domingo, 24 de julio de 2016

Crítica/Análisis: Stranger Things

Título: Stranger Things
Año: 2016
Género: Ciencia Ficción - Drama 
Duración: 50 min / 8 episodios
Director: The Duffer Brothers y Shawn Levy
Guión: The Duffer Brothers, Jessie Nickson-Lopez, Justin Doble, Paul Ditcher, Jessica Mecklenburg, Alison Tatlock
Música: Kyle Dixon y Michael Stein
Interpretes: Winona Ryder, David Harbour, Finn Wolfhard, Millie Bobby Brown, Gaten Matarazzo, Caleb McLaughlin, Natalia Dyer, Charlie Heaton, Matthew Modine, Joe Keery, Cara Buono
Nota: 8,5
Sinopsis: Tras jugar una partida de rol, el pequeño Will Byers desaparece sin dejar rastro. Su familia, sus amigos y la policía se volcaran en búsqueda pero oscuras fuerzas y extrañas conspiraciones no se lo pondrán nada fácil..



Crítica:
En 1990 y de la mano de David Lynch y Mark Frost llegó a la pequeña pantalla una serie que marcó un antes y un después en la historia de la televisión, esa serie titulada 'Twin Peaks' no solo sigue estando presente hoy en día porque está anunciado su regreso para el próximo año si no también porque su alargada sombra sigue eclipsando a muchas de las series y películas que se ruedan. Puede resultar extraño empezar escribiendo acerca de Lynch, Frost y su 'Twin Peaks' a la hora de hablar de 'Stranger Things' cuando es obvio que hay otras referencias mas claras en la serie creada por los Duffer Brothers (Matt y Ross Duffer) pero es que el revuelo formado alrededor de 'Stranger Things' nos hace pensar que esta no va a ser otra serie mas, otra serie que se verá, se disfrutará y simplemente se recordará con cariño. Igual que ocurrió con 'Twin Peaks' parece que 'Stranger things' se ha convertido desde el momento de su estreno en netflix en el fenómeno del año y está destinada a ocupar un sitio de honor en lo que a series se refiere.
La similitudes entre ambas series no solo se quedan en esta idea ya que tanto 'Twin Peaks' como 'Stranger Things' centran sus historias en un traumático suceso que ha sufrido uno de los miembros de un pequeño pueblo americano (La muerte de la popular Laura Palmer -siempre nos olvidamos de la pobre Ronette Pulaski- o la desaparición de un retraído chaval cuando regresaba a su casa tras jugar una partida de rol con sus amigos) que afectará a toda la comunidad, especialmente y como no podía ser de otra manera a su familia (Centrándose en el sufrimiento de la madre y la extraña reacción del padre) y a sus amigos y conocidos. Incluso ciertos personajes resultan excesivamente iguales. Si en el caso de 'Twin Peaks' nos encontrábamos con Donna y el rebelde pero de buen corazón James Hurley, en 'Stranger Things' estamos ante Nancy Wheeler y el hermano outsider e incomprendido del chico desparecido, Jonathan Byers. Otra vez volvemos a encontrarnos ante la dualidad entre la joven educada y el supuesto gamberro a los que les une conocer a alguno de los desaparecidos y su necesidad de encontrar una respuesta a lo que ha ocurrido.
Aunque me declaro fan absoluto de 'Twin Peaks' hay que reconocer que la serie decayó en el momento en el que se desveló el nombre de la persona que mató a Laura Palmer (Parece ser que hubo demasiadas presiones para resolver el misterio tan pronto). El interés de 'Twin Peaks' se centró demasiado averiguar quién y por qué asesinó a la chica y aunque los guionistas intentaron explorar las oscuras relaciones entre los personajes y la manera en la que los habitantes del pueblo que daba nombre a la serie ocultaban sus secretos, a está le costó alejarse de Laura y hacer que el resto de las historias tuvieran suficiente interés para seguir enganchando al espectador. Esta sensación o mejor dicho, el miedo de que a 'Stranger Things' le pueda ocurrir lo mismo está presente en algunos momentos de la serie. Es claro que los guionistas están intentando crear unos personajes con peso y donde su pasado marque a su presente y a su forma de actuar (Las explicaciones de Nancy sobre la relación de sus padres, la distante presencia de los padres de Jonathan y Will, el traumático pasado de Jim Hopper) La parte fantástica no puede dejar de lado a la carga dramática de la historia ya que si no es así se corre el riesgo de que cuando se resuelvan ciertos misterios, el espectador pierda el interés.
En pleno revival ochentero en el que parece que estamos inmersos, bien sea por nostalgia bien sea por falta de ideas nuevas, 'Stranger Things' hace de ello su mejor arma y la utiliza con enorme inteligencia, algo que en algunos casos los espectadores mas críticos lo podrán llegar a definir como una burda manipulación. La serie creada por los Duffer Brothers juega en la misma liga que el 'Super 8' de J.J. Abrams (Tanto la serie como la película poseen ciertas similitudes tanto en lo que se refiere al núcleo central de su historia como en la composición de algunas de sus escenas. Un accidente, una extraña criatura que se esconde cerca del pueblo donde viven los protagonistas, un policía que no cree aquello que le están contando, una oscura conspiración y un grupo de críos que se enfrentará a todo aquello que se les ponga por delante con tal de entender lo que está ocurriendo. Pero por mucho que 'Stranger Things' pueda mejorar en ciertos momentos a la cinta de Abrams -Ya se han oído voces diciendo que la serie de los Duffer es lo lo que quiso ser 'Super 8' y no pudo llegar a conseguir-, hay momentos en la película de Abrams claramente superiores como por ejemplo la forma elegida por el director de la nueva entrega de Star Wars para mostrar la relación entre los dos jóvenes protagonistas. Hablando en términos sentimentales se podría considerar que la serie se acerca a estos de una manera mucho mas inocente que en la película de Abrams y que por momentos esta está mas cerca de la forma en la que Elliot se acerca a su compañera de clase en 'E.T' que a esa escena de insuperable belleza entre Joe y Alice)...
...y se aproxima al, para muchos, intento fallido que Maury y Bustillo rodaron para recrear ese tipo de cine que tanto nos hizo disfrutar en los años ochenta con su 'Aux yeux des vivants' (La película de los directores franceses aun siendo para la persona que escribe estas líneas una muy apreciable cinta de terror, consiguió dejar a muchos espectadores con una muy extraña sensación ya que esta parecía quedarse en tierra de nadie: Demasiado adulta para un público infantil -A pesar de no ser una cinta gore, esta posee ciertas escenas violentas que no la hacen recomendable para ciertas edades- y demasiado infantil para un público adulto -Muchos espectadores se acercaron a esta película pensando que se iban a encontrar con otra 'Livide' o con otra 'A L'Interieur', pero a pesar de que la cinta posee un malvado que apuntaba muy alto, este acaba por no ser aprovechado del todo lo que implicaba que muchos espectadores se quedaran con la miel en los labios- En el momento de su estreno en algunos festivales, la cinta de los directores franceses fue comparada con clásicos de los años ochenta como 'Cuenta conmigo' -'Stand by me'- por la forma de mostrar la amistad de los tres protagonistas. Además esta poseía algunas escenas que recordaban a cintas de aquella época como era el caso de 'E.T')
Si algo tiene 'Stranger Things' es la gran cantidad de referentes con los que cuenta la serie, lo que hace que esta sea una autentica delicia para todos los amantes del cine de terror y ciencia ficción. Hay que reconocer que 'Stranger Things' juega por momentos en el filo de una navaja ya que su gran cantidad de referencias y guiños puede llevar a mas de uno a pensar que estamos ante el conocido como 'efecto Alex Garland': Coger ideas y escenas de otras películas, mezclarlas con mas o menos gracia y envolverlas con un bonito papel de regalo para en el fondo volver a ofrecer mas de lo mismo. Es clara y meridiana la influencia de las obras de Stephen King. Resulta imposible no acordarse de 'Cuenta conmigo' ('Stand by me'), 'It', 'Carrie' o incluso la nefasta adaptación llevada acabo por Lawrence Kasdan de 'El cazador de sueños' ('Dreamcatcher'. Tanto por la relación de amistad entre los personajes como por el extraño comportamiento de Eleven y Duddits, así como por la forma de Jonesy para escapar de la amenaza que se cierne sobre el y sus amigos) al ver la relación entre los cuatro jóvenes protagonistas (Aunque no es una película basada en una historia de Stephen King, en 'Los Goonies' estos dicen una frase que pasó a la historia del cine: 'Un goonie nunca dice muerto'. Esta frase parece ser sustituida en 'Stranger Things' por 'Un amigo nunca miente'. Solo el tiempo dirá si esta calará tan hondo como la de la cinta dirigida por Richard Donner) y los poderes de Eleven. Pero tampoco podemos dejar de lado otras obras del escritor norteamericano como 'El misterio de Salem's Lot' ('Salem's Lot') por la manera en la que su joven protagonista, Mark Petrie interpretado por Lance Kerwin, se enfrenta a una amenaza mucho mas grande de lo que el jamas podría llegar a imaginar (En este caso el paralelismo se puede establecer entre Petrie y Jonathan Byers). Tal es la influencia de Stephen King en 'Stranger Things' que incluso en una escena de uno de los capítulos un personaje está leyendo uno de sus libros. King ha reconocido en Twitter que la serie tiene lo mejor de sus obras, comentario que ha escrito como un elogio y no como una crítica aunque algunas personas lo han visto como una muestra de celos por parte del escritor.
Pero no solo King está presente en 'Stranger things', otras de las mas claras influencias de esta serie, como no podía ser de otra manera, es Steven Spielber y su 'E.T' (Cualquier espectador reconocerá varias escenas de la película del director norteamericano en 'Stranger Things' como por ejemplo la manera en la que Will se acerca a la casita de madera que hay al lado de su casa), 'Poltergeist' (La cinta producida y escrita por Spielberg fue dirigida por Tobe Hooper aunque las malas lenguas dicen que fue el primero quién realmente la dirigió. En este caso no solo la aproximación a la desaparición del chico podrá hacer que el espectador se acuerde de la película de Hooper -Es probable que Will se encuentre con Carol Anne allá donde esté- si no que además se hace una referencia explicita a la misma) y 'Tiburón' ('Jaws') de la cual el espectador podrá ver un póster en el cuarto de uno de los protagonistas junto con algún que otro detalle que es mejor no desvelar ahora.
El maestro de la nueva carne y de los mad doctors por excelencia también parece estar presente en 'Stranger Things', ya que tanto la imagen del personaje interpretado por Matthew Modine puede hacer que muchos espectadores se acuerden del director canadiense como por la sensación de que la sombra de 'Scanners' sigue siendo demasiado alargada y por momentos puede eclipsar a esta serie. Incluso Dan O'Bannon parece tener un pequeño hueco en 'Stranger Things' ya que no solo hay un personaje que se apellida igual (Recordemos esa maravilla titulada 'El terror llama a su puerta' donde todos los protagonistas se apellidan igual que directores de cintas de terror y donde estos estudiaban en la Corman University) si no que además uno de los guiños mas destacables de la serie hace referencia a una de las películas de las que O'Bannon fue guionista y que a día de hoy sigue siendo un clásico indiscutible de la ciencia ficción.
Tampoco debemos olvidarnos de 'La cosa' ('The Thing') de John Carpenter de la cual no solo veremos constantemente el póster de la película en el sótano donde los protagonistas juegan al rol, si no que además en otro momento otro de los protagonistas está viendo la película. Y lo mismo ocurre con 'Evil dead' de la cual también podemos observar un póster en otro de los cuartos así como otra explicita referencia a lo truculento que resulta el mismo. Es posible que algunos espectadores recuerden la cabaña a la que Ash y sus amigos van a pasar un idílico fin de semana al ver al casa donde vive el joven desaparecido y su familia aunque esta, obviamente, mas grande y mas limpia (Y sin libros encuadernados con carne en su sótano), tanto es así que mas de uno podrá llegar pensar en que la forma en la que cierto vehículo (Que no es de la misma marca que el conduce Ash) se acerca a la casa parece extraída directamente de la película de Sam Raimi.
En el siguiente párrafo se van establecer ciertos paralelismos y comparaciones que afectan a aspectos importantes de la trama, si no deseas leerlo te recomendamos encarecidamente que saltes al siguiente. Hay varias referencias que afectan de forma importante al devenir de la historia de 'Stranger Things'. A alguno de los lectores podrá haberle sorprendido que no se haya nombrado todavía a la saga de 'Star Wars', películas de las que se hacen varias referencias a lo largo de la serie. No solo se nombra a algunos de sus personajes varias veces si no que el comportamiento de uno de ellos es comparado con el de Lando Calrissian al final de 'El imperio contraataca' ('The empire strikes back'). Incluso la anteriormente citada 'El terror llama a su puerta' ('Night of the creeps') aparece levemente en 'Stranger things'. Pero si algo llama la atención en una serie de una atmósfera tan ochentera eso no es otra cosa que la manera en la que esta ha cogido ciertos elementos de 'Silent Hill' (Los motivos para nombrar el videojuego que fue adaptado de forma notable por Christophe Gans con guión de Roger Avary en el 2006 son mas que obvios), 'Fringe' (Cambiemos los experimentos de Walter Bishop y William Bell por el MK-Ultra -Investigación real llevada acabo por la CIA al que se sometieron personas como Theodore Kaczynski conocido como 'Unabomber' o Ken Kesey autor de la novela 'Alguien voló sobre el nido del cuco' - 'One Flew over the cuckcoo's nest', entre otros- Cambiemos también el cortexiphan por el LSD y tendremos que Eleven no deja de ser una pequeña Olivia Dunham capaz de abrir una puerta entre dos universos paralelos. Si en la serie creada por Abrams, Orci y Kurtzman nos encontrábamos con la importancia de los tanques de privación sensorial, 'Stranger Things' no solo no se queda atrás si no que supera esta idea con una de las escenas mas hilarantes e imposibles de toda la serie. Walter Bishop estaría muy orgulloso de estos chavales), e incluso 'Even Horizont' (El paralelismo entre la película de Paul W.S. Anderson y la serie son claros. Si en la cinta protagonizada por Sam Neill un motor ultrasecreto era capaz de abrir un agujero negro gracias al cual se abría una especie de puerta, en 'Stranger Things' nos encontramos con que ese motor no es más que una pequeña niña. Si en 'Even Horizont' ese portal conectaba nuestro mundo con el infierno, en la serie creada por los Duffer Brothers, esta idea parece volver a repetirse..) para fusionarlos de una manera que no solo no chirría si no que además funciona y entretiene.
Es cierto que 'Stranger Things' posee demasiadas escenas prefabricadas para justificar otras (La conversación de los policías al borde del acantilado es una de ellas), es cierto que la trama es previsible, es cierto que es un placer volver a ver a Winona Ryder a pesar de que en algunos momentos pensamos que está sobreactuada y no nos la acabamos de creer (No es el único actor al que le ocurre esto), es cierto que el doblaje al español de los críos vuelve a ser simplemente criminal, es cierto que la evolución del personaje interpretado por Joe Keery no tiene una evolución lógica entre el primer y segundo episodio en particular y en la serie en general y también es que cierto que algunos efectos especiales resultan un tanto chapuceros pero eso también hace que estos tengan el encanto especial de la época que la serie está intentando reflejar. Pero sobre todo es cierto que 'Stranger Things' es una serie con mucho encanto, que cautiva y engancha al espectador. La serie creada por los Duffer Brothers se beneficia de una gran historia y de una soberbia banda sonora repleta de grandes canciones que harán las delicias de mas de uno (Los temas con sintetizadores nos recuerdan el trabajo de Sinoia Caves en la banda sonora de 'Beyond the black Rainbow' otra cinta de estética ochentera, muy influenciada por Cronenberg y con ideas que parece que fueron cogidas por Garland para su 'Ex-machina'). Pero con todo sus pros y sus contras, la serie de los Duffer Brothers es una obra de obligada visión cuyos ocho escasos episodios la hacen todavía más adictiva. Desde 'La soledad del perro guía' os recomendamos que, os guste o no el cine de la década de los ochenta, veáis esta magnifica serie, no os arrepentiréis.


Lo mejor: La mezcla de todos los referentes, guiños y homenajes funciona a la perfección. La banda sonora.
Lo peor: En algunos momentos, ciertas interpretaciones no acaban por resultar creíbles. La historia puede resultar previsible.

'Outro'


'Heroes' - Peter Gabriel


'Elegia' - New Order



'Should i stay or should i go' - The Clash



80's VHS tape trailer



lunes, 18 de julio de 2016

Crítica: Election: La noche de las bestias - The Purge: Election Year

Título: Election: La noche de las bestias - The Purge: Election Year
Año: 2016
Género: Thriller - Acción
Duración: 105 min.
Director: James DeMonaco
Guión: James DeMonaco
Música: Nathan Whitehead
Interpretes: Frank Grillo, Elizabeth Mitchell, Mykelti Williamson, Joseph Julian Soria, Betty Gabriel, Terry Serpico, Edwin Hodge, Kyle Secor, Brittany Mirabile, Kyle Secor
Nota: 6
Sinopsis: Los intereses económicos y la constante eliminación de las minorías étnicas ponen en el punto de mira la tan famosa purga. Charlie Roan, candidata a la presidencia de Estados Unidos, tendrá que luchar por su vida cuando todo el mundo se convierta en un objetivo y ella en una amenaza de todo aquello que defienden los padres fundadores de la patria. Pero tranquilos, Leo Barnes se encarga de protegerla.



Crítica:
'The Purge has fallen: Election Year'. Este debería ser el verdadero título de esta película ya que resume perfectamente la historia que James DeMonaco se ha encargado de escribir y de plasmar en imágenes. Aunque esta es ya la tercera entrega de la saga y por tanto esta película se mantiene, en líneas generales, bastante fiel a sus predecesoras, especialmente a 'Anarchy: La noche de las bestias' ('The purge: Anarchy') tanto por la historia como por su especial estética, aquello que nos cuenta DeMonaco no deja de ser prácticamente lo mismo que lo que contó Babak Najafi en 'London Has Fallen', cambiando por ejemplo a los terroristas islámicos por los padres fundadores de la patria y cambiando también el cargo y el sexo de la persona a proteger. Por desgracia, el carisma y la socarronería del personaje interpretado por Gerard Butler aquí brilla por su ausencia algo que inevitablemente juega en contra del resultado final de la película.
A la saga 'The Purge', especialmente a lo que se refiere a la continuidad entre la primera y la segunda películas, le ocurre algo parecido a 'Monstruoso' ('Cloverfield') de Matt Reeves y 'Calle Cloverfield 10' ('10 Cloverfield lane') de Dan Tratchtenberg. Las historias suceden en un mismo universo, las películas tienen puntos en común (La presencia de extraños seres venidos de lo mas profundo del universo... -Eso parece... Ojo que no den un giro a lo 'The Mist' de Frank Darabont- o la libertad que existe durante toda una noche para cometer todo tipo de crímenes) pero estas transitan por caminos muy diferentes. Si 'Monstruoso' fue una de las últimas muestras de que el found footage podía dar mucho juego dejándonos una cinta realmente entretenida (Para muchos esta es una de las grandes cintas de ciencia ficción de los últimos años), 'Calle Cloverfield 10' hace del miedo, la paranoia y la claustrofobia sus mejores herramientas y la película se convirtió desde el momento de su estreno en una de las grandes cintas del año. Algo que parece casi lo contrario de lo que ocurre con las películas de DeMonaco y no me refiero a la calidad de las mismas. Si 'The purge: La noche de las bestias' jugaba con el miedo y la claustrofobia de la familia encerrada en su casa, las otras dos películas de la saga se centran en la acción pura y dura, situando a sus protagonistas en medio de la ciudad y obligándolos a correr y esconderse si quieren salvar sus vidas.
'The Purge: La noche de las bestias' protagonizada por Ethan Hawke y Lena Headey no dejaba de ser una cinta de acción que se movía dentro de los clichés propios de las home invasión con la particularidad de que DeMonaco utilizaba la excusa de la libertad por parte de los ciudadanos americanos para cometer todo tipo de crímenes durante una noche. La cinta que se convirtió en un éxito de taquilla resultaba moralmente reprobable: Casi sin atisbo de crítica, los ricos se dedicaban a perseguir a los pobres, especialmente a las minorías étnicas, para acabar con ellas. Como no podía ser menos, la familia Sandin que daba cobijo sin saberlo a un hombre, acababa dándose cuenta de la bestialidad de la famosa purga. Aquí viene uno de los problemas que se pueden observar en las cintas de DeMonaco: Muchos de los protagonistas se dan cuenta del error que supone la purga, no porque ellos crean que esta mal si no porque ellos mismos lo han sufrido en sus propias carnes (Los Sandin en la primera película de la saga o Charlie Roan en 'Election: La noche de las bestias'. ¿Pensarían los Sandin lo mismo si no se les hubiera colado ese intruso en su casa? ¿Charlie Roan querría acabar con la purga si no fuera por lo que le pasó siendo joven?) Otros de los problemas de las películas de DeMonaco también se podían observar en esta cinta: Sus películas parecen tomar demasiados referentes de otras películas (Al ver 'The Purge: La noche de las bestias', es imposible que el espectador no piense en 'Funny Games' de Michael Haneke o en 'Los Extraños' de Bryan Bertino) y la lógica y la coherencia de ciertas escenas es sacrificada por el efectismo y por la necesidad de sorprender al espectador (Lo que deriva en que el famoso Deus ex-machina esté presente en mas de una escena porque si no de otra manera es imposible hacer que la historia avance)
Un año después, DeMonaco volvió a ese mismo universo para repetir el éxito de la anterior película y dotar a su cinta de un trasfondo crítico. Parece que a DeMonaco no le debieron gustar mucho algunas críticas recibidas acerca de los temas que trataba su película e hizo que la historia no solo se mostrara crítica con los motivos que justifican la purga (Acabar con las minorías étnicas, enfermos y los pobres para ahorrar gastos o el descontrolado poder económico, ideas que se apuntan en 'Anarchy: La noche de las bestias' y que son analizadas con mas en profundidad en 'Election: La noche de las bestias') si no que hizo que dichas minorías tuvieran mas peso especifico en la película, aunque sorprendentemente estos volvían a tener que ser defendidos por el un blanco (Ejem). El director, como ya ocurrió en su anterior película, volvió a tomar elementos de otras cintas para construir su historia. Es inevitable pensar en que las peripecias de Leo Barnes y sus compañeros no dejaban de ser una especie de versión salvaje de 'Jo, que noche' ('After hours') de Martin Scorsese, pero hay tres películas en las que cualquier espectador aficionado al cine de terror y acción pensará al ver 'Anarchy: La noche de las bestias'. Una de ellas es 'Would you Rather?' de David Guy Levy por la idea de presentar a ese anciano enfermo que acude a una fiesta en la que será sacrificado para que su familiar reciba dinero, otra es 'Raze' de Josh C. Waller por que ambas muestran como ciertas personas son secuestradas y han luchar por sus vidas en un espectáculo solo para ricos, y la tercera (Que es posterior a 'Anarchy: La noche de las bestias' por lo que lo correcto es decir que fue esta la película que se inspiró en la cinta de DeMoncano y no al revés) no es otra que 'Bound To Vengance' de José Manuel Cravioto ya que ambas presentan a dos protagonistas (Leo Barnes interpretado por Frank Grillo y Eve a la que da vida Tina Ivlev en el otro) cuyo mayor deseo no es otro que vengarse de la persona que les arrebató parte de sus vidas.
Ahora y sin las aparentes prisas que hubo por rodar una secuela, llega la tercera parte de la saga que vuelve a contar las aventuras de Leo Barnes, al da vida otra vez Frank Grillo, en los días previos a la purga anual y como no podía ser menos centrándose en la famosa noche de marras. DeMonaco sigue la línea que el mismo trazó en 'Anarchy: La noche de las bestias' con una estética por momentos excesiva y del todo ilógica (En una noche en la que puedes cometer cualquier crimen, ¿Te paseas por la ciudad con un coche iluminado con miles de lucecitas blancas? ¿Acaso no sabes que tú también puedes ser objetivo de otras personas que quieran cometer un asesinato? Estéticamente queda muy bien ver el coche avanzar por la calle, pero ¿Por que no se ponen directamente una diana en el techo del vehículo y acabamos antes? Igual estoy siendo muy crítico y he de agradecer que en la noche de la purga, los asesinos no solo deseen matar inocentes si no que además dediquen parte de su tiempo a poner focos para que veamos todo bien como podemos observar en la escena de la guillotina o la de la joven bailando a lado de un árbol) y poniendo mas importancia en la crítica a la sociedad inhumana en la que viven los protagonizas y que ahora si que podría ser considerada como una metáfora de la sociedad actual. Tal es el giro que imprime DeMonaco a su película que esta vez, el gran héroe blanco es quién tiene que ser ayudado en su huida por personas afroamericanas.
Dejando de lado que como espectadores podamos disfrutar mas o menos de las cintas de DeMonaco, dejando de lado que estemos de acuerdo en como el director y guionista ha ido metiendo poco a poco en sus películas su crítica al sistema y de si lo vemos correcto o no (Aquí se podría abrir un debate. ¿DeMonaco usa todo lo referente al asesinato de minorías étnicas, al negocio que supone la purga y a la situación de poder de ciertas élites porque de verdad quiere que su cinta sea por lo menos algo crítica o simplemente lo que busca es que a esta película no se la considere como una cinta mas que solo busca el exceso por el exceso mismo y hace de la violencia gratuita su mayor punto a favor. Hemos de observar la evolución de las cintas de la saga de 'The Purge' y podemos darnos cuenta por ejemplo de que estas están desarrollándose de la misma manera que las de la saga 'Saw', cada nueva entrega intenta ir un poco más allá, en lo que a términos de violencia se refiere, que la anterior. De hecho 'Election: La noche de las bestias' tiene un punto en común con 'Saw VI' cinta injustamente censurada en España: El seguro retira la cobertura de la tienda de uno de los protagonistas en un caso, en el otro no cubre los gastos sanitarios del padre de otro de ellos. Situaciones como estas hacen que el espectador se posicione sin ningún lugar a dudas de lado de estos personajes), 'Election: La noche de las bestias' tiene un gran problema y ese no es otro que tras su prometedor y brutal inicio, la película no ofrece nada nuevo, y si alguien ha visto antes 'Objetivo: Londres' ('London has fallen') ya ha visto esta película. Puede que incluso muchos espectadores lleguen a pensar en el 'Red State' de Kevin Smith y el larguísimo e insoportable monólogo de Michael Parks... parece que DeMonaco tiene mucho de Alex Garland.
Pero 'Election: La noche de las bestias' no solo tiene puntos en común con la cinta de Babak Najafi (El guardaespaldas del presidente americano o de una candidata a ocupar dicho puesto y su protegido/a han de huir por toda la ciudad para evitar que los maten. Si en un caso todo Londres estaba tomado por terroristas y policías sobornados, en el otro hay cientos de personas deseando matar a quién se le cruce en el camino y si además de eso sumamos a un grupo de neonazis a los que les pagan por dar con el paradero de los protagonistas, el lío está servido. Si en la cinta de Najafi estos hacían un alto en un piso franco de alta seguridad -ejem-, en la otra lo hacen en una tienda de barrio que en lo que a seguridad se refiere es prácticamente similar para luego tener que seguir huyendo por la ciudad) si no con la propia 'Anarchy: La noche de las bestias' ya que la estructura de la historia es prácticamente la misma: Varios personajes sin ninguna relación acaban confluyendo en un mismo sitio, viéndose en la necesidad de ayudarse para poder así sobrevivir. Si en 'Objetivo: Londres' teníamos ese piso franco, en 'Election: La noche de las bestias' esa tienda, en 'Anarchy: La noche de las bestias' tenemos la casa de la amiga de Eva (Carmen Ejogo). Si en 'Election: La noche de las bestias' los protagonistas se topan con ese peligroso neonazi líder de un escuadrón de élite, en 'Anarchy: La noche de las bestias' nos estos hacen lo propio con ese extraño personaje que tiene afición por disparar una metralleta desde un camión. Y si en un caso teníamos a Carmelo, en el otro está Dante Bishop. Parece que DeMonaco ha cogido su propia película, la ha maquillado un poco ha puesto un poquito mas de esto por aquí, un poquito menos de esto por allá.. et voila! tenemos otra vez la misma película con una apariencia distinta.
'Election: La noche de las bestias' cuenta con una soberbia banda sonora. La película empieza a ritmo de T-Rex y termina con el famosísimo 'I'm afraid of Americans' de David Bowie con lo que DeMonaco consigue el espectador empiece con la tensión necesaria y acabe de la misma manera. Es una lastima lo previsible que es la historia que este tiene entre manos. Todo resulta demasiado obvio, tanto que a los diez minutos cualquier espectador no solo sabrá como va a acabar la película si no además que personajes van a vivir o van a morir y como van a hacerlo. DeMonaco ha hecho del cliché su sello personal en esta película. Pero hemos de ser sinceros, 'Election: La noche de las bestias' es una cinta que hace que el espectador pase hora y media entretenido en la butaca del cine a pesar de sus considerables bajones de ritmo y de la poca lógica de ciertas situaciones y reacciones de los protagonistas. Personalmente y a pesar de los muchos fallos de esta película, esta es la cinta que mas me ha gustado de la saga pero me pregunto que va a hacer ahora DeMonaco ya que la formula da la sensación de estar agotadándose y de 'The purge' parece avocada a seguir el mismo camino que 'Saw':El exceso por el exceso mismo.... 



Lo mejor: La notable banda sonora. Brittany Mirabile, espiritu 100% 'The purge'
Lo peor: Lo poco que vemos al personaje de Betty Gabriel recortada en mano. Lo previsible que resulta todo.

I'm afraid of Americans


20th Century Boy


martes, 12 de julio de 2016

Crítica: Ponyo en el acantilado

Título: Ponyo en el acantilado - Gake no ue no Ponyo
Año: 2008
Género: Animación - Fantasía 
Duración: 101 min.
Director: Hiyao Miyazaki
Guión: Hiyao Miyazaki
Música: Joe Hisaishi
Voces Versión Original: Yuria Nada, Hiroki Doi, Akiko Yano, Tomoko Yamaguchi, Kazushige Nagashima, Yuki Amami, Romi Hiiragi, Shin'ichi Hatori, Kazuko Yoshiyuki, Tokie Hidari
Nota: 8
Sinopsis: Tras escaparse Brunilda de su padre y protector, esta será salvada de una muerte segura por Sosuke un niño de cinco años de edad. Entre ambos se establecerá una gran amistad que llevará a Brunilda, bautizada como Ponyo por el chico, a querer convertirse en una niña.




Crítica:
Poco mas se puede decir de Hiyao Miyazaki y el estudio Ghibli que no se haya dicho ya. Poco mas se puede decir de la persona que esta detrás de cintas como 'Mi vecino Totoro' (‘Tonari no Totoro’), 'Porco Rosso' (‘Kurenai no Buta’), 'Nausicaä del valle del tiempo'(‘Kaze no tani no Naushika’) o 'El viaje de Chihiro' (‘Sen to Chihiro no kamikakushi) entre otras y que es considerado por muchos como uno de los mejores directores de cine de animación del mundo. Poco mas se puede decir de quién ha conseguido que un músico de la altura de Joe Hisaishi colabore en la mayoría de sus películas (Son muchas las bandas sonoras compuestas por el músico japonés y no solo para directores y películas de su país. 'Érase una vez...' – ‘Le petit poucet’ del francés Oliver Dahan o 'Sunny et l'éléphant' del compatriota de este último Frédéric Lepage son solo dos ejemplos. Hisaishi también se ha sido fiel a Takeshi Kitano y suyas son algunas de las bandas sonoras de películas del director japonés como 'Dolls', Brother' o 'Sonatine' entre otras. La sombra del compositor es alargada y este ha influenciado a muchos músicos tanto de su país como nacidos más allá de sus fronteras. Él también francés y afincado en San Sebastián Pascal Gaige nos dejó en  la notable 'Azul Oscuro casi negro' de Daniel Sanchéz Arevalo, que desde el punto de vista de la persona que escribe estas líneas es sin duda alguna su mejor película, algunos temas como 'La vida como objetivo' que hacían imposible que el espectador no se acordara de la obra del compositor japonés). A pesar de todos libros, análisis y acercamientos a Miyazaki y su obra, desde 'La soledad del perro guía' queremos escribir unas líneas acerca de 'Ponyo en el acantilado', fascinante y hermosa cinta de animación que ha conseguido llegarnos y emocionarnos.
Tras escaparse de su padre, Brunilda se verá atrapada en un frasco de cristal. Sosuke, un niño de cinco años de edad le salvará de una muerte segura. Entre él y Ponyo que así la bautizará este, se establecerá una gran amistad y ella luchará contra viento y marea (Y nunca mejor dicho) para convertirse en una niña y así poder estar con su amigo. Al escribir esta sinopsis hemos dejado de lado un pequeño pero vital detalle para poder entender la historia de Ponyo y su anhelo por ser una niña normal: Ella es un pequeño pez con poderes que desea conocer el mundo y alejarse de la sombra de ese padre protector que cuida de ellas y de sus hermanas. A cualquier espectador lo primero que le vendrá a la cabeza será sin duda alguna la película 'La sirenita' ('The little Mermaid') de Ron Clements y John Muskers basada en el cuento clásico de Hans Christian Andersen que obviamente edulcoraba la obra de este, por el anhelo de las protagonistas (Ariel en un caso y Ponyo en el otro) por salir del mar y encontrarse con la persona que quieren. Obviamente en la cinta de Clements y Muskers hay un tono excesivamente romántico con el claro mensaje de que el amor todo lo puede mientras que la de Miyazaki es de un marcado toque infantil e inocente que se centra en la amistad de dos niños. Los parecidos entre 'Ponyo en el acantilado' y en este caso la obra original de Hans Christian Andersen (El rodillo Disney hace que muchos piensen antes en las películas de la todopoderosa productora americana antes que en las obras en las que se basan) está también presente en la idea de que ambas protagonistas pueden acabar convirtiéndose en espuma de mar, en el caso de Ponyo si esta no acaba transformándose en una niña tras una muestra de verdadero amor, lo que vuelve a hacer que el espectador se acuerde de otra cinta de la Disney, en este caso de 'Frozen: El Reino de Hielo' ('Frozen') de Chris Buck y Jennifer Lee y que también se basa en una historia de Hans Christian Andersen.
Aunque Miyazaki sigue mostrándose fiel a sus principios e ideas (Volvemos a encontrarnos con la profunda crítica a la polución y a la contaminación de la naturaleza, algo que hemos podido ver en otras de sus obras como en el caso, por ejemplo de 'El viaje de Chihiro') me fue imposible no acordarme de la novela 'Puerto Humano' ('Harbour'. Editada por primera vez en el 2008, el mismo año que se estrenó 'Ponyo en el acantilado') de John Ajvide Lindqvist (Autor de la notable ‘Déjame entrar’) por ciertos paralelismos existentes entre lo que es Ponyo en realidad y el spiritu que Simon encuentra, así como la reacción del mar ante aquello que él considera una perdida. Aunque también es cierto que la relación existente entre Simon y el spiritu y Sosuke y Ponyo tiene claros puntos que las diferencia. Mientras en el primer caso se establece una especie de simbiosis entre ambos donde el segundo aprovecha la magia y los conocimientos que esta parece estar compartiendo con él para entender que oscura amenaza acecha a Domarö, en el segundo Ponyo usa sus poderes para convertirse en niña y ayudar al que es su mejor amigo a llegar hasta su madre (La cinta de Miyazaki, como no podía ser menos, esta llena de fantasía lo que deriva en que ciertas acciones de los protagonistas, sobre todo en el caso de los adultos, carezcan de toda lógica). Resulta sorprendente la manera en la que Lindqvist muestra la forma en la que Simon observa el agua y como esta se comporta y la forma en la que el mar se mueve cuando Ponyo camina sobre él. Ambas ideas parecen tener claras similitudes: El agua es un ser vivo mas.
La perdida de un ser querido y la lucha por encontrarlo vuelve a estar presente tanto en ‘Ponyo en el acantilado’ como en ‘Puerto Humano’. El tremendo esfuerzo por parte de Anders para dar con el paradero de su hija Maja es suavizado por Miyazaki en su película, mostrando la manera en la que Ponyo ayuda a Sosuke para que este encuentre a su madre. Es cierto que tanto en la novela de Lindqvist como en la película de la que estamos hablando los protagonistas han de usar una barca para llevar adelante su búsqueda, como también es cierto que ambos encontrarán un lugar irreal (En un caso con una atmósfera bastante tétrica, en el otro lleno de fantasía y buenas intenciones que conseguirá que al espectador se le escape una sonrisa) donde el espectador encontrará ciertas claves que le ayudaran a entender todo lo que está sucediendo. A pesar de que ‘Puerto humano’ y ‘Ponyo en el acantilado’ comparten también la idea de una terrible tormenta que cae sobre el pueblo donde viven los protagonistas, Lindqvist vuelve a mostrarse oscuro y hasta cierto punto pesimista, mientras que Miyazaki lo hace con una clara intención poética. Si ‘Sunshine’ de Danny Boyle se podía considerar la versión luminosa de ‘Event Horizon’ de Paul W.S.Anderson, ‘Puerto humano’ podría ser la versión tétrica de 'Ponyo en el acantilado'.
'Ponyo en el acantilado' es una preciosa cinta familiar. Es cierto que un niño pequeño puede ir perdiendo el interés conforme avanza la película debido a una parte final en la este puede distraerse por la sensación de que esta está excesivamente alargada (El momento en el que Ponyo da comida a una embarazada es un claro ejemplo de ello) pero personalmente me resulta imposible pensar que alguien no se pueda emocionar con la relación que se establece entre los dos protagonistas y las reacciones de Ponyo. La cinta de Miyazaki posee una gran historia, una animación impresionante y una notable banda sonora. 'Ponyo en el acantilado' es una de esas películas que hay que ver y disfrutar en familia. De obligada visión.


Lo mejor: Esta es una de esas películas que te atrapan desde el principio para no soltarte hasta el final.
Lo peor: La parte final de la película puede llegar a cansar a los espectadores mas pequeños.

jueves, 7 de julio de 2016

Crítica: February - The Blackcoat's Daugther

Título: February - The Blackcoat's daughter
Año: 2015
Género: Thriller - Terror
Duración: 93 min.
Director: Oz Perkins
Guión: Oz Perkins
Música: Zed Starkovich
Interpretes: Kiernan Shipka, Lucy Boynton, Emma Roberts, Lauren Holly, James Remar, Emma Holzer, Peter J. Gray, Matthew Stefiuk, Jodi Larrat, Veronica Cormier, Douglas Kidd
Nota: 6
Sinopsis: Los padres de Rose y Kat no han ido a buscarlas a la residencia de la prestigiosa escuela en la que estudian. A la espera de que estos lleguen, la chicas se verán obligadas a entenderse. Mientras tanto, Joan tras escapar del hospital empezará un largo viaje para encontrarse con su pasado.




Crítica:
Hace ya días que vi 'February' ('The blackcoat's daughter') y la sensación que tengo sigue siendo igual de extraña que cuando acabé de ver esta película, algo parecido a lo que me ocurrió con el 'Vampire' de Shunji Iwai. Ambas cintas tienen muchos elementos a favor, entre ellos y muy especialmente una cuidada estética que nos deja unos planos absolutamente soberbios (La manera elegida tanto por Perkins como por Iwai para dar a conocer a dos de sus personajes principales al inicio de su película - Kat interpretada por Kiernan Shipka en un caso y Simon al que da vida Kevin Zegers en el otro- consigue captar el interés del espectador. Si Perkins muestra a su Kat despertarse, caminar por un helado paraje y encontrarse con el director de la residencia en la que vive de una manera absolutamente perturbadora gracias a la manera en la que las imágenes están editadas y a la inquietante banda sonora, Iwai enseña el encuentro entre Simon y Jellyfish -Keisha Castle Hughes-, entre un hombre que necesita la sangre de otras personas para vivir y una chica que solo desea morir. La forma elegida por ambos directores para comenzar sus películas es sin ningún tipo de dudas absolutamente notable)...
... pero también otros en contra que hacen que el resultado final sea demasiado desigual (El ritmo elegido tanto por Perkins como por Iwai puede resultar demasiado lento para la gran mayoría de espectadores haciendo que muchos puedan acabar desconectando de las propuestas de ambos directores. A pesar de la aparente fuerza de la historia que estos tienen entre manos, ciertas escenas no consiguen mantener la tensión de la película haciendo que estas sufran ciertos altibajos en el ritmo y en el interés de aquello que al espectador le están contando. De la misma manera que la cinta de Iwai tenia ciertas escenas y personajes demasiado forzados para introducirlos en la historia y así relacionarlos con el protagonista, algo que restaba credibilidad al conjunto, Perkins recurre a la misma idea -la conversación entre Bill interpretado por James Remar y Joan, Emma Roberts, en la cafetería no es todo lo natural que sería necesario- reforzándola además con la forma elegida por este para narrar su película, algo que no es del todo justo con el espectador)
La presencia o la ausencia familiar según sea el caso es realmente importante en ambas cintas. Helga (Amanda Plummer) la madre enferma de Simon limita la vida de este y la manera en la que este se relaciona con el resto del mundo (Otra vez volvemos a la belleza recurrente de ciertas escenas de esta película. La idea del protagonista de atarle grandes globos a su madre para que esta no pueda escapar de casa posee una fuerza increíble y nos deja una escena visualmente preciosa) mientras que la no comparecencia de los padres de Rose y Kat el último día antes de las vacaciones marcará el devenir de ambas y la manera en la que las chicas se verán forzadas a entenderse.
Es cierto que bajo el aparente tono misterioso y la atmósfera enfermiza que envuelve a ambas películas, el núcleo central de las historias que manejan los directores y guionistas (Tanto Perkins como Iwai son autores del guión que se encargan de plasmar en imágenes) no deja de tener un cierto tono de telefilme que puede jugar en su contra y frenar a cierto tipo de espectadores (Esta idea se hace mucho mas presente en 'February' que en 'Vampire'. La relación que se establece entre las tres protagonistas y la gente que les rodea, los traumas que arrastran cada una de ellas nos hace imposible no pensar en que la historia bien podría estar al servicio de una película para televisión si no fuera por la forma elegida por Perkins para plasmarla en pantalla, consiguiendo una atmósfera malsana y ciertos momentos realmente perturbadores. La breve actuación de Lauren Holly que no deja de ser un cameo, en la manera y la forma en la que se produce bien podría formar parte del imaginario de David Lynch y a nadie le resultaría extraño. Su reacción y sus palabras bien podrían haber sido dichas por Sarah Palmer, la obsesión y la pena de Bill no tienen nada que envidiar a la que arrastraba el marido de esta, Leland. Incluso el momento en el que Rose se sienta para hacerse una fotografía para el instituto donde estudia parece extraída directamente de la mítica serie dirigida por Lynch, algo que refuerza tanto el uso de la música en la escena como la cámara lenta)
'February' ('The Blackcoat's daughter') parece por momentos esclava de su estética. El espectador podrá tener la sensación de que Perkins ha dado mas importancia a la forma que al fondo de su película, algo que este podrá observar en muchos de los cuidadísimos planos de esta cinta, en la composición de ciertas imágenes y escenas (Aunque eso no impide algún grave desliz, algo que parece ser común a muchas de las cintas que se ruedan últimamente: Algunos de los efectos digitales actuales resultan demasiado forzados y rompen la magia de las escenas y eso es algo que en 'February' resulta claro y meridiano, llegando incluso a poder arrancar una carcajada en el espectador algo que una cinta como esta no solo no necesita si no que la destroza, sumado al hecho de que Perkins parece querer dejar algún homenaje a ‘Donnie Darko’ y por desgracia parece acercarse mas a Totoro) y en la interpretación de todos y cada uno de los actores que forman parte del elenco de esta película (Emma Roberts por ser quién es, es aquella actriz que se llevará mas miradas y cuyo trabajo será, probablemente, analizado con lupa. Pero es Kiernan Shipka el verdadero descubrimiento de esta película. Las miradas de esta, la forma de expresarse, de reírse, etc..etc.. resulta perfecto para el personaje y consigue que su Kat resulte mas interesante y tenga mas matices que Rose (Personaje que apunta maneras pero acaba diluyéndose) y Joan.
Es una lastima la manera en la que Perkins ha dejado de lado el fondo de su película, algo que deriva en que este se vea obligado a forzar ciertos giros de guión que gustarán o no al espectador pero que seguro que no lo dejarán indiferente. Es debido a esto que la película se sigue con interés y es probablemente que un espectador que se pueda sentir engañado quiera demostrar al director que es mas listo de lo que este cree. Debido a su ritmo y a la forma elegida por Perkins para rodar su historia, esta no es una de esas cintas que me atreva a recomendar pero estoy seguro de que todo aquel que disfrute de esta forma para aproximarse a un universo malsano y enfermizo seguirán pensado en esta cinta muchos días después de verla. Osgood Perkins firma esta película como Oz Perkins, su ‘February’ no deja ser una versión tétrica de ‘El mago de Oz’ (‘The Wizard of Oz’), la ausencia de las familias, el hecho de no encontrar su sitio y la necesidad de reencontrarse con su pasado y volver al ‘hogar’...Y es que ya se sabe... en casa como en ningún sitio.


Lo mejor: La cuidada estética junto con el soberbio uso de la música crean una atmósfera enfermiza y malsana.
Lo peor: La sensación de que Perkins está jugando con el espectador, algo que puede molestar a mas de uno.

domingo, 3 de julio de 2016

Crítica: Summer Camp

Título: Summer Camp
Año: 2015
Género: Terror
Duración: 81 min.
Director: Alberto Marini
Guión: Alberto Marini y Danielle Schleif
Música: Arnau Bataller
Interpretes: Diego Boneta, Jocelin Donahue, Maiara Walsh, Andrés Velencoso, Àlex Monner, Xavier Capdet, Rick Zingale,
Nota: 6
Sinopsis: Un grupo de monitores se prepara para la llegada de los chicos que formaran parte de un campamento. Lo que parece que va a ser una noche de diversión y juerga se convertirá en una terrible pesadilla cuando un extraño virus los transforme en violentos seres cuyo único anhelo es matar a sus compañeros.




Crítica:
'Summer Camp' es 'The Hive' cambiando la estética MTV por la de '[Rec]'. Se nota y mucho que el productor ejecutivo de una película es Steve Aoki y de la otra Jaume Balagueró. Son muchos los parecidos existentes entre ambas películas, tal vez demasiados por lo que es difícil que si se ha visto una película el espectador pueda acercarse a la otra con la objetividad y la inocencia necesaria. Tanto 'Summer Camp' como 'The Hive' son dos producciones del 2015 por lo que resulta difícil, si no imposible determinar que cinta pudo influenciar a la otra. Es cierto que hay muchas películas rodadas en un espacio muy pequeño de tiempo que poseen bastantes similitudes. Todos recordamos los casos de 'Volcano' de Mick Jackson y 'Un pueblo llamado Dante's Peak' ('Dante's Peak') de Roger Donaldson ambas del 1997,  de 'Deep Impact' de Mimi Leder y 'Armageddon' de Michael Bay del 1998 o mas recientemente  'Contracted' de Eric England y 'Starry Eyes' de Kevin Kolsch y Dennis Widmeyer aunque entre estas existe un año de diferencia.   Tampoco debemos dejar de lado casos como el del español Juan Torres y sus obras 'El bosque de los suicidas' y 'El velo' que parecen haber sido tomadas como referencia para las nefastas 'El bosque de los suicidios' ('The Forest') de Jason Zada y 'The Veil' de Phil Joanou, o el de Manuel Ortega y la sorpresa que se llevó este al ver los parecidos existentes entre la cinta 'The boy' de William Brent Bell y su cortometraje 'Familia Colateral'. Algunos casos pueden ser meras coincidencias, otros probablemente no. Cada uno que vea y juzgue libremente...
Pero 'Summer Camp' no solo posee similitudes arguméntales con 'The Hive'. Por motivos mas que obvios podemos encontrar parecidos con '[Rec]' (En este caso sobre todo en lo que a la estética se refiere y en la manera elegida por Marini para mostrar los ataques de los infectados) pero también con el 'Cub' (‘Welp’) de Jonas Govaerts (Ambas películas vuelven a coincidir en situar la historia en un campamento de verano, ambas películas vuelven a mostrar a los peores monitores de la historia y ambas películas reinciden en la manera en la que las dos cintas comienzan: Una de las protagonistas corriendo por un bosque. Tras esto, el espectador verá como los monitores se topan con un grupo de gamberros que se encuentran cerca del campamento), el inicio de 'La invasión de los ultracuerpos' ('The body snatchers') de Philip Kaufman gracias a ese polen que se ve de forma insistente en 'Summer Camp' (Algo que transforma todas mis primaveras en una pesadilla y hace que siempre me acuerde de la cinta de Kaufman) o incluso 'La cosa' ('The Thing') de John Carpenter (Los protagonistas de ambas cintas están de alguna manera aislados -Unos en medio de la montaña, otros en una base en la Antártida-, y serán acorralados por una extraña amenaza que los transforma -Un extraño virus o un ente extraterrestre-. La primera toma de contacto que tendrán los protagonistas tanto de 'La cosa' como de 'Summer Camp' con la verdadera naturaleza de aquello a lo que se enfrentan será gracias a unos perros infectados que están encerrados. En ambos casos los perros serán portadores de aquello que va a ir acabando con los protagonistas. Esta idea resulta bastante llamativa ya que ‘[Rec] 4: Apocalipsis’ dirigida por Jaume Balagueró que ejerce en ‘Summer Camp’ de productor ejecutivo no deja de ser una puesta al día de la cinta de Carpenter cambiando la Antártida por un buque en medio del mar. Parece ser que últimamente la ‘La cosa’ ha influenciado y mucho)

Volvamos a los parecidos existentes entre ‘Summer Camp’ y ‘The Hive’. Tanto la cinta de Marini como la de Yarovesky cuentan la historia de una extraña y terrible infección que se transmite por un campamento de verano y donde los protagonistas serán los monitores del mismo (En ambos casos los protagonistas serán dos chicos y dos chicas). Es cierto que la acción de 'Summer Camp' sucede la noche antes de que los chicos que se han apuntado al campamento lleguen al mismo, mientras que en 'The Hive' todo sucede cuando estos ya están instalados en su cabaña, lo que hace que la preocupación que tienen unos por averiguar que está pasando antes de que lleguen los chicos es sustituida por el miedo a saber que les ha pasado a estos, aunque en ambos casos esta idea no deja de ser algo meramente anecdótico.

Ambos directores muestran a unos protagonistas masculinos cuya máxima obsesión es seducir a las monitoras (Si en 'The Hive' vemos varias escenas del protagonista acudiendo con sus citas a la orilla de un lago, en 'Summer Camp', Antonio interpretado por Andrés Velencoso contrata a las chicas mas por su apariencia física que por sus cualidades, algo que deja bastante claras las intenciones de este y de Will, Diego Boneta) pero mientras Yarovesky intenta mostrar ciertas pinceladas de una historia de amor, Marini acaba dejando todo esto de lado para centrarse en la lucha de los protagonistas por sobrevivir. Esta idea también refleja la manera en la que ambos directores se han aproximado a sus películas. Si Yarovesky plantea su cinta como si fuera una especie de 'Memento' para adolescentes donde el protagonista intenta averiguar que ha sucedido dotando a su película de un cierto misterio (Los flashbacks que sirven para explicar como el virus ha llegado hasta el campamento usando extraños experimentos rusos refuerzan esta idea), Marini parece tomar como referencia a la saga de películas de zombis/posesos/infectados por anisakis de Balagueró y Plaza para la construcción de las escenas donde se muestra a los protagonistas intentando luchar contra sus compañeros infectados. Lo que en un caso algunos espectadores podían considerar que era pretenciosidad en ‘The hive’ ha sido sustituido por un intento de crear espectáculo en ‘Summer Camp’. Incluso algunas de las escenas rodadas en el interior de la casa parecen extraídas directamente de '[Rec]' o de 'Swee home' de Rafa Martínez que aunque no tiene a Balagueró como productor si que tiene a la Filmax como distribuidora igual que la cinta de Marini.

Pero lo que mas llama la atención no es que ambas cintas sitúen su acción en un campamento de verano, tampoco lo es el hecho de mostrar a unos monitores cuya única obsesión es dar rienda suelta a sus mas bajos instintos, no, lo mas curioso es la forma en la que 'Summer Camp' y 'The Hive' muestran a esos infectados, ya que esta es absolutamente idéntica. No solo estos expulsan un extraño fluido negro y viscoso por la boca (Que como no puede ser menos infecta a todo aquel que entra en contacto con el) si no que además esta infección parece durar un determinado periodo de tiempo haciendo que todo aquel que ha estado bajo el influjo del virus no recuerde absolutamente nada de lo que ha ocurrido. Yarovesky construye toda su historia alrededor de esta idea, mostrando a una persona que despierta sin acordarse de nada y se ve obligado a juntar las piezas del puzzle para saber como y porque ha llegado a la situación en la que se encuentra, mientras que Marini no deja de usar esta idea como algo meramente secundario relegándolo a la de ser simplemente una forma de intentar establecer un conflicto o de sentar las bases de confianza entre los protagonistas.


Marini falla a la hora de dar explicaciones del motivo de la infección, algo que está a la altura casi de la decepcionante '[Rec] 4: Apocalipsis'. Por desgracia esta 'Summer Camp' aunque entretenida resulta francamente predecible siendo su escasa duración su mayor punto a favor. Dejando de lado los parecidos más que razonables entre esta película y las obras citadas anteriormente, la mayor decepción de esta 'Summer Camp' no es otra que la presencia de Jocelin Donahue. La actriz cuyo trabajo en la notable 'House of the Devil' de Ti West nos sorprendió notablemente interpreta aquí a una joven que ha sido contratada para trabajar en el campamento simplemente porque es guapa. Donahue dejó en la cinta de West patentes muestras de que es una actriz  capaz de sacar adelante cualquier papel por lo que esta tiene que exigir mas a los papeles que elija y por muchos gritos que pueda pegar en esta película debe buscar trabajos con mas matices y que sean menos planos que este. (Aunque visto lo que hizo en 'Insidious: Capítulo 2' igual lo que tiene que hacer es cambiar de agente). Si no has visto 'The Hive', 'Summer Camp' te resultará una entretenida cinta que ha sido excesivamente elogiada, si ya has visto la cinta de Yarovesky y te gustó, los parecidos existentes entre ambas películas harán difícil que disfrutes de la cinta de Marini.




Lo mejor: Maiara Walsh capaz de eclipsar a sus compañeros de reparto.
Lo peor: La gran cantidad de parecidos con otras películas pueden frenar al espectador.