg (Si en la sorprendente 'Antiviral' nos encontrábamos con la obsesión máxima por la fama donde la gente acude a una clínica a infectarse con enfermedades que han tenido los famosos para tener una relación mas intima con ellos o incluso a acudir a ciertos restaurantes a deleitarse con sorprendentes bistecs, en 'Consumidos' Cronenberg padre vuelve a tratar esta idea, la de la ingesta de parte del cuerpo de Célestine por parte de su marido para compartir con ella una experiencia vital mas profunda. Es decir, en ambos casos, nos encontramos de alguna manera ante una nueva forma de llegar a un contacto mas intimo y diferente) pero también a directores como George A. Romero (La idea de que los pensamientos han sido sustituidos por diversas fuentes salidas de internet, youtube, twitter y demás... hace que nos acordemos de ciertas reflexiones y pensamientos plasmados en 'Diary of the dead' donde el exceso de información consigue que nadie sepa que es real y lo que no, haciendo que perdamos la capacidad de pensar y reflexionar acerca de lo que esta sucediendo) y llegando incluso a David Lynch y su 'Carretera perdida' ('Lost higway'. La idea de la obsesión por la fotografía y la manipulación de los recuerdos hace que nos acordemos de Fred Madison y de sus motivos para no tener cámaras de vídeo en casa: Le gusta recordar a su manera, no necesariamente como sucedieron)


'Consumidos' es un irregular compendio de todo aquello que podemos esperar de alguien como David Cronenberg y a pesar de que personalmente no me ha gustado la parte final de la misma, creo que estamos ante una muy interesante novela que posee fuerza y que es, como no podía ser de otra manera, de obligatoria lectura para los seguidores del director canadiense. Sexotecnologia, el concepto sombrío de la belleza y la definición de los cirujanos como mecánicos hacen de esta novela uno de los libros mas interesantes y enfermizos que se han editado últimamente.



Lo mejor: Plasma todas las obsesiones del director canadiense
Lo peor: Se sigue con decreciente interés

jueves, 24 de marzo de 2016

Cortometraje: 'Zero' de David Victori



Con motivo de los premios de la academia del cine aragonés, los conocidos como premios Simón, hemos decidido recuperar el notable trabajo de David Victori, 'Zero', que ha recibido dos nominaciones, una al mejor cortometraje para el propio David Victori y otra en la considerada categoría especial paraa Ignacio Lacosta y Jaime Cebrián por los efectos especiales del mismo.


Ridley Scott y Michael Fassbender están detrás de la producción de este cortometraje después de que el segundo diera a conocer el nombre de David Victori como ganador del primer premio del festival de cine de youtube. La sinopsis no puede resultar mas interesante y llamativa: El distanciamiento emocional entre un padre y su hijo coincide con el día en el que la Tierra empieza a perder la gravedad. 'Zero' fue estrenado en cuatro episodios en el canal Zero de youtube. A continuación os dejamos los episodios para que podáis disfrutar del cortometraje.






lunes, 21 de marzo de 2016

Crítica: Calle Cloverfield 10 - 10 Cloverfield Lane

Título: Calle Cloverfield 10 - 10 Cloverfield Lane
Año: 2016
Género: Intriga - Drama - Terror - Ciencia ficción
Duración: 103 min.
Director: Dan Trachtenberg
Guión: Josh Campbell, Matthew Stuecken y Damien Chazelle
Música: Bear McCreary
Interpretes: John Goodman, Mary Elizabeth Winstead, John Gallager Jr., Suzanne Cryer.
Nota: 8
Sinopsis: Después de un terrible accidente de tráfico, Michelle despertará en un refugio con dos personas más. Su salvador le hará saber que debido a un ataque de origen desconocido, el mundo, tal y como ella lo conocía ha llegado a su fin.






Crítica:
En el año 2008, un desconocido para muchos Matt Reeves se puso detrás de las cámaras para dirigir un guión de Drew Goddard bajo la producción de J.J.Abrams. La película que llevaba por título 'Monstruoso'  -'Cloverfield'- gustó y mucho a los aficionados al género (Reeves dirigió en 1996 la película 'Mi desconocido amigo' - 'The Pallbearer'- cinta rodada para el lucimiento de su actor protagonista, un David Schwimmer que ya disfrutaba del éxito de la serie 'Friends'. Las filmografias de Reeves y M. Night Shyamalan tienen un punto en común: Ambos directores rodaron primero cintas de corte más o menos dramático. En el caso de Reeves la ya citada 'Mi desconocido amigo' y en el de Shyamalan 'Praying with anger' y 'Los primeros amigos' -'Wide awake'-, cintas que parecen haber quedado relegadas al olvido tras la carrera de ambos directores dentro del cine fantástico y/o terror. Para Goddard este fue su primero guión llevado a la pantalla grande. El guionista/director ha sido capaz de lo mejor como hizo en 'La cabaña en el bosque' -'The cabin in the woods'-, pero también nos ha dejado algún que otro guión que deja mucho que desear a pesar del potencial del material del que partía como fue el caso de 'Guerra mundial Z' -'World war Z'. Y J.J.Abrams llevaba ya cuatro años triunfando con la exitosa serie 'Lost' y su sentido del espectáculo le llevó a dirigir en el 2009, 'Star Trek' y el año pasado la nueva entrega de Star Wars)


La historia rodada como un found footage (Cuando todavía se hacían buenas películas dentro de este género, o mejor dicho, cuando el espectador todavía no estaba saturado del género) supuso un soplo de aire fresco en lo que a cine de entretenimiento y ciencia ficción se refiere. Las aventuras de ese grupo de chicos aislados en Manhattan por culpa del ataque de una extraña criatura (Son claras las referencias a Godzilla) ha influenciado a muchos directores, ahí está por ejemplo el caso de los hermanos Paz y su entretenida aunque previsible 'Jeruzalem'. Ahora, seis años después, nos llega por sorpresa una cinta que en un principio fue considerada por muchos como una segunda parte de aquella pero sobre la que los autores han querido dejar claro que no es una segunda parte de 'Monstruoso' ('Cloverfield') sino una historia que sucede en el mismo universo que aquella. Y si la cinta de Reeves resultó una grata sorpresa, la cinta de Dan Trachtenberg consigue encontrar su sitio, hacer olvidar aquella película y dejar un gran sabor de boca. Sin duda alguna 'Calle Cloverfield 10' ('10 Cloverfield lane') es una gran película gracias a un guión que a pesar de algún fallo funciona con la precisión de un reloj suizo y sobre todo gracias al gran trabajo de sus tres casi únicos protagonistas, destacando muy especialmente a John Goodman y a Mary Elizabeth Winstead que aunque ya apuntó maneras en la precuela de 'La Cosa' de Matthis Van Heijningen despunta como heroína del cine de acción (La cinta de Heijningen, aunque entretenida, fue destrozada por la mayoría de los seguidores de la película de Carpenter, por culpa de su falta de originalidad y por lo innecesario que resultaba rodar una precuela como esta)


Tras un accidente de tráfico, Michelle despierta en un bunker junto con dos personas más. Su salvador le hará saber que debido a un ataque de origen desconocido todo aquel que esté fuera del bunker morirá, motivo por el cual tendrán que estar encerrados durante un largo periodo de tiempo hasta que el aire se limpie y desaparezca la radiación. Cualquier espectador que se enfrente a esta película ha de tener claro que se va a encontrar ante una cinta en la que durante gran parte de su metraje solo verá a tres personajes (Michelle, Howard interpretado por John Goodman y Emmet al que da vida John Gallager Jr.) en un espacio casi único, lo que puede llevar a mas de uno (Sobre todo si es impaciente) a sentir cierta sensación de sopor. Pero tanto el director como los guionistas que saben perfectamente que esto puede jugar en contra de la película consiguen dejarnos una historia con suficientes elementos como para hacer de esta cinta una película realmente interesante, gracias a unos personajes fuertes y  a un guión que tiene suficientes elementos para que el espectador no se aburra, apuntalando todo esto gracias al sobresaliente uso de la banda sonora compuesta por Bear McCreary que sirve para reforzar la atmósfera de la película de manera soberbia. (Nota: No hay que dejar pasar la escena en la que el personaje interpretado por Goodman pone una canción y empieza a 'bailar'. Otra vez volvemos a encontrarnos con la capacidad de hacer que una gran canción muestre su lado más oscuro)


De manera similar a 'Monstruoso', 'Calle Cloverfield 10' introduce en su historia un conflicto sentimental que afecta a el/ la protagonista. Si en la cinta de Reeves, es Beth (Odette Annable) la que discute con Rob (Michel Stahl-David) por culpa de que este ha pasado de ella después acostarse juntos, la película de Trachtenberg comienza con el abandono del novio de Michelle por parte de esta. Si en un caso, la pelea derivaba en que Rob, presa de la culpabilidad y del amor que siente por Beth corriera hacia ella para ayudarla, en el otro, Michelle huye de su pareja lo que derivará en ambos casos a que estas acciones marquen de manera dramática el futuro de ambos personajes.


Michelle, cuan Marion Crane pero sin un botín de 40.000 dólares, huye en coche de un presente que no le gusta. Igual que hizo Alfred Hitchcock en 'Psicosis' ('Psycho'), Trachtenberg sitúa parte del inicio de su película en un coche conducido por su protagonista en su intento de dejar atrás su pasado. Aquí no hay una tormenta que obligue a esta a parar, si no un terrible accidente de tráfico. En ambos casos tanto Michelle como Marion acabaran llegando a dos sitios aparentemente seguros (Un motel de carretera o un bunker) que se convertirán en la peor de sus pesadillas. Trachtenberg se fija en 'Psicosis' y en el cine de Hitchcock de una manera que al espectador no le pasará inadvertida, tanto es así que hasta la ducha vuelve a estar presente en esta película, aunque obviamente de una manera muy distinta.


'Los monstruos tienen muchas formas' reza el póster de la película. Las motivaciones de Howard son distintas de las de Norman Bates pero ambos comparten la fascinación por las chicas que los convierten en monstruos. Es una lastima que Trachtenberg no haya jugado de una manera mas ambigua con esta idea, creando en el espectador mas dudas acerca de si los miedos de Michelle son ciertos o simplemente se deben a la llamada fiebre de cabaña. Tal es la manera que tiene el director de mostrar y desarrollar esta idea que el espectador podrá pensar que se va a encontrar con una especie de precuela de 'Room' de Lenny Abrahmson.


En el año 2011, el francés Xavier Gens dirigió una muy mal rollera cinta de título 'The Divide' en la que un grupo de personas se veían encerradas en el sótano de un edificio tras lo que parece un ataque nuclear. La película de Gens que resultaba lastrada por una excesiva duración pero se beneficiaba de una buena ambientación, una soberbia banda sonora compuesta por Jean-Pierre Taieb y un gran grupo de actores, narraba la progresiva degradación que sufrían las personas sometidas a un encierro obligatorio y cuya duración era totalmente desconocida. Es inevitable pensar en la cinta de Gens al ver 'Calle Cloverfield 10' debido a que ambas comparten una misma idea: Un grupo de personas encerradas en un bunker teniendo que enfrentarse a la amenaza exterior y a la que poco a poco va creciendo dentro del mismo. Pero aunque ambas películas tienen muchas similitudes, la forma en la que Gens explora la degradación humana se aleja de la manera elegida por Trachtenberg para acercarse a esa exploración del miedo y del terror... porque a veces la verdadera amenaza no esta fuera si no a tu lado.


'Calle Cloverfield 10' ('10 Cloverfield lane') supone el debut en el largometraje de su director que no es una persona con una amplia trayectoria (Antes de esta película solo había dirigido dos cortometrajes y un episodio de una serie para la televisión) pero que en el año 2011 rodó el cortometraje 'Portal: No Escape' que comparte varias similitudes con la película (En ambos casos nos encontramos con una mujer que esta encerrada en una habitación y cuyo máximo anhelo es escapar de ese lugar) y donde este demostraba claramente que él era la mejor opción para dirigir una cinta como esta. Mary Elizabeth Winstead interpreta a un personaje femenino con fuerza como hace mucho tiempo que no se veía en pantalla grande, en la línea de 'Alien, el octavo pasajero' o de las protagonistas de 'The Descent' de Neil Marshall y demuestra que estamos ante una de las grandes actrices de su generación (En el año 2014, Winstead se puso a las ordenes de su pareja, Riley Stearns, en la película 'Faults'. La cinta centrada en el mundo de las sectas nos hacía recordar cierto episodio de 'Los Simpsons' pero resultaba bastante aburrida y carente de fuerza. El trabajo de sus dos protagonistas, Winstead y Leland Orser, brillaba por encima de la mediocridad del conjunto). John Goodman da vida a Howard, el salvador de la chica cuyos conocimientos de supervivencia servirán al trío para que estos puedan sobrevivir al extraño ataque que ha asolado la superficie. Goodman nos deja, sin lugar a dudas, uno de sus mejores trabajos dando vida a este hombre que se mueve entre ser un salvador o un monstruo, tanto es así que ya en algunos sitios se habla del actor como un posible candidato a los Oscars de año que viene. Es John Gallager Jr. el que sale peor parado del trío, no porque no haga bien su trabajo si no porque su personaje es en un principio el mas plano de los tres y especialmente porque este es devorado por sus dos compañeros de reparto.


'Calle Cloverfield 10' es una de las cintas mas estimulantes que podemos encontrar actualmente en cartelera. Aunque la película cuenta con un reparto limitado (Por cantidad, no por calidad) y esta rodada en un espacio casi único, estamos ante un guión elaborado que ha sido plasmado en pantalla grande con la suficiente tensión como para impedir que el espectador se aburra. No estamos simplemente ante una cinta centrada en los tres protagonistas, los amantes de la ciencia ficción tendrán buenas dosis de lo que esperan de películas como esta y desearan mas. Tras ver esta película solo esperamos que J.J.Abrams y Drew Goddard vuelvan a producir una nueva cinta situada en el universo Cloverfield porque si 'Monstruoso' nos encantó, 'Calle Cloverfield 10' nos ha ganado. Muy recomendable.


Lo mejor: El trabajo de los protagonistas. El buen hacer del director. El soberbio uso de la banda sonora y el sonido.
Lo peor: Por muy inteligente, sagaz y paranoico que sea Howard hay cosas que no entendemos que permita que sucedan.

viernes, 18 de marzo de 2016

Cortometraje. Portal: No Escape


Con motivo del estreno de 'Calle Cloverfield 10' ('10 Clovierfield lane') recuperamos el cortometraje 'Portal: No Escape' del director Dan Trachtenberg donde este muestra ciertas ideas que vuelven a aparecer de una manera u otra en la película, ya que otra vez nos volvemos a encontrar con una mujer que esta encerrada y que intenta hacer cualquier cosa para escapar de su cautiverio. 'Portal: No Escape' es un notable cortometraje que demuestra que el director era la mejor persona para ponerse detrás de las cámaras para rodar una de las cintas mas tensas que se han visto en mucho tiempo y donde este sabe sacar el máximo provecho a un espacio casi único y a tres magníficos actores. 

Crítica: Room - La habitación


Título:Room
Año: 2015
Género: Drama
Duración: 118 min.
Director: Lenny Abrahmson
Guión: Emma Donoghue según su propia novela.
Música: Stephen Rennicks
Interpretes: Brie Larson, Jacob Tremblay, Sean Bridgers, Joan Allen, William H. Macy, Matt Gordon, Cas Anvar, Amanda Brugel, Joe Pingue, Randal Edwards, Wendy Crewson, Tom McCamus
Nota: 8
Sinopsis: Tras el quinto cumpleaños de su hijo, una madre se dará cuenta de que tiene que hacer todo lo posible para escapar del cautiverio al que ambos están sometidos.



Crítica:
Todos los años surge alguna película, a priori pequeña en comparación con las cintas que producen las mayors, que se gana la simpatía del público y el respeto de la crítica, lo que se ve reflejado en unos buenos datos de taquilla y en toda una serie de premios y nominaciones que sirven para aumentar el prestigio de la película (A día de hoy 'Room' se ha alzado con 89 premios entre ellos el de mejor actriz en los Oscars. La tercera ley de Newton aquella que dice eso de: 'Cuando un cuerpo ejerce una fuerza sobre otro, éste ejerce sobre el primero una fuerza igual y de sentido opuesto' también se puede aplicar al mundo del cine. Si una película se gana las simpatías de crítica y público parece que se produce un fenómeno igual y en sentido opuesto, donde sus detractores se lanzan a destriparla de una manera a veces excesivamente visceral y por momentos poco objetiva. El paso de ser algo minoritario a convertirse en un producto de masas suele ser algo traumático). Este año ese honor ha recaído en la última cinta dirigida por el irlandés Lenny Abrahmson: 'Room', cuyas anteriores obras, 'What Richard did', 'Frank' y 'Garaje' a pesar de las buenas críticas recibidas fueron estrenadas en España de una manera un tanto limitada.


Brie Larson protagonista de la notable 'Las vidas de Grace' ('Short Term 12') da vida a una joven que fue secuestrada hace siete años, tiempo durante el cual su captor ha abusado constantemente de ella. Fruto de estas violaciones la chica da a luz a un niño de nombre Jack cuya vida se limita a la habitación donde el viejo Nick (Nombre que dan a su secuestrador) tiene encerrados a ambos. El chico, cuya existencia se limita a su madre, lo que esta le enseña y lo que ve por televisión, es incapaz de distinguir lo que es real de lo que no y su única relación con el mundo exterior es gracias a una claraboya, la única ventana que tiene la habitación en la que se encuentran.


'Room' posee dos partes claramente diferenciadas que el espectador sigue con desigual interés. La primera de ellas narra el cautiverio de la madre y su hijo y su intento por escapar. Abrahmson se muestra, como no podía ser menos, claustrofóbico y monótono. (La monotonía del encierro que sufren los protagonistas es retratada de manera excepcional por el director, plasmándola con gran acierto aún sabiendo el riesgo de su propuesta, ya que la forma elegida por este puede acabar cansando al espectador haciendo que este pueda caer en el tedio o perder el interés acerca de lo que le están contando). El director irlandés no solo intenta transmitir el agobio que sufre la madre al encontrarse en un espacio tan reducido con su hijo, algo que impide un correcto desarrollo de este ya que no sabe que existe un mundo mas allá de esa habitación y por tanto no sabe como relacionarse con el sino también la situación de 'ignorancia' en la que vive el crío. Es en esta primera parte donde apreciamos dos ideas importantes de la historia que Abrahmson tiene entre manos: La primera de ellas hace referencia a la manera en la que este trata el morbo de la película. El director sabe de la dureza de la historia y huye de mostrar lo más escabroso de la misma ya que solo conseguiría que el espectador estableciera una relación distinta con la película. Ni Emma Donoghue en su faceta de guionista ni Lenny Abrahmson como director quieren recrearse en ciertas escenas y con notable inteligencia sitúan al espectador en la posición de Jack para que desde el armario seamos capaces de saber que esta pasando.


El otro punto que se observa es que tanto la guionista como el director saben perfectamente a donde quieren llevar su historia y como hacerlo aunque eso suponga jugar de una manera digamos que poco limpia con esta y con los sentimientos del espectador (Ciertas ideas desarrolladas por ambos, como la que hace referencia al pelo del chico, nos llevan a pensar por momentos que estamos ante una cinta prefabricada, preparada para que el espectador llore). No exigimos que un crío que ha estado toda su vida encerrado en una habitación donde solo se ha relacionado con su madre y donde su único contacto con el exterior ha sido gracias a la televisión o a algunos libros, tenga un desarrollo como el de Víctor, el protagonista de 'El pequeño salvaje' ('L'enfant sauvage') de Francois Trufaut, pero llama poderosamente la atención que un niño que no sabe si los dibujos son reales o no, que no entiende porque hay hojas marrones o que tiene miedo de bajar unas escaleras porque nunca ha visto ninguna, tenga una forma de expresarse tan adulta. (Si existe alguna duda sobre esto, basta pensar, por ejemplo, en la escena final de la película.) No solo esta idea resulta poco limpia, el espectador podrá encontrar varios ejemplos más a lo largo de la película. Uno de los más claros surge cuando Jack sale por primera vez de la habitación y donde este se queda ensimismado mirando el azul del cielo. La escena, no carente de belleza, es del todo ilógica ya que el chico que recordemos que ha vivido toda su vida en una habitación con una pequeña claraboya y luz artificial, tendría que mostrar bastantes problemas para adaptar su vista al sol. Este hecho que podría pasar desapercibido es recalcado por Abrahmson cuando un médico entrega unas gafas de sol a la madre y a su hijo para que no tengan problemas para adaptarse a la luz del sol. Parece que el director es consciente de esa 'licencia' y le da igual, algo que como espectadores no hemos de tolerar, ya que si estamos ante una película que intenta mostrar una situación extrema de una forma realista, esta ha de serlo en todo momento.


La truculencia inherente a la primera parte de la película es dejada de lado por Abrahmson en la segunda parte donde la cinta adquiere un cierto tono de telefilme (Algo que también sucede por ejemplo con la reciente y notable 'El regalo' - 'The gift'- de Joel Edgerton y que a pesar de sus paralelismos con ciertas películas dejó muy buen sabor de boca en el pasado festival de cine fantástico de Sitges convirtiéndose desde el momento de su proyección en una firme candidata a algún premio, algo que se confirmó con el galardón a Edgerton como mejor actor) para centrarse no solo en la manera en la que esta madre y su hijo han de adaptarse a su nueva realidad si no también en  como la familia de esta se reencuentra con la hija que perdieron hace años y han de enfrentarse a heridas que creían cerradas. Abrahmson y Donoghue intentan explorar la forma en la que los personajes principales se enfrentan a esta nueva situación y donde estos nos dejan en el actual novio de la madre de la protagonista a uno de esos secundarios que consigue ganarse la simpatía del espectador.


A pesar de ser Brie Larson la ganadora del Oscar a la mejor actriz protagonista, es el joven Jacob Tremblay el actor sobre el que cae gran parte del peso de la cinta, brillando con luz propia siendo capaz de eclipsar al resto del reparto (Incluso por momentos a la propia Larson). Él es esta película y sin él sería imposible pensar en que esta historia hubiera sido igual. Larson lo sabe y por eso al ganar el Oscar no se olvidó de su compañero de reparto ya que según ella le debe gran parte de su éxito al apoyo que para esta su puso el trabajo de este (Y que todos, detractores y seguidores de esta película hemos de reconocer que es cierto). Llegados a este punto hay que plantearse los motivos por los cuales Tremblay no fue nominado a los Oscars ya que su trabajo es sin duda alguna excelente. Bien acompañados ambos por una Joan Allen que da vida a la madre y abuela de los protagonistas que intenta superar los años de sufrimiento por el secuestro de su hija y los reproches de esta, y por un William H. Macy que a pesar de su breve presencia, esta sirve de contrapunto perfecto a Allen para mostrar dos maneras muy distintas de enfrentarse a una misma situación.


'Room' es una notable película que se apoya en el gran trabajo de sus dos protagonistas. Su ritmo pausado y su, a todas luces, excesiva duración (La cinta se va hasta las casi dos horas de duración) puede jugar en contra de la esta y frenar a cierta parte del público. 'Room' emocionará a mas de uno debido sobre todo a que estamos ante una historia que en muchos momentos nos deja la sensación de que fuerza ciertas ideas para conmover (Algo que a un servidor no le parece justo a pesar de que 'Room' le llegó y no pudo evitar soltar alguna lagrimilla). Con una primera parte que puede aburrir a los espectadores mas sedientos de acción y con una segunda demasiado deudora del estilo propio del telefilme, 'Room' al igual que hace 'The gift' consigue encontrar su sitio y dejarnos una hermosa y conmovedora historia.


Lo mejor: El trabajo de Jacob Tremblay y Brie Larson. Por este orden.
Lo peor: Los trucos que usan Abrahmson y Donoghue para llevar a la historia por donde ellos quieren.

jueves, 17 de marzo de 2016

Crítica: Welp - Cub

Título: Cub - Welp
Año: 2014
Género: Terror - Thriller
Duración: 84 min.
Director: Jonas Govaerts
Guión: Jonas Govaerts y Roel Mondelaers
Música: Steve Moore
Interpretes: Maurice Luitjen, Stef Aers, Evelien Bosmans,  Titus De Voogdt, Gill Eecklaert, Ricko Otto, Jan Hammenecker, Noa Tambwe Kabati, Louis Lemmens, Thomas De Smet
Nota: 5
Sinopsis: Una historia de terror contada por los monitores de un campamento puede ser una buena manera de asustar a los críos, pero si entre ellos hay un chico con  una imaginación hiperactiva y encima la historia se hace realidad convertirá la excursión en una autentica pesadilla.




Crítica:
'Cub', cinta que supuso el debut como director de largometrajes de Jonas Govaerts (Antes de esta película Govaerts rodó varios episodios para series de televisión y cuatro cortometrajes) fue presentada en el festival de cine fantástico de Sitges en el año 2014 con gran éxito en lo que se refiere al recibimiento que tuvo por parte de los diversos jurados que conforman el festival alzándose con el premio a la mejor dirección y el premio a la mejor película de la sección jurado carné joven compartido con 'A girl walks home alone at night' de Ana Lily Amirpour, pero fue recibida con disparidad de opiniones por parte del público (Algo que también ocurrió con la propuesta de Amirpour) y es que la sensación general fue que la historia escrita por Govaerts y Roel Mondelaers, a pesar de apuntar buenas ideas no acaba por cuajar del todo.


Los dos monitores de boy scouts mas lamentables de la historia del cine (Algo que nos lleva a plantearnos la irresponsabilidad de esos padres que dejan al cuidado de esos elementos a sus hijos) deciden que la mejor idea para ambientar una acampada es contarles a los chicos una historia acerca de un monstruo que habita en los bosques. El problema llega cuando un chico con pasado problemático e imaginación hiperactiva cree lo que estos le han contado y comienza a ver a Kai, el monstruo protagonista de la historia, rondando por el campamento.


Es difícil posicionarse ante una cinta como 'Cub' debido a que como se ha indicado hay ideas que los guionistas muestran pero que no acaban de funcionar. Lo primero que puede pensar un espectador que se enfrente a la cinta de Goaverts es que este se va a encontrar con una variante de 'Rare Exports' de Jalmari Helander por la idea de presentar a un niño como el personaje fuerte de la historia y donde este se enfrenta a la terrible amenaza que habita en los bosques o al malvado Santa Claus. Aunque la cinta de Helander tenía un tono demasiado infantil (Lo que fue usado por muchos para criticar el premio a la mejor película que ganó la cinta en el año 2010 en el festival de cine fantástico de Sitges) no dejaba de tener un trasfondo bastante oscuro mostrando un tétrico (y muy entretenido) acercamiento al mito de Papa Noel (Helander tomó como base dos de sus cortos más conocidos para rodar este película. Por desgracia el director finlandés intentó repetir éxito con 'Big game' utilizando la misma formula: Otra vez un niño volvía a ser el personaje fuerte en la historia pero esta vez a Helander le salió el tiro por la culata dejándonos una muy decepcionante y por momentos aburrida película). La siguiente línea contiene un spolier: Ten cuidado. Esa sensación esta presente durante gran parte del metraje de 'Cub' pero no hay que dejarse llevar a engaño ya que 'Cub' es mas oscura que 'Rare Exports' y al igual que hacía Tomas Alfredson en 'Déjame entrar' no dejamos de estar ante el análisis de la personalidad de un futuro asesino (A pesar del tono romántico de la cinta del director sueco centrada en la historia de Eli y Oskar, esta dejaba entrever un terrible y dramático futuro para el chico ya que Hakan no dejaba de ser una triste visión del futuro que le espera a este).


El mismo año que 'Cub' fue presentada en Sitges también lo hizo 'Aux yeux des vivants' ('Among the living'), cinta de terror firmada por los franceses Maury y Bustillo que fue un claro intento por recuperar y homenajear el cine de los ochenta pero no contó con el respaldo del público. La cinta de los directores de la brutal 'A L'Interieur' decepcionó a parte de la audiencia por culpa de cierta domesticación del estilo Maury-Bustillo en su intento de hacer una cinta que llegara a un sector más amplio de público. (No fue mi caso, ya que 'Aux yeux des vivants' me pareció una gran cinta). En ella, Maury y Bustillo narraban la historia de tres amigos que yendo de excursión descubren a un extraño padre y su hijo que viven aislados en los que son los restos del estudio Blackwood donde estos se dedican a abusar de las mujeres a las que secuestran. Es inevitable pensar en la cinta de Maury y Bustillo al ver 'Cub' tanto por la idea de esa pareja (aparentemente) formada por padre e hijo que habitan en los bosques a los que van a acampar los chicos como por la forma de representar a los críos (Si en 'Aux yeux des vivants' este es un joven de una apariencia física bastante extraña, en 'Cub' el crío lleva una máscara hecha con lo que parecen cortezas de un árbol) sin olvidar que en ambos casos estos viven en oscuras catacumbas que se aprovechan de las instalaciones del antiguo estudio o bien de los autobuses de cierta fabrica que conoció tiempos mejores y donde sucede parte del clímax final de la película. Govaerts parece querer dar un cierto empaque a sus personajes usando como excusa el cierre de la fabrica para justificar la despoblación de la zona y que parece dirigir al espectador hacía una explicación de porque ese hombre vive aislado en medio de la nada con su hijo y es un experto en la creación y uso de todo tipo de cachivaches electrónicos.


El siguiente párrafo podría considerarse spoiler, si no quieres leerlo te recomendamos que lo saltes. Govaerts parece querer jugar a ser Fincher y emular a su 'El club de la lucha' ('Fight Club') haciendo que Kai no sea mas que un Tyler Durden adolescente. La idea de que este personaje no es más que un dopplegänger de Sam está más que presente durante gran parte del metraje. Por desgracia esta idea no acaba por funcionar de la manera que sería necesaria debido a ciertos elementos externos que introduce el director en la historia y que solo sirven para, de alguna manera, confundir al espectador. Una verdadera lastima porque esta idea podría haber dado mucho mas juego y hacer de esta una película bastante mas profunda.


Pero no es esta la única idea que parece que Govaerts desperdicia (O mejor dicho, otra idea que no sabe exprimir en su justa medida). El hecho de que el asesino parezca seguidor de McGyver o de 'El equipo A' (The A-team) gracias a todos sus cachivaches o que ciertos personajes no estén bien desarrollados ni explicados en la película hacen que el conjunto resulte un tanto deslavazado (Llama la atención que esos gamberros que impiden a los excursionistas acampar quieran advertirles que no puede adentrarse por esa zona del bosque pero luego no tienen ningún problema en ir andando solos por ese camino. O.. ¿Por qué si parece que la peligrosidad del bosque es conocido por todos, el policía se adentra en el sin ningún problema y con demasiada inocencia?...o ¿que ocurre con el otro gamberro? ¿Se queda esperando en medio de la nada esperando a que vuelva su amigo?)


A pesar de que 'Cub' juega con los elementos del cine slasher para intentar ofrecerlos desde una nueva perspectiva (Motivo por el cual se justificó alguno de los premios que ganó en el festival de cine fantástico de Sitges) esta no acaba de funcionar y aunque estamos ante una película que se ve fácil y se ve bien, queda en el espectador una cierta sensación de encontrarse ante una cinta que podía haber dado para mucho mas. Como curiosidad, resulta sorprendente la brutal capacidad de la camioneta donde viajan los excursionistas, que no solo los lleva a ellos y a todo su equipaje si no casi una ciudad de tiendas de campaña y víveres.. Aunque 'Cub' entretiene, esta es una de esas películas de las que se esperaba mucho, mucho mas...



Lo mejor: El trabajo de Maurice Luijten. La cinta se ve bien y pasa rápido.
Lo peor: Esperábamos mucho mas de ella. A pesar de apuntar buenas ideas, hay algo que falla en el conjunto.