sábado, 22 de abril de 2017

Crítica: El otro lado de la esperanza - Toivon tuolla puolen

Título: El otro lado de la esperanza - Toivon tuolla puolen
Año: 2017
Género: Drama
Duración: 100 min. 
Director: Aki Kaurismäki
Guión: Aki Kaurismäki
Sonido Tero Malmberg
Interpretes: Sherwan Haji, Sakari Kousmanen, Simon Al-Bazoon, Ilkka Koivula, Tommi Korpela, Janne Hyytiäinen, Nuppu Koivu, Hannu Kivioja, Puntti Valtonen, Varpu, Kati Outinen
Nota: 8,5
Sinopsis: Khaled llega a Finlandia huyendo de la guerra de Siria. Wikström cansado de su trabajo y de su matrimonio necesita dar un giro radical a su vida. El camino de dos personas tan diferentes acabará encontrándose en las puertas de un bar.



Crítica:
'El otro lado de la esperanza' ('Toivon tuolla puolen') es el 'Soul Kitchen' de Aki Kaurismäki, su 'Rock and Cigarretes Kitchen'. De esta manera y a pesar de las claras diferencias existentes entre la película de Fatih Akin y la del finlandés, se puede definir a la cinta que le valió el oso de oro al mejor director en el último festival de cine de Berlín.
Khaled llega a Finlandia huyendo de la guerra que está asolando su país. Un día, tras acabar su jornada laboral este se da cuenta de que algo ha pasado: Su casa ha desaparecido. Toda su familia a excepción de su hermana ha muerto en un bombardeo. No le importa si ha sido el gobierno, los rebeldes, los rusos, Al-qaeda o el Isis, Khaled ha perdido todo, su mundo ha sido devastado y su familia violentamente asesinada. La huida a un lugar mejor es su única esperanza. Eso y su hermana son las dos únicas cosas que le quedan.
Wikström está cansado de su vida. Su matrimonio ha fracasado y su negocio como vendedor de camisas no le satisface. (Resulta imposible no pensar en Jonathan y Sam, los dos vendedores mas tristes de artículos de broma que Roy Andersson mostró en su notable 'Una paloma se posó en una rama para reflexionar sobre la existencia' -'En duva satt pa en gren och funderade pa tillvaron'- al ver a Wikström. La cinta de sueco resulta mas árida y excesiva que la del finlandés, el surrealismo de la película de Andersson puede jugar por momentos en su contra, pero ambas cintas llegadas del norte de Europa poseen ciertos elementos en común como puede ser el sutil sentido del humor, la manera que tienen los actores de interpretar a sus personajes o el ritmo con el que los directores plasman sus historias en la pantalla grande. Pero mientras la película de Andersson no deja de ser una serie de relatos que intentan reflejar a la sociedad con mayor o menor acierto, la de Kaurismäki es en su conjunto una historia por lo que resulta mas compacta y coherente. Con todo, el título 'Una paloma se posó en una rama para reflexionar sobre la existencia' bien podría aplicarse a la película de Kaurismäki, ya que en el fondo lo que hace el director finlandés es analizar y reflexionar con la precisión propia de un cirujano la existencia y la forma en la que las personas reaccionan en ciertas y extremas circunstancias.) Tras ganar en una timba de póquer gran cantidad de dinero, este verá el momento de cumplir uno de sus sueños: Abrir un restaurante. (Reflexión: La cinta de Roy Andersson se alzó con el galardón a la mejor comedia en los premios del cine europeo. A pesar del humor que destilan muchas de las escenas y situaciones que el director sueco plasma en su película, esta posee una gran carga dramática y crítica. Era necesario premiar una obra como la de Andersson pero que esta ganara el premio a la mejor comedia resulta un chiste muy macabro)
Khaled y Wikström son dos personas que en sus respectivas huidas acabarán encontrándose. Uno huye de la guerra, de un país que ha sido arrasado por las bombas y que llega a Finlandia por error (Khaled deja claro que su intención no era llegar a dicho país pero la situación y las circunstancias lo llevaron a él). El otro de una vida que no le satisface y de un matrimonio que ha fracasado. Khaled y Wikström se aferran a la esperanza de que sus sueños se hagan realidad. En el caso del primero encontrar a su hermana y vivir tranquilo alejado de la guerra, en el del segundo triunfar con su restaurante. En medio de un mundo que se desmorona, de una sociedad donde los movimientos de extrema derecha están resurgiendo con fuerza, personas aparentemente antagónicas se encontrarán y se ayudaran. Todos somos iguales. Todos somos humanos. La cinta de Kaurismäki, a pesar de su gran componente dramático, es un canto a la solidaridad, a valores que hoy en día parece que están en peligro de extinción.
En el año 2009, el director turco-alemán Fatih Akin se alejó de la gran carga dramática de sus dos últimas películas de ficción ('Al otro lado' -'Auf der anderen seite' y 'Contra la pared' -'Gegen die Wand'-) para rodar una excelente comedia protagonizada por un Adam Bousdokus, guionista también de la cinta, que daba vida a Zinos Kazantsakis el dueño de un pequeño restaurante llamado 'Soul Kitchen' que intentaba sacar adelante. La película de Akin además de tener una notable banda sonora con temas de Kool & the gang, Quincy Jones,Curtis Mayfield entro otros, resultaba una obra cargada de optimismo haciendo de esta una de esas cintas que tendría que ser recetada contra el desanimo y la depresión por prescripción facultativa. Hay ciertos detalles que resultan comunes tanto a la cinta de Akin como a la de Kaurismäki: El empeño por sacar adelante un pequeño restaurante, el intento por reconvertir el lugar en algo nuevo e innovador (Si Shayn Weiss, el peculiar cocinero interpretado por Birol Ünel intenta convertir el 'Soul Kitchen' en un restaurante de diseño llegando a llamar a sus clientes 'racistas culinarios' tras ver fracasar su idea, Wikström intenta hacer de 'La jarra dorada' no solo un sitio para beber cerveza, servir albóndigas o comer pescado enlatado -Claro, tienen cocina de inducción- sino un lugar especializado en sushi donde el ingrediente principal es el wasabi capaz de acabar con el sabor salado de los arenques), la presencia de una mas que odiosa inspectora de sanidad, toda una serie de variopintos personajes que tienen como punto de encuentro ese bar o que directamente trabajan en él (Aunque en la cinta de Kaurismäki no hay una figura tan excesiva como la de Weiss, los tres empleados de 'La jarra dorada' son como poco peculiares) Pero sobre todo, si algo tienen en común 'Soul Kitchen' y 'El otro lado de la esperanza' es la importancia de la inmigración, de la multiculturalidad.
A ningún espectador que haya visto y disfrutado de la película de Akin se le tiene que pasar por alto un pequeño detalle: Todos aquellos personajes que son buenos son de origen extranjero, bien sean griegos, italianos, turcos, etc, etc..., incluso el hermano del protagonista al que da vida Moritz Bleibtreu, presidiario, jugador y timador, posee un gran corazón y será capaz de hacer cualquier cosa con tal de ayudar a su hermano y conquistar a Lucia (Anna Bederke), Son los personajes alemanes (Udo Kier, Wotan Wilke Möhring, etc, etc...) aquellos a los que Akin reserva los peores papeles de la película, convirtiéndolos en los verdaderos malvados de la historia. No hay pues en 'Soul Kitchen' la figura de un inmigrante que llega a Alemania buscando refugio pero si toda una serie de personajes que hacen de este país su hogar donde intentan prosperar y luchar por sus sueños. Kaurismäki se aleja de esta forma de tratar a los extranjeros y los nativos, para el director finlandés la bondad es inherente de la nacionalidad y ninguno de sus personajes necesita evolucionar para acabar conociendo que es la bondad, lo que si ocurre por ejemplo con la inspectora de sanidad en 'Soul Kitchen'.
Kaurismäki mezcla con notable maestría el humor y el drama y 'El otro lado de la esperanza' ('Toivon tuolla puolen') es sobre todo una cinta tremendamente crítica con la situación de los refugiados en Europa, tanto que incluso el director finlandés pone en su punto de mira a estos centrándose en la necesidad de mantener el nombre, las raíces, de no dar la espalda a quienes son por muy mal que esté la situación en su país. 'Los finlandeses fueron una vez refugiados, no se olvidarán de eso'. Mientras Alepo está siendo devastada por los constantes bombardeos, las instituciones finlandesas no creen que la situación en dicha ciudad  sea tan peligrosa como para ayudar a las personas que huyen de la guerra. Kaurismäki no solo muestra el odio y el rechazo a los inmigrantes mediante el uso de bandas de extrema derecha si no también por la manera en la que se rechaza aquello que esta ocurriendo en Siria. Por suerte, la esperanza y la solidaridad todavía se puede encontrar en muchas personas y ese es el mensaje más importante que la última cinta de Kaurismäki nos transmite y que con tanto acierto publicita a esta película.
'El otro lado de la esperanza' ('Toivon tuolla puolen') contiene todos los elementos propios del cine de Kaurismäki: Desde esa peculiar estética que tanto nos seduce como el por muchos momentos sutil sentido del humor mezclado con el drama pasando por las interpretaciones de los protagonistas, sus miradas y la manera en la que estos se mueven o dicen gran parte de los diálogos (Sirva de ejemplo la manera en la que Kati Outinen, habitual del cine del director finlandés cuenta que su sueño es irse a Mejico a bailar y disfrutar ya que su país es tranquilo, demasiado tranquilo) llegando a  esos perdedores que abundan en su película con los que el espectador acaba empatizando y que tanto ha influido a otros directores y películas algunas de ellas realmente alejadas de lo que en un principio podríamos llegar a pensar como es el caso de 'Un hada llamada Liza' ('Liza, a rókatündér') de Károly Ujj Mészáros, extraña pero fascinante película que mezcla el espíritu de 'Amelie' ('Le fabuleux destin d'Amélie Poulain') de Jean-Pierre Jeunet con elementos propios del cine de Kaurismäki. La cinta de Mészáros ha arrasado por todos aquellos festivales en donde se ha proyectado en especial en la edición del Nocturna Festival del año 2015.
Tabaco y alcohol ('Aquí la gente bebe cuanto está triste, pero mas cuando está contenta). Rock, Tradición y modernidad (Maquinas de escribir versus ordenadores portátiles). Finlandia ('Amo a este país, pero ayúdame a escapar de aquí'). Odio y esperanza. La necesidad de huir pero sin olvidar quienes somos, cuales son nuestras raíces. Nuestro nombre y nuestras acciones nos definen. En épocas sombrías donde lo mas lo mas importante parece que somos nosotros mismos, la gente la gente es capaz de sacar lo mejor de si mismos. La inmigración y la forma de sentirse parte de la sociedad e intentar conseguir ser aceptados (Impagable el consejo que Mazdak le da a Khaled -Lo siento, no pude dejar de pensar en Martin Compston en algunas de las escenas donde aparece el actor- acerca de como comportarse: No sonrías pero tampoco parezcas demasiado triste). Todo esto y mas se puede encontrar en una de las mejores cintas que podemos ver en actualmente en los cines. Karusmäki vuelve al cine de ficción por la puerta grande seis años después de 'El Havre' ('Le Havre'). De visión obligada.



Lo mejor: La manera en la que Kaurismäki nos va atrapando poco a poco.
Lo peor: A cierto tipo de público le puede costar entrar en la película.

domingo, 16 de abril de 2017

Crítica: Your Name - Kimi no na wa

Título: Your Name - Kimi no na wa
Año: 2016
Género: Drama - Fantasía - Romance - Animación
Duración: 106 min. 
Director: Makoto Shinkai
Guión: Makoto Shinkai
Música: Radwimps
Interpretes: Ryunosuke Kamiki, Mone Kamishiraishi, Masami Nagasawa, Etsuko Ichihara, Ryo Narita, Yuri Aoi, Nobunaa Shimazaki, Kaito Ishikawa, Kano Tani
Nota: 9
Sinopsis: Tras 1200 años el cometa Tiamat se vuelve a acercar a la Tierra. Será en ese momento cuando las vidas de Mitsuha y Taki cambien por completo.







Crítica:
'Nos vemos en Montauk'. 'No importa donde estés, iré a buscarte y te encontraré'.
Sobre el encuentro con una chica cien por cien perfecta una soleada mañana del mes de abril. El título de esta historia corta del escritor japonés Haruki Murakami bien podría ser el de la última película de Makoto Shinkai. 'Me encuentro apretada contra una persona muy importante para mí, encajados a la perfección, sin ningún espacio entre nosotros. Estamos unidos de una forma que resulta difícil de comprender’. ‘Querer a alguien y ser correspondido. ¡Qué cosa tan maravillosa! Es un milagro. Un milagro de dimensiones cósmicas’.
'Solitarios dentro de las ciudades, la inclinación a encerrarse en sí mismos es tal que ya no pueden vivir sin el suplemento que les proporciona la ficción. Esos escenarios que los jóvenes japoneses actuales llevan en sus corazones son lo que Makoto Shinkai quiere reproducir. Es lo que siento cuando veo sus obras'. Estas palabras del director Shunji Iwai son extrapolables a muchas de las obras tanto de Murakami como a la historia 'Tokio' de David Mitchell que forma parte de su libro 'Escritos fantasmas' y por supuesto a ‘Your name’. La soledad, los encuentros fortuitos y la forma en la que tanto el director como los escritores plasman en sus obras el deseo y el amor hace imposible no pensar en ellos al ver 'Your Name', ya que esta por encima de sus claros componentes propios de la ciencia ficción, es una extraordinaria historia de amor que luchando contra los tópicos que parecen formar parte de los pilares básicos de la misma, consigue alzar el vuelo consiguiendo que el espectador se estremezca y emocione en la butaca del cine.
Tras 1200 años, el cometa Tiamat se aproximará a la Tierra. Durante ese periodo, Mitsuha, una estudiante de secundaria de un pequeño pueblo Itomori, y Taki que estudia en un instituto de Tokio, intercambiaran sus cuerpos. Los extraños sucesos que ocurren de dos a tres veces por semana, sin ningún tipo de control y cuando estos duermen, no solo pondrán sus vidas patas arriba si no que además creará entre ellos un vinculo especial que los conectará de una forma que nunca ninguno de los dos llegó jamás a pensar.
Shinkai muestra una extraordinaria sensibilidad a la hora de plasmar en imágenes la historia, equilibrando el humor (La manera en la que Taki descubre que se encuentra dentro del cuerpo de una chica y las constantes apariciones de la hermana pequeña de Mitsuha o la referencia a los dos únicos bares que hay en Itomora hacen imposible que al espectador no se le escape una sonrisa), la fantasía y la carga romántica de la película hacen de esta una de esas obras que no solo se disfrutan de principio a final sino que además va ganando enteros conforme avanza el metraje, dejándonos una parte final que explota como si de fuegos artificiales se tratase deslumbrando al espectador. 
En el año 2004, Michel Gondry llevó a la pantalla grande un guión de Charlie Kaufman en la que es sin duda alguna su mejor película pero de nefasto título en español, el 'The eternal sunshine of the spotless mind' cambió a un horrible 'Olvidate de mi'. Joel Barish despierta una mañana con la necesidad de viajar a Montauk. En el día de San Valentin, fecha inventada para vender tarjetas, este coge el primer tren hacía dicho destino. La cotidianidad de Barish se rompe de una manera tremendamente impulsiva. Su novia, Clementine Kruczynski ha borrado todo los recuerdos de su relación con este. Barish que se someterá al mismo proceso que Clementine intentará por todos lo medios guardar uno, aunque solo sea un recuerdo de ella.  Puede que al lector le sorprenda el hecho de nombrar la cinta de Gondry al hablar de ‘Your Name’ ya que Mitsuha no se somete a ningún proceso para olvidar a Taki pero Itomori no deja de ser el Montauk del segundo, la frase ‘Nos vemos en Monatuk’ posee la misma fuerza que el ‘¿Quién eres?’ y sobre todo y muy especialmente los protagonistas luchan contra el olvido, contra la forma en que se están borrando sus recuerdos del otro. 'Alguien importante para mí. Alguien a quién no debo olvidar. ¡Alguien a quién no quería olvidar!' La manera en la que Barrish y Taki se aferran a un recuerdo, a una sensación que no pueden justificar de ninguna manera lógica y coherente hace que ambas películas posean mas puntos en común de los que en un principio pueda parecer. Hasta los trenes y las estaciones forman parte fundamental de las historias de ambas cintas.
‘En Tokio viven y trabajan veinte millones de personas. Es tan grande que nadie sabe a ciencia cierta dónde acaba. (…) La ciudad nunca cesa de reescribirse a si misma.’ De esta manera David Mitchell describe a la ciudad de Tokio en la historia corta del mismo nombre que forma parte del recopilatorio ‘Escritos Fantasmas’. La misma fascinación que desprenden las palabras del autor inglés es extensible a la manera en la que Mitsuha percibe dicha ciudad. El deseo de esta por reencarnarse en un guapo chico de Tokio, su hastío relacionado con el pueblo en el que vive y la manera elegida por Shinkai para presentar y desarrollar a sus dos protagonistas sirve también para mostrar la dualidad entre las tradiciones y lo moderno en el Japón actual. El enfrentamiento entre la abuela de Mishua y el padre de esta por culpa de la dedicación a la política de este y la forma en la que da la espalda al santuario que ella cuida es un claro ejemplo de esto. A un nivel más superficial, la manera en la que Mishua disfruta de una cafetería de Tokio es otro de los ejemplos que pueden ilustrar esta idea.
Mitchell parece tomar parte de la esencia con la que Murakami envuelve a sus historias para desarrollar algunos de los capítulos de ‘Escritos fantasmas’. Resulta imposible no pensar que ‘Okinawa’ no deja de ser una extensión de ‘Underground’ (Novela que se puede considerar como la menos ‘Murakami’ de todas sus obras ya que esta recoge una serie de entrevistas que sirven para narrar el ataque con gas sarin en el metro de Tokio en 1995, algo parecido a lo que hizo Svetlana Alexievich en su tremendamente desgarrador ‘Voces de Chernobil’), de igual manera ‘Tokio’ podría formar parte de cualquier recopilatorio de historias cortas del autor japonés y a nadie le resultaría extraño. ‘Desde que la vi, pensaba en la chica a diario. Veinte, treinta, cuarenta veces al día. Me sorprendía pensando en ella y luego no queriendo parar como esas mañanas de invierno en que no se quiere salir de la ducha caliente’. Satoru (El jazz también está presente en la historia de Mitchell) se queda prendado gracias a un encuentro fortuito con una joven que entra en la tienda de discos donde este trabaja. El azar forma parte fundamental tanto de las historias de Mitchell y Murakami como de la de Shinaki y servirá para que la chispa de amor prenda en los protagonistas.
Otro rasgo en común entre los dos escritores y el director (También podemos referirnos a Shinaki como escritor ya que este escribió la novela de la película mientras esta se estaba todavía rodando. Según el propio director/escritor para él es difícil precisar cual fue antes, si la novela o la película debido a que ambas se complementan aunque es cierto que Shinaki se refiere a su libro como la novelización de la película) son unos personajes fuertes, capaces de seducir solo con su presencia. Puede que en el caso del escritor japonés el ejemplo mas claro sea el de May Kasahara que aparece en ‘La crónica del pájaro que da cuerda al mundo’, pero tanto Mishua  como Tomoyo (Esta última como no puede ser de otra manera con una presencia mas limitada) consiguen no solo seducir a los personajes masculinos sino también traspasar las páginas del libro o de la película y conseguir que el lector o el espectador se sientan como Toru Okada, Taki o Satoru.
‘Me irrité conmigo mismo. No existían muchas posibilidades de volver a verla’. Los encuentros fortuitos y las sensaciones por encima de los recuerdos están presentes en ‘Tokio’, ‘Sobre el encuentro con una chica cien por cien perfecta una soleada mañana del mes de abril’ o ‘Your name’. ‘Nadie puede decir que su chica perfecta al cien por cien corresponda a un tipo preconcebido. Es curioso, no recuerdo la forma de su nariz. En realidad no recuerdo si tenía o no’. Los recuerdos que vienen y van en la memoria de Taki van dando forma a la historia, (‘Todas esas cosas debían ocultar cálidos secretos, como el mecanismo de los relojes antiguos cuando el mundo aún vivía en paz’) a los encuentros y desencuentros. ‘De algo si que estoy segura. Si nos encontráramos nos daríamos cuenta’. La fuerza de muchos de los pasajes de Murakami, Mitchell y Shinkai radica en la enorme capacidad de expresar sentimientos comunes sin caer en lo ridículo o edulcorado, gracias a lo cual los lectores y espectadores son capaces de empatizar con los protagonistas.
‘Your Name’ posee un claro componente fantástico. Muchos espectadores podrán encontrar en esta parte de la película alguno de sus momentos más flojos. Puede que el recuerdo de cintas como ‘La casa del lago’ (‘The lake house’) de Alejandro Agreste y protagonizada por Keanu Reeves y Sandra Bullock pueda jugar en contra de la cinta de Shinkai pero este consigue que el espectador se olvide de este peligroso referente y que su película encuentre su propio camino. ‘Your Name’ posee un elaborado guión que juega con elementos que parecen directamente extraídos de cintas como ‘Las posibles vidas de Mr. Nobody’ ('Mr. Nobody') de Jaco Van Dormael pero sin llegar a la excesiva complejidad de esta. A pesar de que las cintas de Shinkai y Dormael poseen un gran componente romántico, las pretensiones de ambos directores hacen que sus películas aún teniendo nexos en común acaben alejándose.
La banda Radwimps ha compuesto la notable banda sonora de la película que funciona perfectamente acompañando todos y cada uno de los fotogramas de la película (Tanto el director como el productor Genki Kawamure reconocen que la música de Radwimps complemente perfectamente también a la novela) La belleza de la animación rodada por Shinkai y su equipo junto con la música de Radwimps posee gran fuerza lo que consigue que muchos momentos se queden grabados en la memoria del espectador. La extrema sensibilidad que muestra el director y guionista para retratar a sus personajes y las situaciones en las que estos se ven envueltos hacen de esta una de esas cintas deliciosas que se disfrutan y mucho.
‘Your name’ es una sobresaliente cinta de animación que a pesar de su poco original premisa inicial consigue reinventarse a si misma dejándonos algunos de los momentos mas bellos vistos en el cine reciente. A pesar de que la novela de Shinkai resulta prácticamente calcada a la película, su lectura puede hacer que el espectador reconvertido a lector preste atención a algunos detalles que en un primer visionado es posible que se le pasen por alto. Tal y como reconoce el propio Shinkai, si que hay un punto importante que diferencia la narración de la novela y de la película. Mientras que en la primera solo hay dos puntos de vista, los de Mitsuha y Taki, recalcando que estos solo saben lo que ellos están viviendo y sintiendo, en la película hay múltiples puntos de vista, tanto los de otros personajes como el de la propia ‘cámara’. 
‘¿Por qué no probamos si de verdad somos cien por cien perfectos el uno para el otro? Estoy seguro de que volveremos a encontrarnos y, cuando eso sucede, nos casaremos’. 'No importa donde estés, iré a buscarte y te encontraré'.


‘Una historia triste. ¿No le parece?


‘Jamas he vuelto a sentirme tan cerca del paraíso’


‘¿Cómo te llamas?




Lo mejor: El epilogo final de la película. Simplemente soberbio.
Lo peor: El principio de la historia puede llevar a mas de uno a pensar que está otra vez ante la misma película que ha visto antes una y mil veces.



domingo, 2 de abril de 2017

Sobre 'Nocturama' de Bertrand Bonello. Crítica y análisis

Título: Nocturama
Año: 2016
Género: Drama - Thriller
Duración: 130 min. 
Director: Bertrand Bonello
Guión: Bertrand Bonello
Música: Bertrand Bonello
Interpretes: Finnegan Oldfield, Vicent Rottiers, Hamza Meziani, Manal Issa, Martin Petit-Guyot, Jamil McCraven, Laure Valentinelli, Ilias Le Doré, Rabah Nait Oufella, Robin Goldbronn
Nota: 8
Sinopsis: Tras hacer explotar varias bombas por todo París, un grupo de jóvenes hastiados de la saciedad se esconderán en un centro comercial hasta que las cosas se calmen.




Crítica:
'También puedes agregar una teoría arriesgada. Algo políticamente incorrecto o inaceptable. Algo que no guste. Quieren que avives el debate'.
'Esto no es entretenimiento, tampoco es una declaración política ni es noticia'. Esta frase forma parte de la soberbia 'The secret society of fine arts' de Anders Ronnow Klarlund, película donde un grupo de artistas underground intentan salvar a una sociedad que se según ellos se ha adormecido por culpa de diversos espectáculos, reality shows y por el materialismo, mediante el uso de la violencia, mediante diversos actos terroristas que intentan mostrar y liberar la belleza. Ronnow Klarlund tomó como base para construir su película, la polémica frase dicha por el compositor alemán Karlheinz Stockhausen donde este describía a los atentados del once de septiembre como la mayor obra de arte jamás creada y que como no podía ser de otra manera, causó enorme conmoción y polémica.
Creo que es necesario hablar de la cinta de Ronnow Klarlund al hacerlo de 'Nocturama' de Bertrand Bonello, ya que en ambos casos un grupo de jóvenes encuentran en la violencia su arma para despertar conciencias, para avisar a la sociedad del proceso de alineación y adormecimiento al que se está viendo sometida y sobre el que nadie está haciendo nada para evitarlo. Tanto 'The secret society of fine arts' como 'Nocturama' son dos cintas polémicas, dos películas que colocan al espectador en una posición incomoda y sobre las que hay que hablar y profundizar olvidándose de análisis vacíos y superficiales ya que esto alejaría a los espectadores de aquello de lo que realmente quieren hablar los directores y guionistas. Por desgracia, la forma elegida tanto por Klarlund como por Bonello para abordar el hastío de la juventud y la necesidad de esta para hacer, forzar, obligar a que las cosas cambien y a que la sociedad tome conciencia de la situación en la que se encuentra es extrema y radical haciendo que muchos espectadores se puedan cerrar en banda ante ambas propuestas.
Hay dos ideas mas que hay que tener en cuenta a la hora de hablar de 'The secret society of fine arts' y 'Nocturama'. La primera de ellas no es otra que el hecho de que la cinta de Ronnow Klarlund se aleja de la carga política para centrarse en el arte y la supuesta belleza de los actos que llevan a cabo los protagonistas  (La película que se inspira en la forma en la que Chris Marker rodó 'La Jetée' -En algunos países, la película fue editada en dvd junto con el cortometraje de Marker-, tomando como base para la narración una serie de fotografías que en este caso fueron tratadas digitalmente para crear en el espectador una falsa sensación de movimiento y profundidad) mientras que en la película de Bonello existe, además del hastío, de la rabia y de la impotencia de una juventud sin futuro, un componente claramente político y crítico, algo que el espectador podrá apreciar no solo en el hecho de que dos de los protagonistas estudien ciencias políticas, en ciertas frases y diálogos que estos mantienen a lo largo de la película (Todo funciona con la precisión del mecanismo de un reloj y cada palabra encierra un trasfondo mucho mas profundo de lo que en un principio podemos llegar a pensar)  y sobre todo en el lugar donde estos colocan todas y cada una de las bombas lleno de simbolismo.
La otra idea hace referencia a las consecuencias de los actos que los protagonistas llevan a cabo en ambas películas. Si los de 'The secret society of fine arts' no quieren que sus acciones causen víctimas, en los de 'Nocturama' este hecho no parece estar del todo claro. Si bien alguno de ellos muestra sus miedos acerca de cuantas víctimas han podido causar, mientras que otro le responde que la idea era que no hubiera ninguna, el resto de sus compañeros no parecen tener demasiado aprecio por la vida de las personas. No debemos dejar de lado que este hecho no es más que otra forma elegida por Bonello para mostrar el amplio espectro de personas y sensibilidades que forman parte de ese grupo terrorista. Jóvenes de todas las clases sociales, con diferentes niveles culturales, de todas las razas, personas que aparentemente no tienen nada en común encuentran en su hastío, en su falta de esperanza y futuro, un motivo que los une y los acerca. Los protagonistas de ‘Nocturama’ descubren un nexo en común mucho más fuerte que todo aquello que aparentemente les puede separar, que les puede distanciar. La descomposición a la que se está viendo la sociedad actual consigue que estos se junten. El mal que ellos perciben es común a todos.
'También puedes agregar una teoría arriesgada. Algo políticamente incorrecto o inaceptable. Algo que no guste. Quieren que avives el debate'. Esta frase con la que he empezado esta crítica y que es dicha por uno de los personajes de 'Nocturama', sienta las bases de aquello sobre lo que Bertrand Bonello habla en su película. 'Tras la decadencia, el renacimiento. ¿Y al morir el renacimiento, qué sucede?' Los pocos flasbacks que forman parte de la cinta no profundizan en las motivaciones de los jóvenes para cometer los atentados pero la fuerza de alguno de sus diálogos deja entrever la complejidad de la película, la metáfora que ha intentado crear Bonello acerca de esos jóvenes hastiados y sin futuro, o mejor dicho, con un futuro del que reniegan ('Ambos acabaremos como nuestros padres'). Si Gaspar Noé puso en boca de Murphy en 'Love' frases que parecen explicar su propia filosofía acerca de la vida y del cine, Bonello usa la voz de dos de sus protagonistas para de alguna manera exponer aquello de lo que trata su cinta.
En 1978, George A. Romero rodó 'Dawn of the dead', cinta que conoció en el 2004 un remake dirigido por Zack Snyder pero sin la carga crítica de esta (La escena de los protagonistas viendo las noticias en 'Nocturama' nos remite directamente a la cinta de Snyder). Y es que si algo tienen las películas de muertos vivientes de Romero es el componente crítico de las mismas: El miedo al comunismo, a la guerra fría, el fanatismo religioso, el poder de los medios de comunicación y la sobresaturación de noticias, los gobiernos autoritarios, etc, etc.. Tanto los protagonizas de ‘Dawn of the dead’ como los de la de ‘Nocturama’ encuentran refugio en el mismo sitio: Un centro comercial. El lugar por excelencia del consumismo, del hedonismo, de todo aquello que como sociedad nos aliena. Esta idea llama especialmente la atención en la cinta de Bonello (También en la de Romero, por supuesto pero sobre esta ya se han escrito ríos de tinta) ya que ese grupo de terroristas, ese grupo de jóvenes que anhela que la sociedad despierte de su letargo, se esconde en el lugar que representa todo aquello contra lo que se supone que están luchando.  El encierro voluntario de los jóvenes en dicho lugar deja escenas tremendamente críticas como esa en la que uno de los protagonistas se encuentra con un maniquí vestido con su misma ropa y refuerza la idea de estar ante una película donde lo que importa no es tanto la coherencia y la lógica de los actos de lo chicos (Tras los atentados todos se reúnen en un centro comercial del centro de París. Su único plan es esconderse y esperar. Algo tan poco elaborado que parece improvisado), si no el hecho de que nos planteemos ciertas preguntas, algunas incomodas, sobre aquello que estamos viendo, 'También puedes agregar una teoría arriesgada. Algo políticamente incorrecto o inaceptable. Algo que no guste. Quiero que avives el debate' podría decir Bonello sin ningún tipo de problema.
‘Nocturama’ posee dos partes claramente diferenciadas. Una, la inicial, absolutamente soberbia donde Bonello muestra a ese grupo de jóvenes se van encontrando y moviendo por la ciudad. La escasa información que el director y guionista muestra de estos y el notable pulso para rodar escenas (Todas y cada una de las escenas situadas en el metro y los andenes del mismo poseen una fuerza increíble) consiguen captar irremediablemente la atención del espectador. Los elementos propios del thriller que Bonello maneja son usados por este con notable maestría y si no fuera porque los protagonistas son adolescentes, las imágenes que el director muestra bien podrían ser usadas en cualquier tipo de película que trate el tema del terrorismo. El inicio de ‘Nocturama’ es a todos los niveles absolutamente modélico, digno de ser estudiado y analizado. La otra, la parte que plantea el nudo y el desenlace de la película está centrada en todo el encierro de los protagonistas en el centro comercial y las diversas maneras que tienen estos de enfrentarse tanto a sus actos como a sus consecuencias y al entorno que los rodea. La gran carga crítica de la idea que maneja Bonello continúa presente durante gran parte del metraje y solo la manera en la que el director y guionista muestra las reacciones de los personajes ante hechos que suceden al mismo tiempo deja en el espectador un regusto amargo. La sombra de Paul Thomas Anderson y su soberbia ‘Magnolia’ es capaz de eclipsar a cualquier película. La cinta de Thomas Anderson es sin duda alguna uno de los mejores ejemplos acerca de como el montaje ayuda a crear ritmo en una película.
En 1970, Michelangelo Antonioni dirigió la polémica ‘Zabriskie Point’ cinta que tras un rotundo fracaso de crítica y público acabó convirtiéndose en una obra de culto. Una película que mostraba el descanto de una generación y que acababa con toda una declaración de intenciones donde su protagonista Daria (Daria Harlprin) mira una serie de explosiones que destrozan la casa de su jefe Lee Allen (Rod Taylor). Esa misma rabia, ese mismo desencanto, esa desesperación y esa necesidad de cambiar el orden establecido que muestran los personajes de la cinta de Antonioni puede ser extrapolable a los de la película de Bonello. 'Sin duda. Tenía que pasar. Y pasó'.
'Nocturama' es una película arriesgada,  provocadora y valiente como pocas que muestra a un grupo de jóvenes que cansados de la realidad que les rodea y del futuro que les espera. La idea de rebelarse contra lo establecido la hemos podido ver recientemente en 'Crudo' ('Raw'), otra de esas películas que no dejan indiferente a nadie. La cinta de Bonello no es la 'Victoria' de Sebastian Schipper, no está rodada en un único plano como esta, pero también cuenta el viaje sin retorno durante una noche de un grupo de jóvenes. Espero y deseo que el espectador vea 'Nocturama' pensando sobre aquello que el director ha querido contar, que no se quede en la superficie y profundice. La película de Bonello exige ese trabajo para poder valorarla en su justa medida. Muy recomendable.



Lo mejor: El enigmático inicio de la película. El trabajo de los actores.
Lo peor: Cierta inocencia en la forma de actuar de los personajes resta un poco de fuerza a la metáfora.